tag:blogger.com,1999:blog-4494433203252794112024-03-06T14:00:20.297-06:00HASTA QUE EL CUERPO AGUANTEHasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.comBlogger498125tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-81187821754868300892019-11-04T15:15:00.001-06:002019-11-04T15:15:56.867-06:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 08 DE NOVIEMBRE DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 08 DE NOVIEMBRE DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Fallece la cantante Aurora Huerta, integrante del dueto ranchero Las Hermanas Huerta</span></div>
<span style="color: red;">* Hace 125 años nació el compositor neolonés Belisario de Jesús García</span><br />
<span style="color: red;">* Además, retomaremos algunas grabaciones atrasadas de la muerte jocosa</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de las Hermanas Montoya y en La cadena del recuerdo, semblanza de Miguel Aceves Mejía, fallecido hace 13 años y nacido hace 104 años</span><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQLrY4gk5O1wGu0j_96YkodP7DITKY68jU_swH3WIlB_UsH2Uo_j0p-Xhjo1mFVqB3d6qzO8nRJCPMhyLCeMu9tdfSdOMhhcWJTFF9ICaXIgJuLXLUkTk_Uz4T7LZrIQm5oxL3Krh83F4/s1600/hermanas+huerta-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1135" data-original-width="580" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQLrY4gk5O1wGu0j_96YkodP7DITKY68jU_swH3WIlB_UsH2Uo_j0p-Xhjo1mFVqB3d6qzO8nRJCPMhyLCeMu9tdfSdOMhhcWJTFF9ICaXIgJuLXLUkTk_Uz4T7LZrIQm5oxL3Krh83F4/s320/hermanas+huerta-sello.jpg" width="163" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">El pasado 2 de noviembre de 2019, en nuestra página oficial de Hasta que el cuerpo aguante nos llegó un mensaje del señor Miguel Ochoa en el que nos confirmaba la noticia de la cual más temprano nos enteramos: el fallecimiento de la señora </span><span style="color: red;">Aurora Huerta Meoqui</span><span style="color: #274e13;">, integrante de las Hermanas Huerta. Miguel Ochoa nos comentó: “La señora Aurora murió ayer, mi esposa la cuidaba”. Aurora Huerta fue integrante del popular dueto Las Hermanas Huerta, junto con María. Nacieron en el puerto de Tampico, Tamaulipas. Hijas de doña Manuela Meoqui Ruiz de la Peña y don Jacinto Huerta Cerda, iniciaron su camino musical desde muy niñas en su casa, y sin que nadie les enseñara hacían primera y segunda voz. En entrevista con Radio Bilingüe de Estados Unidos, Aurora comentó alguna ocasión que ellas quedaron huérfanas de madre por lo que su papá las cuidaba y siendo muy chicas muy chicas un buen día escucharon en la emisora XEFW de Tampico que se haría un concurso de aficionados y a pesar de que apenas tenían 14 años, lograron ganarlo y obtuvieron un contrato en la emisora patrocinado por la Lotería Nacional. Para que su papá no se diera cuenta de que ellas estaban en la radio, les cambiaron el nombre y les pusieron Luz y Lucero. Posteriormente ya instaladas en la ciudad de México eran parte del elenco Noches tapatías de la XEQ y la XEW-TV. Asimismo, de acuerdo con el compositor Manuel S. Acuña, Las Hermanas Huerta comenzaron su carrera discográfica con Felipe Valdez Leal para el sello Columbia. En 1962 la tienda “Mercado de discos” les dio un premio por la gran cantidad de discos vendidos. Descanse en paz la señora Aurora Huerta...Este viernes presentaremos varias canciones en las voces de este dueto.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7UllN4Og1w3KOntvC1jZhatBC26zDF3xKL9OK7f8dh2_37ANhSRlIqh6_oFI3nNjzUsLpGAsOuteW26tWa9CFhA2qOGxTuwk69ruN6zhrXwRDGwLWqToXabMxy9KdBfG-eBk86FRyuag/s1600/Belisario+de+jesus+garc%25C3%25ADa-OK.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1072" data-original-width="607" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7UllN4Og1w3KOntvC1jZhatBC26zDF3xKL9OK7f8dh2_37ANhSRlIqh6_oFI3nNjzUsLpGAsOuteW26tWa9CFhA2qOGxTuwk69ruN6zhrXwRDGwLWqToXabMxy9KdBfG-eBk86FRyuag/s320/Belisario+de+jesus+garc%25C3%25ADa-OK.jpg" width="181" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2.</span><span style="color: #274e13;"> </span><span style="color: #274e13;">Hace 125 años nació el compositor neolonés </span><span style="color: red;">Belisario de Jesús García</span><span style="color: #274e13;">. En la sección </span><i><span style="color: red;">Rinconcito arrabalero</span></i><span style="color: #274e13;"> escucharemos el famoso “Tango negro”, del compositor mexicano Belisario de Jesús García, nacido en Montemorelos, Nuevo León, el 13 de noviembre de 1894. En una nota del diario El Universal, Fernando Díez de Urdanivia, comenta que en la carrera de las armas alcanzó grado de coronel. Había iniciado como soldado raso en las filas constitucionalistas del general Pablo González en 1913, año del Plan de Guadalupe. Los pocos que hoy saben de él, suelen ligarlo a dos de sus obras musicales cumbres: “Tango negro” y el vals “Morir por tu amor”. Para la mayoría no existe más creador de valses que Juventino Rosas, ni más apóstol del tango que Carlos Gardel. Una de sus inmortales, “Cuatro milpas”, con letra del epigramista y escritor teatral José F. Elizondo, sigue siendo popular al margen de su nombre. Por eso cualquier coyuntura es buena para recuperar al perdido Belisario. Afecto al género, García hizo muchas canciones, entre las que se puede recordar “Ya va cayendo la tarde”, “P'a qué me dice cosas”, “Flor que llora” y “La mañana está de fiesta”, sobre un poema juvenil de Jaime Torres Bodet que también fue usado por Pelagio Cruz Manjarrez en su canción “Porque me has besado tú”. Belisario de Jesús García cultivó también el fox trot, del que dio buenas muestras con “Labios pintados” y “Zuleika”, que llamó "Oriental", muy a la usanza de la época. Baste recordar, por ejemplo, al chihuahuense José Perches Enríquez con su eternísimo “Secreto eterno”, danza que lleva el mismo subtítulo. (Fuente El Universal, del 15 de enero de 2002). Por su parte Gabriel Pareyón afirma, con base en datos de Ángel María Garibay, que Belisario de Jesús García compuso a los catorce años el vals “Armandina”, que luego de su estreno, en su Montemorelos natal, tuvo un gran éxito. Fue soldado del ejército carrancista desde 1913 y músico de bandas militares. En 1924 se retiró a la vida civil, dedicado a componer música salonesca. Escribió numerosas marchas, pero sus canciones le allegaron mayor fama.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLSUX1rB6zACVXgaTHyAwcs5JN-xiphyphenhyphenRdBMMTOBzu5bcQDfag7LjCWjDlDXF5I9fgeaDHJtr5NxNbxEdJ4GIXTuiDegLWfMDf-sZCumWLdepjwCqcFI3Evh-NeLkW5ybWqZxptwDhF28/s1600/tony_camargo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="437" data-original-width="860" height="162" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLSUX1rB6zACVXgaTHyAwcs5JN-xiphyphenhyphenRdBMMTOBzu5bcQDfag7LjCWjDlDXF5I9fgeaDHJtr5NxNbxEdJ4GIXTuiDegLWfMDf-sZCumWLdepjwCqcFI3Evh-NeLkW5ybWqZxptwDhF28/s320/tony_camargo.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes retomaremos algunas canciones que hablan de la muerte en tono jocoso y que no pudimos presentar hace una semana, entre ellas oiremos canciones como </span><span style="color: red;">“La llorona loca”</span><span style="color: #274e13;">, del colombiano, José Barros, que cantará </span><span style="color: red;">Tony Camargo,</span><span style="color: #274e13;"> cantante tapatío radicado en Yucatán. Avecindado en la ciudad de Mérida, Yucatán, desde finales de los años ochenta, acompañado de su esposa Lupita, ya fallecida, el cantante Tony Camargo nació el 1 de junio de 1926 en la ciudad de Guadalajara, Camargo es una leyenda de la música tropical. Sus comienzos fueron en 1942 y es recordado por su interpretación de la canción “El año viejo", compuesta por el colombiano Crescencio Salcedo, la cual escuchó en Caracas, Venezuela, y decidió incluirla en su primero disco de larga duración que data de 1953. Camargo ha sido comparado con Beny Moré, sin embargo, el mexicano ha sido relegado a la indiferencia. Camargo nació en el seno de una familia de artistas dedicados a la farándula de las carpas. Sus padres, Manuel Camargo y Guadalupe Carrasco fueron cantantes sumidos en el ajetreo de aquellos foros itinerantes en interminables giras por el centro del País y el Bajío. Actualmente, Tony Camargo, como se le conoce en la farándula, es uno de los contados sobrevivientes de la época musical que aún mueve a Latinoamérica con las con las diversas melodías que interpreta. A pesar que por sus venas corre sangre ranchera destacó en el género tropical, caribeño y el bolero, y ahora, se torna jaranero. La carrera musical de Tony Camargo inició en 1942.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEWj8bfnbrvtDAD2Xsgo2dl8GyOA2zBs9u_ngeGdli46pn1XxYS-LiTqnZjmuHyOzOBEkrYuQ5jjkgoQlyWVlTiop69WTYzFhxMvLC83RzJyFyDWNYV3BMcnhrvK0m4ZkfJZ5nfuOosBU/s1600/miguel-aceves-mejia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="930" data-original-width="754" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEWj8bfnbrvtDAD2Xsgo2dl8GyOA2zBs9u_ngeGdli46pn1XxYS-LiTqnZjmuHyOzOBEkrYuQ5jjkgoQlyWVlTiop69WTYzFhxMvLC83RzJyFyDWNYV3BMcnhrvK0m4ZkfJZ5nfuOosBU/s320/miguel-aceves-mejia.jpg" width="259" /></a></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>La cadena del recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;">, escucharemos una cápsula dedicada al cantante </span><span style="color: red;">Miguel Aceves Mejía</span><span style="color: #274e13;">, quien falleció hace 13 años, el 6 de noviembre de 2006, a la edad de 90 años. Miguel Aceves Mejía nació el 13 de noviembre de 1915, hace 104 años. Escribe Bertha Zacatecas en su libro “Vidas en el aire” que Miguel Aceves Mejía comenzó a trabajar como cantante en la estación de radio XEFI, la primera emisora de Chihuahua. Hizo dueto con Jesús Quezada, que tocaba la guitarra. Ahí lo escuchó cantar don Pedro Meneses de la emisora XEJ de Ciudad Juárez, Chihuahua y lo invitó a cantar en esa ciudad, ahí mismo un hermano del radiodifusor don Clemente Serna lo invitó a cantar a Monterrey. “Algún día “, pensó el cantante, la ciudad estaba lejos, pero por esas fechas llegó a Chihuahua la compañía de Roberto Soto y el cantante principal cayo enfermó por lo que contrataron a Miguel Aceves, que a su vez invitó al joven cantante Emilio Ayande, que posteriormente formaría parte de Los Porteños. La siguiente escala fue Monterrey y allí Aceves Mejía decidió dejar la compañía por lo que buscó a don Clemente Serna que le daría oportunidad de trabajar en la gran emisora XET. El sueldo era tres pesos diarios. Don Clemente le sugiere formar un trío, conformándose Los Porteños. A partir de ahí comenzaría la verdadera carrera de éxito de Miguel Aceves. Luego de esa etapa, viajó a la Ciudad de México. En la XEW se formaba todas las mañanas desde las 7 AM para esperar una oportunidad hasta que Fernando Fernández lo mete a un programa al enfermarse uno de los cantantes. Después del programa impresiona a los directores de la XEW, por lo que lo inician en el programa “Rumbas y Boleros” como cantante de boleros.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxbR_T474bYqiGfbWo-5ka1ri2FcMr57RAxtZjd-Q8KQkIRtTeT_DDHjDEd9usDXV4ULkW7qEDvEJsqz-kLrf5rhe-ms0xOtC-QYFX1BupkGXLhOGB9Yvv6aKVA0tXzWQc3kVJxURAtLw/s1600/montoyahermanas-e1518914244439.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1001" data-original-width="668" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxbR_T474bYqiGfbWo-5ka1ri2FcMr57RAxtZjd-Q8KQkIRtTeT_DDHjDEd9usDXV4ULkW7qEDvEJsqz-kLrf5rhe-ms0xOtC-QYFX1BupkGXLhOGB9Yvv6aKVA0tXzWQc3kVJxURAtLw/s320/montoyahermanas-e1518914244439.png" width="213" /></a></div>
<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador Alberto Ramírez Martínez nos hablará sobre las </span><span style="color: red;">Hermanas Montoya</span><span style="color: #274e13;">. </span><span lang="ES" style="text-indent: -21.25pt;"><span style="color: #274e13;">La Hermanas Montoya fue un
cuarteto musical formado por Mercedes, Ofelia, Emilia y Esther. Se dieron a
conocer a finales de los años cuarenta interpretando ritmos como el mambo, son
latino y canciones rancheras. Sus padres fueron inmigrantes mexicanos que se
mudaron a Los Estados Unidos en el año 1928: Mercedes nació en México y las
hermanas restantes nacieron en San Diego, California. Mercedes nació el 24 de
septiembre de 1926, Ofelia el 20 de noviembre de 1927, Emilia el 2 de mayo de
1929 y Esther el 8 de septiembre de 1930. Las muchachas formaron su propio
grupo local de canto y con el advenimiento de la radio comenzaron a trabajar en
programas en vivo, participando en muchas nuevas estaciones de radio locales.
En una de estas actuaciones en vivo, un ejecutivo de Bacardí Radio Hour, un
popular programa de radio en la ciudad de México, escuchó sus voces y de
inmediato les pidió que actuaran en su estación de radio. Las cuatro hermanas
llegaron a la ciudad de México en el año 1948 y actuaron como cuarteto y
disfrutaron de un trabajo constante en un programa de radio en vivo en la
estación XEW. Trabajaron también en el prestigiado centro nocturno "El
Patio", que en ese momento era el club número uno de la ciudad de México.
En 1950 Mercedes regresó a Los Estados Unidos para casarse. En ese mismo año el
Rey de Mambo, Dámaso Pérez Prado se acercó a Las Hermanas Montoya para
invitarlas a realizar una gira mundial. En el año 1957 Emilia dejó el grupo
para casarse y Esther y Ofelia continuaron el grupo ahora como dueto hasta el
año 1969. Mercedes falleció el 6 de julio del 2014, Ofelia el 11 de octubre de
1993 y Emilia el 21 de agosto del 2008. Este estupendo grupo que inició como
cuarteto, siguió como trío y finalizó como dueto, estuvo vigente desde 1948
hasta 1969.</span></span><br />
<div class="MsoListParagraph" style="margin-bottom: 8.0pt; margin-left: -14.2pt; margin-right: -28.45pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -21.25pt;">
<span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 08 de NOVIEMBRE de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-18871543713737152552019-11-04T15:07:00.000-06:002019-11-04T15:07:29.438-06:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 01 DE NOVIEMBRE DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 01 DE NOVIEMBRE DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Escucharemos un programa con canciones del Día de Muertos</span></div>
<span style="color: red;">* Además, oiremos algunas grabaciones de los diferentes “Tangos de la muerte”</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, cápsula dedicada al Día de Muertos y en La cadena del recuerdo, semblanza de Miguel Aceves Mejía, fallecido hace 13 años</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTqPsgERb4GSfw-xSsmwIzssFNF4HeAOEm0u9wVoaVFHDJKxe6RPXA9dWDYiCX5oOV8tAmIkCgIVzGwfnDWgwgpKUsjtXQmWaj4M2XvhbP5zrGVcgUX-yScLZKKQ30qYiyp_x-zK2jIEA/s1600/Dia_muertos_01.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="533" data-original-width="800" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTqPsgERb4GSfw-xSsmwIzssFNF4HeAOEm0u9wVoaVFHDJKxe6RPXA9dWDYiCX5oOV8tAmIkCgIVzGwfnDWgwgpKUsjtXQmWaj4M2XvhbP5zrGVcgUX-yScLZKKQ30qYiyp_x-zK2jIEA/s320/Dia_muertos_01.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos un programa especial con canciones alusiva s al a muerte, pero con un toque jocoso, en la mayoría de ellas. Según escribe Stefany Cisneros, la celebración del </span><span style="color: red;">Día de Muertos</span><span style="color: #274e13;"> es originaria de la época prehispánica. En ese periodo, muchas etnias mesoamericanas rendían culto a la muerte. Entre ellas estaba la mexica cuyos dioses encargados de definir el destino de las ánimas eran Mictecacíhuatl y Mictlantecuhtli. Ambos eran señores del Mictlán o “lugar de los muertos”. Sin embargo, para llegar aquí, las almas debían lidiar y sortear una serie de obstáculos para poder conseguir el descanso eterno. Las ofrendas de día de muertos son altares de origen prehispánico. Estos eran dedicados a distintas deidades y se colocaban en fechas diferentes. Sin embargo, la del señor de los muertos, Mictlantecuhtli, se celebraba en el mes que ahora conocemos como noviembre. Esta coincidencia fue aprovechada por los evangelizadores durante La Colonia para hacer un sincretismo entre el cristianismo y las creencias religiosas autóctonas. Originalmente, los altares se ponían un par de días antes del 1 y 2 de noviembre, es decir, el 30 o 31 de octubre y permanecían hasta el 3. Los elementos de las ofrendas son fotografías de los difuntos, incienso o copal, veladoras, las bebidas favoritas de los difuntos y agua, flor de cempasúchil, que se utilizan principalmente para decorar o crear caminos que guíen los espíritus de nuestros muertos, calaveritas (en la antigüedad se utilizaban cráneos de verdad. Después fueron sustituidas con calaveras hechas con azúcar, chocolate o amaranto. Cada cráneo representa a un difunto), pan de muerto, entre otros.Las calaveritas literarias son escritos en verso o como diría el caricaturista “Rius”, un epitafio-epigrama lacónico. Comenzaron a escribirse durante el siglo XIX y se volvieron muy populares en el XX. Estás son hechas con el fin de hablar sobre la muerte con un buen sentido del humor. Usualmente, las dedicamos a personas allegadas, aunque también se utilizan con temáticas sociales e históricas. (Fuente: https://www.mexicodesconocido.com.mx).</span></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqzzNGXYNjnGYs6U9m_yc-7Z-sp0osqZdwV91VtERO4iix0kZMBv8z9vSZh6yFCTr_IODCO-TdXzbb5YhWwZlxb4tDKyANXqI-QJ9n2dl5EO7ZC-1ajHqjD-wtCU7f149xPFe0sbxFhcA/s1600/Calavera+Jos%25C3%25A9+Guadalupe+Posada.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="688" data-original-width="599" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqzzNGXYNjnGYs6U9m_yc-7Z-sp0osqZdwV91VtERO4iix0kZMBv8z9vSZh6yFCTr_IODCO-TdXzbb5YhWwZlxb4tDKyANXqI-QJ9n2dl5EO7ZC-1ajHqjD-wtCU7f149xPFe0sbxFhcA/s320/Calavera+Jos%25C3%25A9+Guadalupe+Posada.jpg" width="278" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes,</i></span><span style="color: #274e13;"> Alberto Ramírez Martínez nos presentará una emisión dedicada a la celebración del </span><span style="color: red;">Día de muertos</span><span style="color: #274e13;">, con una conversación que realizó hace más de un año con el fallecido Dr. Pablo Dueñas (QEPD), quien nos habló sobre celebración tradicional mexicana de origen prehispánico. Es un hecho de la muerte nadie escapamos, sin embargo, pese al dolor que su presencia pueda provocar, de nuestros pueblos indígenas hemos aprendido a percibirla como una etapa en la que debemos regocijarnos, pues como diría el escritor Mario Benedetti, la muerte es solo un síntoma de que hubo vida. Las ofrendas de día de muertos son altares de origen prehispánico, el mexicano con su sentido del humor que le caracteriza mediante las famosas calaveritas se mofa de la muerte aplicándolas a personas vivas. Debido a su belleza folclórica y a la festiva conceptualización de la muerte, el Día de muertos ha trascendido fronteras, de modo que ya no solo se celebra en México sino en distintos países del mundo. Tal ha sido su impacto que distintos artistas se han inspirado en esta tradición para crear obras; el artista gráfico Guadalupe Posadas inmortalizó a La Catrina en sus grabados; el escritor Juan Rulfo lo incorporó a sus letras y muchos compositores han retomado este tema en canciones. Más recientemente, se ha mostrado este tema en el cine, a través de una famosa película animada, ganadora de un premio Óscar: Coco.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkTUiimQhiqKESqNcCb4isopKpIaUl157w4zQMbmQb73zL_J7h8l9FyN9iYt9VwvqoaK-NQCvtvUZsvY1M2R58HMpIA0itUG5rJtK9hwDlQLg9gQKnWCyb5bB3GzHMY6RJP0SrVJllp8E/s1600/tony-02.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="585" data-original-width="780" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkTUiimQhiqKESqNcCb4isopKpIaUl157w4zQMbmQb73zL_J7h8l9FyN9iYt9VwvqoaK-NQCvtvUZsvY1M2R58HMpIA0itUG5rJtK9hwDlQLg9gQKnWCyb5bB3GzHMY6RJP0SrVJllp8E/s320/tony-02.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Entre algunas canciones que presentaremos que hablan de la muerte en tono jocoso están: “El muerto se fue de rumba”, “La muerte”, “Cita con la muerte”, “Beso de muerte”, “Murió sin una lagrima”, “El muerto resucitado”, entre otras, pero también oiremos canciones como “La llorona loca”, del colombiano, José Barros, que cantará </span><span style="color: red;">Tony Camargo,</span><span style="color: #274e13;"> cantante tapatío radicado en Yucatán. Avecindado en la ciudad de Mérida, Yucatán, desde finales de los años ochenta, acompañado de su esposa Lupita, ya fallecida, el cantante Tony Camargo nació el 1 de junio de 1926 en la ciudad de Guadalajara, Camargo es una leyenda de la música tropical. Sus comienzos fueron en 1942 y es recordado por su interpretación de la canción “El año viejo", compuesta por el colombiano Crescencio Salcedo, la cual escuchó en Caracas, Venezuela, y decidió incluirla en su primero disco de larga duración que data de 1953. Camargo ha sido comparado con Beny Moré, sin embargo, el mexicano ha sido relegado a la indiferencia. Camargo nació en el seno de una familia de artistas dedicados a la farándula de las carpas. Sus padres, Manuel Camargo y Guadalupe Carrasco fueron cantantes sumidos en el ajetreo de aquellos foros itinerantes en interminables giras por el centro del País y el Bajío. Actualmente, Tony Camargo, como se le conoce en la farándula, es uno de los contados sobrevivientes de la época musical que aún mueve a Latinoamérica con las con las diversas melodías que interpreta. A pesar que por sus venas corre sangre ranchera destacó en el género tropical, caribeño y el bolero, y ahora, se torna jaranero. La carrera musical de Tony Camargo inició en 1942.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4XLPlrlYA9-rnsnvJ4teQLDkctp22SaRQTAhxjkfNiUePsz1GKHvstZbekDBDxU3IilJLiCkBd-NICh5HHXfZSbeMh9745LGtWwvtSZKnXryVCsGidh9tDYXrEsXoJONKgKTP4itY1jg/s1600/gettyimages-97743388-2048x2048.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1311" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4XLPlrlYA9-rnsnvJ4teQLDkctp22SaRQTAhxjkfNiUePsz1GKHvstZbekDBDxU3IilJLiCkBd-NICh5HHXfZSbeMh9745LGtWwvtSZKnXryVCsGidh9tDYXrEsXoJONKgKTP4itY1jg/s320/gettyimages-97743388-2048x2048.jpg" width="262" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;">Rinconcito arrabalero</span><span style="color: #274e13;"> hablaremos y presentaremos grabaciones de </span><span style="color: red;">“El tango de la muerte”</span><span style="color: #274e13;">. Según Ricardo García Glaya, en la historia de la música existen innumerables ejemplos de tangos homónimos, aquellos con igual título, pero diferentes en su música y letra. “El tango de la muerte” es uno de ellos. Uno de esos tangos de la muerte -que no tenía letra-, era desconocido hasta hace muy poco por los seguidores del género, nos referimos a la composición de Horacio Mackintosh, un músico del prácticamente poco se sabe. El escritor refiere que es común confundir el tango sólo instrumental de Macintosh con otro tango de la muerte que tuvo como compositor de letra y música a Alberto Aureliano Novión. Lo anterior lo infiere García Glaya por la confusión en que cayeron algunos escritores que lo mencionan. El segundo tango de la muerte a citar tiene música y letra de Alberto Novión y lo grabó Carlos Gardel (disco Odeon, 18059, matriz 991/1). También lo hizo Roberto Firpo en forma instrumental (disco Odeon, 6112, matriz 956). Ambos, en 1922. Otro caso es la obligada mención de “Plegaria”, tango de Eduardo Bianco dedicado al rey Alfonso XIII de España, que tuvo la siniestra peculiaridad de haber sido obligado a cantar en los campos de concentración –en la segunda guerra mundial-, cuando los condenados marchaban hacia su ejecución y, por tal razón, se lo apodó: “El tango de la muerte”. En este programa especial de Día de Muertos presentaremos dos tangos de la muerte: el de Alberto Novión, que erróneamente se le adjudica la música a Mackintosh, en la versión de la cantante cubana Pilar Arcos y el segundo, “Plegaria”, con la interpretación de Juan Pulido y Juan Arvizu. (Con datos tomados de todotango.com).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxMG_glIsI2bz-LKb5HzM3fCXcxnOh-KtR0RHsbiRC4M4rMUjUWyqva-z6cqQbFonJec0iM59GuBmJ-jgRBieP-ww6ws3obN5Q5CYbPIltb6Xpv8J-wA-gyEBZ6vdvW5XnDr7IeTOxfhU/s1600/miguel-aceves-mejia.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="930" data-original-width="754" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxMG_glIsI2bz-LKb5HzM3fCXcxnOh-KtR0RHsbiRC4M4rMUjUWyqva-z6cqQbFonJec0iM59GuBmJ-jgRBieP-ww6ws3obN5Q5CYbPIltb6Xpv8J-wA-gyEBZ6vdvW5XnDr7IeTOxfhU/s320/miguel-aceves-mejia.jpg" width="259" /></a></div>
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<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>La cadena del recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;">, escucharemos una capsula dedicada al cantante </span><span style="color: red;">Miguel Aceves Mejía</span><span style="color: #274e13;">, quien falleció hace 13 años, el 6 de noviembre de 2006, a la edad de 90 años. Miguel Aceves Mejía nació el 13 de noviembre de 1915. Escribe Bertha Zacatecas en su libro “Vidas en el aire” que Miguel Aceves Mejía comenzó a trabajar como cantante en la estación de radio XEFI, la primera emisora de Chihuahua. Hizo dueto con Jesús Quezada, que tocaba la guitarra. Ahí lo escuchó cantar don Pedro Meneses de la emisora XEJ de Ciudad Juárez, Chihuahua y lo invitó a cantar en esa ciudad, ahí mismo un hermano del radiodifusor don Clemente Serna lo invitó a cantar a Monterrey. “Algún día “, pensó el cantante, la ciudad estaba lejos, pero por esas fechas llegó a Chihuahua la compañía de Roberto Soto y el cantante principal cayo enfermó por lo que contrataron a Miguel Aceves, que a su vez invitó al joven cantante Emilio Ayande, que posteriormente formaría parte de Los Porteños. La siguiente escala fue Monterrey y allí Aceves Mejía decidió dejar la compañía por lo que buscó a don Clemente Serna que le daría oportunidad de trabajar en la gran emisora XET. El sueldo era tres pesos diarios. Don Clemente le sugiere formar un trío, conformándose Los Porteños. A partir de ahí comenzaría la verdadera carrera de éxito de Miguel Aceves. Luego de esa etapa, viajó a la Ciudad de México. En la XEW se formaba todas las mañanas desde las 7 AM para esperar una oportunidad hasta que Fernando Fernández lo mete a un programa al enfermarse uno de los cantantes. Después del programa impresiona a los directores de la XEW, por lo que lo inician en el programa “Rumbas y Boleros” como cantante de boleros.</span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">01 de NOVIEMBRE de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-79058985431839690822019-10-07T22:12:00.000-05:002019-10-07T22:12:01.392-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 11 DE OCTUBRE DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 11 DE OCTUBRE DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Escucharemos un programa dedicado al compositor sonorense Manuel S. Acuña</span></div>
<span style="color: red;">* Además, oiremos diversas voces que interpretaron a Manuel S. Acuña, así como algunas de las canciones del compositor sonorense y disfrutaremos de su orquesta</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza del canta José José, recientemente fallecido</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9Vh47WRjqniOJ9y1CM1HfqWHY9x2lZX0iIQ-LsbZBmMKics8HwkHhTVDUTFCMZNHV6LTfJ2IVU3NRS2heg5no7O4Qn6WIhOFNgoVsbWVognLryV4cEmwp-tEliS_bsuTmDRwTQ5mQLlA/s1600/manuel+s+acu%25C3%25B1a.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="267" data-original-width="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9Vh47WRjqniOJ9y1CM1HfqWHY9x2lZX0iIQ-LsbZBmMKics8HwkHhTVDUTFCMZNHV6LTfJ2IVU3NRS2heg5no7O4Qn6WIhOFNgoVsbWVognLryV4cEmwp-tEliS_bsuTmDRwTQ5mQLlA/s1600/manuel+s+acu%25C3%25B1a.jpg" /></a></div>
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<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes en Hasta que el cuerpo aguante escucharemos un programa dedicado al compositor sonorense </span><span style="color: red;">Manuel S. Acuña</span><span style="color: #274e13;"> (1907-1989), quien es considerado uno de los más inspirados compositores sonorenses del siglo XX. Oiremos sus composiciones, así como a su orquesta y a sus diferentes intérpretes. Nació en Cumpas Sonora, pero fue en Nacozari donde vivió su niñez hasta la edad de 14 años. Sus padres fueron Don Pedro Acuña Ocaño y Doña Refugio Sánchez; hizo su escuela elemental y su aprendizaje musical en Nacozari de García y en 1921 junto con toda su familia se radicó definitivamente en Los Ángeles, California. En 1935 contrajo nupcias con una agraciada joven originaria de Santa Rosalía, Baja California, María Luisa Martínez, procreando dos hijos: Alma Angelina y Manuel, nacidos en 1936 y 1940 respectivamente. De hecho, a su esposa se le acredita ser la compositora den bonito bolero llamado “Mentira”, que fue grabado por, entre otros, María Victoria, Lalo Guerrero y Las gotitas de agua. Manuel S. Acuña fue un compositor muy prolífico cuyas composiciones de diferentes géneros fueron grabadas por muchos y muy prestigiados cantantes de toda la América latina. Su acervo musical: Adiós a mi novia, Alma Angelina, Amor secreto, Cananea, Canción de un preso, Carmelita, Castígame, Con todo el corazón, Confesión, De corazón, Déjame soñarte, Desolación, Di, Dos Palabras, Échale cinco al piano (letra de Valdez Leal), El sonorense, Envilecida, Eres, Flor deshojada, Gracias mi amor, Mentira, Mía, Mis ojos me denuncian, Nacozari, Ni tú ni yo, No me abandones, No sé por qué te quiero tanto, Reconciliación, Recordaré, Regálate conmigo, Secreto, Si fueras mía, Si tú supieras mi nena, Ven quiero verte otra vez, Yo sé que es imposible, entre otras. En el caso de “Alma angelina”, este tema fue dedicado a su hija del mismo nombre. Desde 1921 en forma definitiva don Manuel S. Acuña fijó su residencia en la ciudad de Los Ángeles, California; ahí estableció su centro de operaciones, estando activo hasta el año 1989, cuando a la edad de 85 años lo sorprendió la muerte.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXzt3Xi_3G25J-tIkD-ygFT_x4cAeoyd8nYdlnIWC8HGC49G0H3eBudf8uIIAAf9tWZH_jhThYXOSnrzb2MwiVHvwp3Fpg7rB808wyhaGrvMs8x85DBbfca6IbVFTkvLKQG8_XrPKEbFU/s1600/Chicho+y+margarita-sello.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="543" data-original-width="813" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXzt3Xi_3G25J-tIkD-ygFT_x4cAeoyd8nYdlnIWC8HGC49G0H3eBudf8uIIAAf9tWZH_jhThYXOSnrzb2MwiVHvwp3Fpg7rB808wyhaGrvMs8x85DBbfca6IbVFTkvLKQG8_XrPKEbFU/s320/Chicho+y+margarita-sello.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Cuando las Hermanas Padilla comenzaron a grabar a mediados de los años treinta en la ciudad de los Ángeles, California, muchas de estas sesiones de grabación tempranas fueron dirigidas por Manuel S. Acuña, una figura importante en la dinámica comunidad de música México-americana en la época de la depresión en Los Ángeles. Acuña también se había inmigrado a los Estados Unidos de México en los 1930. Como compositor, arreglista y productor, era en gran parte responsable por desarrollar la carrera temprana de las Hermanas Padilla. Por su parte Don Hernán Restrepo Duque comenta que la primera aparición de Pedro J. González en los programas de radio fue en 1928. Pedro J. González trabajó con Los Hermanos Sánchez, Jesús y Víctor, y por 1931 comenzaron a anunciarse como Los Madrugadores. Agrega Restrepo Duque que con el rubro de Los Madrugadores grabaron luego Chicho y Chencho (Narciso Farfán y Crescencio Sánchez), el primero de los cuales fue esposo de Margarita Padilla, del célebre dueto femenino de las Hermanas Padilla, y con ella conformó el binomio artístico de </span><span style="color: red;">Chicho y Margarita</span><span style="color: #274e13;"> que dejaron grabadas una gran cantidad de discos de 78 rpm. Existen grabaciones de ellos para los sellos discográficos Okeh, Vocalion y Columbia en los que se acompañaban de la agrupación Los Costeños, principalmente. Las Hermanas Padilla, Margarita y María Padilla Mora, comenzaron a grabar en el año de 1936 en la ciudad de Los Ángeles. Destacaron como fieles intérpretes del sonorense Manuel S. Acuña quien las dirigió en sus primeras grabaciones. Son originarias de Tanhuato de Guerrero, Michoacán. Su familia emigró a California en la década de 1920 y pronto se iniciaron en la actividad artística a instancias de su padre.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgAJYY0MZ8epTvbVe4rB7NarEOkMSRon3THRmcDmhehlQmsgjxMu979mmx8NhCpKgSpoaPaa4GhcvsX0_FZ_i3aPR8WHK8lyHCUURk_p8jWtweuNUdC2sgc85Pkreo6oYsUUcJPHwJz64/s1600/Adelina-garcia-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="988" data-original-width="813" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgAJYY0MZ8epTvbVe4rB7NarEOkMSRon3THRmcDmhehlQmsgjxMu979mmx8NhCpKgSpoaPaa4GhcvsX0_FZ_i3aPR8WHK8lyHCUURk_p8jWtweuNUdC2sgc85Pkreo6oYsUUcJPHwJz64/s320/Adelina-garcia-sello.jpg" width="263" /></a></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">A lo largo de su vida, Manuel S. Acuña tuvo muchos intérpretes y acompañó con su orquesta muchos solistas y duetos, tal es el caso de la bolerista </span><span style="color: red;">Adelina García,</span><span style="color: #274e13;"> con quien este viernes escucharemos composiciones de Manuel S. Acuña como “Canción del amor”. Asimismo, oiremos otros boleros en voz de Adelina con acompañamiento de la orquesta de Acuña. Adelina García, hija de padres mexicanos radicados en los Estados Unidos, nació en la ciudad de Phoenix, Arizona. Siendo muy niña sus padres decidieron regresar a México, específicamente a la Ciudad Juárez, Chihuahua, en donde Adelina comenzó con su actividad musical en la emisora de radio XEFI, ahí Adelina cantaba boleros de Gonzalo Curiel en los programas de la Sal de Uvas Picot. El compositor Manuel S. Acuña al oírla cantar se dio cuenta que había encontrado una gran intérprete para sus canciones. Sus muchas actuaciones en directo en la estación de radio XEW en la Ciudad de México le dieron una amplia exposición en México y eso le ayudó a extender su fama en toda América Latina, e incluso realizó una gira por muchos otros países, incluido Brasil. Su primera actuación fue en la Ciudad de México en 1944. En la Ciudad de México participó en programas de radio en la estación XEW, lo que ayudó a consolidar su fama en los estados del norte del país. Su participación en esos espectáculos también le permitió ser conocida en América Central y el Caribe. Adelina García colaboró con muchos compositores y artistas, uno de los cuales era el popular compositor mexicano Gonzalo Curiel. Curiel la acompañó a la gira por Brasil para tocar el piano y la dirección de la orquesta. En Brasil, García hizo una serie de álbumes para el sello Odeon. A finales de las décadas de 1950 escogió la ciudad de Los Ángeles, California como su lugar fijo de residencia y pronto las estaciones de radio y centros nocturnos solicitaron su presencia.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilSlwId_0hao14JcpcBRGTlKWzORbdZy5Sf4FSZHAb2teFcqqY6RBSmrSgXsYx8BiFalv-feZma0Axb3AyL5gsKVGLjbBIJl36uONC0rKEnuld2XzpKQNAT5_a7E8UsD14eEL12El8zjo/s1600/angelino-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="649" data-original-width="506" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilSlwId_0hao14JcpcBRGTlKWzORbdZy5Sf4FSZHAb2teFcqqY6RBSmrSgXsYx8BiFalv-feZma0Axb3AyL5gsKVGLjbBIJl36uONC0rKEnuld2XzpKQNAT5_a7E8UsD14eEL12El8zjo/s320/angelino-sello.jpg" width="249" /></a></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Como gente ligada a las disqueras y a la música, Manuel S. Acuña creó también algunas agrupaciones y lanzó a diferentes cantantes. Una de esas agrupaciones fueron </span><span style="color: red;">Los Costeños,</span><span style="color: #274e13;"> que acompañaron a los más diversos cantantes como las hermanas Padilla o Chicho y Margarita. Acuña era un músico que nunca hizo fama para sí mismo, ya que fue un exitoso líder de orquesta. De acuerdo con Arhoolie, más bien su fama es por haber sido uno de los primeros arreglistas profesionales y productores discográficos de música mexicana en Los Ángeles. Él reunió a un exitoso grupo llamado Los Costeños, en un pequeño estudio de grabación, con los que acompañó principalmente las hermanas Padilla, enormemente populares. En ese grupo combinó los mejores elementos musicales del mariachi y las pequeñas orquestas típicas. Precisamente a fines de los años treinta había en la ciudad de Los Ángeles, California, un gran dueto que se hacía llamar </span><span style="color: red;">Dueto Angelino </span><span style="color: #274e13;">que entre sus grabaciones hechas para el sello Vocalion se encuentran “Siempre viva”, “Negrita”, “A medios Chiles”, “Nos sé porque te quiero”, “Promesa”, El petrolero” y otras. No tenemos los nombres de quienes integraban este dueto, ni mayores datos biográficos de ellos, pero es casi seguro que la mano creativa de Manuel S. Acuña estaba detrás. En las etiquetas de los discos que hemos encontrado en la colección de la UCLA se encuentra poca información al respecto, podemos sacar en conclusión que tal vez el señor Manuel S. Acuña era algo así como su productor o arreglista ya que incluso Los Costeños, que era un grupo con el cual tenía que ver el señor Acuña, acompañaba al dueto Angelino. En otras canciones la Orquesta de Manuel S. Acuña es la que acompaña.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg34yGAg2Is6sqjGfdUxYRcmC_4NKFMpN3dTkRU59bBF2rSR2NrMtyh7KtPBTpfXH3nvt7xEq9IV-7zCGI4HBEmEs2Oq2Zo5Su3NGMD5t7UqYXvifIl1OvXlEqGRBx8MUwBrz6MAKIRO6g/s1600/jose+jose.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1203" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg34yGAg2Is6sqjGfdUxYRcmC_4NKFMpN3dTkRU59bBF2rSR2NrMtyh7KtPBTpfXH3nvt7xEq9IV-7zCGI4HBEmEs2Oq2Zo5Su3NGMD5t7UqYXvifIl1OvXlEqGRBx8MUwBrz6MAKIRO6g/s320/jose+jose.jpg" width="212" /></a></div>
<span style="color: red;">5.</span><span style="color: #274e13;"> En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza del recientemente fallecido cantante </span><span style="color: red;">José José</span><span style="color: #274e13;">, con comentarios de José Cantoral, Álvaro Carrillo Inchaústegui y del cantante Saulo El Caballero. José Rómulo Sosa Ortiz, mejor conocido como José José, nació el 17 de febrero de 1948. Desde pequeño participó en el coro del colegio y participaba en festivales escolares. Estudió guitarra en sus tiempos libres y en la secundaria formó un trío en compañía de su primo Paco Ortiz y su amigo Alfredo Benítez, comenzando así su trayectoria como cantante. Decidido a seguir con su gusto por la música y el canto, consiguió pequeños contratos para cantar en cafés populares. Su primer disco llegó en el año 1965 para la compañía Orfeón, que incluía la canción "El Mundo". Su nombre artístico era todavía José Sosa. Realizó apariciones en televisión, aunque con poco éxito. Continuó su carrera como parte del trío Los Peg, junto con Enrique Herrera y Gilberto Sánchez, interpretando jazz y bossa nova. Mientras realizaban una presentación en el Apache 14, fue contactado por el compositor Rubén Fuentes, ofreciéndole un contrato con la RCA Victor, lo aceptó y fue así como grabó su primer disco de larga duración producido por Armando Manzanero y Rubén Fuentes, con temas como "Sólo una mujer", "Cuidado", "Pero te extraño y "Sin ella", iniciando así su carrera con el nombre artístico de José José en honor de su papá. No tuvo el éxito esperado. El éxito le llegó con "La nave del olvido", del autor Dino Ramos, rápidamente ganó seguidores, su voz empezó a sonar por todo México y América Latina. En el año 1970 fue invitado al II Festival de la Canción Latina, quedó en el tercer puesto, pero la canción con la que participó, "El Triste", del autor Roberto Cantoral y arreglo de José Sabre Marroquín, fue el tema que lo llevó a la cima de la fama y el éxito.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">11 de OCTUBRE de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-39843573418593521262019-09-30T22:03:00.001-05:002019-09-30T22:03:56.630-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 04 DE OCTUBRE DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 04 DE OCTUBRE DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Oiremos canciones como solista y en dueto de Chelo Tovar, cantante ahora desconocida </span></div>
<span style="color: red;">* Hace 30 años falleció el compositor Pedro Galindo</span><br />
<span style="color: red;">* Además, las voces peninsulares de Mario Gil, las Dos Marías y el dueto Marrero y Salazar. Tres boleros del compositor argentino Don Fabián. Con ritmo, el Dueto Antillano cantará con la orquesta de Arturo Núñez. Oiremos la voz de Chabela Durán, la arrebatada intérprete de Lara</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, segunda parte de la semblanza de Leo Marini, y en la Cadena del recuerdo, semblanza de Olga Guillot, a 97 años de su nacimiento</span><br />
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<span style="color: red;">1.</span><span style="color: #274e13;"> Este viernes en Hasta que el cuerpo aguante escucharemos diversas mujeres boleristas como</span><span style="color: red;"> Chelo Tovar</span><span style="color: #274e13;">. Durante los años treinta y cuarenta destacaron las voces de cantantes boleristas que hoy prácticamente están olvidadas, tal es el caso de Chelo Tovar, de quien se destaca también su participación en el cine en el filme “México lindo”, del año de1938, dirigido por Ramón Pereda, con la actuación estelar de Adriana Lamar, en el que también participan las Cuatitas Herrera; y también podemos encontrar la participación como cantante de Chelo Tovar en la versión de “Santa”, filmada en 1943, dirigida por Norman Foster y Alfredo Gómez de la Vega , con la participación estelar de Esther Fernández, José Cibrián y Ricardo Montalbán, con el apoyo musical de Gonzalo Curiel y Mario Ruiz Armengol. Desgraciadamente hay pocos datos biográficos de esta cantante, pero se sabe que tuvo una gran activada artística en los nacientes años de la radio en la década de los años treinta. Hoy también son pocas las grabaciones que podemos disfrutar con su voz. En nuestra fonoteca poseemos solo un disco de 78 rpm en el que Chelo Tovar cantó acompañada de la agrupación de los hermanos Domínguez La lira de San Cristóbal. El disco del sello Victor incluye los boleros “Eternamente” y “A media noche”, del compositor chiapaneco Alberto Domínguez. Llegó a grabar también acompañada de Pepe Gutiérrez con los charros de Atotonilco las canciones “La Estampilla” y “María, María, Mariquita mía”, para el sello Bluebird. José Guadalupe Chávez Pedraza en su columna del diario El Sol de Morelia, afirma que los escenarios del bolero fueron el teatro de revista, carpa, teatro de variedades, radio, cine y televisión, sin faltar los arrolladores centros nocturnos y también los burdeles, son los tablados que ha pisado el bolero. Cada uno de ellos con su historia en el medio realizó momentos inolvidables, nombres que se deben inscribir con letras mayúsculas, entre los que destacaron Chelo Tovar, cantante, actriz y mujer de gran temperamento. (Foto de Chelo Tovar tomada del libro Bolero. Historia gráfica y Documental, Pablo Dueñas, Asociación Mexicana de Estudios Fonográficos).</span></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes también presentaremos sendos bolerazos en la voz del cantante yucateco </span><span style="color: red;">Mario Gil</span><span style="color: #274e13;">, se trata de grabaciones como “No te preocupes”, de Federico Baena y “Una Copa más”, de Alfredo Gil. Sin duda Mario Gil es una de las voces poco recordadas del bolero, quien destacó en los años cuarenta, su nombre completo era Mario Gil Ojeda. Según datos aportados por Luis Pérez Sabido, Mario Gil nació en el barrio de San Cristóbal de la ciudad de Mérida, Yucatán, el 12 de noviembre de 1922. Se inicia como cantante de la orquesta de Ernesto “El Pelón” Riestra; cautiva al público con su hermosa voz de barítono y su estilo personal. En la XEB, hace presentaciones en programas del Cancionero Picot. En 1943, canta y actúa en la película mexicana De Nueva York a Huipanguillo, dirigida por Manuel R. Ojeda. Mario Gil realizó varias giras tanto a Cuba como a los Estados unidos. En agosto de 1949 hace una temporada en Madrid, en los centros de baile Parque Florida y Villa Romana, alternando con la cantante francesa Nicole Rey y la mexicana Esmeralda. En 1952 hace una gira por varios países de Europa. De allí se embarca a América del Sur para hacer presentaciones en Buenos Aires, Santiago de Chile y Lima, Perú. Retorna México por breve tiempo y otra vez viaja a Nueva York donde obtiene nuevos éxitos. En la XEW actúa en el estelar Conga Sabatina alternando con la orquesta del compositor boricua Rafael Hernández. En Nueva York actúa durante siete meses consecutivos en el Teatro Love State de Broadway, acompañado por la famosa orquesta del puertorriqueño Noro Morales, con la que graba en sello Decca, en 1949, México canta, de María Grever.</span></div>
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<span style="color: red;">3.</span><span style="color: #274e13;"> En la voz de la cantante </span><span style="color: red;">Chabela Durán</span><span style="color: #274e13;"> escucharemos algunos boleros. Recordemos que Chabela Durán fue madre de una de las esposas de Agustín, Rocío Durán. Al hablar de esta intérprete, en el libro Mi novia la tristeza se destaca que “Chabela Durán era una intérprete veracruzana que había comenzado a cantar desde finales de los años treinta, pero no había conseguido programas de radio ni lugares para actuar en los cuales pudiera destacar su voz. De todas las intérpretes de Lara, sólo Elvira Ríos se podría comparar con el carácter arrebatado de Chabela Durán. Para esta voz tan inmensa, Lara compuso el tema El mar, el cielo y tú. Este tema era como un vestido cosido a la medida de Chabela y la prueba es que nadie ha podido mejorar esa interpretación. Desde los agudos en los que comienza esta canción, y que Chabela dominaba bien, hasta los graves en los que Chabela arrastraba la voz, la personalidad de esta cantante se extendía y dominaba.” Chabela, junto con su hija Rocío, frecuentaba a Agustín Lara para ensayar su repertorio. Chabela llevaba a Rocío, entonces de 9 años, y saludaba Agustín como papá o papi. Agustín pensó que su primera esposa estaba muerta y decidió casarse con Rocío en España. Su enlace matrimonial fue celebrado en la cripta de la iglesia de la Virgen de Guadalupe, que aún no estaba terminada. El matrimonio provocó que Chabela rompiera relaciones con su hija. El resultado de la unión no se hizo esperar; la diferencia de edades, cuarenta y tantos años, hizo que sobreviniera la separación. Además, la Chata Zozaya aún no le había otorgado el divorcio. (Foto de Chabela Durán: Cortesía Luis Jaime Chapa).</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Siguiendo con boleros, de los cuales estará colmado este programa, presentaremos tres de las más famosas composiciones del argentino </span><span style="color: red;">Domingo Fabián</span><span style="color: #274e13;">, más conocido como Don Fabián, quien nació el 11 de marzo de 1915 en Córdoba, Argentina. Su nombre real era Domingo Fabiano Monferrato. Profesor de teoría, solfeo, armonía y contrapunto. Realizó estudios de piano en el Instituto Superior de Formación Musical de Córdoba. En su adolescencia, alentado por su señora madre, aprendió a tocar el piano, y actuaba en centros nocturnos. A muy temprana edad comenzó a tocar música en vivo para películas mudas en cines. Más tarde se unió a la orquesta "Los Diablos Rojos" dirigida por Vicente Saturnini. Don Fabián solía actuar en el antiguo Hotel Eden en La Falda (un pueblo ubicado en las montañas de Córdoba). En 1940 se radica en Buenos Aires, actuando en varias orquestas, por ultimo pasa a dirigir la orquesta de Radio El Mundo. En 1945, compone “Dos Almas”; en 1946, “Cobardía”; y en 1947, “Sin tí”, éxito que canto Hugo Romaní. Durante su estancia en Buenos Aires también compuso música de Jazz, Tango y Pop. Formó su propia agrupación llamada “Don Fabián y su trío vocal”, muy exitoso a fines de los cuarentas y principios de los cincuentas. Fue Director de la Orquesta Sinfónica Estable de Radio El Mundo entre 1946 y 1955. Es autor de clásicos de la canción popular como “Dos almas”, “Cobardía”, “Corazón de Dios”, “Secreto” y “Cumbia que vas de ronda” (Primer Premio Canción Melódica en Colombia). Éstas son sólo algunas de sus más de 70 obras grabadas en toda América Latina. Falleció en su ciudad natal en el año de 2001, la edad de 86 años.</span></div>
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<span style="color: red;">5. Pedro Galindo Galarza</span><span style="color: #274e13;"> murió hace 30 años, el 8 de octubre de 1989. Había nacido en la Ciudad de México el día 16 de agosto de 1906. Trovador huasteco que compuso canciones en casi todos los géneros; desde música ranchera hasta boleros. En 1933 formó el grupo Los Trovadores Chinacos junto con los hermanos Castillo. Pedro Galindo también fue productor, y actor de la época del cine de oro, mexicano, compartiendo escenarios con grandes personajes como María Félix, Emilio El Indio Fernández, Pedro Infante y Pedro Armendáriz, entre otros. Algunos títulos de sus películas como productor son: Al son del mambo, Juan Charrasqueado, El derecho de nacer, Cantando nace el amor, Carabina 30-30, Romeo contra Julieta, por citar sólo algunas. En el campo de la actuación participó en Doña Bárbara, Soy puro mexicano, Los de abajo y muchas otras. La Malagueña, canción que Pedro Galindo creó en coautoría con Elpidio Ramírez Burgos, ha sido uno de los temas más reconocidos mundialmente. Otro tema importante de Galindo es Virgen de Medianoche, que hiciera famoso Daniel Santos; esta canción forma parte de la cinta sonora de la película mexicana Mujeres Insumisas. Su canción Viva México, es una de las más interpretadas el 16 de septiembre y eventos patrióticos; cabe recalcar la pasión que este compositor sentía por sus raíces y su tierra.</span></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos tres temas con la orquesta de </span><span style="color: red;">Arturo Núñez </span><span style="color: #274e13;">interpretados por el Dueto Antillano de Benny Moré y Lalo Montané. Arturo Núñez, llamado El Caballero Antillano, quien nació en Matanzas, Cuba hace 106 años, el 4 de octubre de 1913, y falleció en la Ciudad de México en 1981. Arturo Núñez fue pianista, director y compositor. Dice Cristóbal Díaz Ayala que Núñez estudió en el Conservatorio Carnicer, en La Habana. Trabajó como pianista en el Teatro Alhambra y con varias orquestas. Se trasladó a México en busca de mejores oportunidades en 1940 o 1941, y formó su orquesta para tocar en el cabaret El Patio. La integraban varios músicos cubanos residentes en México, como Domingo Vernier “Mango” flauta; Kiko Mendive, cantante; Arsenio Núñez, bajo; Che Toledano, tumbadora y Aurelio Tamayo, “Yeyo”, timbales; completaban el grupo los mexicanos Nacho Soriano, trompeta y Alejandro Torres, sax y clarinete. Después llegó a tener su propio cabaret. Fue el primer grupo, o el segundo, con que grabó Benny Moré en México. Era muy considerado en el medio artístico, le llamaban El Caballero Antillano. Grabó para el sello Columbia y otros. Su hijo, Arturo Núñez González afirma que en los años cuarenta, en su padre surge el deseo de crear raíces en México al contraer matrimonio con la compañera de toda su vida, su madre, Luz María González y de que sus hijos nacieran en tierra azteca, culminando años más tarde cuando le fue otorgada oficialmente la nacionalidad mexicana. Alguna ocasión respondió a un periodista de esta manera: “Cómo no voy a sentirme de aquí, si mi esposa y mis hijos son mexicanos. Si a México y al apoyo de mi público mexicano, que me adoptó como uno más de esta bendita tierra, le debo lo que soy, tal vez no sería nada si no me hubiera quedado aquí”. (Con información de musicasinfinal.blogspot.com).</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos dos grabaciones que son verdaderos garbanzos de a libra, se trata de un dueto muy antiguo conformado por el yucateco </span><span style="color: red;">Carlos Salazar</span><span style="color: #274e13;"> y el campechano </span><span style="color: red;">Ricardo Marrero</span><span style="color: #274e13;">. Según datos aportados hace unos años por Ramiro Palacios de León (QEPD), productor del programa Memorias musicales de Frecuencia TEC 94.9 FM de Monterrey, Carlos Salazar fue muy conocido en Monterrey, lugar a donde llegó en 1957 y conformó varios tríos, entre ellos Los Faisanes con Pedro Fernández Traba y Marco Antonio Patrón. En Monterrey, Carlos Salazar pasó sus últimos años de vida y murió en 1969. Como maestro de guitarra era conocido como “El Maestro Carlitos Salazar”. En esa ciudad norteña hizo época entre todos los amantes de la trova regiomontanos. Mientras tanto, según datos de Luis Pérez Sabido en el Diccionario de la Música Popular en Yucatán, Ricardo Marrero nació en 1909 en Campeche y falleció en la ciudad de México en 1979. Inició su carrera en 1925 formado parte del Quinteto Yucatán, al lado de Sergio Pérez, Carlos Salazar, José Garrido y Arturo Larios. También forma parte del Trío Maya. En año de 1929, cantando a dúo con Carlos Salazar, grabó el bambuco “Para tí”, compuesto por Carlos Salazar y grabado por Marrero y Salazar en Laredo, Texas en el mes de noviembre de ese año para el sello Víctor. Ricardo Marerro fue pionero de la radio ya que se inició como solista en la emisora XEFO de la Secretaria de Educación Pública en la ciudad de México. En 1933 trabajó en la XEB, la estación del buen tono, y también laboró en teatros al lado de Agustín Lara, Toña la Negra y Margarita Carvajal. </span><span style="color: #274e13; text-indent: -21.25pt;">(Imagen tomada de http://frontera.library.ucla.edu/frontera-search).</span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="margin: 0cm -28.45pt 8pt -14.2pt; text-indent: -21.25pt;">
<span lang="ES"><span style="color: #274e13;"><o:p></o:p></span></span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>La Carpa</i></span><span style="color: #274e13;"> escucharemos dos temas jocosos en las voces de las legendarias dos Marías. Las cantantes mexicanas </span><span style="color: red;">María del Rosario “Charito” Ortega</span><span style="color: #274e13;"> y </span><span style="color: red;">María Luisa Canales</span><span style="color: #274e13;"> conformaron en los años treinta el dueto Las dos Marías. De acuerdo con datos del coleccionista Don Pablo Gastelum ellas eran originarias del estado de Yucatán, aunque no hemos confirmado ese dato. Las Dos Marías grabaron una gran cantidad de discos de 78 RPM con gran diversidad de géneros como boleros, corridos, rancheras e incluso ritmos sudamericanos como pasillos. Fueron conocidas en algunos países sudamericanos, particularmente en Colombia. Charito Ortega también grabó como solista. Destaca por ejemplo su composición del boleo “Niégalo”. Asimismo, en la sección Un tema mil versiones, escucharemos tres canciones dedicadas a la región de los Altos de Jalisco, específicamente una de ellas a San Miguel el Alto. Se les llaman Los Altos por su altura al nivel del mar que va desde los 2,005 metros de San Julián a los 1,800 de Teocaltiche (alturas promedio). El nombre de los “Altos de Jalisco” data aproximadamente de finales del siglo XIX, y tal denominación se extendió durante la guerra civil religiosa (1926-1929), cuando había que referirse con frecuencia a esta región de Jalisco. Algunos pueblos de la región llevan el apellido de “el Alto”, como San Miguel o Atotonilco. Quien originó el nombre de Los Altos fue Andrés de Villanueva, encomendero de Atotonilco y dueño de numerosas tierras pertenecientes actualmente al municipio de Arandas, quien citaba frecuentemente sus propiedades conocidas por la Real Audicencia como “Los Altos de Villanueva”. Ya en el siglo XX se popularizó el término “alteño” vocablo de real y auténtico significado geográfico e histórico. </span><span lang="ES" style="text-indent: -21.25pt;"><span style="color: #274e13;">(Imagen tomada de http://frontera.library.ucla.edu/frontera-search).</span></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="margin-bottom: 8.0pt; margin-left: -14.2pt; margin-right: -28.45pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -21.25pt;">
<span lang="ES"><span style="color: #274e13;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDOBDBgw98xFqFeBLJunJI6obCIH25ojCfLTVhO8FPnlU4gI9hZoeG86h_5uiL2HUW45hheUxzbvvSrDT3xGalPXJBxn1sk8vngwZNNaE3AEXDFRUAdLWt1Mun6RmYo3hJBG6B_68MSAY/s1600/olga+guillot.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="549" data-original-width="393" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDOBDBgw98xFqFeBLJunJI6obCIH25ojCfLTVhO8FPnlU4gI9hZoeG86h_5uiL2HUW45hheUxzbvvSrDT3xGalPXJBxn1sk8vngwZNNaE3AEXDFRUAdLWt1Mun6RmYo3hJBG6B_68MSAY/s320/olga+guillot.jpg" width="229" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">Para recordar a la cantante </span><span style="color: red;">Olga Guillot</span><span style="color: #274e13;">, a 97 años de su nacimiento, ocurrido en Santiago de Cuba, el 9 de octubre de 1922, escucharemos una semblanza en la </span><span style="color: red;"><i>Cadena del recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;">. Olga Guillot murió en Miami, el 12 de julio de 2010. Fue nombrada “La reina del bolero”, cantó junto a Frank Sinatra y Edith Piaf. En los años sesentas, luego de la Revolución cubana, se asentó primero en Venezuela y luego, en México y Miami, donde permaneció hasta su muerte. Formada en las disciplinas del baile y el drama, Olga Guillot estudió canto en el Conservatorio de La Habana con la soprano Hortensia Cohalla y el cantante Mariano Meléndez; también, en la década de 1930, cantaba generalmente durante las reuniones familiares y algunos programas radiofónicos. Comenzó cantando tangos, influenciada por Libertad Lamarque y Mercedes Simone. En los años cuarenta, la vocalista formó parte del cuarteto Siboney, dirigido por la compositora Isolina Carrillo y cuyo pianista, Facundo Rivero. Guillot contrajo matrimonio con el periodista y politólogo cubano Ibrahim Urbino, después con el actor Alberto Insúa (1926-2003) y más tarde con el compositor y pianista René Touzet (1916-2003), con quien tuvo a su única hija: Olga María, que se dedicó a la misma profesión que su madre. En 1946 estrenó el bolero “La gloria eres tú”, de José A. Méndez, y ese año grabó para Panart la versión en español de la melodía norteamericana “Stormy Weather” (Lluvia gris, en español), con la que logró su primer éxito discográfico. En el mismo año, debutó en la emisora de radio 1010, a la que le siguieron sus actuaciones en Coco, RHC-Cadena Azul, Radio Progreso, etc.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-NWCA3PXW1rRSkUORXXbi0bbSAtvY7v6oMMd7aUMdBgaPF1Ls8_wHdyWJyEHSkVkkbMPXNdDLy8sLKTXIwHDD56TbSFZALDl-RQ639yuL09K_8nkJJZz9Q_1MTp5M8qKO2CrFxB01XFk/s1600/leo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="554" data-original-width="481" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-NWCA3PXW1rRSkUORXXbi0bbSAtvY7v6oMMd7aUMdBgaPF1Ls8_wHdyWJyEHSkVkkbMPXNdDLy8sLKTXIwHDD56TbSFZALDl-RQ639yuL09K_8nkJJZz9Q_1MTp5M8qKO2CrFxB01XFk/s320/leo.jpg" width="277" /></a></div>
<span style="color: red;">10. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te raje</i></span><span style="color: #274e13;">s, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la segunda de dos partes de la semblanza de un invitado internacional: </span><span style="color: red;">Leo Marini</span><span style="color: #274e13;">. Nos comenta Alberto Ramírez que, en el año 1948, Leo Marini viajó a Puerto Rico, allí trabajó en la estación de radio WNEL de San Juan. Cupido propicia su primer matrimonio con la dama argentina Esther Salandari. Regresa en 1950 a Buenos Aires y trabaja con la orquesta de planta de la Radio El Mundo en el programa "Sonrisas y melodías", ahí estaban maestros de la música como Marzan, Marafiotti y Lister. Después de finalizado su contrato con la Odeón argentina, firma contrato con la Seeco. En 1951, Sidney Seegel magnate de esta empresa, le aconseja marchar a La Habana para que grabe con el grupo de mayores ventas en dichos momentos en Latinoamérica, la Sonora Matancera. Grabó "Luna Yumurina", "Quiero un trago tabernero", "Mi desolación" y "Desde que te vi". La Seeco le promueve una estadía prolongada en la capital cubana, allí en 1952 nace su primogénito Luis Alberto. Con la Sonora Matancera formó un binomio excepcional, interpretando grandes temas, convirtiéndose en un clásico de la música romántica latinoamericana. Su inquietud musical lo llevó en 1954 a Colombia, tierra donde era idolatrado. Junto con el trombonista, compatriota y director de orquesta Arnoldo Nali graba nuevos temas. En el año 1957 nace en Colombia su segundo hijo José Luis. Leo Marini falleció de cáncer de próstata el 15 de octubre del año 2000 en su ciudad natal Mendoza, Argentina.</span></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">04 de OCTUBRE de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-81044415433755180072019-09-23T22:03:00.001-05:002019-09-23T22:03:08.393-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 27 DE SEPTIEMBRE DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 27 DE SEPTIEMBRE DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">*<span style="white-space: pre;"> </span>Canciones e historia sobre el baile de los 41, ocurrido en 1901</span></div>
<span style="color: red;">*<span style="white-space: pre;"> </span>Oiremos canciones dedicadas al mágico invento de la Televisión</span><br />
<span style="color: red;">*<span style="white-space: pre;"> </span>Presentaremos temas de Salvador Rangel. Desde Yucatán, las voces de Beatriz Eugenia y Yucho. Desde Venezuela, oiremos a Lorenzo Herrera. Alejandro Rivera murió hace 8 años</span><br />
<span style="color: red;">*<span style="white-space: pre;"> </span>En la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Leo Marini, y desde Maracaibo, Félix Hurtado nos presentará un trabajo radiofónico sobre el bolero Sinceridad</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0ePGee1vbf7L3aqe2UHN03KNhuPnZq3zVVYvqHhRO_x1ZplB1oXdRgiTYOTzfQo5yztbteUEh6qd595pc5-v5mQZcbow_QNerQqJthzIcCaNOJr0h90qUFNZU9TXHvNaIOFvC4r03SaU/s1600/LOS-41-02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="881" height="181" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0ePGee1vbf7L3aqe2UHN03KNhuPnZq3zVVYvqHhRO_x1ZplB1oXdRgiTYOTzfQo5yztbteUEh6qd595pc5-v5mQZcbow_QNerQqJthzIcCaNOJr0h90qUFNZU9TXHvNaIOFvC4r03SaU/s320/LOS-41-02.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">1.<span style="white-space: pre;"> </span></span><span style="color: #274e13;">Este viernes en el programa recordaremos el caso fue uno de los mayores escándalos sociales de la época en que en México gobernaba el presidente era Porfirio Díaz. “</span><span style="color: red;">El baile de los cuarenta y un</span><span style="color: #274e13;">o” o “de los cuarenta y un maricones” fue una redada policial realizada el 18 de noviembre de 1901. Ocurrió en la colonia Tabacalera en la Ciudad de México, contra un baile de hombres que se estaba realizando en una vivienda particular, de los cuales 22 estaban vestidos de hombres y 19, de mujeres. La prensa mexicana convirtió en un escándalo el hecho, pese a que el gobierno de entonces se esforzó en ocultar el asunto, puesto que los detenidos pertenecían a la clase alta de la sociedad porfiriana, incluyendo a Ignacio de la Torre y Mier, yerno del entonces presidente, siendo uno de los escándalos más sonados de comienzos del siglo XX. Los presuntos organizadores de la fiesta habrían sido el yerno del entonces presidente Porfirio Díaz, Ignacio de la Torre y Mier —apodado como El yerno de la nación por su matrimonio con Amada Díaz— y Antonio Adalid, apodado Toña la Mamonera, ahijado de Maximiliano I de México y Carlota de México; otras fuentes citan al periodista Jesús "Chucho" Rábago y al hacendado Alejandro Redo. La fiesta comenzó la noche del 17 de noviembre de manera secreta en una casa rentada para ese fin en los que eran los límites de la ciudad por entonces, en la colonia Tabacalera. Las fuentes citan la cuarta calle de la Paz (actual Ezequiel Montes o Jesús Carranza) en la colonia Tabacalera, en donde se habían dado cita los invitados en diversos carruajes. La fiesta incluía, entre otras cosas, la "rifa del Pepito", es decir, un concurso donde el premio sería estar con un trabajador sexual. A raíz de este episodio, en México el número 41 suele asociarse con hombres homosexuales. En ninguna disposición jurídica vigente se menciona como posible pena la que sería dada a los detenidos,3 aunque era usual para los enemigos del régimen porfirista. A las cinco y media de la mañana, sin un proceso o juicio previo, partieron en trenes del ejército desde la estación de Buenavista hacia Veracruz, sólo 19 de los 41 detenidos a realizar trabajos forzados al puerto de Progreso, Yucatán.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-_I9sQvsMO7sA7X2rderCV63kMfB_Bct_4DL4w5IqN-PH32nO2cYTdLKR3T8Uy2LWcnyf-4idCWlrg3uVc9vovs1HHwqq82qSExz2X5c5gcVjdVx-F32iMytx5MJ4WWcn8Y6W-S8XojM/s1600/Salvador+Rangel.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="196" data-original-width="150" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-_I9sQvsMO7sA7X2rderCV63kMfB_Bct_4DL4w5IqN-PH32nO2cYTdLKR3T8Uy2LWcnyf-4idCWlrg3uVc9vovs1HHwqq82qSExz2X5c5gcVjdVx-F32iMytx5MJ4WWcn8Y6W-S8XojM/s1600/Salvador+Rangel.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2.<span style="white-space: pre;"> </span></span><span style="color: #274e13;">Este viernes recordaremos al compositor </span><span style="color: red;">Salvador Rangel González</span><span style="color: #274e13;">, quien nació el 8 de junio de 1910 en La Piedad de Cavadas, Michoacán. Hasta 1922 vivió en su tierra natal, y un año después viajó a Guadalajara, Jalisco. Su primer maestro de piano fue un músico alemán y, posteriormente, el maestro Rosalío Ramírez; con Andrés Sandoval cursó armonía, y más tarde perfeccionó sus estudios de piano y acordeón, formación que facilitó su carrera en la composición, la cual inició aproximadamente en 1930. Un año más tarde, en 1931, viajó a Tijuana para probar suerte en la frontera norte, y en 1936 trabajó en las radiodifusoras WEQ, XEB y XEW. Sus primeras obras son “Rayo de luna”, “Rumor de serenata”, “Tres años” (en coautoría con Mario Molina Montes) y “Al arrullo del mar”, y la que mayores satisfacciones le dio es “Tú y yo”, interpretada por Las Hermanas Águila, entre otros. Otros temas de su autoría que tuvieron gran aceptación son “Amor y olvido”, en coautoría con Gabriel Luna e interpretada, entre otros, por Toña La negra; “Secreto”, con Fernando Fernández; “Amor sincero”, popularizada por Los Hermanos Záizar; “Te vi alejar” (Te fuiste), con Dora Luz; “Al fin”, con Genaro Salinas; “Por última vez”, con Pedro Infante, y “Bajo la luna”, en la voz de Andy Russell. Salvador Rangel formó su propia orquesta con la cual realizó, en su mayoría, álbumes de música mexicana como Viva México y Así se baila en México. Asimismo, grabó canciones de su propia inspiración y de otros autores. Aseguraba que la profesión de compositor le dio grandes satisfacciones, entre ellas el sentir que sus canciones daban un momento de alegría y amor a quienes las escuchaban. Compartía la anécdota de una noticia, publicada en algunos periódicos, que anunciaba la muerte por ahogamiento en una playa del Pacífico de Salvador Rangel y Alberto Domínguez; fue una coincidencia ya que sólo se trataba unos homónimos. Salvador Rangel falleció el 29 de octubre de 1981 en la Ciudad de México. (Con datos de la SACM).</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzntaaSnfUulMJ6G4Pq5kjk1H_YZ-kbLWlwDVyANPcCspW6Q9uHJMyztqspttLT9mcNTLOe2tXzu-mAvQR2iMBhlzREcf4LLmNWwxvjQR_O-99pOQecF3_NmGCb26Ajcp15548VuSYj8g/s1600/Lorenzo+Herrera.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="608" data-original-width="442" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzntaaSnfUulMJ6G4Pq5kjk1H_YZ-kbLWlwDVyANPcCspW6Q9uHJMyztqspttLT9mcNTLOe2tXzu-mAvQR2iMBhlzREcf4LLmNWwxvjQR_O-99pOQecF3_NmGCb26Ajcp15548VuSYj8g/s320/Lorenzo+Herrera.jpg" width="232" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">3.</span><span style="color: #274e13; white-space: pre;"> </span><span style="color: #274e13;">Con el cantante venezolano de antaño </span><span style="color: red;">Lorenzo Herrera</span><span style="color: #274e13;"> escucharemos diversas canciones, entre ellas una de origen mexicano. Lorenzo Herrera nació en Santa Rosalía, Caracas, el 2 de agosto de 1896 y murió en Caracas, el 21 de enero de 1960. Fue un cantante y compositor venezolano de música popular. Desde muy joven mostró interés en la música, aun cuando su padre lo obligó a aprender un oficio. El futuro artista así trabajó como zapatero en la zapatería caraqueña La Bota Colorada. Su interés por la actuación y la música, siendo menor de edad lo llevaron a escapar a Curazao para cantar y actuar en esa Isla, donde su hermano mayor Próspero Herrera fue a buscarlo, por orden paterna. Continuó haciendo esfuerzos para darse a conocer, hasta que la compañía de zarzuelas Bracale, le hizo una oferta para integrarse a sus filas y emprender una gira a Cuba. Al llegar a La Habana, la compañía se desintegró, por lo que Herrera realizó una serie de gestiones y logró viajar a Nueva York en 1923 donde residió junto con su familia, en búsqueda de nuevas oportunidades para su proyección musical. Logró conseguir contratos con las compañías discográficas estadounidenses Victor Talking Machine Company, transformada después en RCA Victor y Columbia Records, entre otras. En esta ciudad compone una gran parte de sus célebres canciones, entre la que se menciona el famoso pasodoble, La Sultana del Ávila. Su popularidad le hizo abrir el paso a otros artistas venezolanos, lo que llevaría a convertirse en secretario general del Sindicato Profesional de Autores y Compositores, donde, junto a la compositora y pianista venezolana María Luisa Escobar, emprendió una lucha por el reconocimiento de los derechos de autor. En 1931, regresó a Caracas para volver después a Estados Unidos, manteniendo una rutina de viajes entre las dos ciudades. El 1 de octubre de 1949 fue nombrado director artístico de la emisora caraqueña Radio Rumbos, entonces recién establecida.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsgaTG_E-3JLRzjqBspOT3xYWvbPo-TYUeyAPEryGi0bb1c1H_mn7RmbGZA82XyfXwQ-Met5qZ1f9iR80Vk7N_C0WF15HWMg7xEqxyvXJCPRD5abErY-JD0pjCRwMEN6ik45s50ISTcno/s1600/beatriz-eugenia-sello2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="893" data-original-width="544" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsgaTG_E-3JLRzjqBspOT3xYWvbPo-TYUeyAPEryGi0bb1c1H_mn7RmbGZA82XyfXwQ-Met5qZ1f9iR80Vk7N_C0WF15HWMg7xEqxyvXJCPRD5abErY-JD0pjCRwMEN6ik45s50ISTcno/s320/beatriz-eugenia-sello2.jpg" width="194" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">4.<span style="white-space: pre;"> </span></span><span style="color: #274e13;">Gracias a las amables peticiones de los radioescuchas, presentaremos la voz de la cantante yucateca </span><span style="color: red;">Beatriz Eugenia,</span><span style="color: #274e13;"> nacida el 24 de febrero de 1926. Su nombre real era Betty Semera Mena, mejor conocida como Beatriz Eugenia. Según datos Luis Pérez Sabido, Beatriz Eugenia cantó, de 1938 a 1944, en las radioemisoras XEMC, XEFC y XEZ de la península yucateca, sin embargo, en 1945 viajó a la ciudad de México donde tuvo una intensa actividad artística, tanto en radioemisoras y centros nocturnos de la capital, además de haber viajado por toda la República y Guatemala. En la ciudad de México se relacionó laboralmente con su paisano Miguel Ángel Torres. Según datos de Mario Bolio García, con él, a dueto, grabó en 1946 un disco de 78 rpm para la marca “Peerless”, los temas “La borrachita”, de Tata nacho, y “La barca de oro”, de Abundio Martínez. Para 1947, ya formaba parte del elenco artístico de la “catedral de la radio”, la XEW. De 1950 a 1972 cantó en la famosa XEW con las orquestas de Agustín Lara, Sabré Marroquín, Mario Ruiz Armengol, Los Hermanos Domínguez y otras. En compañía del cuarteto Armónico hizo doblajes para las películas de Walt Disney. Grabó varios discos como solista y también con el cuarteto. Efectuó varias giras por Estados Unidos y la República de Guatemala. Luis Pérez sabido agrega que Beatriz Eugenia tuvo a su cargo el centro nocturno El Carruaje y el piano bar Peregrina durante los años 70, ya en la ciudad de Mérida. Antes, en 1971, había formado parte del elenco de La cueva de Amparó Montes. Beatriz Eugenia murió el 19 de junio de 2006.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKw3iV9kX83GOtyxETWkP6E07n5UB1ivvw5amPtCZo6uw2AM7c8YjTkx1MpK3W32VrtTOr23zJQdx2DfgmIBWeYXF4EDydZWqRewERD-Ixo70AEI9TUxnd8Mzq2daqIR2iOf80RP0ylNo/s1600/NG_C-0065_001.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="842" data-original-width="700" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKw3iV9kX83GOtyxETWkP6E07n5UB1ivvw5amPtCZo6uw2AM7c8YjTkx1MpK3W32VrtTOr23zJQdx2DfgmIBWeYXF4EDydZWqRewERD-Ixo70AEI9TUxnd8Mzq2daqIR2iOf80RP0ylNo/s320/NG_C-0065_001.jpg" width="266" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">5.<span style="white-space: pre;"> </span></span><span style="color: #274e13;">Ya que andamos por tierras yucatecas, presentaremos algunos garbanzos de a libra en la voz de </span><span style="color: red;">Guty Cárdenas</span><span style="color: #274e13;">, de sus grabaciones en las que su crédito aparecía como Yucho. Los temas en cuestión serán entre otros, “Yo soy mexicano puro”, corrido mexicano de Adán Zamora, y “Paseándome por el campo”, esta última canción con el dueto Yucho y Fito y de la autoría de José López Alavez. Recordemos que, en México, Guty escribió algunos corridos usando el seudónimo de “Yucho”, entre ellos podrían mencionarse el Corrido del aviador Carranza, Pablo Sidar, Álvaro Obregón y La república en España. Según el sitio Wikimexico, Guty Cárdenas firmó 35 canciones con su nombre, 13 con su seudónimo "Yucho" y compuso dos más con la colaboración de otras personas, sumando 50 canciones originales, además, se sabe que realizó cuatro arreglos, tres firmó con su nombre y el restante con seudónimo. Otros biógrafos recuerdan que Guty fue un compositor muy cuidadoso: corregía sus creaciones y las modificaba hasta quedar enteramente satisfecho siguiendo la tradición yucateca (olvidada después) de tomar letras de poetas y letristas profesionales, por ejemplo, Guty extrajo la letra de su canción “Flor” de un poema que el venezolano Juan Antonio Pérez Bonalde dedicara a su hija muerta. La segunda estrofa de la canción la escribió especialmente para Guty, el poeta exiliado en Mérida (también venezolano), Diego Córdoba. Otra canción famosa, “Rayito de sol” fue inspirada por un poema del yucateco Ermilo Padrón López. Guty fue, junto a Pepe Domínguez y Ricardo Palmerín, tal vez los más grandes de la música romántica yucateca. Un personaje de bohemia y generosidad, de cantina y amigos. Murió cuando empezaba a vivir.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJx06a9XWebeQHkUpw-5j9yMzYZvPeQ09VTStZh0pr6z8saX1zEvhG8YRwSusSis4JlR0c05Umcq6QGt3Y3nI_cJBuZpK5IeDByjPOvGQ63FcbwWXCkTexPOhJC40duWXkd3KOEarBeV8/s1600/tele-old.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="630" data-original-width="1000" height="201" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJx06a9XWebeQHkUpw-5j9yMzYZvPeQ09VTStZh0pr6z8saX1zEvhG8YRwSusSis4JlR0c05Umcq6QGt3Y3nI_cJBuZpK5IeDByjPOvGQ63FcbwWXCkTexPOhJC40duWXkd3KOEarBeV8/s320/tele-old.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">6.<span style="white-space: pre;"> </span></span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos diversas canciones de antaño dedicadas al fabuloso invento llamado </span><span style="color: red;">“Televisión”</span><span style="color: #274e13;">. Los dos primeros pasos de la televisión en México, en su etapa experimental, se remontan al año 1934. Guillermo González Camarena, un joven de 17 años, estudiante del Instituto Politécnico Nacional, realiza experimentos con un sistema de televisión de circuito cerrado, en un pequeño laboratorio montado en las instalaciones de la estación de radio XEFO. La primera transmisión en blanco y negro en México, se lleva a cabo el 19 de agosto de 1946, desde el cuarto de baño de la casa número 74 de las calles de Havre en la capital del país, lugar de residencia del ingeniero Guillermo González Camarena. Fue tal el éxito, que el 7 de septiembre de ese año, a las 20:30 h, se inaugura oficialmente la primera estación experimental de televisión en Latinoamérica; XE1GC. Esta emisora transmitió los sábados, durante dos años, un programa artístico y de entrevistas. En septiembre de 1948, se inician transmisiones diarias desde el Palacio de Minería de la "Primera Exposición Objetiva Presidencial". Miles de espectadores son testigos gracias a los aparatos receptores instalados en las vitrinas de algunos comercios y vestíbulos de salas de cine. Por todos estos hechos, se le conoce como el “Padre de la televisión mexicana”. El primer canal comercial de televisión en México y América Latina se inaugura el 31 de agosto de 1950, un día después, el 1 de septiembre, se transmite el primer programa, con la lectura del Informe de Gobierno del Presidente de México, Lic. Miguel Alemán Valdés, a través de la señal de XHTV-TV Canal 4 de la familia O'Farrill.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEgE6Fq1JFQSRYJMMxQq71OCsrO3w_JYLdZ-6qtS7kA_Df4xFHGeVtKOLs1IFbWAPe0T-KQ1IsU8R2f9UaHOyHR0uU2cegVyR2iB1CM7DlJxIQMQzCq0NT8REzOqahxNDUdGsRKJNH0yc/s1600/Alejandro+Rivera+con+el+equipo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="863" data-original-width="792" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEgE6Fq1JFQSRYJMMxQq71OCsrO3w_JYLdZ-6qtS7kA_Df4xFHGeVtKOLs1IFbWAPe0T-KQ1IsU8R2f9UaHOyHR0uU2cegVyR2iB1CM7DlJxIQMQzCq0NT8REzOqahxNDUdGsRKJNH0yc/s320/Alejandro+Rivera+con+el+equipo.jpg" width="293" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">7.</span><span style="color: #274e13; white-space: pre;"> </span><span style="color: #274e13;">Este 27 de septiembre se cumplen 8 años del fallecimiento, a la edad de 84 años, de </span><span style="color: red;">Alejandro Rivera</span><span style="color: #274e13;">, digno cantante que con su voz y su falsete hizo vibrar las fibras más sensibles. Nacido en el municipio Chilapa, estado de Guerrero, el 1 de junio de 1927, inició, desde muy joven, su extensa y exitosa carrera como juglar que, con voz privilegiada, llevó por todo el mundo las canciones tradicionales de su tierra, a la que ha sabido representar con prestancia e hidalguía, haciendo importantes aportaciones al Huapango, expresión popular arraigada en el sentimiento del pueblo mexicano. Con David Zaízar y Miguel Aceves Mejías, fue exponente de un estilo único e inimitable al entonar la melodía con una vibración especial, obteniendo belleza e integridad al sonido. Alejandro Rivera fue un maestro alcanzando notas agudas por encima del registro normal, imprimiéndole un estilo personal que lo acredita como el “Falsete de México”. Sus actuaciones en la televisión y el cine datan de 1952, cuando comenzó propiamente su vida artística al lado de los artistas Javier Carrillo y Ángel Pérez, con quienes integró el afamado Trío Los Pastores. Don Alejandro grabó más de un millar de canciones, cuyos testimonios se encuentran en las placas de los sellos RCA Victor, Rex, Orfeón, Columbia, Peerless y Cisne entre los de superior jerarquía. En su biografía, nuestra colaboradora Liliana Vargas expresa de él: Alejandro Rivera, es un amigo a quien comencé por admirar en su arte, y terminé por otorgarle un cariño muy especial. Él, es una de esas personas que no transitan inadvertidas por la vida, porque su profunda calidad humana lo hace trascendente.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcMeeXEuXhPokXIpPbRrpEcF0DqpLdarxeEKLrWGnfNK72zblmXL3ChaF3XcGtV9ivmP8mkG_n5NcdjihiBILR3f73If0ElI8MDqWFGH2LL_46jDPHdlzjf2kodjadSiCcH7p3ofEyjyM/s1600/gaston+perez.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="516" data-original-width="771" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcMeeXEuXhPokXIpPbRrpEcF0DqpLdarxeEKLrWGnfNK72zblmXL3ChaF3XcGtV9ivmP8mkG_n5NcdjihiBILR3f73If0ElI8MDqWFGH2LL_46jDPHdlzjf2kodjadSiCcH7p3ofEyjyM/s320/gaston+perez.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">8.<span style="white-space: pre;"> </span></span><span style="color: #274e13;">Estamos contentos porque este viernes nuestro amigo y colega </span><span style="color: red;">Félix Hurtado</span><span style="color: #274e13;">, reiniciando con su serie de colaboraciones, desde Maracaibo, Venezuela, nos ha enviado un trabajo realmente interesante sobre el origen e historia del bolero “Sinceridad”, del compositor nicaragüense </span><span style="color: red;">Rafael Gastón Pérez,</span><span style="color: #274e13;"> nacido en Managua, Nicaragua, el 26 de febrero de 1917 y fallecido el 4 de febrero de 1962. Desde los cinco años de edad ya ejecutaba la Marimba de arco de fuerte granadillo y conformó un trío con su madre y una tía, conocido como la "Pequeña Familia de los Managuas", que solía amenizar fiestas sociales en esa ciudad. La inquietud musical de Gastón Pérez, le llevó a fundar magníficos conjuntos y orquestas como: "Black Cats", "La Marimba Estudiantil" de don Abraham Sánchez, "Casino Olímpico". En poco tiempo se constituyó en una reconocida figura de la canción romántica nicaragüense, destacó como gran compositor y músico, logrando tal popularidad que trascendió las fronteras de su país fundamentalmente debido a la forma virtuosa y perfecta de ejecutar la trompeta, su instrumento predilecto pues fue polifacético al ejecutar con maestría diversos instrumentos como: guitarra, bajo, percusión, marimba, xilófono y piano. Su más famoso bolero es la exquisita melodía nombrada "Sinceridad", que fuera grabada internacionalmente por primera vez por Lucho Gatica con el trío "Los Peregrinos", cuando este intérprete recién iniciaba su exitosa carrera musical y que gracias a este bolero recibió un gran impulso constituyéndose en una de las canciones más importantes de su carrera. Muchos otros cantantes internacionalmente también han grabado este tema y Feliz Hurtado en su cápsula nos presentará un collage de algunas de esas grabaciones. </span><span lang="ES" style="text-indent: -21.25pt;"><span style="color: #274e13;">(Foto: https://www.el19digital.com).</span></span><br />
<div class="MsoListParagraph" style="margin-bottom: 8.0pt; margin-left: -14.2pt; margin-right: -28.45pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -21.25pt;">
<span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwpSp4nzTl4p-l3wJKXW5Nd5Ga-T3O6NX_62Tzj017YwrgZCDDs9Yzf-6gSurYOaAHUi2ojOkkfWcRTWTEkO6Xy1XFbAill0pfYD2TDphEZeWx-8rwAmaOD2yc93WBeHQiQvKrikCTFI0/s1600/leo_marini.jpg.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1430" data-original-width="1430" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwpSp4nzTl4p-l3wJKXW5Nd5Ga-T3O6NX_62Tzj017YwrgZCDDs9Yzf-6gSurYOaAHUi2ojOkkfWcRTWTEkO6Xy1XFbAill0pfYD2TDphEZeWx-8rwAmaOD2yc93WBeHQiQvKrikCTFI0/s320/leo_marini.jpg.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;">9.<span style="white-space: pre;"> </span></span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la primera de dos partes de la semblanza de un invitado internacional: </span><span style="color: red;">Leo Marini</span><span style="color: #274e13;">. Escuremos una conversación con Raúl Cayrol, productor y conductor de programas de radio en Argentina, quien nos platicará aspectos importantes en la vida de Leo Marini. La historia para Alberto Batet Vitali, mejor conocido como Leo Marini, comienza el 23 de agosto de 1920, cuando llega al mundo en la ciudad de Mendoza, Argentina. Leo Marini se inspiró al escuchar muchas canciones entonadas por tres cantantes mexicanos: José Mojica, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu. La suerte se colocó de parte de Alberto, cuando el afamado tenor lírico español Juan Díaz Andrés llegó a Mendoza. Marini lo escuchó cantar por LV 10 Radio Cuyo, que era la única emisora del pueblo y de manera inmediata buscó su asesoría musical, por lo que durante un año le enseñó la técnica del buen cantar, alejándole la manía de imitar a Juan Arvizu por que perdía dicción y originalidad, lo aconsejó para que siempre interpretara música suave y melodiosa que sería el cimiento para la obtención de su propio estilo. En 1941 con un grupo de amigos viaja a Chile, donde es contratado para cantar en salas de baile y radio de Valparaíso y Viña del Mar, donde conoce al pianista cubano Isidro Benítez. Con esta agrupación, Leo Marini hace sus primeras grabaciones: "Virgen de media noche", del mexicano Pedro Galindo; "Cerca de tí” e "Inútilmente", ambas de Luis Aguirre y "Puedes irte de mí" de Agustín Lara. En 1942 y ya en Argentina, José Rocha, amigo suyo y propietario de una emisora radial provincial, le consigue un excelente contrato de cuatro años en la famosa Radio Belgrano de la capital argentina, propiedad de Jaime Yankelevich.</span></div>
<br />
<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">27 de SEPTIEMBRE de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México.</span><br />
<span style="color: blue;"><br /></span>
<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span><br />
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-70742763961938762242019-09-16T21:38:00.002-05:002019-09-16T21:38:34.979-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE SEPTIEMBRE DE 2019<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE SEPTIEMBRE DE 2019</span><br />
<span style="color: red;">* Ramón Armengod: De joyero a figura de la música y del cine </span><br />
<span style="color: red;">* Oiremos en la sección Rincón norteño, al dueto Gaytán y Cantú</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos a Lupita Alday, figura nacida en Izúcar de Matamoros. José Mojica y sus recuerdos de Cuba. En Rinconcito arrabalero los Trovadores de Cuyo. Las Padilla en La Carpa</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, seguimos con canciones sobre la Independencia de México, y en La Cadena del recuerdo, semblanza de Jaime Nolla Reyes, a 110 años de su nacimiento</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG-Ipiiz5jPPu8WiWr2iu6NyffgP8QnuRxp6yoNi7RRjeI_kztR7v400IMiE0IXd_Ovf5z93T0k7puHwnZmTbzWLZKNDf0RIPJN8y7eJOKI20w1IXfuErHdA_2f9bUcUPS8TNNJZrUxuI/s1600/vate-lopez-mendez-y-armengod-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="903" data-original-width="841" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG-Ipiiz5jPPu8WiWr2iu6NyffgP8QnuRxp6yoNi7RRjeI_kztR7v400IMiE0IXd_Ovf5z93T0k7puHwnZmTbzWLZKNDf0RIPJN8y7eJOKI20w1IXfuErHdA_2f9bUcUPS8TNNJZrUxuI/s320/vate-lopez-mendez-y-armengod-sello.jpg" width="298" /></a></div>
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<span style="color: #274e13;">1. Este viernes recordaremos la voz de Ramón Armengod, quien nació en el puerto de Veracruz el 10 de octubre de 1909, de padres españoles, desde muy joven había mostrado una gran habilidad para una carrera musical, pero a fin de no disgustar a sus padres, trabaja como dependiente de una joyería; sin embargo, a pesar de su esfuerzo, le fue imposible continuar en este trabajo y de nuevo volvió a la música. Cuando cumple 18 años de edad, Ramón hace su debut con la compañía de Margarita Carbajal en el Teatro Esperanza Iris, en la ciudad de México, interpretando la parte de un joven caballero en las operetas; a la par encontró un lugar en las famosas estaciones XEB y XEW e incursiona en el cine. Su momento definitivo le llegó en 1935, cuando inicia en la XEW el programa "Melodías radiantes" y filma bajo la dirección de Fernando de Fuentes la película La familia Dressel, ambos eventos lo confirmaron como un artista de arraigo popular. Hacia mediados de los treinta, Armengod ya era una figura popular y hace amistad con varios aspirantes a estrellas como Tito Guízar, a quien recomendó hacer la película que lo haría inmensamente popular (Allá en el Rancho Grande (1936)), Jorge Negrete y Emilio Tuero, con quien forma el dueto "Par de ases". Es entonces que les proponen hacer una gira en Estados Unidos, pero debido a que la carrera de Tuero iba en ascenso en México, además de tener otros contratos, este desiste. Entonces Ramón le propone a Jorge Negrete que lo acompañe, este acepta y se presentan en Nueva York como "The Mexican Caballeros" para la cadena NBC. El dueto se desintegró en abril de 1937. Ramón regresa a México y Jorge intenta audicionar para formar parte del elenco del Metropolitan Opera House, pero no lo consigue. Posteriormente Ramón regresa en 1938, ya que ha sido contratado para aparecer como solista invitado con la Orquesta de Guy Lombardo para cantar en los programas de Lady Esther a través de NBC.</span></div>
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<span style="color: #274e13;">2. En la sección La Carpa escucharemos tres canciones con tono jocoso en las voces de las Hermanas Padilla, Margarita y María Padilla Mora, quienes comenzaron a grabar en el año de 1936 en la ciudad de Los Ángeles. Destacaron como fieles intérpretes del sonorense Manuel S. Acuña quien las dirigió en sus primeras grabaciones. Son originarias de Tanhuato, Michoacán. Su familia emigró a California en la década de 1920 y pronto se iniciaron en la actividad artística a instancias de su padre, empezando sus presentaciones en radio a mediados de los años treinta y su primera grabación en 1937, con los temas “Por qué será” y “La barca de oro”. El dueto alternó canciones mexicanas con corridos y boleros como “Mis ojos me denuncian”, “Confesión” y muchos otros, convirtiéndose en importantes difusoras de la música popular mexicana, inicialmente en los Estados Unidos y la frontera norte de nuestro país, pero en poco tiempo también se difundieron por todo México, Centro y Sudamérica, convirtiéndose desde entonces en dignas representantes del género durante toda una época. Sus discos contribuyeron a formar la llamada “música de carrilera” en Colombia, donde siguen siendo muy populares. María fue también la voz femenina del dueto Azteca. Agustín Gurza destaca que las muchachas empezaron a cantar juntas desde muy joven, animadas por su padre, quien les pagaba cinco centavos por dos canciones y diez centavos por corridos más largos. Durante los 1930, se hicieron populares en las fiestas y concursos de talentos del barrio, incluso las recaudaciones de fondos para las iglesias locales. Su primer reconocimiento formal llegó cuando ganaron el primer lugar en un concurso de talentos que se llevó a cabo en un parque en Pico Rivera. Poco después, aparecieron en el programa de radio de Ramón B. Arnaiz, basado en Los Ángeles, en el cual empezaron a cantar con Chicho Y Chencho, quienes formaron parte del grupo popular Los Madrugadores, que aparecía en la radio en Los Ángeles.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFff7sn297Gmbiau3Qeq1ampAio0NRGYvPIVLtZfcV_5dGog8Wl9EbwHGoKRW8RfFTawzm1Fi-i8BJfgguxt7kD-aAABtEmkCLBdJhf50HMp3Qo-yty_lxjqsX_tlNehBrXP5yN98JNrY/s1600/gaytanycantusello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="935" data-original-width="628" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFff7sn297Gmbiau3Qeq1ampAio0NRGYvPIVLtZfcV_5dGog8Wl9EbwHGoKRW8RfFTawzm1Fi-i8BJfgguxt7kD-aAABtEmkCLBdJhf50HMp3Qo-yty_lxjqsX_tlNehBrXP5yN98JNrY/s320/gaytanycantusello.jpg" width="214" /></a></div>
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<span style="color: #274e13;">3. Gracias a las amables peticiones de los amigos radioescuchas, escucharemos en la sección Rincón Norteño al dueto de música norteña Gaytán y Cantú. El dueto Gaytán y Cantú estaba conformado por Juan Gaytán y Timoteo Cantú. De ellos hay poca información de su carrera musical, grabaron una gran cantidad de discos de 78 revoluciones por minuto, principalmente en el área fronteriza de México y Estados Unidos, básicamente para los sellos discográficos Vocalion, al inicio de su carrera y para el sello IDEAL, posteriormente, aunque en este sello aparece el dueto integrado por Frank Cantú, en lugar de Timoteo, y Juan Gaytán. También hay varias grabaciones realizadas para el sello Okeh y Columbia. Gaytán y Cantú grabaron principalmente corridos, pero también existen muchas canciones de amor y temas rancheros. Entre las agrupaciones que los acompañan en sus discos podemos encontrar a Felipe y sus Cuates, orquestas diversas, Los Trovadores Alegres y otros. Hay discos donde aparecen como Gaytán, Cantú y Rodríguez con guitarras. Como decíamos en algunos discos aparece Frank Cantú acompañando a Juan Gaytán. Por su parte Timoteo Cantú también hizo dueto con Jesús Maya. Este viernes los escucharemos en El Rincón Norteño con varios temas.</span></div>
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<span style="color: #274e13;">4. </span><span style="color: #274e13;">En la voz de la bolerista poblana Lupita Alday escucharemos algunos boleros de los años treinta. María Guadalupe Alday, su nombre correcto, nació en Izúcar de Matamoros, Puebla. Según Héctor Madera Ferrón, Lupita Alday era secretaria ejecutiva y a principios de los años cuarenta decidió irse al Distrito Federal para participar en un concurso que organizó la brillantina Glostora y en el que se pretendía encontrar una nueva intérprete de Agustín Lara. Con la canción “Bendita palabra” resultó ganadora en el año de 1942. A partir de ese momento comenzaron sus giras, programas de radio en la XEW, centros nocturnos y teatros. Lupita Alday fue contratada para actuar en Cuba porque gracias a la radio ya era muy conocida en la isla. El empresario cubano Gaspar Pumarejo fue quien le puso el nombre de “La voz que enamora” y así era anunciada en la le emisora de radio cubana CMQ. Como todas las cancionistas guapas de la época, Alday participó en el cine mexicano, en alguna película que con algún pretexto incluía números musicales. Manuel Bauche Alcalde afirmaba sobre Alday: “Es la voz que nos trae los amores idos, la ilusión perdida, todo lo que nos perfuma el alma y llena de suspiro. Voz que envuelve de poesía una tarde cualquiera y nos lleva a la bruma del ensueño”. Lupita Alday murió el 24 de septiembre de 1994. (Texto e imagen: AMEF).</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1Nu5HZpB9npRRjzxOOX-1Uwdp2YN59KQmjQk21vny8Y9MpR-XLIOLGA3hE7GVtwRliPhWJ1I6czNVDGvYDUKXkDjIR8Tr2sgOl3Ugnr2d_OvTSeh_qmqvj7uUYyggh6cYaD9Nn9MZrhg/s1600/LOS+TROVADORES+DE+CUYO+de+izq.+a+der.LINO+CEBALLOS%252C+TOMAS+LUCERO%252CHILARIO+CUADROS+%252C+JUAN+CISNEROS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="540" data-original-width="960" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1Nu5HZpB9npRRjzxOOX-1Uwdp2YN59KQmjQk21vny8Y9MpR-XLIOLGA3hE7GVtwRliPhWJ1I6czNVDGvYDUKXkDjIR8Tr2sgOl3Ugnr2d_OvTSeh_qmqvj7uUYyggh6cYaD9Nn9MZrhg/s320/LOS+TROVADORES+DE+CUYO+de+izq.+a+der.LINO+CEBALLOS%252C+TOMAS+LUCERO%252CHILARIO+CUADROS+%252C+JUAN+CISNEROS.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: #274e13;">5. En la sección Rinconcito Arrabalero, escucharemos a Los Trovadores de Cuyo, una agrupación folclórica argentina iniciado en la provincia de Mendoza en el año 1927. Son reconocidos no solo por su trayectoria sino también por la gran cantidad de músicos que pasaron entre sus filas. Muchas de sus composiciones se basan en temas de la cultura mendocina y en sus costumbres más tradicionales: el vino y la tonada. Los Trovadores de Cuyo fue fundado por los cantores Hilario Cuadros y el sanjuanino Domingo Morales (apodado el Quiñao) a fines de los años 1920 en Mendoza. Al principio, el dúo se hacía llamar Cuadros-Morales. Hacia 1927, decidieron probar suerte en Buenos Aires y un periodista mendocino, editó un artículo titulado "Se van Los Trovadores de Cuyo" que, posteriormente, sería el nombre de la agrupación folclórica. Ese mismo año grabaron su primer disco con el sello Columbia Records. Contenía dos temas: la chacarera «Prenda de mi corazón» y el vals «Deseando», ambos compuestos por Cuadros. Aproximadamente entre los años 1929 y 1930, se incorporaron al dúo los guitarristas Alberto Quini y Roberto Puccio y comenzaron a realizar giras por diversos países, entre ellos Chile y Perú. Hasta principios de la década de 1930, el conjunto estuvo conformado por Cuadros, Morales, Puccio y Quini. En el año 1956, Los Trovadores de Cuyo volvieron a ser contratados por Radio Belgrano para iniciar un nuevo ciclo, Debajo un Parral Cuyano. El 8 de diciembre de ese mismo año, falleció Hilario Cuadros debido a un fallo renal, en su casa del barrio de Villa del Parque en Buenos Aires, a solo quince días de cumplir cincuenta y cuatro años de edad.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjq8VMas3WGEAAfGA491IsqcAFJMG1lEDjRlwEiuo6nwieA8dl0qhS3DtGfejUZI2WyN_W7xSsE2PuAk7s71P_wg9QfohN8ekQhS17gaIguAESHq2JNzKCxzBrrKmQm8PzWgp7LkmOhEAo/s1600/Jaime+Nolla+Reyes-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="922" data-original-width="788" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjq8VMas3WGEAAfGA491IsqcAFJMG1lEDjRlwEiuo6nwieA8dl0qhS3DtGfejUZI2WyN_W7xSsE2PuAk7s71P_wg9QfohN8ekQhS17gaIguAESHq2JNzKCxzBrrKmQm8PzWgp7LkmOhEAo/s320/Jaime+Nolla+Reyes-sello.jpg" width="273" /></a></div>
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<span style="color: #274e13;">6. </span><span style="color: #274e13;">Hace 110 años, el 23 de septiembre de 1909, nació el cantante Jaime Nolla Reyes, llamado también El tenor de la hora azul. Este viernes lo recordaremos con algunas de sus canciones, así como una semblanza de él en la sección La cadena del recuerdo. Fue en la ciudad primaveral de Cuernavaca, Morelos, en donde vino al mundo este cantante que hoy poco se recuerda. Jaime Nolla fue un cantante proveniente de una familia de artistas que realizaba giras por varios estados de la República Mexicana e incluso por otros países, de ahí la confusión de que algunos lo consideraran como nacido en Honduras, lugar al que la familia visitó debido a sus presentaciones artísticas. Nolla fue un bolerista de los años cuarenta que actuó en la emisora XEW y en otras estaciones de radio. Fue uno de los primeros que llevaron al disco boleros como “Despedida” de Pedro Flores y” Chacha linda” de los Hermanos Martínez Gil, entre otros. Aunque también grabó otros géneros como tangos, Melodía de arrabal y Beso de Mujer. Grabó además algunos duetos con su esposa. De acuerdo con datos de Héctor Madera Ferrón, Nolla Reyes salta a la fama en el año de 1935 y logra ocupar un lugar de privilegio. “Durante mucho tiempo yo grabé cuatro canciones quincenales con la Peerlesss”, comenta Nolla Reyes, quien agrega “esa era la razón por la que todos los compositores noveles se acercaban para darme canciones y que las grabara. A esa gente siempre me gustó siempre darle la mano, un ejemplo claro de ello fue Federico Baena”. En el año de 1967 decidió poner fin a su carrera y dedicarse a otras de sus pasiones: la escultura y la pintura. Nolla Reyes decidió retirarse ante su público en el hotel tamaulipeco “Imperial” con un recital inolvidable.</span></div>
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<span style="color: #274e13;">7. José Mojica murió en Lima, Perú, el 20 de septiembre de 1974, había nacido en San Gabriel, Jalisco, 14 de septiembre de 1895. Escribe Leonardo Depestre Catony: Corre diciembre de 1931 y los jardines del Hotel Nacional, a un año apenas de su inauguración, están extraordinariamente animados. Una numerosa población femenina integrada por elegantes damas de todas las edades invade la planta baja de la edificación, ocupa los salones de espera y se pasea bajo los balcones. Ello es debido a la presencia en una de las suites del divo mexicano José Mojica, recién llegado a La Habana, donde tiene previstos dos conciertos, los días 14 y 16 de ese mes, en el Teatro Nacional. El periodista de Bohemia que llega hasta su habitación y lo entrevista anota en el cuaderno: «Mojica es un hombre agradable. Todo en él tiene un encanto de atracción íntimamente amable». Las actuaciones no defraudan y el cantante actor se gana los elogios de la crítica, los de cuantos lo admiran y abarrota el Teatro Nacional. Años después, vino lo inesperado, que con los días y las semanas se confirmó como noticia: el protagonista de El precio de un beso, Ladrón de amor, Hay que casar al príncipe, Mi último amor, La ley del harén, El rey de los gitanos, La cruz y la espada, Un capitán de cosacos, Fronteras del amor, películas de mucha taquilla en Hispanoamérica y Estados Unidos, el galán mexicano que causó furor, abandonaba la vida alegre de teatros y estudios de filmación, de viajes y riquezas, para incorporarse a la disciplina eclesiástica. En 1947, fray José Francisco de Guadalupe se ordena en Lima de sacerdote. Sin embargo, lejos de extinguirse, la leyenda se acrecienta, ya veremos por qué. (Fuente: www.cubanow.net y https://www.dcubanos.com/).</span></div>
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<span style="color: #274e13;">8. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una entrevista con un investigador de la Universidad de Guadalajara para hablarnos sobre la música del periodo de la Independencia de México.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">20 de SEPTIEMBRE de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-78857211025274518172019-09-09T22:29:00.006-05:002019-09-09T22:30:52.985-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 13 DE SEPTIEMBRE DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 13 DE SEPTIEMBRE DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* Nos pondremos a tono con las fiestas patrias con el Cuarteto Metropolitano </span></div>
<span style="color: red;"> * Oiremos canciones dedicadas a Miguel Hidalgo, a los Niños Héroes, y a México en general</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos a Pepe Guízar, Felipe Bermejo, Lucha Reyes, Pedro Infante, las Dos Rosas, Juan de Dios Peza, Abrego y Picazo, Hnas. Padilla, Manolita Arriola, Hnas. Barraza, Charro Avitia</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, segunda parte de la semblanza de Marco Antonio Vázquez, y en La Cadena del recuerdo, biografía de Eva Garza</span><br />
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<span style="color: red; text-align: justify;">1. </span><span style="color: #274e13; text-align: justify;">Este 13 de septiembre nos pondremos a tono con las fiestas patrias y presentaremos un programa muy mexicano en <i>Hasta que el cuerpo aguante</i>. Escucharemos diversas canciones con un toque mexicano, además de temas que hablan sobre hechos históricos como el grito de independencia, los héroes nacionales de independencia y otros acontecimientos históricos de este mes de septiembre. Una de las figuras musicales que recordaremos con temas patrióticos es </span><span style="color: red; text-align: justify;">Felipe Bermejo Araujo</span><span style="color: #274e13; text-align: justify;">, quien nació en la ciudad de México el 12 de noviembre del 1901. Quedó huérfano muy joven y para mantener a sus seis hermanos consiguió trabajo como chófer de Don Venustiano Carranza. Estudio en la Escuela Libre de Comercio, pero nunca ejerció su profesión, pues su gusto más bien se inclinaba a escribir versos, estudio solfeo, armonía, instrumentación, canto, guitarra y piano. En 1929 a la edad de 28 años inicio su carrera como cantante y compositor. En 1931 formó junto con Juan Villanueva el dueto Villanueva-Bermejo, tras la muerte de Villanueva integró el trío Acapulco, para más tarde formar el </span><span style="color: red; text-align: justify;">Cuarteto Metropolitano</span><span style="color: #274e13; text-align: justify;">, con el cual logro sus mayores éxitos. Cantó ópera como barítono, presentándose en foros internacionales en Cuba y Estados Unidos de América. La versatilidad como compositor de Felipe Bermejo lo llevó a crear temas en géneros tan variados como el ranchero, el bolero, el corrido norteño e incluso el vals, desarrollando también diversas temáticas. Por ejemplo, la crítica social se puede apreciar en su canción “Los camiones” de la película “Esquina bajan”. El maestro Bermejo compuso la música de fondo de películas de ambiente campirano como “El Charro Negro”, y “La Vuelta del Charro Negro”. Actuó en varias cintas como “Rancho alegre”, en la que aparece cantando con su Cuarteto Metropolitano. Felipe Bermejo Araujo murió el 27 de septiembre de 1989.</span><br />
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Otro compositor que le escribió a México hermosas canciones fue </span><span style="color: red;">José <i>Pepe </i>Guízar</span><span style="color: #274e13;">, a quien le decían El pintor musical de México. Pepe Guízar fue un compositor mexicano de música popular. Es autor de canciones rancheras, sones jaliscienses y boleros. Nació en Guadalajara, Jalisco el 12 de febrero de 1912 y murió el 27 de septiembre de 1980. Realizó sus primeros estudios en su ciudad natal y se trasladó a la Ciudad de México en 1928, donde realizó estudios de música, declamación y poesía. Se interesó por la composición en 1930 cuando Agustín Lara triunfaba en el Teatro Politeama; sentía que en lo personal podía cantar al amor como Lara, haciendo versos y poniéndole música a imitación de Tata Nacho, pero con esencia folclórica; así surgió su primera creación: Guadalajara. En la radiodifusora XEW fue bautizado atinadamente como “El pintor musical de México” porque sus composiciones dibujan la geografía musical de México. Fue un compositor folclórico que se esforzó por vestir de gala a la canción mexicana; la llevó más allá de las tabernas y los barrios para introducirla a los salones haciéndola competir con el tango y el bolero, cuando éstos estaban de moda. Enamorado de la provincia mexicana y con profundo arraigo nacional le cantó a México, a su gente, al mariachi y al pueblo de Jalisco. Además de otras canciones compuso “Guadalajara”, “Tehuantepec”, “Corrido del Norte”, “Como México no hay dos” y “Acuarela potosina”. Y precisamente este viernes presentaremos en el programa la voz del propio Pepe Guízar con diferentes temas de su inspiración y dedicados a México: “Mi patria es así”, “Como México no hay dos” y “Tehuantepec”.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmqyv_kCd-hO5Zj9qDKQjYpfm9Zi0eaNaNYxCmVkNKrAJnzAQn6oYSt4TJZyplLhAquLURIio8Y4wDb8-mfHDiG6VeN-M-voPvuSWpKpCJy1cyuISiUAy1k1P8NYsSt_5J9_CckKy-Wa4/s1600/Miguel-Hidalgo-640x581.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="581" data-original-width="640" height="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmqyv_kCd-hO5Zj9qDKQjYpfm9Zi0eaNaNYxCmVkNKrAJnzAQn6oYSt4TJZyplLhAquLURIio8Y4wDb8-mfHDiG6VeN-M-voPvuSWpKpCJy1cyuISiUAy1k1P8NYsSt_5J9_CckKy-Wa4/s320/Miguel-Hidalgo-640x581.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">3.</span><span style="color: #274e13;"> Este 13 de septiembre, escucharemos algunas canciones dedicadas a </span><span style="color: red;">Miguel Hidalgo y Costilla</span><span style="color: #274e13;">, a quien se le considera en México “El padre de la patria”. Miguel Gregorio Antonio Ignacio Hidalgo y Costilla Gallaga Mandarte y Villaseñor nació en la Hacienda de Corralejo en Pénjamo, Intendencia de Guanajuato, el 8 de mayo de 1753 y falleció en Chihuahua, Nueva Vizcaya, 30 de julio de 1811. Fue un sacerdote y revolucionario novohispano que destacó iniciando la primera etapa de la Guerra de Independencia de México con un acto conocido en la historiografía mexicana como Grito de Dolores. Dirigió militar y políticamente la primera parte del movimiento independentista, pero tras una serie de derrotas fue capturado el 21 de marzo de 1811, después de casi 6 meses de iniciada la revuelta; y llevado prisionero a la ciudad de Chihuahua, donde fue juzgado y fusilado el 30 de julio del mismo año. En las primeras horas del 16 de septiembre, Ignacio Allende llegó a la casa cural de Dolores, donde Hidalgo se hallaba pernoctando. Tras despertarlo y charlar, además de tomar chocolate caliente por el clima frío de ese tiempo, ambos decidieron lanzarse a la lucha armada antes de que los españoles destruyeran sus planes. Alrededor de las cinco de la mañana Hidalgo, usando la campana de la parroquia, convocó a la misa patronal del pueblo y dio el Grito de Dolores, con lo que empezó formalmente la lucha por la independencia de México. Con poco más de 6000 soldados, Hidalgo, acompañado de Allende, Aldama y Abasolo inició la lucha. En pocos días entró sin ninguna resistencia en Celaya, Salamanca y Acámbaro, donde fue proclamado como capitán general de los ejércitos sublevados. En Atotonilco, entró al santuario local y tomó el estandarte de la virgen de Guadalupe, símbolo de su movimiento.</span></div>
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<span style="color: red;">4.</span><span style="color: #274e13;"> Presentaremos algunas canciones y relatos sobre un episodio de la historia mexicana que tiene como principales protagonistas a los llamados </span><span style="color: red;">Niños Héroes de Chapultepec</span><span style="color: #274e13;">, que fue un grupo de cadetes mexicanos que murieron en la Batalla de Chapultepec el 13 de septiembre de 1847 durante la Guerra mexicano-americana. Sus nombres Agustín Melgar, Fernando Montes de Oca, Francisco Márquez, Juan de la Barrera, Juan Escutia y Vicente Suárez. El argumento principal del mito heroico históricamente confirmado, descansa en que estos seis cadetes y otros 40 habían recibido la orden de Nicolás Bravo de abandonar el Castillo de Chapultepec, por entonces sede del Colegio Militar, y sus alrededores. Sin embargo, decidieron quedarse a defender la plaza ante el avance del Ejército de los Estados Unidos. Diversos pasajes de ese relato se han colocado en el imaginario social como hechos auténticos sin tener sustento histórico alguno, entre los que se cuentan la participación de los seis cadetes en el hecho de armas, de lo cual solo se tiene plena certeza en el caso de Melgar, Montes de Oca y Suárez. Asimismo dentro del mismo relato heroico, con el paso de los años y muchas décadas después, fueron incluyéndose detalles ficticios, tales como que estos cadetes fueron los últimos en morir en la batalla, que ante la carencia de municiones mataron a bayoneta calada a soldados estadounidenses, y quizá el más popular en México, que Melgar, luego Montes de Oca y finalmente Juan Escutia al ver perdido todo, se lanzó al vacío envuelto en la bandera mexicana para impedir que los estadounidenses se apoderaran de ella y murió en los riscos de las faldas del cerro de Chapultepec.</span></div>
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<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En la voz de Pedro Infante escucharemos el tema “El 15 de septiembre” de José Alfredo Jiménez, asimismo, de Lino Carrillo, escucharemos también con </span><span style="color: red;">Pedro Infante,</span><span style="color: #274e13;"> “Mi patria es primero”. Pedro Infante, actor y cantante, ganó la aceptación del público por sus cualidades de persona humilde, sencilla y llena de valores y nobles sentimientos que no pensaba dedicarse a la actuación. Sin embargo, su vida cambió en 1939 cuando viajó a la Ciudad de México para participar en concursos de canto, de los que en la mayoría lo despidieron porque no lograba dominar los nervios, lo que le impedía lucir sus conocimientos musicales. Ese mismo año Pedro apareció por primera ocasión en una película: “En un burro, tres baturros”, como extra; de ahí participó en 61 producciones. En 18 años de carrera Infante Cruz nunca hizo un personaje de villano en el cine, sin embargo, hizo reír y llorar al público con escenas como el enfrentamiento con Jorge Negrete en “Dos tipos de cuidado” o la muerte del “Torito” en “Ustedes los ricos”. Apasionado de la aviación acumuló casi tres mil horas de vuelo y fue precisamente un accidente a bordo de una aeronave que pilotaba lo que le costó la vida un 15 de abril de 1957. La unidad se desplomó en Mérida, Yucatán, poco después de despegar del aeropuerto, cuando había alcanzado unos 20 metros de altura. A su muerte a los 39 años Pedro Infante se convirtió en leyenda, pues desde entonces su música y películas permanecen en el gusto de la sociedad mexicana. Actualmente se le rinde homenaje en distintos museos dedicados a su vida y obra, ubicados en Guamúchil, Mazatlán, Cuajimalpa y Campeche.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNTD7WVEzaL4jVVsITYs87SEyesijyZ47fkZNVfJN3hjpyn-5uaWARu8B37SkCID-tM_br4KcKmPLDOBytkxUREhVdSRvg6umEoY0Jpt2KcPOwDN4nmy7UiKUmpDOB8vk07fPsfDSqtbI/s1600/Mecxico+lindo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="864" data-original-width="633" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNTD7WVEzaL4jVVsITYs87SEyesijyZ47fkZNVfJN3hjpyn-5uaWARu8B37SkCID-tM_br4KcKmPLDOBytkxUREhVdSRvg6umEoY0Jpt2KcPOwDN4nmy7UiKUmpDOB8vk07fPsfDSqtbI/s320/Mecxico+lindo.jpg" width="234" /></a></div>
<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">La canción </span><span style="color: red;">“México lindo”</span><span style="color: #274e13;"> y querido fue compuesta por el michoacano Jesús Chucho Monge. Cuenta la leyenda en al ambiente musical que Chucho Monge la escribió en 1921 a los 11 años de edad. Lo cierto es que la primera vez que el público la escuchó fue en 1945, en una grabación en donde fue interpretada por el dueto </span><span style="color: red;">Las Dos Rosas</span><span style="color: #274e13;">, conformado por Rosario Morales y su tía Eva Rosa Rodríguez de la Torre (hermana menor de su mama). En el disco del sello Peerless el titulo viene como “México lindo”, solamente, acompaña el Mariachi Perla de Occidente y se grabó como se dijo en 1945. Ese mismo año, el Trío Tariácuri grabó otra versión, pero ninguna de las dos tuvo mucho éxito. Más tarde, en 1950, Jorge Negrete apareció cantando la canción en la película “Siempre tuya”, dirigida por Emilio “El Indio” Fernández. El Charro Cantor interpreta el tema rodeado de un mariachi y el arreglo da un interesante giro con un final al estilo del huapango. Un año más tarde, Negrete grabó “México Lindo” en estudio para RCA Víctor, el sello discográfico bajo el cual estaba firmado. Acompañado por el Mariachi Pulido, estaba seguro de que sería un éxito, pero la disquera no le vio mucho potencial, así que la editó como lado B del sencillo “El rogón”. Como las dos versiones anteriores, esta grabación no causó ningún impacto en la audiencia de México. Sin embargo, a la muerte de Jorge Negrete, la canción se convirtió en el tema no oficial de la muerte de Negrete y siguió sonando en todas partes durante los días siguientes. “México lindo y querido”, como la conocen la mayoría de los mexicanos, fue creciendo en popularidad a través de las generaciones, al punto de convertirse en un emblema de la cultura mexicana, dentro y fuera del país. “México Lindo” no fue un éxito instantáneo, pero sí rotundo. Su letra, que alaba la belleza natural del país y el calor de su gente, encontró un lugar en el corazón de los mexicanos que se sienten orgullosos de serlo. Además de este tema que escucharemos con Las Dos Rosas, que fue la primera grabación, con este dueto oiremos también “Arriba México” y “Mi ranchera”. (Con datos tomados de www.cityexpress.com/blog/historia-de-nuestras-canciones-mexico-lindo-y-querido).</span><br />
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Una canción con mucho sentimiento mexicano es “Canto a mi patria”, de Guillermo Coca, a quien solo se le conoce esta composición, que fue grabada por el dueto conformado por </span><span style="color: red;">Jesús Abrego y Leopoldo Picazo</span><span style="color: #274e13;"> para el sello Victor en el año de 1907, bajo la denominación de canto patriótico. De los primeros duetos de artistas que grabaron discos en México destaca este dueto costumbrista de Abrego y Picazo, quienes a inicios de 1900 ya eran conocidos gracias a las parodias, canciones, diálogos y vaciladas que dejaron grabadas en discos de 78 rpm para el sello Victor. Jesús Abrego y Leopoldo Picazo fueron sin duda los pioneros en las grabaciones de discos en México. Junto con otro legendario dueto llamado Rosales y Robinson, Abrego y Picazo impregnaron de humor y sátiras costumbristas aquellos viejos discos de 78 rpm que hoy nos damos cuenta que todavía se pueden encontrar no sólo entre los coleccionistas mexicanos, también en otros países de América, hasta donde llegaron estos antiguos discos. Abrego y Picazo fueron de los primeros en llevar a discos no sólo cuadros y diálogos cómicos, sino también canciones populares de aquellos tiempos, como por ejemplo el que es considerado el primer bolero de la historia llamado “Tristezas” que grabaron para el sello Víctor en el año de 1908. Para esta ocasión escucharemos al dueto Abrego y Picazo pero sin su infaltable ingrediente humorístico que el dueto le imprimía a sus rústicas grabaciones. El investigador musical Pablo Dueñas escribe que hoy nadie sabe nada de Abrego y Picazo, aunque quizá anden por ahí sus tataranietos; no existe mención alguna en periódicos y revistas, ni siquiera de su tiempo, a pesar de que sus discos se vendían como pan caliente; esto es triste, ya que estos señorones hicieron una valiosa crónica de las costumbres y el habla popular del porfiriato.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwauWX76HV8S-aXqTs7atKgQhy51zxzWohxz9WLXpe5_DVeUkO1b1xrEskm6g-OYhDOQsUCz__-xjkqC8XGIBNqsQxXK2tLf9nd7rjUbxzHoBPHVRMqUo3wosq0YNEik4kPBSXRDDRXsg/s1600/lucha-reyes-mexico1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="699" data-original-width="557" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwauWX76HV8S-aXqTs7atKgQhy51zxzWohxz9WLXpe5_DVeUkO1b1xrEskm6g-OYhDOQsUCz__-xjkqC8XGIBNqsQxXK2tLf9nd7rjUbxzHoBPHVRMqUo3wosq0YNEik4kPBSXRDDRXsg/s320/lucha-reyes-mexico1.jpg" width="254" /></a></div>
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<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">En un programa de música dedicada a México y sus figuras, no puede faltar un recuerdo de </span><span style="color: red;">Lucha Reyes</span><span style="color: #274e13;">, por lo que escucharemos su voz, además de un tema dedicado a ella en las voces del trío Tariácuri, y por si fuera poco una de sus primeras grabaciones haciendo dueto con el Dr. Alfonso Ortiz Tirado. María de la Luz Flores Aceves nació en Guadalajara, Jalisco, el 23 de mayo de 1906 y murió en la ciudad de México, el 24 de junio de 1944. Desde la segunda semana del mes de mayo de 1944, Lucha Reyes arrastraba una profunda depresión que se había manifestado tras la muerte de la señora Francisca Cervantes, madre de su primer marido, también fallecido. La pena acumulada le había afectado de tal manera que ni el tequila ni otras bebidas alcohólicas a las que se había aficionado le hacían olvidar su tristeza. El público que asistía con gusto a los teatros y a las carpas a disfrutar de sus actuaciones, sabía que para acentuar su característica voz rasposa acostumbraba, como parte de su presentación, tomar un grueso trago de tequila, pero esta afición en los últimos meses de su vida se le convirtió en una enfermedad. Lucha ya había perdido las ganas de vivir, sin importarle que su hija María de la Luz Martínez Cervantes, de once años de edad, también estuviera sufriendo viéndola como se destrozaba físicamente. A las 13:00 horas del 24 de junio, Lucha Reyes se encontraba sola en su alcoba, sostenía el frasco con las pastillas que minutos antes le había comprado su hija. Destapó el recipiente, y una por una fue ingiriendo veinticinco de las cuarenta tabletas que contenía, mismas que al mezclarse con los residuos del tequila bebido en días anteriores multiplicaron su efectividad. A las 02:20 horas del 25 de junio de 1944, sin haber salido de su larga agonía, Lucha Reyes dejó de existir.</span></div>
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<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes en la sección </span><i><span style="color: red;">La cadena del recuerdo</span></i><span style="color: #274e13;"> desempolvaremos una producción con la semblanza de</span><span style="color: red;"> Eva Garza</span><span style="color: #274e13;">. Escribe Agustín Gurza que Eva Garza nació el 11 de mayo de 1917, en el barrio obrero del oeste de San Antonio. Fue la tercera de siete hijos criados en la humilde casa de Cenobia B. Ramírez y Procopio V. Garza, quien se encargaba de una barbería en la Calle Commerce. Descrita como una chica amable y precoz, Garza cantaba en los eventos de la iglesia y en fiestas privadas, y nunca se le escapaba una oportunidad de cantar en la casa. “Cantaba todo el tiempo. Tenía un estilo todo suyo,” le dijo su hermana, Tina Moore, a San Antonio Express-News en 2013, cuando se organizó una retrospectiva sobre Eva Garza en el Esperanza Peace and Justice Center (Centro Esperanza por Paz y Justicia) de San Antonio. Como estudiante en Lanier High School, Garza tuvo mucho éxito también en los deportes. Sus logros como atleta estelar en basquetbol y béisbol se documentaron en la prensa local durante la década de 1930. La carrera musical de Garza empezó en la radio local, un vehículo importante en exponer nuevos talentos en esa época. Después de haberla escuchado cantar una ópera, la maestra de música de Garza en su preparatoria quedó tan impresionada que la llevó directamente a una audición para la radio. Pronto, Garza empezaba a ganar competencias vocales. Sin embargo, sus padres, que fueron severos, no concordaban por completo con sus ambiciones como artista, ya que la mayoría de los locales donde se daban presentaciones no se consideraban apropiados para las jóvenes “respetables”. Aun así, en un momento en el cual las otras muchachas de su edad celebraban sus quinceañeras, Garza insistía en encontrar una audiencia para sus talentos vocales. Se inscribió en un concurso para aficionados patrocinado por el Monte Carlo Brewery en el Texas Theatre de San Antonio, y se ganó $500, tomando la segunda posición con su interpretación de “I’m in the Mood for Love.” En otro concurso, al teatro local Zaragoza Theatre, se llevó un piano a la casa como premio. (Con datos y foto tomados de http://frontera.library.ucla.edu/es/blog/2016/04/biograf%C3%ADa-de-artista-eva-garza).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKNmPUT4zlVUDRgXslgVL4UEtNlJbyRLup4Iw5LD8aEg_gREuGAWx3ZhGV5kDV-LyOyjlGDMP4q-Mn6L8PH389r1fgKQLXSs29-nQml_ElzRHTOEt9UpOJiktBfU7elRw6XLYi_DvQmW0/s1600/vazquez.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="640" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKNmPUT4zlVUDRgXslgVL4UEtNlJbyRLup4Iw5LD8aEg_gREuGAWx3ZhGV5kDV-LyOyjlGDMP4q-Mn6L8PH389r1fgKQLXSs29-nQml_ElzRHTOEt9UpOJiktBfU7elRw6XLYi_DvQmW0/s320/vazquez.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;">10. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><i><span style="color: red;">Ay Jalisco no te rajes</span></i><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la segunda de dos partes de la semblanza de Marco Antonio Vázquez, a través de una entrevista con el propio cantante. Después de la grabación de su primer disco para la compañía Peerless, vinieron más discos y más éxitos, hasta grabar en su carrera más de 70 discos de larga duración, muy pocos para la firma Musart, varios para la misma Peerless y otros para su propia Compañía Disquera "Romántico Musical", en ellos se incluyeron grandes éxitos como "Te vi llorando", "Oh gran Dios", "Mesa para uno", "Déjame llorar", "Tu inolvidable sonrisa", "Forjador de Ilusiones", "Creo", "Amor necio", "Noche callada", "Chatita", "Ángel Celeste" y otros. Tuvo oportunidad de viajar en plan profesional por todo México, Estados Unidos, Centro América y América Latina, se hizo acreedor a innumerables premios, reconocimientos y trofeos, como El Heraldo, varios Discos de oro de Hollywood, Discos de oro del Mercado de Discos, el Calendario Azteca y otros. Uno de sus más queridos compositores fue el michoacano Chucho Monge, pues de él grabo varios temas con mucho éxito como "Caricia y herida", "Besando la cruz", "Me das una pena" y algunos otros, grabó también canciones de Roberto Cantoral y de muchos otros autores, pero confiesa que sus propios temas le han dejado muchas satisfacciones. En la actualidad Marco Antonio Vázquez a sus 81 años sigue con presentaciones personales por todo el país, asimismo, está dedicando tiempo a su actividad como compositor, pues a compuesto más de 150 canciones y sigue escribiendo y promoviendo sus temas, vive en la Ciudad de México.</span><br />
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<span style="color: magenta;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">13 de SEPTIEMBRE de 2019</span><span style="color: magenta;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span><br />
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-57772864106126392872019-09-02T21:03:00.001-05:002019-09-02T21:03:31.137-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 06 DE SEPTIEMBRE DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 06 DE SEPTIEMBRE DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* Duetos y canciones cubanas con Alfonso Ortiz Tirado, fallecido hace 59 años</span></div>
<span style="color: red;">* Hace 100 años nació Marco Antonio Campos Viruta</span><br />
<span style="color: red;">* Oiremos a Los Carlistas, grupo de Lalo Guerrero en los años treinta. Presentaremos al Trío Tamaulipeco de los Hermanos Samperio. Desde Guadalajara, las Hermanas del Mar. María Enriqueta, La venus morena de la canción, de belleza física y piel trigueña</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Marco Antonio Vázquez, y en La Cadena del recuerdo, semblanza de Javier Solís, entrevista con su hijo Gabriel </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb6T4UAK2-s4wfUTC5PE4wMtk90xpTASBuh2ZTJRNZuoKaiGfVuKPDmFYuZhiYKhlhBkKwZff6rGOVxdJWK71nMj_2GclNbK0NK4Ar0XzooyxZxaAvT5LYqRKhyphenhyphenqQS8g9GVmNe57a-jpM/s1600/ortiz-tirado-e1521959507429.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="739" data-original-width="616" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhb6T4UAK2-s4wfUTC5PE4wMtk90xpTASBuh2ZTJRNZuoKaiGfVuKPDmFYuZhiYKhlhBkKwZff6rGOVxdJWK71nMj_2GclNbK0NK4Ar0XzooyxZxaAvT5LYqRKhyphenhyphenqQS8g9GVmNe57a-jpM/s320/ortiz-tirado-e1521959507429.jpg" width="266" /></a></div>
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<span style="color: red;">1. Alfonso Ortiz Tirado</span><span style="color: #274e13;"> falleció hace 59 años, el 7 de septiembre de 1960. El investigador colombiano Jaime Rico Salazar destaca que Ortiz Tirado (1893-1960) fue una de las grandes voces de la canción popular. El también médico y humanista se dedicó a la medicina, llegó a ser uno de los principales especialistas en ortopedia en México y es reconocido como el médico de cabecera de Frida Kahlo; sin embargo, cultivó otros talentos y desde muy joven destacó por su voz. Se dice que en su adolescencia cantó para Porfirio Díaz y, más adelante, realizó sus primeras presentaciones profesionales para sus compañeros médicos. Desde los 20 años de edad, comenzó a triunfar en Estados Unidos gracias a sus grabaciones en la compañía Víctor, la cual difundió sus grabaciones en toda América. El tenor grabó las primeras canciones de María Grever, Guty Cárdenas, Jorge del Moral y Agustín Lara, entre otros compositores. Ortiz Tirado formó parte del elenco de la XEW, en donde le dio su primera oportunidad a compositores como Gonzalo Curiel y José Sabre Marroquín. En 1936 realizó una gira por el continente que culminó con una serie de presentaciones en Buenos Aires. A partir de entonces, la música mexicana comenzó a volverse popular en toda América Latina. El doctor viajó por Brasil, Chile, Colombia, Venezuela, Costa Rica, Guatemala y en cada país grabó canciones locales, por lo cual dio a conocer a compositores de varios países. En lugares como Colombia o Venezuela, Ortiz Tirado es toda una referencia artística. Mientras viajaba, el doctor Ortiz Tirado visitaba hospitales para conocer su arquitectura y la forma como eran administrados. Con el dinero que ganó a lo largo de su carrera, construyó un hospital para niños que donó al pueblo de México, el cual se encontraba en la colonia de los Doctores.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbN56X278L4DVdM9pCfeSkJ5pMQNXb2kT6gWip0SMoh1fSSxJL2NFgSs6GA6n9KXJm6eWGZ5u6IEa8LTRi_2SQq58efDtRUVFersu6nd8csAOBRPf-LSCBoqQs35iIFH3-YFvoZEZJFw0/s1600/Viruta-capiluna+y+chespirito.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="432" data-original-width="474" height="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbN56X278L4DVdM9pCfeSkJ5pMQNXb2kT6gWip0SMoh1fSSxJL2NFgSs6GA6n9KXJm6eWGZ5u6IEa8LTRi_2SQq58efDtRUVFersu6nd8csAOBRPf-LSCBoqQs35iIFH3-YFvoZEZJFw0/s320/Viruta-capiluna+y+chespirito.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">H</span><span style="color: #274e13;">ace 100 años, el 9 de septiembre de 1919, nació en la Cuidad de México, el cómico y cantante </span><span style="color: red;">Marco Antonio Campos, llamado <i>Viruta</i></span><span style="color: #274e13;">, quien contrariamente a lo que podríamos creer, sus inicios no fueron como pareja de Gaspar Henaine, Capulina, sino con otras agrupaciones como el dueto que hizo con el cómico y cantante llamado José Domínguez Flores, Chamula. En la sección La Carpa escucharemos varios garbanzos de a libra en las voces del dueto Aztlán, conformado por precisamente por Marco Antonio Campos y José Domínguez, también conocidos como Viruta y Chamula. Este dueto grabó principalmente para el sello Columbia y en su repertorio destacan varias canciones cómicas de Salvador Flores Rivera. Viruta inició su vida artística formando parte de algunas agrupaciones como El Poker de la Armonía, Trío Latino, Los Romanceros y Viruta y Chamula. En 1952 se unió a Gaspar Henaine, “Capulina”. Juntos hicieron 26 películas. “Viruta” nació en el barrio de Tepito de la Ciudad de México. Mercedes Álvarez, la abuela materna de Marco Antonio, fue la que lo estimuló en sus primeras manifestaciones artísticas, enseñándole a tocar el piano. Una tarde en 1951, mientras comía en la cafetería de la XEW, Marco Antonio Campos fue abordado por Gaspar Henaine. Capulina había tenido conflictos con sus compañeros del trío “Los Trincas”, quienes lo habían abandonado en Nueva York, Estados Unidos. “Capulina” le pidió a Campos (“Viruta”) que participara con él en el programa Cómicos y Canciones. En primera instancia, “Viruta” no aceptó, debido a que igualmente él había tenido un conflicto con su compañero José Domínguez Flores (“Chamula”), producto del alcoholismo de este último. Adicionalmente “estaba cansado de ser su patiño”. Sin embargo, ante la insistencia de “Capulina”, Campos aceptó la oferta. “Viruta” murió el 19 de febrero de 1996.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmQsLE9xrZcnqgz1wtVFqbTJ4XWHfLTAF5uG-PEn-H6PcwzL7oiOnz0BRIGOZ82j-EYWPFsuA9by1TBChRHvrG76Krbo3lXE576JzY55sQQ7gud83A1aJNUfdfdcPU96TKaOdH0bO5NyU/s1600/samperio-sello.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="907" data-original-width="1145" height="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmQsLE9xrZcnqgz1wtVFqbTJ4XWHfLTAF5uG-PEn-H6PcwzL7oiOnz0BRIGOZ82j-EYWPFsuA9by1TBChRHvrG76Krbo3lXE576JzY55sQQ7gud83A1aJNUfdfdcPU96TKaOdH0bO5NyU/s320/samperio-sello.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes recordaremos al </span><span style="color: red;">Trío Tamaulipeco de los Hermanos Samperio</span><span style="color: #274e13;">. Este trío estuvo integrado por los hermanos Guillermo, Rafael y Ernesto Samperio. Debutaron en 1938 en la radio mexicana XEQ. Seis años después en la XEW donde estuvieron en programación por muchos años. Participaron en innumerables películas del cine mexicano. Hicieron gira por América y visitaron Puerto Rico, Cuba y California, Estados Unidos. Se especializaron en música tradicional mexicana. El escritor Guillermo Samperio, hijo de Guillermo, uno de los integrantes del trío define así las cualidades musicales de su padre: “Mi padre era miembro del trío tamaulipeco de los hermanos Samperio y tocaba el requinto, pero también componía canciones; creo que desde el vientre materno y luego en la infancia lo escuché componerlas. Su método era ir incorporando la música a la letra. Yo veía cómo iba apareciendo la canción. Esta forma de componer de mi padre fue importante para mí, si bien no me fui por el lado de la música. Una canción tiene letra y música, y para mí la escritura de un cuento o de un texto en prosa, sobre todo en el primero, requiere de una específica musicalidad interna de las palabras. De mí quería que yo tocara la guitarra porque él fue requinto del Trío Tamaulipeco de los Hermanos Samperio, que salían en películas de Pedro Infante, Luis Aguilar, Jorge Negrete…, de toda esa época de oro. Por cierto, le llaman Tamaulipeco porque Azcárraga, el fundador de lo que ahora es Televisa, se sentía tamaulipeco, tanto que, a el Trío de mi padre, como no definían el nombre, cuando estaba a punto de salir su primer disco en Orfeón, se acercaron a don Emilio Azcárraga, y es él quien los bautiza como Trío Tamaulipeco.” (Con datos de http://www.siempre.mx/2015/11/guillermo-samperio-evocar-la-memoria-segunda-y-ultima-parte).</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNaU6TcF9RriWIW1eSkT6_lra6LE2rvnHPfbdjp1N_NxMPcq_fIq2xhiNM10R_YCbysFGPjtD0sEdba1nuKILM97S8JZwlDacRhdPhoCSa0qERpfUhrKp_pGoLE_ivsHiWC7moVx0rc2I/s1600/Maria+Enriqueta-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="723" data-original-width="616" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNaU6TcF9RriWIW1eSkT6_lra6LE2rvnHPfbdjp1N_NxMPcq_fIq2xhiNM10R_YCbysFGPjtD0sEdba1nuKILM97S8JZwlDacRhdPhoCSa0qERpfUhrKp_pGoLE_ivsHiWC7moVx0rc2I/s320/Maria+Enriqueta-sello.jpg" width="272" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">La cantante </span><span style="color: red;">María Enriqueta</span><span style="color: #274e13;">, por su gran belleza física y piel trigueña, le valieron el sobrenombre de «La Venus Morena». Nació el 6 de septiembre de 1929, aunque otras fuentes dicen que 1922 en la ciudad de Tampico, Tamaulipas. María Enriqueta García Escoto, su nombre de pila, fue hija de Estanislao García Espinoza, director fundador de la Banda de la Marina Nacional en la Ciudad de México. El nombre de su madre era Ángela Escoto. En una pequeña reseña aparecida en una publicación de 1955, se dice lo siguiente sobre María Enriqueta: “La notable bolerista del elenco de la XEW es ampliamente conocida por todos los radioescuchas, ya que su voz sensual y bien timbrada ha recibido el aplauso de las mayorías; es también una buena vendedora de discos, pues son muy apreciadas las grabaciones que hace para RCA Víctor, marca de la que es artista exclusiva. La voz de La Venus morena se escuchará en la programación del aniversario de plata de La voz de la América latina desde México”. María Enriqueta se casó con Roberto Monter Carpio, con quien vivía en Coyoacán. Procreó una hija, Cecilia Martínez, con el conocido director de orquesta Eleazar Martínez. María Enriqueta falleció el 16 de enero de 1996, víctima de neumonía. Sus restos fueron cremados en el Panteón Español de la Ciudad de México. Tal vez sus más grandes éxitos fueron los boleros “Consejos a las mujeres” y “Por un puñado de oro”, entre otros. Era artista exclusiva de Discos RCA Víctor, y sus grabaciones para ese sello se vendían muy bien. También grabó para Discos Musart.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh17DnFmMSeTYwGAX73W_9YjsuoAL4bcQEDBb-kmCB_KuepTx3zIBSo6DACFEIJGFjVhXWdNUZ7EQ6T-u5vdMA7tTnRM1jvbaYi7c1NvUvAAWswDJGcajijawMhfEXclrdxeYQkt-Knzcc/s1600/hermanas-del-mar-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="923" data-original-width="731" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh17DnFmMSeTYwGAX73W_9YjsuoAL4bcQEDBb-kmCB_KuepTx3zIBSo6DACFEIJGFjVhXWdNUZ7EQ6T-u5vdMA7tTnRM1jvbaYi7c1NvUvAAWswDJGcajijawMhfEXclrdxeYQkt-Knzcc/s320/hermanas-del-mar-sello.jpg" width="253" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">Siempre es grato volver a escuchar las voces de las tapatías </span><span style="color: red;">Hermanas del Mar</span><span style="color: #274e13;">, Emma y Aurora del Mar, participantes, junto a María Luisa Landín, de aquellos inolvidables programas de la empresa Coca Cola durante los años cuarenta bajo el nombre de Trío del Mar. Las voces maravillosas de la radio, es el nombre artístico que se les aplicó con toda justicia a Emma y Aurora del Mar, así como a María Luisa Landín, quienes conformaron este trío de fugaz duración. Escribía Jorge Miranda en los años ochenta que las hermanas recién se habían retirado y se concentraron en la vida familiar y platicaban lo siguiente “Nosotras nacimos en Guadalajara, pero muy pequeñitas nos trajeron a la ciudad de México, nuestra mamá tenía una bella voz de soprano. A nuestro papá le gustaba tocar la guitarra en la tarde, llegaba de su trabajo, se ponía ropa de descanso, tocaba y mientras mamá se ponía a cantar. Claro que el oído se educa y a nosotras nos creó la aspiración por ser artistas algún día, estudiamos en colegios de monjas donde se nos enseñaban cantos religiosos y coros que nos educaron la voz. Después, Tata Nacho se maravillaba cuando él daba un acorde y nosotras inmediatamente captábamos la armonía y sacábamos la primera, segunda, tercera y cuarta voz, nada más con un arpegio. En 1942, al desintegrarse el dueto de María Luisa y Avelina Landín, María Luisa se unió a nosotras para formar el Trío del Mar. Nos contrataron para los programas de la Coca Cola. Fuimos las primeras en ganar sueldos fabulosos e iniciamos los programas de costa a costa. Ahí alternamos con Néstor Mesta Chayres”.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcb0PkLIfY1B5vpnMA39hce0BI4lnjkbfu4d7lttdf6DoUcDdXgkbotAuM9P2EMXVq2yiew81J044hlHvAmzl21aPF3GB48cOsu1XV0pn7fAxu-qQuiuUk2kmFnSWjT51cB3LjREqLKYM/s1600/Lalo_Los+Carlistas_1936.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="410" data-original-width="356" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcb0PkLIfY1B5vpnMA39hce0BI4lnjkbfu4d7lttdf6DoUcDdXgkbotAuM9P2EMXVq2yiew81J044hlHvAmzl21aPF3GB48cOsu1XV0pn7fAxu-qQuiuUk2kmFnSWjT51cB3LjREqLKYM/s320/Lalo_Los+Carlistas_1936.jpg" width="277" /></a></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">Escribe Ernesto Neto Portillo Jr., editor de La Estrella de Tucson, que Eduardo Lalo Guerrero fue pionero en las grabaciones de la música mexicana; escribió cientos de canciones en múltiples géneros. Estadounidense de nacimiento, fue un campeón de la cultura chicana-mexicana. Con su dominio musical y de la guitarra, y poseedor de una buena voz, el joven Guerrero empezó a dejar su huella musical cuando se unió al cuarteto </span><span style="color: red;">Los Carlistas.</span><span style="color: #274e13;"> Lalo Guerrero, Greg “Goyo” Escalante, Soledad “Chole” y Joe “Yuca” Salaz eran las estrellas del barrio y de Tucson. El cuarteto bilingüe tocaba en bodas, aniversarios, quinceañeras y en la radio local. También se presentaban al otro lado de las vías del ferrocarril para complacer a sus seguidores de habla inglesa en el Arizona Inn, el Hotel Pioneer y el Hotel El Conquistador. El grupo se mudó a Los Ángeles y tocaba en centros nocturnos, en la radio y en presentaciones. Los Carlistas tuvieron también un pequeño papel en la película Boots and Saddles, protagonizada por Gene Autry en 1937. Los Carlistas llegaron a su apogeo en 1939, cuando se presentaron en World’s Fair en la Ciudad de Nueva York. Ese año trajo un punto alto en su carrera, ya que Los Carlistas representaron a Arizona en esa feria que se inauguró en abril. Cambiaron sus atuendos campesinos por trajes de charro negros con adornos plateados, promoviendo con orgullo el estado y su clima cálido, junto con otros símbolos culturales icónicos: cactus del desierto, cerámica Hopi y mantas Navajo. Los Carlistas también cantaron en el programa radial “The Major Bowes Amateur Hour”. Era quizá la primera vez que un grupo musical chicano interpretaba canciones en español e inglés para un país que ni siquiera sabía lo que significaba ser chicano. (Con datos de https://tucson.com/laestrella/cien-a-os-de-lalo-guerrero-el-chicano-original/article_b3cc1d6f-e506-5ca8-a624-d92ea0a559a0.html). (Foto: <a href="https://markguerrero.net/images/Lalo_LosCarlistas_3.JPG">https://markguerrero.net/images</a>).</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes en la sección </span><span style="color: red;"><i>La cadena del recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;"> desempolvaremos una producción con la semblanza de </span><span style="color: red;">Javier Solís</span><span style="color: #274e13;">, con testimonios de su hijo Gabriel Solís. Javier Solís, cuyo nombre verdadero fue Gabriel Siria Levario, nació hace 88 años, el 1 de septiembre de 1931 en la Ciudad de México. Trabajó en numerosos oficios antes de triunfar en un concurso para cantantes aficionados en una carpa de Tacubaya. Enseguida formó el Trío México con Pablo Flores y Miguel García. Después se sumó a varios mariachis y trabajó en la plaza Garibaldi hasta cantar como solista y aparecer en programas de radio con el seudónimo de Javier Luquín, imitando a Pedro Infante. En 1948 debutó en la radiodifusora XEW y poco después conoció a Los Panchos, con quienes grabó para CBS la canción ¿Por qué negar? (1950). Después grabó su primer éxito, Llorarás, llorarás y formó parte del elenco de la XEQ. Actuó en el teatro Lírico y en el Blanquita, que lo contrató para realizar varias giras por EU, Guatemala, El Salvador, Colombia, Venezuela, Ecuador, Perú, Chile y Argentina (1957-1959). En esos países dio a conocer sus grabaciones con bolero ranchero y tango. En 1965 grabó la canción de los Hermanos Rigual “Cuando calienta el sol”, con la que confirmó su éxito internacional. En 1963 ganó un disco de oro en Nueva York por la venta de 25,000 copias de su disco “Llorarás”, marca que superó dos años después con “El loco” y “Sombras”. Entre 1959 y 1965 participó en 23 películas, cantando en todas ellas. Solís registró un total de 453 canciones en disco. A Javier Solís se le conoció como “Rey del bolero ranchero”. Su carrera fue de solo una década, suficiente tiempo para dejar huella en todo el continente gracias a su muy particular voz.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidntUssFcm99NroYAcHKZ109GUMllUN5d1ww0nyAR-cIyYQzcs5TBqG9QqWPkmQ0SRVphQN6_ZrnG2mshYvPESTr1FnAXDap0rrNdhaWTsSTUT-vIK8jkgI6_e64N4xabGo9ClR7MOMlE/s1600/Marco+Antonio+Vazquez.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="702" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidntUssFcm99NroYAcHKZ109GUMllUN5d1ww0nyAR-cIyYQzcs5TBqG9QqWPkmQ0SRVphQN6_ZrnG2mshYvPESTr1FnAXDap0rrNdhaWTsSTUT-vIK8jkgI6_e64N4xabGo9ClR7MOMlE/s320/Marco+Antonio+Vazquez.jpg" width="234" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><i><span style="color: red;">Ay Jalisco no te rajes</span></i><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la primera de dos partes de la semblanza de Marco Antonio Vázquez, a través de una entrevista con el propio cantante. Marco Antonio Vázquez Barreiro, mejor conocido como Marco Antonio Vázquez, nació el 17 de febrero de 1938 en el barrio de Santa Julia, en la ciudad de México. Desde muy pequeño le gustó la música y el canto, influenciado por su padre. Recuerda que siendo niño, por las tardes, escuchaba cantar tangos a su mamá y a su hermano Federico, y cuando él se les quería unir, su mamá le decía ¡No, tú cantas muy feo! Con el tiempo, pudo pagar sus estudios en el Conservatorio de Música, aprendió a tocar la guitarra, duró poco tiempo, pues algunos amigos le dijeron que la verdadera escuela estaba en los bares y cantinas y así lo hizo, empezó su carrera de trovador. En los inicios de los años sesenta, el joven Marco Antonio, de 22 años de edad, ingresó a un trío para desarrollar sus inquietudes musicales Cantaba sus composiciones, pero mentía a sus compañeros del trío Los Sandoval, ya que les comentaba que eran de un compositor extranjero. Hizo adaptaciones de letras al español para Los Apson Boys, Los Reno, Los Juniors y para varios grupos de esa época. Emprendió su carrera en solitario con el nombre de Marco Barreiro, pues ya estaban Alberto Vázquez, Rafael Vázquez y Marco Antonio Muñiz, pero fue la compañía discográfica Peeless la que decidió usar su nombre original y real. Su primer disco tuvo mucho éxito incluía el tema "Creo" de su autoría.</span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">06 de SEPTIEMBRE de 2019 </span><span style="color: blue;">en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-14910309833565207772019-08-26T19:52:00.002-05:002019-08-26T19:52:32.145-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 30 DE AGOSTO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 30 DE AGOSTO DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Seguimos recordando a Benny Moré, a 100 años de su nacimiento</span></div>
<span style="color: red;">* Hace 108 años nació Arsenio Rodríguez, El ciego maravilloso</span><br />
<span style="color: red;">* La número 100, bolero de Manuel Sabre Marroquín, hermano del compositor José Sabre</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de las Hermanas Núñez, Segunda parte, y en La Cadena del recuerdo, semblanza de Alberto Domínguez, fallecido hace 44 años</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj95Yj-9v2JXUp5s1cm3oPS3jCQYRghCDwoJYNmGXGVACGVGNZy0m3tyuwQwpzdM8W41X8LzCQfa3NO-04ELpn78LlpeFX2XjlJ3e-x7qmG56g5ouUMHb1snQ3rhp50FUhyxtt1ykqvO04/s1600/Benyguitarra.jpg.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="641" data-original-width="480" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj95Yj-9v2JXUp5s1cm3oPS3jCQYRghCDwoJYNmGXGVACGVGNZy0m3tyuwQwpzdM8W41X8LzCQfa3NO-04ELpn78LlpeFX2XjlJ3e-x7qmG56g5ouUMHb1snQ3rhp50FUhyxtt1ykqvO04/s320/Benyguitarra.jpg.jpg" width="239" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Para el programa de este viernes, seguiremos recordando al gran </span><span style="color: red;">Benny Moré</span><span style="color: #274e13;">, a 100 años de nacimiento, ocurrido el 24 de agosto de 1919 en Santa Isabel de las Lajas, Cuba. El de este viernes, será un programa muy especial con las primeras dos horas dedicadas al Bárbaro de ritmo. Para ejemplificar la vida de Benny Moré nos permitiremos reproducir íntegro al final de este menú musical el escrito que Juan Martín Fierro publicó en El Tiempo de Bogotá, Colombia, el pasado 23 de agosto de 2019 en que deja en claro que el centenario del nacimiento de Bartolomé Maximiliano Moré no es solo un acontecimiento relevante para la música de Cuba, sino para la música del mundo entero. Afirma Juan Martín Fierro que el Benny (su nombre artístico) no hubiera alcanzado una mayor resonancia no le quita haber sido uno de los cantantes más grandes del siglo XX. Si no llegó más lejos fue porque prefirió siempre, y por encima de todos los públicos y de las jugosas ofertas que recibió para irse de Cuba, cantarles a su tierra y a su gente. Por extraño que parezca, mientras el cuerpo de Benny estaba destinado a sucumbir, su portentosa voz se iba engrandeciendo con los años, parecía tener vida propia, deseaba seguir cantando más allá de la muerte. Porque hasta el último día, el Benny cantó como nadie, incluso aquel 6 de enero de 1963, cuando, presintiendo el fin, dio un concierto apoteósico ante miles de personas en el Festival Papel y Tinta de La Habana. Y uno más, el último, en Palmira, cerca de Cienfuegos, a donde llegó a presentarse el 16 de febrero de ese mismo año. Según su médico, el hígado del Benny se había hinchado a consecuencia de la cirrosis hepática y durante el viaje previo a ese compromiso tuvo un vómito de sangre.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhE-1MOEseK9Aiw0iQeDVnGucgmhnWYtu2rMYhFLkoYHW7GlstmOyCmO0gCxqtTUU3IOH1CE4CeKb2y5Q1cLBpSp55UHkIz_v6I7dheS1so6P4NpcGg9JfXbyU8e3QrO8tgzlWywwN_hms/s1600/arseniorodriguez-1099x618.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="618" data-original-width="1099" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhE-1MOEseK9Aiw0iQeDVnGucgmhnWYtu2rMYhFLkoYHW7GlstmOyCmO0gCxqtTUU3IOH1CE4CeKb2y5Q1cLBpSp55UHkIz_v6I7dheS1so6P4NpcGg9JfXbyU8e3QrO8tgzlWywwN_hms/s320/arseniorodriguez-1099x618.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes también recordaremos la obra de </span><span style="color: red;">Arsenio Rodríguez, llamado <i>El ciego maravilloso</i></span><span style="color: #274e13;">, quien ha inspirado durante varias décadas a melómanos, bailadores y músicos de todas partes del mundo. Nació el 30 de agosto de 1911 y falleció el 31 de diciembre de 1970. Escribe Jorge Grijalba Ruiz que sobre la verdadera importancia de este músico excepcional, hasta no hace muchos años se sabía poco, pero de su vida no conocíamos prácticamente nada, con excepción de las anécdotas (unas verdaderas y otras falsas) que han circulado de generación en generación hasta convertir a Arsenio por la fuerza de la reiteración en un personaje del mito y de la leyenda. En Cuba, su país natal, Arsenio es prácticamente desconocido para las actuales generaciones, y solamente a comienzos de los años noventa, mucho tiempo después de su muerte, se escribió un libro en el que sus autores Alina Méndez Bravet y Jorge Ignacio Pérez González, dos estudiantes de la escuela de periodismo de la Universidad de La Habana, buscaron consignar para la posteridad la importancia de su legado y el valor de su obra. Sin embargo, el libro escrito en 1991 (titulado Arsenio Rodríguez, del mito a las sombras, escrito en 1991) nunca fue publicado y además la música del Ciego Maravilloso permaneció en el olvido por decisión gubernamental. En el resto del continente conocemos ampliamente su música, la hemos bailado y degustado a lo largo de los años, pero del hombre, del creador de temas como «El reloj de Pastora», «Hachero pa’ un palo», «Me boté de guaño», «Préstame la olla Teresa», «Ella sola se engancha», «Se va el caramelero», «(Se me perdió) la cartera», «El divorcio», «Mulence» y «Como traigo la yuca», no teníamos ninguna certeza, que no fueran los borrosos y superficiales retratos que nos hicieron los productores discográficos para rellenar las contra-carátulas de sus elepés, plagados de imprecisiones y lugares comunes. (con datos tomados del artículo de Jorge Grijalba Ruiz, antropólogo y escritor colombiano. Desde 1978 ha estado dedicado a la radio, como director y presentador de varios espacios musicales especializados en jazz, blues y música latina. Fuente: https://www.cubaencuentro.com/cultura/articulos/arsenio-rodriguez-el-ciego-maravilloso-330009).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilFijxWRDBS8yGs_o8jKBUTshIJfnOIUhpMWUAYlrp5iIkTq4V7fxVOU4XO5lIZd1TCTzzTKUCwFtbUClpWR5uKpbVDDrR8QdIZb7MCPAWTB7rQwVSC6ENTXXihr_T634iq21pF6wWn4o/s1600/manuel-sabre-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="554" data-original-width="545" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilFijxWRDBS8yGs_o8jKBUTshIJfnOIUhpMWUAYlrp5iIkTq4V7fxVOU4XO5lIZd1TCTzzTKUCwFtbUClpWR5uKpbVDDrR8QdIZb7MCPAWTB7rQwVSC6ENTXXihr_T634iq21pF6wWn4o/s320/manuel-sabre-sello.jpg" width="314" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">3.</span><span style="color: #274e13;"> Hace una semana en el programa de Contestadas, un radioescucha nos sugirió programar el bolero “La número cien”, de Ernesto Cortázar y Manuel Sabre Marroquín, junto con su contestación “Ya perdí la cuenta”. </span><span style="color: red;">Manuel Sabre Marroquín</span><span style="color: #274e13;"> nació el 15 de mayo de 1914, en la ciudad de San Luis Potosí. Murió el 28 de febrero de 1990. Cancionero, hermano de José Sabre. Manuel cursó la mayor parte de su formación musical de modo autodidacto. En 1934 se trasladó a la ciudad de México e ingresó a la radioemisora XEW como pianista; a partir de ese año acompañó a numerosos cancionistas. Tuvo éxito divulgando sus propias canciones, entre las cuales destacan “La número cien” y “La torcida”, ambas con texto de Ernesto M. Cortázar y grabadas por Ramón Armengod, entre otros. Las primeras giras las hizo como parte de la compañía de Emilio Cantú, como pianista acompañante; luego, con la compañía de Dorita Ceprano, y posteriormente con el señor Emilio Cabrera. Después viajó mucho tiempo con la Compañía de Paco Miller, donde también trabajaba María Victoria. De Manuel Sabre son las canciones “A puerta cerrada”, “Bendita tú”, “Cuéntame tu vida”, “Definitivamente”, “Eterno dolor”, “Final de cuentas”, “Frente al mar”, “Fuiste tú”, “Hoy y Siempre”, “Me faltas tú”, “Mil veces adiós”, “No pido más”, “Por qué Razón”, “Qué te cuesta”, “Travesura”, “Tu amor se impone” y “Ya perdí la Cuenta”. Escribió también obras para piano solo (Minué, Vals), y para piano y violín. (Con datos de Diccionario Enciclopédico de Música en México, de Gabriel Pareyón, y SACM).</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZK7rLr4_IZGeV3CQtqhyICWzVmgLrOT81eqS4wUfL8oKxxK16Cq9ctl3UH_ovVtHmSZtTxlmo6NGeTXsuENSlZ_JaHqdXSjrVvEz3o52LrZXJHKRuswzMEqcAgwSWdeon159MFqMSMME/s1600/alberto-dominguez-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="868" data-original-width="899" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZK7rLr4_IZGeV3CQtqhyICWzVmgLrOT81eqS4wUfL8oKxxK16Cq9ctl3UH_ovVtHmSZtTxlmo6NGeTXsuENSlZ_JaHqdXSjrVvEz3o52LrZXJHKRuswzMEqcAgwSWdeon159MFqMSMME/s320/alberto-dominguez-sello.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">En </span><span style="color: red;"><i>La cadena del recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;"> presentaremos una semblanza de </span><span style="color: red;">Alberto Domínguez</span><span style="color: #274e13;">, fallecido hace 44 años, el 2 de septiembre de 1975. En la cápsula también se hablará sobre la familia Domínguez, originarios de San Cristóbal de las Casas, Chiapas. Alberto Domínguez, con tan sólo seis años de edad, compuso sus primeras obras: “Viva la feria”, inspirada en la llegada de una fiesta a San Cristóbal, y “El tecolote guadaña”. Curiosamente, en esa misma etapa de su vida huyó de casa. Estudió hasta el Bachillerato. Sin embargo, su vocación natural era el arte arquitectónico y el musical. Realizó una notable carrera de pianista, dirección de orquesta y composición, en la Escuela Nacional de Música y en el Conservatorio Nacional de Música. Las continuas salidas de Alberto para trabajar en el extranjero provocaban que interrumpiera sus estudios. Después de viajar a Alemania y Estados Unidos regresa a México motivado por seguir preparándose al darse cuenta de los avances musicales de los países que había visitado y, aunado a la práctica escénica, buscó a toda costa tiempo libre para continuar con su formación académica en el Conservatorio por los siguientes 20 años. Dentro de su vasto repertorio, dos de sus obras son las que le dieron las mayores satisfacciones: Perfidia y Frenesí, que durante muchos años rompieron récords de ventas en gran parte del mundo. Alberto Domínguez escribió otras obras, entre ellas, Mala Noche, Humanidad, Hilos de plata y Eternamente. Foto: Revista Somos. Alberto Domínguez Borrás nació el 5 de mayo de 1906 en San Cristóbal de las Casas, Chiapas. Fue el cuarto de 18 hijos de los señores Abel Domínguez Ramírez y Amalia Borrás Morillo.</span></div>
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<span style="color: red;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikvVqQnl2MNQ11yhtV-8QIyfXyrw1bOph-7oy3F6rkV2zlbzEhZZjntwzF673-5aCciJLMPw5m2WmVbheAPePdcjWSJ41GeiGg7twz9C0prEweskeQeu3ltTjeXHet81UIYaZBBbt76wk/s1600/Hermanas+N%25C3%25BA%25C3%25B1ez-portada.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1004" data-original-width="899" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikvVqQnl2MNQ11yhtV-8QIyfXyrw1bOph-7oy3F6rkV2zlbzEhZZjntwzF673-5aCciJLMPw5m2WmVbheAPePdcjWSJ41GeiGg7twz9C0prEweskeQeu3ltTjeXHet81UIYaZBBbt76wk/s320/Hermanas+N%25C3%25BA%25C3%25B1ez-portada.jpg" width="286" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;">Ay Jalisco no te rajes</span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la segunda parte de la semblanza de </span><span style="color: red;">Las Hermanas Núñez</span><span style="color: #274e13;">, a través de una entrevista con Miriam Núñez. Las Hermanas Núñez hicieron sus primeras grabaciones para discos Musart, ahí estuvieron un año, después fueron contratadas en exclusiva por Discos Orfeón, a la que consideraron como su casa discográfica, empresa para la que grabaron por más de 14 años, tiempo en el cual produjeron 30 discos de larga duración bajo la dirección musical primero de Fidel Lavista y después de Paco de la Barrera, grabando innumerables éxitos como "Te traigo en mi cartera", "Reconciliación", "Clemencia", "Eso", "Punto Final", "Colorcito de sandía", "Te vas o te quedas", "Cuando te vayas", "Sólo hay humo", entre otros. Su carrera transcurrió pisando todos los escenarios, desde la carpa, pasando por los teatros, centros nocturnos, radio, televisión y caravanas artísticas recorriendo todo el país, su éxito llegó a Estados Unidos y América Latina, obteniendo premios, discos de oro y reconocimientos por su extraordinaria labor como cantantes. Durante 30 años dieron lo mejor de ellas, haciendo la delicia de todo su público. Al morir su padre, las Hermanitas Núñez tuvieron una sensible baja en grabaciones y presentaciones. En el año 1991 se desintegró el dueto debido a que Nelly se casó y se retiró del ambiente artístico, actualmente vive en Indianapolis, Estados Unidos. Miriam ha seguido su carrera en solitario con presentaciones en todo el país. En la ciudad de México cada mes presenta una noche de bohemia a la cual invita a grandes cantantes. En estos días está por sacar a la venta un libro biográfico en el que cuenta toda la historia de este original dueto de Las Hermanas Núñez.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">30 de AGOSTO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
<br />
<h2>
<a href="https://www.eltiempo.com/cultura/musica-y-libros/cien-anos-del-nacimiento-de-benny-more-el-barbaro-del-ritmo-404292">Benny Moré, 100 años del ‘Bárbaro del ritmo’ (El Tiempo de Bogotá, Colombia).</a></h2>
<h3>
<br /></h3>
Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-64964599600474432262019-08-19T22:39:00.002-05:002019-08-19T22:39:58.737-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 23 DE AGOSTO DE 2019<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 23 DE AGOSTO DE 2019</span><br />
<span style="color: red;">*Se cumplen 100 años del nacimiento de Benny More, el bárbaro del ritmo</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos diversas canciones, así como su contestación </span><br />
<span style="color: red;">* Crescencio Salcedo, autodidacta, caminaba descalzo para sentir el contacto de la madre tierra</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de las Hermanas Núñez. Entrevista con Miriam</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaJ5tXyIJt9YroJ4ZNva9MLlk1GB2P4m-CuSwX_hf0GH875BZMYluN0mDJWzJSkccUzB4macRF6Br5OiJXf2gLQ87bONwc9uG6CXwURVao_zoON-Y25x-9Va7cEbrJlI11KYeqhlQKGBQ/s1600/El_Solar.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="936" data-original-width="630" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaJ5tXyIJt9YroJ4ZNva9MLlk1GB2P4m-CuSwX_hf0GH875BZMYluN0mDJWzJSkccUzB4macRF6Br5OiJXf2gLQ87bONwc9uG6CXwURVao_zoON-Y25x-9Va7cEbrJlI11KYeqhlQKGBQ/s320/El_Solar.jpg" width="215" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes recordaremos al llamado </span><span style="color: red;">“Bárbaro del ritmo”, Benny Moré</span><span style="color: #274e13;">, a 100 años de su nacimiento. En muchos países y especialmente en Cuba se harán diversos programas culturales para recordarlo. Escribe Rosa Marquetti en oncubanews.com que Bartolomé Maximiliano Moré no tuvo precedentes, ni ha tenido sucesor, de tanta genialidad y talento inigualables. Con él se cerró un ciclo en la música cubana que no ha podido ser renovado. Benny Moré es un dios en Cuba. Se habla de él en presente, como si fuera un amigo cercano, un vecino inmediato, como si nunca se hubiera ido, como si todavía su voz estremeciera el Ali Bar, el night club que convirtió en guarida personal y donde sus seguidores solían esperarlo cada noche, no importaba la hora a la que irrumpiera por la puerta para que se desatara el delirio. Nadie podía resistirse a su incomparable voz, a su inigualable carisma, a su singular manera de hacerlos bailar. Los cubanos de todas las partes del mundo hablan de él y lo tutean, le llaman simplemente El Benny, o El Bárbaro, El Bárbaro del Ritmo. No hay un cubano que, en un trance de nostalgia, no eche mano a uno de sus grandes boleros. Oírle cantar «¿Cómo fue?», «Alma mía» o «Mi amor fugaz» es suficiente para que afloren los sentimientos contenidos. No son pocas las veces que se le escucha en una celebración. Al compás de «Qué bueno baila usted», «Santa Isabel de las Lajas» o «Maracaibo oriental» se desata la locura del ritmo y, en ese momento, se confirma la certeza de que El Benny es atemporal: sus sones, guarachas y boleros resisten el paso del tiempo. Si leyera esto, Benny, probablemente respondería con una sonrisa incrédula y despreocupada, porque, para él, cantar y guarachar era lo más natural del mundo, lo mismo en La Habana, Los Ángeles o Nueva York. Benny Moré nació en Santa Isabel de las Lajas, el 24 de agosto de 1919 y murió en La Habana, el 19 de febrero de 1963. (Texto tomado de https://oncubanews.com/cultura/musica/benny-more-los-cien-anos-de-un-genio/).</span></div>
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<span style="color: red;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguiyU-56mD7gXN9OnlDY99pViks53nYODsP9YNF2OZ16f602lKAv1DmIAJE6tF3Yz15qXZk7nS4he8zy1xkU8WUMcV3fDGxc5_gVgwXksDrEX6sn-eiq4mMq34ygug5UcnkNHZDFjpW54/s1600/contestacion.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="471" data-original-width="366" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguiyU-56mD7gXN9OnlDY99pViks53nYODsP9YNF2OZ16f602lKAv1DmIAJE6tF3Yz15qXZk7nS4he8zy1xkU8WUMcV3fDGxc5_gVgwXksDrEX6sn-eiq4mMq34ygug5UcnkNHZDFjpW54/s320/contestacion.jpg" width="248" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes y gracias a las amables solicitudes de los radioescuchas presentaremos </span><span style="color: red;">diversas canciones, así como su contestación</span><span style="color: #274e13;">. Algunas de esas canciones fueron creadas por los mismos autores que compusieron la original, sin embargo en la mayoría de esos temas, los compositores fueron distintos a los originales, así por ejemplo presentaremos temas como “Contestación a Tú sólo tú” con la Torcacita, “Contestación a Usted” con un trío llamado Los Tres marinos, “Contestación a Quién será” en la voz de Virginia López, “Contestación a Mentira”, un tema que originalmente escribió María Luisa Martínez y que Lalo Guerrero compuso su contestación, asimismo en el ámbito jocoso y cómico podemos encontrar diversas réplicas como la “Contestación a la carta a Ufemia”, “Contestación a La Interesada”, tema de Chava Flores, y otras más. Así pues, este viernes presentaremos muchas canciones originales, boleros, rancheras, cómicas y de antaño en general, que tienen su contestación.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkiEW4zJ4tk6Jt74u1enRXLHfy3muCk_hA3L18Hx92hdtyCJV0Ni7mXULSrA_ZrxCHGLIw2eBEjT4q-JCwtWWDvijo1tmysTSC0ey_POMsN_LNCVsNF69YWcd6ULruq2cu91CdIJQ5bwg/s1600/cresc+2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="854" data-original-width="538" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkiEW4zJ4tk6Jt74u1enRXLHfy3muCk_hA3L18Hx92hdtyCJV0Ni7mXULSrA_ZrxCHGLIw2eBEjT4q-JCwtWWDvijo1tmysTSC0ey_POMsN_LNCVsNF69YWcd6ULruq2cu91CdIJQ5bwg/s320/cresc+2.jpg" width="201" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">3. Crescencio Salcedo</span><span style="color: #274e13;"> nació el 27 de agosto de 1913 en el departamento de Bolívar. Creció en una familia compuesta por seis hermanos. Creció en la música ayudándose con la fabricación de flautas labor que le acompaño hasta sus últimos días, Su primera inspiración fue “El gusto de las mujeres”, cuando contaba 15 años, obteniendo 11 años después su primer registro internacional con el tema “Cosquillitas”, alcanzando la cúspide con su obra “El año Viejo”. Luego vino otra pieza en discusión “Las Múcura”, registrada por Toño Fuentes, al parecer una pieza del ambiente popular del siglo antepasado de la región del Magdalena, popularizada por Salcedo, sin que recibiera una regalía por esta canción. Continúo su obra controversial con “Mi Cafetal”, en el 1939 atribuida a Andrés Paz Barros que tuvo versos de Salcedo, algo similar sucedió con canciones como “La Piña Madura” y “La Varita de caña”. Este pordiosero que anduvo con los pies descalzos, recorrió Colombia desde su natal Palomino, pasando por para Santa Marta, Barranquilla, Cartagena, vivió por espacio de ocho años en la guajira con tribus Wuayus, a quien siempre considero sus hermanos, llegando al interior del país, radicándose en Medellín finalmente, desde su contacto con agricultura, con hacha y machete hasta comercializar sus flautas y su música con dificultades inimaginables y el usufructo de los explotadores de turno. El 3 de marzo de 1976, este hombre que hoy se reconoce como una gloria de Colombia se fue víctima de una trombosis en total indigencia, abandono estatal e indiferencia del ciudadano de a pie, atribulado y explotado por los mercaderes de la música que no sacian su hambre. Fue padre de cinco hijos Rafael, Santiago, Francisco, Martín y Ramón. Siendo su última compañera doña Ligia Álzate. (con datos tomados de http://www.encuentrolatinoradio.com/2016/03/crescencio-salcedo-monroy-senor-flauta.html).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdxWAJa9FRctTFEGDdULzYaHlqGCCoCCaQIndiLWCF8z8ZoBoMLcAXTa9Ej0Yu17Iwi4SGv-9Sqxqy-OZpHeWyVmtYjhPTbaP5V_MwQsm3JbaJXophqjOrTHifWI8j8JasLt0tvq4CUA8/s1600/roque-carbajo-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="746" data-original-width="486" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdxWAJa9FRctTFEGDdULzYaHlqGCCoCCaQIndiLWCF8z8ZoBoMLcAXTa9Ej0Yu17Iwi4SGv-9Sqxqy-OZpHeWyVmtYjhPTbaP5V_MwQsm3JbaJXophqjOrTHifWI8j8JasLt0tvq4CUA8/s320/roque-carbajo-1.jpg" width="208" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">4.</span><span style="color: #274e13;"> Hay un tema musical a ritmo de danzonete que presentaremos este viernes y que se debe a la inspiración del compositor</span><span style="color: red;"> Roque Carbajo</span><span style="color: #274e13;">. El tema en cuestión se titula “Angustia”. Hay muchas versione de este bailable tema, pero en esta ocasión compartiremos dos versiones sorpresa. Roque Carbajo nació el 9 de diciembre de 1910 en San Miguel de Allende, Guanajuato. Su infancia la vivió en Salvatierra, era un artista nato pues el gusto por la música se lo trasmitió su padre, aprendió a tocar el piano y la guitarra. Desde muy joven se desenvolvió en el ambiente musical en reuniones y peñas entre anécdotas, chascarrillos y canciones se pasaban largas horas de la noche, para luego terminar en amenizadas serenatas. Desde los doce años vivió en la ciudad de México donde hizo sus estudios hasta llegar a la Universidad y titularse en 1933 como Médico cirujano y partero, después regresó a Salvatierra, Guanajuato, donde ejerció su función como Médico. A los 26 años, en 1936, conoció a la joven Yamila Dergal, de ascendencia libanesa, con la cual contrajo nupcias, y procreó a su primogénito Luis Carbajo Dergal, que a la sazón fue un gran periodista, conductor y productor de programas televisivos y radiales. Debido al éxito obtenido en su faceta de compositor y cantante el Dr. Roque Carbajo fue contratado en el año 1947 para presentarse en Nueva York por 20 días, este contrato se prolongó por 3 meses, de ahí fue contratado para Sudamérica, después para España, gira que lo mantuvo 26 años sin regresar a México, pues trabajó en todo Europa y Asia, durante esa gira conoció en Barcelona a la joven cantante Juana Masip con quien hizo un dueto y así recorrieron muchos países europeos, de esa unión nació el segundo hijo del compositor, Roque Carbajo Masip. Roque Carbajo Reyna falleció el 9 de septiembre de 1994.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDUWf2SbyfnVfa2fOrwqgiHuD7Oa2MwhQdEPae6kV5CtU86yBPQRJUBYdltfsY7c1RSNwGUqfQVhPCEa3U6mT1fu_FzWSt_CfKPLk1yb8HvASbR_cIqY9DFJYK-z21oMNlKgpVtfBClZ8/s1600/Hermanas-Nu%25C3%25B1ez-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="975" data-original-width="1077" height="289" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDUWf2SbyfnVfa2fOrwqgiHuD7Oa2MwhQdEPae6kV5CtU86yBPQRJUBYdltfsY7c1RSNwGUqfQVhPCEa3U6mT1fu_FzWSt_CfKPLk1yb8HvASbR_cIqY9DFJYK-z21oMNlKgpVtfBClZ8/s320/Hermanas-Nu%25C3%25B1ez-sello.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza de </span><span style="color: red;">Las Hermanas Núñez</span><span style="color: #274e13;">, a través de una entrevista con Miriam Núñez. </span><span lang="ES" style="text-indent: -21.25pt;"><span style="color: #274e13;">El dueto de las Hermanas Núñez,
Miriam y Nelly Núñez Medina, nacieron el 9 de febrero de 1946 y el 8 de
septiembre de 1948, respectivamente. Originarias de un bello pueblo de Yucatán
llamado Tizimín. Fueron discípulas de Santiago Manzanero, quien les enseñó y
perfeccionó ese maravilloso modo de tocar la guitarra. Iniciaron su carrera
artística en 1954 en Mérida en donde bailaban jarana yucateca en la obra
regional "Henequén a Rusia", ganando el primer lugar. Cantaban en el
"Teatro Fantasía", con la Compañía Artística de Daniel "El
Chino" Herrera. Hacía 1957
iniciaron una larga gira por Campeche y actuaron en la emisora radial XEA. En
1961 llegaron a la ciudad de México, Miriam con 15 años de edad y su hermanita
Nelly con 13 años, acompañadas por sus padres y 4 hermanos, traían cartas de
recomendación para varias personas del ambiente artístico y musical de la
capital. Fueron Los Aguilar, seis hermanos que tocaban la guitarra y cantaban,
los que les dieron mucho apoyo. Su debut en la ciudad de México fue en "La
Carpa Rosalba", en la que se foguearon y trabajaron con mucho éxito
durante cuatro meses, ganando sesenta pesos diarios, después pasaron a "La
Fogata Norteña" del Tío Plácido. Fueron contratadas por Televicentro para
un programa llamado "Un canto de México", con el productor Raúl
Araiza. "En La Fogata Norteña" las conoció el director artístico
Rigoberto Pantoja, quien las presentó con Guillermo Acosta, director de Discos
Musart, compañía para la que hicieron su primera grabación, fue un disco
sencillo que por el lado A incluía la canción “En toda la chapa" su primer
gran éxito. Esta historia continuara la próxima semana.</span></span><br />
<div class="MsoListParagraph" style="margin-bottom: 8.0pt; margin-left: -14.2pt; margin-right: -28.45pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -21.25pt;">
<span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este </span><span style="color: red;">viernes 23 de AGOSTO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: magenta;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
<div>
<br /></div>
Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-72755932495931360932019-08-12T21:20:00.000-05:002019-08-12T21:20:38.347-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 16 DE AGOSTO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 16 DE AGOSTO DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Presentaremos grabaciones muy antiguas en la voz de Rodolfo Hoyos</span></div>
<span style="color: red;">* Oiremos las dos primeras grabaciones de Luis Aguilar, El gallo giro</span><br />
<span style="color: red;">* Además, en la sección La Carpa, El Negrito Chevalier. Canciones tropicales con el Trío Durango. Oiremos al Trío Caribe con el tresillo de Pablo Zamora Peregrino. Disfrutaremos de canciones de Wello Rivas. Charlo, el cantor más importante que dio el tango después de Gardel.</span><br />
<span style="color: red;">* En la Cadena del recuerdo una semblanza del coleccionista Luis Jaime Chapa; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, Fernando Albuerne</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhx2SztXxoV9imELhTefy1NzLme7yBbSaLfSEqXQ16vLMnkV7y_VdvgWjdy68BORmV6W9vZDZ6JTWc2IJGfI7GT6dSmPMbqOt0zx3s5bM_EftKL05T6K23Ls1ii6a1Mumw4KRR1C9nPsXU/s1600/rodolfo_hoyos.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="141" data-original-width="126" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhx2SztXxoV9imELhTefy1NzLme7yBbSaLfSEqXQ16vLMnkV7y_VdvgWjdy68BORmV6W9vZDZ6JTWc2IJGfI7GT6dSmPMbqOt0zx3s5bM_EftKL05T6K23Ls1ii6a1Mumw4KRR1C9nPsXU/s1600/rodolfo_hoyos.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">De los primeros cantantes que grabaron canciones populares en discos fonográficos en la década de los veinte se encuentra el barítono </span><span style="color: red;">Rodolfo Hoyos</span><span style="color: #274e13;">. Según algunos datos que hemos logrado recopilar, este cantante mexicano nació en el año de 1898 y murió en 1959. Luego de un primer premio en un concurso, Hoyos ingreso de inmediato a las más destacadas compañías de ópera. Mantuvo una carrera muy importante y fue catalogados por los especialistas como uno de los mejores cantantes del país. Falleció en su natal ciudad de México a los sesenta y un años de edad. Realizó una gran cantidad de grabaciones para los sellos Vocalion, Victor y Brunswick, básicamente. Casi todas las grabaciones de Rodolfo Hoyos datan de la segunda mitad de la década de los años veinte. Además, no sólo grabó como solista, hizo duetos con cantantes como Milla Domínguez, Carlos Mejía, Enrique Herrera Vega, Pilar Arcos, Eduardo Arozamena y otros más. En su libro Diccionario Enciclopédico de Música en México, el investigador tapatío Gabriel Pareyón escribe que Rodolfo Hoyos, cantante barítono, inició su formación vocal en la academia de Lamberto Castañares, y en 1920 obtuvo un primer lugar en el concurso convocado por el Conservatorio Nacional de Música; enseguida se incorporó a las compañías operísticas más activas de la época. Hizo su presentación principal en el teatro Iris, en 1922, con el papel de «Silvio» en la ópera I Pagliacci, dirigida por Gaetano Merola. Luego continuó su carrera en los teatros Nacional y Arbeu, y en el Palacio de Bellas Artes (1942), con el «Amonasro» de Aida, papel que representó varias ocasiones, y que llevó a la crítica a citarlo como uno de los mejores cantantes mexicanos.</span></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Gracia al aporte del coleccionista tamaulipeco Luis Jaime Chapa, compartiremos con usted las dos primeras grabaciones que hizo el actor y cantante mexicano </span><span style="color: red;">Luis Aguilar.</span><span style="color: #274e13;"> Nos comenta el Ing. Chapa que, en el año de 1948, Luis Aguilar grabó un disco de 78 rpm con las canciones “El gallo giro” y “Yo también soy mexicano”. Estas canciones fueron grabadas para el sello Anfion, ambas son composiciones de Cuco Sánchez. Luis Aguilar volvió a grabar “El gallo giro” para el sello Musart en el año de 1954. Luis Aguilar Manzo nació en Hermosillo, Sonora, el 29 de enero de 1918 y falleció en la Ciudad de México, el 24 de octubre de 1997. Debuta como actor estelar en 1944 en la película “Sota, Caballo y Rey”, con el apoyo de Raúl de Anda. Ahí llama la atención del público pese a su falta de experiencia ante las cámaras, y es gracias a su carisma que logra en tiempo récord filmar varias cintas y alternar con figuras como María Antonieta Pons, Amanda del Llano, Sara García, María Luisa Zea, Katy Jurado y Miroslava Stern, pero es hasta 1948 cuando le llegan sus roles consagratorios uno dirigido por el gran Alejandro Galindo en la cinta “El muchacho alegre” y el otro en la película que le dio el mote que lo acompañaría a lo largo de su carrera El Gallo Giro, dirigida por Alberto Gout, con guion de su mecenas Raúl de Anda, para entonces Luis Aguilar se había convertido ya en uno de los héroes por excelencia del género ranchero; de hecho, como ya lo anotamos en este año de 1948 es cuando graba su primer disco. No obstante, su excelente voz de barítono, nunca tuvieron sus discos grandes ventas, aunque sí tenía llenos en los espacios donde se presentaba ante multitudes entusiastas.</span></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>La Carpa</i> </span><span style="color: #274e13;">y gracias a las amables peticiones de los amables radioescuchas presentaremos algunas grabaciones con el cómico musical </span><span style="color: red;">Negrito Chevalier</span><span style="color: #274e13;">, acompañado del trío Urquiza y de la orquesta de Armando Chamaco Domínguez. Del Negrito Chevalier hoy en día es muy difícil encontrar datos biográficos, sin embargo, algunas de sus grabaciones que nos dejó son muy apreciadas por los coleccionistas de música antigua. El Negrito grabó una gran cantidad de temas con un tinte jocoso, entre sus canciones más conocidas y destacadas están “La Cosa” y “Linda mujer”. Algunas canciones de El Negrito Chavalier y de otro personaje llamado Mr. Lee fueron recopiladas en los años cuarenta en el famoso disco LP editado por la RCA Víctor que ahora es muy buscado por los coleccionistas. Algunos afirman que el verdadero nombre del Negrito Chevalier era Mario García, mientras otros afirman que era Mario Tercero. Junto a Mr. Lee, los Kíkaros, Los Tex Mex y otros más, Chevalier era clasificado como Excéntrico musical. En la revista “Noésis”, del Instituto de Ciencias Sociales y Administración de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, se escribe que Mario Tercero (capitán Tiburón), fue un locutor de la legendaria emisora de radio juarense XEJ, además fue declamador, cantante y bailarín que sería posteriormente mundialmente conocido como el Negrito Chevalier. Fue un polifacético artista veracruzano quien, convertido luego en El Negrito Chevalier, recorrería México y el mundo con su peculiar voz y dotes de bailarín. En aquellos años cincuenta, Chavalier se pintaba con betún a la manera de Al Jolson e interpretaba lo mismo mambo que guarachas y boogie woogie, grabó un solo mambo con Prado, composición del portorriqueño Rafael Hernández: “Diablo”.</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes, recordaremos con dos temas musicales jocosos al ya olvidado </span><span style="color: red;">Trío Durango</span><span style="color: #274e13;">, integrados por dos damas y un caballero. Según datos aportados por don Luis Chapa, este trío estaba integrado por las Hermanas Elia y Alicia Cisneros y su primo Heberto de Alvarado, los tres eran originarios del estado de Durango. Su inicio profesional fue en el año de 1939 en la estación de radio KGFJ de Los Ángeles, California y posteriormente en la CBS en Nueva York, además estuvieron por espacio de tres años en el Hotel Knikerboker de esta misma Ciudad. En 1942 salen de gira a centro y Sudamérica, así como a las Antillas; a raíz de esta gira recopilan una serie de ritmos latinoamericanos que fueron la base para sus interpretaciones. Ya en 1944 regresan a México y se presentan en la XEW y en el teatro Lírico, en este mismo año son contratados por la compañía de discos Peerless grabando su primer disco con la samba “Tico tico” de Ary Barroso y Cae, cae de Roberto Martins, acompañados de la orquesta de Francisco Argote para el sello Peereless. Entre 1944 y 1948 Graban un total de 54 melodías entre sambas, merengues, porros, pasillos, boleros, guarachas entre otros ritmos. A lo largo de su carrera se acompañaron de orquestas como Luis Arcaraz, Abel Domínguez, Juan S. Garrido y Antonio Escobar.</span></div>
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<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En México, el </span><span style="color: red;">Trío Caribe</span><span style="color: #274e13;"> estaba formado por Ángel " Tiki" Gutiérrez, en la segunda voz (maracas); Roberto Hernández, en la primera voz (armonía); Pablo Zamora Peregrino (sobrino de Toña la negra), en el tresillo y tercera voz; y Manuel Osorno, en la trompeta (no cantaba), nacido en Misantla, Veracruz. Originarios de este estado mexicano, grabaron en 1957 para el sello RCA. En otros países también surgieron tríos similares con este mismo nombre, por ejemplo, en Venezuela, en Cuba, Puerto Rico y Honduras. Rafael Figueroa Hernández en su libro “Salsa Mexicana: Transculturación e identidad”, destaca que desde los inicios del son en Veracruz, existió una familia que ha aportado excelentes músicos y cantantes a esta tradición, nos referimos a la familia Peregrino cuya figura más visible es María Antonia del Carmen Peregrino, mejor conocida por «Toña la Negra». Además de ella, sin embargo, encontramos una buena cantidad de treseros, percusionistas y cantantes que han estado en el ambiente desde los inicios del son. Al principio estaba Manuel, hermano de Toña y la siguiente generación trajo a David «El negro» Peregrino y a Pablo Zamora Peregrino, tresero del Trío Caribe, que a pesar de que realmente su primer apellido no era Peregrino, porque son hijos de una hermana de Toña, lo ostentan como una contraseña inigualable dentro del mundo del son como muchos de los descendientes de esta honrosa familia, que siguen trabajando en el ambiente del son en México, abarcando ya más de cuatro generaciones.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaoYSGLPBERwXegPFogSUJ8Jp0aEzoiR9I23j28h6IGS7GzeqwQOCSW0QAx3Jm6Qe_PX-T1s-QvBymF4aukSwq5ytf1dHWCpwi0rB42beYKeC5NIgi21MGNwgznG0wN9Z7nDlRHG9ta-E/s1600/Margarita-Romero-y-Wello-Rivas-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="751" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaoYSGLPBERwXegPFogSUJ8Jp0aEzoiR9I23j28h6IGS7GzeqwQOCSW0QAx3Jm6Qe_PX-T1s-QvBymF4aukSwq5ytf1dHWCpwi0rB42beYKeC5NIgi21MGNwgznG0wN9Z7nDlRHG9ta-E/s320/Margarita-Romero-y-Wello-Rivas-sello.jpg" width="267" /></a></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">Siempre será un buen momento para recordar al compositor y cantante yucateco Wello Rivas. </span><span style="color: red;">Manuel “Wello” Rivas Ávila </span><span style="color: #274e13;">nació en Mérida, Yucatán, el 18 de febrero de 1913. En 1921 fijó su residencia en México. Fue solista de la Orquesta de Rafael El Jibarito Hernández y es autor de los exitosos boleros “Quisiera ser golondrina”, “Cenizas” y “Llegaste tarde”; de la balada “Dos”, que hizo famosa José-José; “Callecita”, con letra de Ricardo López Méndez, y “Un problema”, con Monís Zorrilla. En total compuso 100 canciones en variados géneros. Murió en la ciudad de México el 12 de enero de 1990. Sus cenizas reposan en el Monumento a los Creadores de la Canción Yucateca, en el cementerio de Mérida, desde febrero de 2008. Wello colaboró en la XEB con artistas como Vicente Bergman y Manuel Escalona, siendo en su época, la principal competencia para la XEW. Durante su trayectoria, también logró posicionar la música de corte tropical de una manera importante. En 1936, la empresa Laboratorios Picot, contrata una serie de programas en exclusiva con la XEB, con Rafael Hernández, Margarita Romero y Wello Rivas en plan estelar. Inicialmente estos programas se hacían en estudio cerrado, pero debido al éxito que alcanzó, utilizaron el estudio “Juventino Rosas”, para recibir al público que quería presenciar los programas y conocer a sus artistas. Estas transmisiones se mantuvieron durante más de cuatro años en los primeros lugares de audiencia. (Con información de Luis Pérez Sabido y www.sipse.com). Este viernes presentaremos diferentes versiones de su bolero “Cenizas”, además de escuchar la propia voz del compositor con temas de Rafael Hernández.</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Dice Julio Nudler en todotango.com que después de Carlos Gardel, </span><span style="color: red;">Charlo </span><span style="color: #274e13;">es el cantor más importante que dio el tango, aunque, a diferencia de aquel, no se convirtió en un mito popular. Fue el vocalista que más grabó, en una parábola discográfica iniciada en 1925 y concluida en 1967. Sin embargo, el grueso de sus registros se concentra en apenas cuatro años, de 1928 a 1931. En muchas de esas versiones alcanza un nivel parangonable al de Gardel. Como éste, contribuyó a establecer un estilo emocional pero austero, exento de efectismos, de perfecta afinación y cuidada musicalidad. Como compositor desplegó su gran talento de melodista, creando obras importantes en la línea del tango romanza. Charlo, Carlos José Pérez, nació en la Estancia La Piedad, entre las estaciones Guatraché y Avestruz, en la provincia de La Pampa, en el seno de una familia adinerada. Su refinado estilo dio origen a la moda Charlo, que abarcó la indumentaria y otros enseres masculinos. Quizás insatisfecho con la humildad de su apellido, Pérez, le añadió un pretencioso de la Riestra, erróneamente dado por bueno en reseñas y biografías. En cualquier caso, quedó identificado por su nombre artístico, que le fue adosado en 1924 para su debut radial y deriva de Charlot (Chaplin). Charlo, de hermosa voz y clásica galanura, fue rápidamente absorbido por la industria que se movía en torno del tango y la música criolla. En 1925, graba sus primeros diez discos de 78 revoluciones, todavía por el sistema acústico, para el sello Electra, acompañado por las guitarras de Vicente Spina y Miguel Correa. En los carnavales de la ciudad de Rosario, la segunda de la Argentina, canta con las orquestas de Francisco Canaro y Roberto Firpo, dos de las más populares del momento. Y luego graba una placa para la RCA-Víctor. (Fuente: www.todotango.com).</span></div>
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<span style="color: red;">8.</span><span style="color: #274e13;"> En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza del cantante cubano </span><span style="color: red;">Fernando Albuerne</span><span style="color: #274e13;">. Tendrá una conversación con el periodista, escritor y conductor de programas radiales, Gerardo Herrera. Sobre Albuerne, recordaremos que su nombre verdadero era Luis Fernando Albuerne Garcell, nació el 28 de octubre de 1920 en Sagüa de Tánamo, Cuba. Su primera presentación la realizó el 17 de noviembre de 1941 en “Radio Cadena Suaritos”. Albuerne quería averiguar cuánto debía pagar por grabar un disco, pero cuando escucharon la pureza de su voz de tenor fue inmediatamente contratado como artista exclusivo a tres dólares por programa. Debutó en noviembre de ese año interpretando "Ven amor”, tema compuesto por un compañero de trabajo, acompañado por la orquesta del pianista Santos Menéndez. Desde ese momento fue contratado por dicha emisora radial y en ella actuó por más de 12 años. Realizó presentaciones en Puerto Rico, Venezuela, Estados Unidos, Brasil, Chile, Uruguay y Argentina. Estando en Buenos Aires, realizó presentaciones de radio y grabó para el sello Odeón el vals "Dices que tengo celos", de Santos Menéndez. Este disco le hizo ganador de su primer disco de oro, superando el millón de copias vendidas. Cantó en numerosos teatros y cabarets, así como en programas de radio y televisión. En 1960 después de la revolución castrista, radicó en Caracas, Venezuela, desempeñándose en diferentes profesiones, además de cantante, para luego residenciarse definitivamente en Miami, Estados unidos, donde puso fin a su carrera artística, falleciendo a los 79 años el 3 de julio del año 2000.</span></div>
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<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes desempolvaremos una cápsula de </span><span style="color: red;"><i>La cadena del recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;"> dedicada al coleccionista tamaulipeco </span><span style="color: red;">Luis Jaime Chapa Elizondo</span><span style="color: #274e13;">, quien nació el 28 de agosto de 1950 en Nuevo Laredo, Tamaulipas y desde hace 20 años radica en Reynosa. Después de 33 años de laborar en Petróleos Mexicanos se jubiló en el año de 2009. Chapa se inició en el coleccionismo en 1970 ya que su padre, de oficio radiotécnico, fue el primero en vender discos en Nuevo Laredo a partir de 1947. Su establecimiento estaba ubicado en la calle Guerrero esquina con Mina hasta 1955 en que se dedicó exclusivamente a la reparación de televisiones y radios. Según algunos datos, Luis Jaime Chapa tiene unos 35,000 discos entre 78, 45 y 33 rpm, además de cassettes y discos compactos. Luis Jaime Chapa cuenta con varios discos que se pudieran considerar difíciles para cualquier coleccionista, por ejemplo, un disco en que el actor mexicano Roberto Cañedo canta acompañado por un trío. Esta grabación es del sello COMIX y se grabó en 1947, asimismo, cuenta con disco de José Alfredo Jiménez cantando como primera voz del trío Los Rebeldes, también del Sello COMIX, editado en 1949. Cuenta con el primer disco grabado por Pedro Infante de la marca VICTOR, en 1942. Chapa ha encontrado discos en diferentes ciudades de México y Los Estados Unidos, sin embargo, es en la ciudad de México donde ha rescatado la mayor parte de su colección, ya sean con coleccionistas, así como en el barrio de Tepito, la colonia Portales y en varios tianguis en esa ciudad. (Fuente: Arturo Lara Lozano, Enciclopedia del Rock Mexicano. Foto proporcionada por el coleccionista Domingo Salazar).</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">16 de AGOSTO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-10257391218129972722019-08-05T22:24:00.000-05:002019-08-05T22:24:06.393-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 09 DE AGOSTO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 09 DE AGOSTO DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Compartiremos diversas canciones de antaño dedicadas a los animales de las granjas</span></div>
<span style="color: red;">* Escucharemos y recordaremos a dos Luchos: Bowen y Gatica </span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos en la Cadena del recuerdo una semblanza del ecuatoriano Paco Miller y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Benny More, a 100 años de su nacimiento</span><br />
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<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos diversas </span><span style="color: red;">canciones de antaño en varios ritmos dedicadas a los animales de las granjas.</span><span style="color: #274e13;"> Las granjas fueron el gran paso de la humanidad hacia la vida sedentaria y la conformación de comunidades. En las granjas se ejecuta la agricultura y la cría de ganado y animales para consumo humano. Las granjas suelen ser operadas por una familia, corporación, empresa o una comunidad y pueden ser de tamaño reducido hasta enormes complejos industriales, es por ello que existen diferentes tipos de granjas. En las granjas existen diferentes animales y a ellos se les han dedicado creativas canciones en las que, por lo regular, con un sentido gracioso se habla de algunas bondades de estos animales. Así hay canciones como “La vaca lechera” que presentaremos con el trío Janitzio. De a aves de corral podemos encontrar canciones como “Mi gallina traviesa”, que grabó el cuarteto de Manuel Jiménez; o “El gallo, la gallina y el caballo”, con la Sonora Matancera. Por su parte Lydia Mendoza grabó “La pollita” y muchos más cantaron el famoso “Coconito”, sin olvidad el tema “El guajolote” que grabaron, entre otros, Julio Flores y Fernando Fernández. Una inolvidable canción fue l famoso “Patito color de café”, que escucharemos en una versión histórica. De puercos, marranos o cochinos encontramos “El marranito”, que grabó Benny Moré o “La puerca”, que llevaron al disco muchos duetos norteños. Víctor Cordero compuso “La mula bronca “y Lalo Guerreo hizo una muy buena versión. El dueto Pepe y Juanita cantaron otro tema llamado “La mula”. También presentaremos canciones dedicadas los borregos, chivas y cabras. De toros y bueyes oiremos canciones, que por lo regular eran cómicas, como la versión que grabó Tin tan de “El buey palomo”.</span></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Precisamente uno de los temas que escucharemos dedicado a los borregos se llama así, “El borrego”, con el due</span><span style="color: red;">to Tapia y Rubio</span><span style="color: #274e13;">, que eran Ernesto Rubio y su mujer de apellido Tapia. Escribe Armando Pous que Ernesto Rubio también conformó otros duetos como el famoso dueto Rubio y Martínez que estaba integrado por José Rubio y Juan R. Martínez. Desde 1919, José Rubio participó en puestas de escena en el teatro Arbeu. En 1921 cantó en una función en honor del presidente Álvaro Obregón. Participó también en las primeras transmisiones radiales de música clásica en la estación CYX, donde el periódico Excélsior y la casa Parker patrocinaron un concierto radial el 7 de abril de 1924. Asimismo, cantó en la estación CLX de El universal. José Rubio fue hermano del cantante Ernesto Rubio, quien fue arreglista de algunas piezas musicales que integran el disco editado por AMEF. A Ernesto Rubio se le recuerda en un dueto llamado Tapia y Rubio que hizo con su esposa para grabar a finales de los años veinte para la marca Brunswick. Grabaron canciones como “Amor secreto”, “El huitlacoche”, “La jícara”, “Las abajeñas bonitas”, “El malacate”, “El carbonero” y otras más. José Rubio y Juan R. Martínez estudiaron también con el maestro José Pierson, asimismo formaron parte muy jóvenes de las clases magistrales que impartía Fanny Anitúa en 1921. Los hermanos Rubio se fueron retirando paulatinamente del ambiente artístico a partir de los años treinta. En 1926, José Rubio junto a Juan R. Martínez partieron a Nueva York, en donde Alfonso Esparza Oteo los invitó a grabar en la división latina de la Columbia.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEileHYt1oNTjv9d_uS6HDlE5dba_j50J-rujZ7dXaMDhzc4jFgp5oOA30ASUA9MKoNGaFY2T_0eSROpYDOXKuIIlN59viJTCPWMs__RTOmr0CmLzSTcn0gccNJw2IByp32NoBhyJYFSeg0/s1600/Lucho+bowen-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="589" data-original-width="461" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEileHYt1oNTjv9d_uS6HDlE5dba_j50J-rujZ7dXaMDhzc4jFgp5oOA30ASUA9MKoNGaFY2T_0eSROpYDOXKuIIlN59viJTCPWMs__RTOmr0CmLzSTcn0gccNJw2IByp32NoBhyJYFSeg0/s320/Lucho+bowen-sello.jpg" width="250" /></a></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes, en la sección </span><span style="color: red;"><i>Rinconcito arrabalero</i></span><span style="color: #274e13;">, recordaremos a dos Luchos: Lucho Boyen y Lucho Gatica. Luis Enrique Bowen Gómez, conocido en el ambiente farandulero internacional como </span><span style="color: red;">Lucho Bowen</span><span style="color: #274e13;"> nació en Ecuador, en la ciudad de Guayaquil, el 11 de agosto de 1926. Precisamente en una emisora de esta ciudad se encontró con el compositor guitarrista y cantante Julio César Villafuerte y con él constituyó el dueto juvenil Bowen Villafuerte. Hicieron sus primeras grabaciones en el sello Ónix del Ecuador, pero luego pasaron a Discos Fénix y Discos Cóndor. Posteriormente este dueto llegó a Colombia donde debutó en La Voz de Antioquia de la ciudad de Medellín y fue un suceso tan impresionante, que los quince días de contrato se transformaron en seis meses. En 1952 Antonio Fuentes los contrató para hacer unas grabaciones en su casa disquera de Cartagena; una de ellas fue la ranchera “Corazón prisionero”, uno de los más grandes sucesos de la canción mexicana al estilo antioqueño en todos los tiempos. El dueto permaneció hasta 1959. Posteriormente Lucho Bowen se transformó en solista de mucho éxito e hizo grabaciones para la RCA Víctor; también constituyó duetos transitorios con sus paisanos Olimpo Cárdenas y Julio Jaramillo. Es así que, tras una gira por Colombia con su compatriota Olimpo Cárdenas y debido al éxito que tuvieron sus canciones, Bowen decidió radicarse en la ciudad de Medellín y luego en Cali a mediados de la década de los años 50, recordó el periodista colombiano Gabriel Muñoz López, quien lo conoció. Bowen es considerado junto con Cárdenas, Jaramillo, Vicente Rocafuerte y Patricia González, como uno de los máximos representantes del bolero ecuatoriano. Lucho Bowen, uno de los máximos exponentes del bolero en su país, falleció en la ciudad colombiana de Cali a los 78 años de edad, el 30 de abril del año 2005 y allí también estuvo acompañándolo su eterno amigo Julio César Villafuerte. (Con datos de http://biografiasantioquia.blogspot.mx).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGy1iWkr6n0HFkaSwjs8JRLQuBg6P5_ynCQPWQ6A6GEX6yzuFRbrPumebBwMvi2kwfK8wikd60Qos9cYY9CKykQCiL2biE4zScQFiDO0wHyV8USrMOv7_Em7WANVZkELnXaR2FwuT-Gv0/s1600/lucho+y+elvis.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="705" data-original-width="657" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGy1iWkr6n0HFkaSwjs8JRLQuBg6P5_ynCQPWQ6A6GEX6yzuFRbrPumebBwMvi2kwfK8wikd60Qos9cYY9CKykQCiL2biE4zScQFiDO0wHyV8USrMOv7_Em7WANVZkELnXaR2FwuT-Gv0/s320/lucho+y+elvis.jpg" width="298" /></a></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Por su parte, el cantante </span><span style="color: red;">Lucho Gatica</span><span style="color: #274e13;">, de nacionalidad chilena, pero radicado en México desde 1957, nació el 11 de agosto de 1928 en Rancagua, Chile. En México fue donde alcanzó la fama internacional y donde fue elogiado y admirado por personajes de la talla de Elvis Presley y Frank Sinatra. Arturo Gatica, hermano de Lucho, fue quien lo animó a entrar en el mundo de la música. Junto a él formó en 1941 un dúo con el que cantó en la radio. Grabó su primer disco -que tenía tan solo tres canciones- en una emisora local en 1943. En 1945 se mudó a Santiago donde se matriculó en el Instituto Alonso de Ercilla, pero dejó sus estudios para dedicarse a la música. Al año siguiente cantó “Tú, dónde estás” en el programa radiofónico “La feria de los deseos” de Raúl Matas. Este fue el encargado de gestionar su primera grabación profesional en 1949, en la que cantó junto a su hermano. Gatica grabó en 1952 las canciones “Sinceridad” y “Contigo en la distancia”, acompañado del trío Los Peregrinos, temas con los que consiguió éxito internacional. Durante la década de los 50, Chile sufrió un cambió musical tras optar por el bolero en vez del tango, que hasta ese momento era muy popular. Gatica ganó enorme popularidad desde ese momento y se convirtió en ‘el rey del bolero’ gracias su estilo interpretativo. En 1956 realizó una gira por varios países de Iberoamérica y un año después se mudó a México, donde participó en varias películas entre 1956 y 1983. La fama de Gatica traspasó las fronteras iberoamericanas. Incluso la productora y distribuidora de cine Metro-Goldwyn-Mayer le invitó a varias fiestas que organizaba y a la que acudían grandes celebridades de la época como Elvis Presley o Nat King Cole.</span></div>
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<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><i><span style="color: red;">Ay Jalisco no te rajes</span></i><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza del cantante cubano </span><span style="color: red;">Benny Moré</span><span style="color: #274e13;">, quien el 24 de agosto de 2019 cumpliría 100 años de nacimiento. Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez, mejor conocido como Benny Moré, nació en Santa Isabel de Las Lajas, Cuba. Aprendió a tocar la guitarra en su infancia, según el testimonio de su madre, se fabricó su primer instrumento a la edad de 6 años con una tabla y un carrete de hilo. En 1936 dejó su ciudad natal y se trasladó a La Habana, donde se ganaba la vida vendiendo frutas y verduras ya estropeadas, así como hierbas. Su primer éxito fue ganar un concurso en la radio, en la emisora CMQ. En 1944 debutó en la emisora 1010 con el Cuarteto "Cauto". Siro Rodríguez del famoso trío Matamoros oyó cantar a Benny Moré en el bar El Templete y quedo gratamente impresionado, poco después a causa de una indisposición de Miguel Matamoros poco antes de una actuación, Borgellá envió a Benny para sustituirlo. Tras esta incorporación poco menos que casual, Benny permanecería ligado durante años a los Matamoros, con los que realizo numerosas grabaciones. reemplazo como cantante principal a Miguel Matamoros, quien se dedicó en exclusiva a dirigir el conjunto. En el año de 1945 viajó con el Conjunto Matamoros a México donde actuó en dos de los más famosos cabarets de la época, el Montparnasse y el Rio Rosa, en esa época recibió apoyo también de Graciela Olmos, "La Bandida". Realizo varias grabaciones, aunque el Conjunto Matamoros regreso a La Habana, Moré permaneció en México, ahí adquirió su nombre artístico a sugerencia de Rafael Cueto. En 1946 Benny se casó con la enfermera mexicana Juana Bocanegra Durán y su padrino de boda fue el afamado cantante mexicano Miguel Aceves Mejía.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHxJhLTyUvvierPwC6IIXlEegoQ0Nm9DzywhZgeiNP7KnNrnknMfg-fkHTDpE53jxgrQUixQ89WXrwO9-pRqd8cO92HFULf7NqMamkkr9r3zLCjZnZba_65l8WA8DNl4Arxz7X4Rym9Jc/s1600/Paco+Miller-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="677" data-original-width="510" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHxJhLTyUvvierPwC6IIXlEegoQ0Nm9DzywhZgeiNP7KnNrnknMfg-fkHTDpE53jxgrQUixQ89WXrwO9-pRqd8cO92HFULf7NqMamkkr9r3zLCjZnZba_65l8WA8DNl4Arxz7X4Rym9Jc/s320/Paco+Miller-sello.jpg" width="241" /></a></div>
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<span style="color: red;">6. Paco Miller</span><span style="color: #274e13;"> fue un ventrílocuo ecuatoriano radicado en México. Nació en Guayaquil, Ecuador, en el año de 1909 y murió en la Ciudad de México, el 9 de diciembre de 1997 a la edad de 88 años. Este viernes escucharemos una semblanza en La Cadena del Recuerdo. Escribe Marcio Veloz Maggiolo en www.listiandiario.com, el periódico de los dominicanos, que Paco Miller fue una figura que en sus años adolescentes hizo gran presencia en una de las Semanas de Aniversario de La Voz Dominicana. Se trataba de Paco Miller, ventrílocuo de gran capacidad y manejador de un muñeco al que llamaba don Roque. Miller fue nada menos que el compañero sentimental de la famosa cantante mexicana Imelda Miller, quien, sin haberse matrimoniado con Paco, decidió colocarse su apellido por encima de su nombre yucateco de pila que era el de Imelda Mézquita Pérez. Desde jovencita Imelda se aficionó al alcohol, logrando a pesar de ello éxitos numerosos que llenan primorosamente el cancionero latinoamericano. Aunque la relación con Miller terminó como era de esperarse, ella siguió usando el apellido con la que se lanzara como cantante a los dieciocho años de edad. Miller casi le doblaba en edad. Paco Miller era, además de gran ventrílocuo, un formidable empresario. Cuando vino al país (República Dominicana) ya era famoso con su muñeco don Roque. Desconocido por los dominicanos, llegó a Ciudad Trujillo sin mucha fama en nuestros escenarios, pero desde sus primeras presentaciones captó el favor del público por su enorme sentido de lo que debe ser la hilaridad, convertida en la experiencia de un muñeco lleno de gracia poco habitual, casi humana, en la que la personalidad del maestro Miller y la de su muñeco se entremezclaban provocando la risa continuada de un público que había tenido pocas veces la posibilidad de presenciar un espectáculo de tanta calidad. Quede siempre en la gloria terrenal su recuerdo. Paco Miller, el hombre que había descubierto en México a Germán Valdés, alias Tin Tán, lanzándolo al estrellato, y a su compañera Imelda Miller, descubrió por su talento y sin proponérselo, a Lilín Díaz, quien supo buscar por propia cuenta, y luego de su empujón al lado de don Roque, la fama que merecía dentro de la locución nacional. (Fuente: https://listindiario.com/puntos-de-vista/2014/06/27/327613/paco-miller-don-roque-y-lilin-diaz).(Imagen cortesía de Edmundo Miller, especial para Hasta que el Cuerpo Aguante).</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">09 de AGOSTO de 2019 </span><span style="color: blue;">en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-46844046054859853352019-07-29T22:17:00.003-05:002019-07-29T22:17:46.418-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 02 DE AGOSTO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 02 DE AGOSTO DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* La semana pasada falleció Pablo Dueñas, investigador musical y fundador de la AMEF</span></div>
<span style="color: red;">* Hace 125 años nació Alfonso Esparza Oteo. Hace 100 años nació Miguel Ángel Valladares. Asimismo, hace 111 años nació Alfredo Núñez de Borbón. Oiremos “Doble inconciencia” y “Falsaria”. En La carpa, la pareja Quiroz. Rarezas musicales con el dueto Manzanero - Peraza</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos en la Cadena del recuerdo y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza y recuerdos de Pablo Dueñas</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEircBDLgnAOm-VSYnDnSx6Yt99oIRIb9GqQe_-PNT9Ara2ho3OqoaP3DH74_7yhaCIu4FBvKb1ZKIb5aaroOIJDDDj-AJEDIPLwilDY1Uw94q-iParf_vGTBuot8yrxnaAhqfNMKwSWJS4/s1600/Pablo+due%25C3%25B1as.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1065" data-original-width="1416" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEircBDLgnAOm-VSYnDnSx6Yt99oIRIb9GqQe_-PNT9Ara2ho3OqoaP3DH74_7yhaCIu4FBvKb1ZKIb5aaroOIJDDDj-AJEDIPLwilDY1Uw94q-iParf_vGTBuot8yrxnaAhqfNMKwSWJS4/s320/Pablo+due%25C3%25B1as.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">El pasado martes 23 de julio de 2019 falleció </span><span style="color: red;">José Pablo Dueñas Herrera</span><span style="color: #274e13;">, investigador musical, uno de los fundadores de la Asociación Mexicana de Estudios Fonográficos, por lo que este viernes haremos un programa especial dedicado a quien desde 2012 también era gerente de la emisora XEB. Presentaremos fragmentos de sus programas de radio, así como semblanza y una entrevista que Hasta que el Cuerpo Aguante le hizo el mes de julio de 2017. Rodrigo de la Cadena escribió el siguiente texto en su columna del diario La Prensa: El pasado miércoles amanecimos con una terrible noticia: Falleció a los 60 años de edad el doctor Pablo Dueñas, aliado incondicional de la amistad y la complicidad en grandes proyectos de preservación y difusión pública. Como gerente y programador de radio se desempeñó en la dirección de emisoras como XEW, XEQ, XEX y XEB, la B grande de México; siendo esta su última casa radiofónica en donde proyectos como “Las nuevas voces del Bolero” rompieron récord de asistencia y participación ciudadana. Entre sus publicaciones editoriales destacan “Historia documental del Bolero”, “Las divas en el teatro y la revista musical” y “Las 65 canciones de todos los tiempos”. Erudito en la materia de música popular fundó la AMEF (Asociación Mexicana de Estudios Fonográficos). Víctima de cáncer, mi amigo ya descansa en paz en la espera del próximo reencuentro con Jesús Flores y Escalante y tantos otros hermanos nuestros que se nos adelantaron. Pablo deja un gran vacío en los medios de comunicación y en el plan de salvaguardia de nuestra cultura popular musical. Lo que me preocupa a mí y a muchos es que la B, última emisora en activo decana en la radiodifusión en el valle de México continúe su proyecto de conservación de la tradición histórica de promover el catálogo de oro de la música mexicana y aportar contenidos de calidad a la vida sonora del país a través del archivo y la divulgación cultural. Queda en nosotros el compromiso de continuar tu legado, Pablo hermano, amigo mío. (Fuente: https://www.la-prensa.com.mx/analisis/radio-melancolia-3958734.html). (Foto tomada de: https://www.consaboracumbia.com/2018/10/15/pablo-duenas).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzy44t_pMDerBWP7jnJfX9WBS8CNMfHLT_RykOqvOV_pMWyY4cYn5NMBu4JHGNyx1PwZFxYtsOMc2sN1P30te3brNNnBooGytMkhtw4C0G7cmK0DXihxKf7EnA3GX9q27g0UF-ajs2Jl0/s1600/A+Esparza+Oteo++y+mas-sello.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="612" data-original-width="945" height="207" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzy44t_pMDerBWP7jnJfX9WBS8CNMfHLT_RykOqvOV_pMWyY4cYn5NMBu4JHGNyx1PwZFxYtsOMc2sN1P30te3brNNnBooGytMkhtw4C0G7cmK0DXihxKf7EnA3GX9q27g0UF-ajs2Jl0/s320/A+Esparza+Oteo++y+mas-sello.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2.</span><span style="color: #274e13;"> Esta semana se cumplen 125 años del nacimiento de </span><span style="color: red;">Alfonso Esparza Oteo.</span><span style="color: #274e13;"> Nació el 2 de agosto de 1894 en la ciudad de Aguascalientes, Aguascalientes. Su talento musical fue heredado de su padre, músico distinguido y reconocido por su versatilidad —sabía tocar varios instrumentos— quien en la época en que nace Alfonso se desempeñaba como director de bandas y de una escuela de música. Desde temprana edad Alfonso muestra su inclinación por actividades relacionadas con el arte como organizar funciones de títeres y cantar. A los siete años aseguraba que había heredado de su papá la afición por la música y tocaba el piano ante audiencias pequeñas que lo aplaudían y motivaban. Del señor Luis Esparza recibe las primeras lecciones de solfeo y piano. Más adelante asiste a la academia del presbítero Fermín Ramírez, en donde tiene la oportunidad de instruirse con maestros como Juan María Cisneros, Arnulfo Miramontes y Manuel M. Ponce, de quienes recibe clases de piano, órgano y canto, y composición, respectivamente. Es el maestro Ponce a quien Alfonso reconoce como principal apoyo en su formación musical. En 1912 trabajó como pianista en el Teatro Actualidades, en donde improvisaba temas para las películas que ahí se exhibían y, al mismo tiempo, se desempeñaba como organista. En 1914 llegan a Aguascalientes los efectos de la Revolución Mexicana y Alfonso, partidario de dichos ideales, se enlista en las filas del general Francisco Villa; tras dos años de campaña es distinguido con el grado de Mayor. Una vez calmados los ánimos, en 1917 Alfonso Esparza Oteo regresa a la vida artística con su primera obra musical, el foxtrot Plenitud, escrita en la Escuela de Artes y Oficios de Aguascalientes. Dos años después viaja a la Ciudad de México en busca del triunfo que le permitiera, además de alcanzar sus metas, apoyar a sus padres; su único equipaje eran sus composiciones, una mente plena de inspiración y un ánimo avasallador.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgr7bp81ssc8TYKHyd9znA6kyJgPscI36mydV0BFCpX0jgsVAAe6d60tNhEEe8ToNoDI1weKRdpnNdJU5Qj1smmo0J-ZXCPUKxKexte4Iu_M5mQ7RiOzm7rPxXhfYFyUO9B-9Kh09AgrmU/s1600/Alfredo-Nunez-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="660" data-original-width="488" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgr7bp81ssc8TYKHyd9znA6kyJgPscI36mydV0BFCpX0jgsVAAe6d60tNhEEe8ToNoDI1weKRdpnNdJU5Qj1smmo0J-ZXCPUKxKexte4Iu_M5mQ7RiOzm7rPxXhfYFyUO9B-9Kh09AgrmU/s320/Alfredo-Nunez-sello.jpg" width="236" /></a></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes recordaremos a </span><span style="color: red;">Alfredo Núñez de Borbón,</span><span style="color: #274e13;"> a 111 años de su nacimiento. Presentaremos versiones históricas de sus canciones “Indecible”, “Siempreviva” e “Inquietud”. Aparte de extraordinario compositor, fue un virtuoso del violín. Núñez de Borbón nació en la ciudad de México el 8 de agosto de 1908 y falleció el 10 de diciembre de 1979. Violinista y cancionero. A los nueve años de edad inició sus estudios de piano y violín, de modo empírico. Fue alumno de Estanislao Mejía (solfeo), José Rocabruna (violín) y Pedro Luis Ogazón (piano). A partir de 1920 trabajó como violinista en salones de baile y en orquestas teatrales de género chico. En 1925 se estableció en Nueva York, donde formó una orquesta de baile con la cual recorrió América del Norte. Después se sumó a la orquesta de un barco transatlántico. Regresó a México en 1938 y formó y dirigió su propia orquesta de baile. A partir de ese mismo año actuó también al lado de Francisco Gabilondo Soler en giras por toda la República Mexicana (1938- 1945), difundiendo el repertorio de ese compositor. Actuó en la radioemisora XEW contratado para tocar en varios programas. Después trabajó en televisión, en La Hora del Recuerdo, con Héctor Cervera. Escribió numerosas canciones, entre las cuales destacan “Ansiedad”, “Ay”, “Consentida”, “Hay que olvidar”, “Inconsolable”, “Inquietud”, “Mi pensamiento”, “Oreja de oro”, “Pregunta”, “Reconciliación”, “Si regresara el amor”, “Siempreviva”, “Sólo quedas tú”, “Terciopelo”, “Tiempo aquél”, “Vals argentino” y “Vals ruso” (valses cantados). También compuso música para cine. (Con datos de Gabriel Pareyón, Diccionario Enciclopédico de Música en México).</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Hace 100 años, el 2 de agosto de 1919, nació el compositor </span><span style="color: red;">Miguel Ángel Valladares Rebolledo</span><span style="color: #274e13;">. Nació en Seybaplaya, Campeche y falleció en la Ciudad de México, el 25 de diciembre de 1969, es decir, a la edad de 50 años. A la edad de 7años partió rumbo a Ciudad del Carmen, ahí vivía su tío el Pbro. Faustino Rebolledo Blanco, donde aprendió a tocar el piano y compuso su primera canción, “Corazón de hierro”. En 1934 se estableció en la Ciudad de México donde estudió para profesor de educación primaria, profesión que ejerció de 1938 a 1945. Su inquietud musical le hizo abandonar esa profesión, trabajó como pianista en diversos lugares y formó diversos grupos musicales, hasta que encontró trabajo en la XEW como pianista primero y luego como director de orquesta. Compuso canciones como “Canción de invierno”, “Contragolpe”, “Pecado”, “Hay que vivir el momento”, “Este amor salvaje”, “Volvamos a empezar”, “Mía o de nadie”, “Miseria”, “Frío en el alma”, “Ah bárbara”, “Oración negra”, “Bésame y verás”, “Cita escondida”, “Flor de tentación”, “Nosotros dos”, “Por favor”, “Por pasar el rato”, “Yo soy nerón”, y otras. Como intérpretes de “Miseria”, una de las más famosa de sus canciones encontramos a Los panchos, cuya versión presentaremos este viernes. Para algunos campechanos, Miguel Ángel Valladares es el compositor más famoso de todos los tiempos de ese estado, a nivel nacional y hasta internacional.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">5.</span><span style="color: #274e13;"> Gracias a las amables peticiones este viernes presentaremos la canción </span><span style="color: red;">“Falsaria”,</span><span style="color: #274e13;"> en una versión muy especial del cantante coahuilense Salvador García, quien la grabó en 1946 para el sello Peerless con la orquesta de Rafael de Paz. Este tema musical no es otro que el bolero </span><span style="color: red;">"Doble Inconsciencia"</span><span style="color: #274e13;">, que fue compuesto por el cubano Manuel Corona casi en los inicios del siglo XX, lo grabó la cantante y también compositora María Teresa Vera junto con Lorenzo Hierrezuelo. Dice Adolfo Hugo Flores en el blog cultural que México representó mucho para la música cubana, y recuerda que, en la época de oro del cine mexicano, ya en la película "La bien pagada" se incluye extractos del tema original de Manuel Corona, pero se le cambió de nombre como "Falsaria". Estas controversias suceden porque los derechos de autor no eran respetados en otros países en esos años. Los Hermanos Martínez Gil la grabaron como "Falsaria" y la firmaron como de su autoría. Inclusive en años recientes el Gran Combo de Puerto Rico lo grabó con el estribillo "Oye Salomé", atribuyéndole la autoría al mexicano Pepe Arévalo. La versión de "Doble Inconsciencia” que escucharemos será la comentada con María Teresa Vera y Lorenzo Hierrezuelo. María Teresa Vera, voz imprescindible en la historia de la canción trovadoresca cubana, nació en Guanajay el 6 de febrero de 1895. Fue una de las pocas mujeres cantadoras de su momento. Su habanera “Veinte Años” (con letra de Guillermina Aramburu), que data de 1935, entre todas sus composiciones, es, indudablemente, la más popular y difundida. Nieta de esclavos, hija de un militar español que se repatrió al final de la guerra con el propósito de regresar, pero falleció antes de lograrlo. Creció al amparo de una familia en donde su madre era sirvienta. Manuel Corona le aconsejó que aprendiera a tocar la guitarra. Por 1911, y cuando contaba con 16 años de edad, inició su carrera artística con el dúo integrado con Rafael Zequeira. Murió en Ciudad de La Habana, Cuba el 17 de diciembre de 1965.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos unas joyas discográficas en las voces del dueto conformado por </span><span style="color: red;">Santiago Manzanero</span><span style="color: #274e13;">, papá de Armando, y el trovador</span><span style="color: red;"> Ramón Peraza</span><span style="color: #274e13;">. Santiago Manzanero nació en la población de Seyé, Yucatán, el 30 de abril de 1904. Santiago Manzanero hizo muchos duetos y trío musicales en su carrera, por ejemplo, el ya comentado con Ramón Peraza, con Humberto “El Chato” Escalante Alonzo, con Lalo Santamaría y otros más. A Santiago Manzanero solamente se le conoce una composición, el bolero “Flor de azahar” con letra de Manuel Montes de Oca Espejo la cual compuso en la década de los 40, es tal la belleza de este tema que trascendió y se ha convertido en una de las canciones favoritas de los trovadores yucatecos, siendo grabada por diversos tríos y solistas. El pasado mes de noviembre de 2018 se develó el óleo de Santiago Manzanero en el Museo de la Canción Yucateca, ya en 2014, y cuando cumplía 110 años de su nacimiento, sus restos fueron trasladados al Monumento a los Creadores de la Canción Yucateca, en el Cementerio General de Mérida. Nos recuerda Luis Pérez Sabido que, en 1927, a dúo con Ramón Peraza, Santiago Manzanero grabó varias canciones en San Francisco, California. En 1931, a dúo con Humberto Escalante, ganó el certamen La Fiesta de la Canción en el Peón Contreras. En julio del mismo año, a dúo con Guty Cárdenas, grabó en Nueva York. En 1934 contrajo matrimonio con la guapa jaranera Juanita Canché Baqueiro. En 1938 fundó el Trío Yucatán. En 1950 compuso “Flor de azahar” e ingresó a la Sociedad Palmerín. En 1971, a dúo con Humberto Escalante, grabó en la ciudad de México. En 1985 recibió la Medalla Chan Cil. La vida de Santiago se apagó el 8 de noviembre de 1987.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">En la sección</span><span style="color: red;"><i> La Carpa</i></span><span style="color: #274e13;"> volveremos a presentar sendas rarezas fonográficas de finales de los años veinte o inicios de los treinta en las voces del dueto compuesto por </span><span style="color: red;">Salvador y Consuelo Quiroz</span><span style="color: #274e13;">. En algunos discos el nombre de Consuelo Quiroz viene como Consuelo de Quiroz. Este dúo grabó gran cantidad de canciones mexicanas para el sello Columbia, aunque también existen algunos discos hechos para RCA Victor. Por ejemplo, según los catálogos, para Columbia grabaron canciones como “Mi tierra chula”, “Despecho”, “El cuerudo”, “Las once y media”, “Serían las dos”, “Ya viene l’ agua”, “Limoneros”, “La cucaracha” y otras más. Para el sello Victor, Salvador Quiroz grabó como solista discos con títulos como “En una hora gris” y “La Virgen de la ermita”. De este dueto no tenemos mayores datos sólo que fueron actores en el cine mexicano de antaño. Esperemos que nos estemos refiriendo a los mismos personajes. Salvador Quiroz actuó en muchas películas del cine mexicano, entre ellas Los Tres Huastecos, Esquina bajan y otras. Nació el 2 de noviembre de 1892 en Cuautla, Morelos y murió en 1956. Por su parte Consuelo Quiroz fue también una destacada actriz cómica, y no es otra que la esposa de Salvador Quiroz. Ella actuó en películas como La canción del plateado, Yo baile con Don Porfirio, Rancho alegre y otras. Ambos obtuvieron triunfos en la pantalla grande.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAiqf6AfPd0v-cMza6CySGPZsVlNn23xbAsYQv0DcmQ_ddjcIhbZBwOkfZBh8ZiO0YZUFMvGdpblKk-Y-ypWKjiDF5-Va9BMVOfX0UTzrrOQyB1HqDzyqf2OlrzBWs5by49ypx9XC4U2k/s1600/pablo-duenas01.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="540" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAiqf6AfPd0v-cMza6CySGPZsVlNn23xbAsYQv0DcmQ_ddjcIhbZBwOkfZBh8ZiO0YZUFMvGdpblKk-Y-ypWKjiDF5-Va9BMVOfX0UTzrrOQyB1HqDzyqf2OlrzBWs5by49ypx9XC4U2k/s320/pablo-duenas01.jpg" width="240" /></a></div>
<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará también una semblanza de </span><span style="color: red;">Pablo Dueñas</span><span style="color: #274e13;">, quien</span><span lang="ES" style="text-indent: -21.25pt;"><span style="color: #274e13;"> nació en la Ciudad de México
el 10 de julio de 1959. Graduado en la Escuela Superior de Medicina del
Instituto Politécnico Nacional como Médico Cirujano, sus inicios se encuentran
en Santiago de Cuba donde conoció los géneros y variantes presentes en las
corrientes musicales, posteriormente se trasladó a las costas de Yucatán y
Veracruz, donde recibió la influencia de varios personajes de la música y el
bolero. En 1974 inicia su colección particular de fonogramas antiguos, formando
hasta la actualidad un importante acervo discográfico de música popular
mexicana y Latinoamericana. Desde 1979 ejerció funciones como investigador y guionista
de diversos programas radiofónicos, entre los que destacan "Historia del
bolero" y "Música Lírica" en Radio Educación, "Sones y
Canciones" para IMER y muchos otros. Fue uno de los fundadores de la
Asociación de Estudios Fonográficos, A. C. manteniendo el cargo de Secretario
General. Fue investigador y cronista de la música popular mexicana, programador
musical y gerente de la emisora XEB La B grande del IMER. El Dr. Pablo Dueñas
falleció en la Ciudad de México el pasado 23 de julio a la edad de 60 años.</span></span><br />
<div class="MsoListParagraph" style="margin-bottom: 8.0pt; margin-left: -14.2pt; margin-right: -28.45pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -21.25pt;">
<span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">02 de AGOSTO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: magenta;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
<div>
<br /></div>
Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-59067052120218662232019-07-22T22:10:00.001-05:002019-07-22T22:10:33.312-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 26 DE JULIO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 26 DE JULIO DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Presentaremos voces de cantantes que no lo eran</span></div>
<span style="color: red;">* Oiremos cómo cantaron actores, cómicos, compositores, toreros, boxeadores y demás</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos en la Cadena del recuerdo la historia de Joaquín Murrieta; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Pepe Jara, segunda parte</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyQCPv19n4gQ6F4cCkZYkeTStvNvMEnIACq5q7WCZufUAagey5IDNWn-xPfJqcCejindC5wKwmf-umIafhFxSUfDWrlsZDOxDEPJeuiG58GHw-PT3Co1FpW4i9bgEGCHaGAG8aMhgGI20/s1600/Claudo+estrada+jovencisimo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="699" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyQCPv19n4gQ6F4cCkZYkeTStvNvMEnIACq5q7WCZufUAagey5IDNWn-xPfJqcCejindC5wKwmf-umIafhFxSUfDWrlsZDOxDEPJeuiG58GHw-PT3Co1FpW4i9bgEGCHaGAG8aMhgGI20/s320/Claudo+estrada+jovencisimo.jpg" width="233" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes en el programa Hasta que el cuerpo aguante escucharemos </span><span style="color: red;">voces que tal vez no sean del agrado de los gustosos de la música de antaño</span><span style="color: #274e13;">, decimos eso porque presentaremos grabaciones de personajes que tal vez su carrera no era la de cantantes como tal, pero que se atrevieron a poner su voz en el disco alguna vez: actores, cómicos, compositores, toreros, boxeadores o personajes del mundo artístico se dedicaron a cantar, pero con un estilo muy particular. En la larga lista podemos encontrar a actores que evidentemente su fuerte no era la cantada como David Reynoso, Manuel Capetillo o María Félix. En este programa hemos incluido también las voces de compositores que a pesar de que sus creaciones como autores eran de excelente manufactura, su voz no era tal vez la adecuada para arrastrar multitudes, como el caso de Ignacio Fernández Esperón, Tata Nacho, el chileno Juan S. Garrido que también grabó algunos discos con su muy grave voz, que para muchos era agradable y que incluso en la radio de antaño se podía escuchar con frecuencia; otro compositor sin duda que está en esta categoría es el propio Claudio Estrada o hasta El flaco de oro, Agustín Lara. Otro de los compositores que también grabó varias de sus canciones, aunque evidentemente la cantada no era lo suyo, fue Pepe Guízar, quien llevó al disco muchísimos de sus grandes éxitos acompañado normalmente de sus Caporales. El compositor jalisciense Manuel Álvarez, Maciste, grabó por ejemplo para el sello victor y Peerless canciones como “La cantinera”, “Llorando” y “viva la vida”, solo acompañado de su guitarra. No podemos olvidarnos de cómicos que en sus facetas cantaron temas, la mayoría de ellos en tono jocoso, como Agustín Izunza, Alfredo Varela, Varelita, o el propio Joaquín Pardavé, aunque no podemos olvidarnos del cómico Fernando Soto, Mantequilla, quien grabó un disco LP completo con temas serios. Sin embargo, aquí podemos incluir a cantantes que su carrera esa precisamente, la de intérpretes vocales, pero que sus voces siempre han tenido algunos detractores musicales, en este rubro podemos mencionar a los cubanos Ignacio Villa, Bola de nieve, María Teresa Vera, o el fronterizo Arturo Vázquez El chueco, este último poseedor de una voz chillona que tuvo éxito en los cabarets arrabaleros de la frontera tamaulipeca. Otros más: Abundio Ortiz y Pedro Galindo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFTQTgbQue9GlbaaNvyMo8q8b1qtxpJ-0kyDC68kxPjDYgUS2hNLRNfyIz15x7-nR0gCntiXCLHoqQmlWBG1dezcxG2JR0amJzjIxjVCBWVVi3jwVRiyFzesa_Dd9UtXwXtf6sj1_Rk2U/s1600/Arturo-Vazquez-el-chueco-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="990" data-original-width="830" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFTQTgbQue9GlbaaNvyMo8q8b1qtxpJ-0kyDC68kxPjDYgUS2hNLRNfyIz15x7-nR0gCntiXCLHoqQmlWBG1dezcxG2JR0amJzjIxjVCBWVVi3jwVRiyFzesa_Dd9UtXwXtf6sj1_Rk2U/s320/Arturo-Vazquez-el-chueco-sello.jpg" width="268" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">La idea de hacer un programa con voces cuya belleza en la interpretación estaba a discusión surgió al oír al cantante </span><span style="color: red;">Arturo Vázquez,<i> El Chueco</i></span><span style="color: #274e13;">: Una de las canciones más representativas del estilo arrabalero en el bolero es sin duda “Escoria humana”, llevada al disco por Manuel Pomián, las hermanas Padilla, entre otros intérpretes. El autor es el tamaulipeco Arturo Vázquez, a quien le decían “El Chueco”. Según datos aportados por Omar, Arturo Vázquez era originario de Nuevo Laredo, Tamaulipas y fue muy famoso en el noreste de México durante los años treinta y cuarenta. Trabajó mucho en centros nocturnos de dudosa reputación (principalmente en bares, cantinas y en negocios ubicados en las llamadas zonas rojas) de Nuevo Laredo y Monterrey, principalmente, y se acompañaba de su piano. “El Chueco” Vázquez poseía un estilo muy característico para cantar con una voz muy delgada y chillona. Interpretaba boleros y canciones de desamor con el mismo estilo que el veracruzano Manuel Pomián, quien por cierto también grabó el bolero “Escoria Humana”. “El Chueco” padecía estrabismo y arrastraba una de sus piernas, de ahí el apodo. Grabó para Discos Falcón y Discos Imperiales, entre otros sellos discográficos. Su rostro le daba un aire Alejandro Ciangherotti (véase foto). Sin duda Arturo Vázquez era un bohemio empedernido.</span></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Uno de los compositores cuya voz no era un derroche de virtudes precisamente fue el extraordinario compositor </span><span style="color: red;">Ignacio Fernández Esperón, alias <i>Tata Nacho</i>,</span><span style="color: #274e13;"> quien falleció el 5 de junio de 1968. Nació el 14 de febrero de 1894. Su vocación musical nació cuando era niño al escuchar a su madre, doña Piedad, tocar el piano. Siendo aún muy joven se traslada a la ciudad de Nueva York para estudiar música y durante su estancia es compañero de cuarto de George Gershwin. En la gran urbe conoce y desposa a María Zepeda Ávila, también mexicana. De allí se traslada a España como representante de México en la Feria Mundial de Sevilla de donde parte hacia París, en donde continúa sus estudios musicales y es discípulo, entre otros, de Edgar Varèse. Antes del inicio la II Guerra Mundial, regresa a México ya con la idea de fundar una sociedad de compositores. Así, con el concurso de Mario Talavera y Alfonso Esparza Oteo se crea lo que más tarde se convertiría en la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) de su patria. Entre otras muchas y destacadas actividades, Tata Nacho, como era cariñosamente conocido desde su adolescencia, fue director de la Orquesta Típica de la Ciudad de México, musicalizó varias películas y fue director musical de diversos programas de radio. Según el sitio de la SACM, el apodo Tata Nacho viene de una ocasión en que sufrió una terrible caída en su escuela y perdió la dentadura completa. Mientras le preparaban una postiza, los demás niños en la escuela se burlaban de él por el modo en que hablaba como anciano y le pusieron el apodo de Tata Nacho, el cual se le quedó para toda la vida.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtEgcJX2ZINhVKSR2Z2TAMEJXoFaQOeCGbU2qnS5x7OfjirZyNajIRVSl_Qi0c8HH4hu2WnshjB55SygJ4yJm5ssP1d95Qem2asSM30Mp9sPDwOPcKAvSyclJXPvX1CwvzndEZOGsageo/s1600/maciste.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="852" data-original-width="569" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtEgcJX2ZINhVKSR2Z2TAMEJXoFaQOeCGbU2qnS5x7OfjirZyNajIRVSl_Qi0c8HH4hu2WnshjB55SygJ4yJm5ssP1d95Qem2asSM30Mp9sPDwOPcKAvSyclJXPvX1CwvzndEZOGsageo/s320/maciste.jpg" width="213" /></a></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Conocemos la obra de</span><span style="color: red;"> Manuel Álvarez, <i>Maciste</i></span><span style="color: #274e13;">, como compositor, pero poco se conoce como cantante. Gracias a la amable colaboración del coleccionista tamaulipeco Luis Jaime Chapa, presentaremos la voz de Maciste interpretando una de sus canciones más conocida “La cantinera”, en una grabación del año de 1935 para el sello Víctor, en la que el jalisciense se acompaña sólo de su guitarra. Manuel Álvarez Rentería, llamado Maciste, fue originario de Tequila, Jalisco, en donde nació, el 8 de agosto de 1892. Desde pequeño mostró una extraordinaria afición para tocar guitarra, y al fin logró el dominio de tan difícil instrumento, mediante los estudios que realizó en la ciudad de Mérida, Yucatán. Sus actividades profesionales como guitarrista y cantante se iniciaron en la ciudad de México, especializándose en cantar tangos. Su primera canción fue “Ojos Rojos”, a la que siguieron muchas más, de las que mencionaremos, entre otras, “La Golfa”, “Paris”, “Fíjate cómo hablas”, “Manos blancas”, etcétera, pero las más conocidas y famosas de su repertorio son “Angelitos Negros”, “Virgencita de Talpa” y “Me sobra corazón” (Trío Los Delfines). Incursionó, además, en el cine estadounidense, actuando en varias películas producidas en Hollywood, entre ellas, La luciérnaga, Sólo los ángeles tienen alas, Viva Villa, La Audacia de Pablo Bragaza, etcétera. A su regreso a la patria, el cine nacional lo incorporó a sus filas, debutando con la cinta “La hora de la verdad”, donde cantó su producción, “Adiós de un Torero”, dedicada al tapatío, Pepe Ortiz.</span></div>
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<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">Otro compositor que grabó sus canciones fue </span><span style="color: red;">Pepe Guízar </span><span style="color: #274e13;">y este viernes escucharemos algunas canciones con toque muy mexicano interpretadas por Pepe Guízar y sus Caporales, grabaciones realmente históricas que son auténticos garbanzos de a libra. Conocemos la figura de Pepe Guízar más como compositor que cantante, pero en estos discos del sello Azteca nos damos cuenta que Guízar también poseía un gran entusiasmo para cantar. Llamado “El pintor musical de México”, fue un compositor mexicano de música popular. Es autor de canciones rancheras, sones jaliscienses y boleros. Nació en Guadalajara, Jalisco, el 12 de febrero de 1912 y murió el 27 de septiembre de 1980. Realizó sus primeros estudios en su ciudad natal y se trasladó a la Ciudad de México en 1928, donde realizó estudios de música, declamación y poesía. En la radiodifusora XEW fue bautizado atinadamente como “El pintor musical de México” porque sus composiciones dibujan la geografía musical de México. Fue un compositor folclórico que se esforzó por vestir de gala a la canción mexicana; la llevó más allá de las tabernas y los barrios para introducirla a los salones haciéndola competir con el tango y el bolero, cuando éstos estaban de moda. Enamorado de la provincia mexicana y con profundo arraigo nacional le cantó a México, a su gente, al mariachi y al pueblo de Jalisco. Además de otras canciones compuso: Guadalajara, Tehuantepec, Corrido del Norte y Como México no hay dos. (Foto de la Revista Somos).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlR-qUgR30g59oJqS6ha1euBWInOBBB3e-esH0llpIzvzsvESTdecfRMyDO3Kh-RACsGDgZgvLabge4bZGZuAiew0v2ZStOa6gOb9XWlA1gYK2aNbD9D60z2fCpBQaf4K3mbd-h-_Fw78/s1600/isunza.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="585" data-original-width="943" height="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlR-qUgR30g59oJqS6ha1euBWInOBBB3e-esH0llpIzvzsvESTdecfRMyDO3Kh-RACsGDgZgvLabge4bZGZuAiew0v2ZStOa6gOb9XWlA1gYK2aNbD9D60z2fCpBQaf4K3mbd-h-_Fw78/s320/isunza.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>La Carpa</i></span><span style="color: #274e13;"> oremos a cómicos como </span><span style="color: red;">Agustín Isunza</span><span style="color: #274e13;">, Alfredo Varela y Joaquín Pardavé. El 23 de agosto de 1978 murió Agustín Isunza, quién tuvo una destacada carrera a lo largo de más de 195 películas, como uno de los más sólidos actores secundarios de nuestro cine, con grandes dotes para la comedia. Publica Cineforever que Agustín Isunza del Palacio nació en Múzquiz, Coahuila, el 3 de septiembre de 1900. Su padre era pagador de un regimiento de caballería, por lo cual no es de extrañar que, a los 15 años, Agustín se alistara en el ejército carrancista, habiendo permanecido en las filas militares durante catorce años, dándose de baja con el grado de subteniente. Isunza contó en una entrevista publicada en los Cuadernos de la Cineteca Nacional: Testimonios para la Historia del Cine Mexicano que “El 18 de junio de 1930 debuté como cómico en el Teatro Garibaldi, al lado de Miguel Inclán, en una cosa que hacía el Panzón Roberto Soto. Gusté y al final me hice figura. Ahí, con la compañera de mi presentación, Celia Tejeda, se llegó a formar una pareja, pues éramos las estrellas.” En 1935 pasó a formar parte del elenco estable de la Cía. de Joaquín Pardavé, con quien hizo giras por el interior de la República Mexicana. Otras compañías con las que actuó fueron las de José Campillo, Roberto Soto, con quien trabajó en "México a través de los siglos" (1938), Manuel Castro Padilla y la de Revistas Cómicas Alegría y Enhart. En el cine debutó en 1937 en La Adelita de Guillermo Hernández Gómez, al lado de Pedro Armendáriz y Esther Fernández, a partir de la cual fue ligando película tras película hasta llegar a 1975. Su interpretación del personaje Juan Primito en Doña Bárbara (1943) de Fernando de Fuentes, suele considerarse su mejor caracterización y se trata de un papel dramático, el cual no tuvo nada que ver con sus estereotipadas actuaciones de patiño. Junto con Armando Soto La Marina "El Chicote" y Fernando Soto "Mantequilla", formó el trío más destacado de cómicos de apoyo que desfilaron en la Época de Oro del cine mexicano.</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Escribe Solange García en el Diario Crónica que hace aproximadamente 40 años en las tiendas de discos la imagen de </span><span style="color: red;">María Félix </span><span style="color: #274e13;">aparecía en los anaqueles no como atractivo de portada, sino como la cantante que entonó algunos de los temas de quien fue su esposo, Agustín Lara. Desde aquél entonces, en que este lanzamiento causó revuelo al presentar a una de las actrices del momento como cantante, esta faceta de La Doña no se había presentado hasta que en 1998 la propia actriz se aventuró a grabar un disco, Enamorada, en el que algunas de las canciones son los tangos que tanto le gustaban. Aunque el primer disco donde es acompañada por la orquesta de Chucho Ferrer se agotó rápidamente en su época, y ahora es un objeto de culto y colección para sus admiradores, existió otro disco que la RCA Víctor, ahora BMG, editó a mediados de la década de los sesenta, dentro de la colección "Las estrellas de La hora azul", donde María Félix interpreta 20 éxitos de Agustín Lara. La faceta de María como cantante comenzó un poco en broma, un poco en juego y un mucho por la presión de sus admiradores quien sin querer le exigían a su estrella aparecer en público. Luego de armar un sketch cómico junto al actor Andrés Soler, con quien se fue de gira por Sudamérica, María Félix terminaba "el numerito" con bromas y cantando algunos boleros, "advirtiéndoles que no me consideraba cantante. Yo solo decía las canciones, nunca presumí de tener una gran voz". (Con datos tomados de http://www.cronica.com.mx/notas/2002/10556.html).</span></div>
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<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">Sobre </span><span style="color: red;">Ignacio Villa,<i> Bola de Nieve</i></span><span style="color: #274e13;"><i>,</i> Deny Extremera escribió en 2003: Cantó vestido de frac, a risa suelta. Cantaba a su antojo, moldeaba la canción entre las ventanas de su diálogo, sus inflexiones y su voz ronca (de "vendedor de duraznos y ciruelas", como solía decir), y siempre dejaba una nota irónica y humana. Cantó sin voz, arrancando aplausos, en idiomas de cuatro continentes. Con su desmesurada sonrisa, rompió el empaque de la gala teatral. Impuso una expresión que envolvía hiriente sátira, inocente bonhomía. La amabilidad del gesto y la sonrisa, la elegancia impecable, la media voz y las melódicas armonizaciones sobre la tosca figura, el timbre áspero y la vitalidad agreste de los ritmos criollos fascinaron a todos aquellos quienes apreciaron su arte. Poseedor de los misterios de la técnica musical, gozó además de una cristalina personalidad y una mezcla encantadora de alta cultura y sencillez de pueblo. No creía en la improvisación y decía que no había trabajado en teatro por hobby ni por récord, sino por aquello de que había que comer y hay que trabajar. "Yo no me creo compositor, ni me respeto como tal, de las cosas que así me salieron, cancioncitas de esas baratas que yo hago, algunas han gustado. Yo creo que la palabra compositor es demasiado seria y respetable. Yo he hecho cancioncitas"...Así era de humilde. Lo cierto es que Edith Piaf se sorprendía porque nadie podía interpretar como él su canción La vie en Rose, y Andrés Segovia afirmaba que escucharlo era como asistir al nacimiento de la palabra y la música. Sobre sus composiciones también llovieron los elogios, pero son composiciones que sólo él podía y podría cantar, en una extraña y subyugante simbiosis. (Datos tomados de http://www.elnuevocojo.com/musica/itemlist/user/148-denyextremera).</span></div>
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<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">El desconocido cantante </span><span style="color: red;">Abundio Ortiz</span><span style="color: #274e13;"> realizó, con su característica forma de cantar, una gran cantidad de discos de 78 rpm durante la década de los años treinta para los sellos discográficos DECCA y Bluebird, principalmente. Ortiz fue, aparte de cantante solista, un destacado guitarrista, pero hay pocos datos biográficos de él. El investigador musical Óscar Berruecos Uribe señala que Abundio Ortiz era una voz que decía las canciones como su admirado Agustín Lara, de quien interpretó y grabó muchas canciones en esa década de los treinta. Desde la opinión del equipo de Hasta que el cuerpo Aguante, su tono recuerda mucho aquella antigua voz del trovador peninsular Octavio Mas Montes. Abundio Ortiz se hace acompañar en algunos discos con una o dos guitarras, pero en otros más el acompañamiento musical incluye violín y piano. Aparte de interpretar a Agustín Lara, Abundio Ortiz cantó también temas como “Agua le pido a mi dios”, “El limoncito”. El caimán”, “A lo macho”, “El borlote”, “Tanto he sufrido” y otras, así como algunos boleros de Gonzalo Curiel y Rafael Hernández, entre otros. Por su parte el cantante campechano </span><span style="color: red;">Octavio Mass Montes u Octavio Max Montes</span><span style="color: #274e13;"> nació en Ciudad del Carmen, Campeche, el 2 de noviembre de 1889 y falleció en la ciudad de México hacía 1970. Escribe Don Luis Pérez Sabido en su Diccionario de la Canción Popular en Yucatán que Max Montes fue un trovador y compositor que formó parte de los trovadores yucatecos avecindados en la ciudad de México. Improvisa letras que él mismo musicaliza y da a conocer en rondas nocturnas como parte de su trabajo serenatero. En diciembre de 1932, acompañado de su guitarra, graba en San Antonio, Texas, para el sello Brunswick varias canciones cuya paternidad se atribuye como “Magia del amor”, “Manitas de terciopelo”, “Estatua de mármol” y “Mujercita oriental”. Foto tomada del Libro Bolero: Historia documental por Pablo Dueñas</span></div>
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<span style="color: red;">10. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la segunda parte de la semblanza de </span><span style="color: red;">Pepe Jara</span><span style="color: #274e13;">, a través de una conversación con la hija del cantante, Rosario Jara Velázquez. Después de que se disolvió el Dueto Miseria, que hizo con Gilberto Valenzuela, Jara se convirtió en el mejor intérprete de la obra musical del compositor oaxaqueño Álvaro Carrillo. Pepe decía que las mujeres le podían fallar, pero su guitarra nunca, por eso la consideraba su más fiel compañera. Pepe Jara fue amigo de Pedro Infante, Amparo Montes, así como de los escritores Octavio Paz, Gabriel García Márquez y Carlos Fuentes. Estos últimos quizás le inspiraron para que publicara un libro de memorias titulado "El Andariego", en el cual cuenta su vida y sus anécdotas. Pepe Jara fue una enamorado, se casó en tres ocasiones, primero con la joven Socorro Velázquez Jaime, después con la comediante y actriz Leonorilda Ochoa y al final con la señora Silvia Hermosillo, que fue quien la acompañó hasta el final de sus días. El cantante no tenía miedo a la muerte, decía que ésta le "pelaba los dientes", por eso era como una buena amiga; más cuando ya la había visto de cerca en tres ocasiones, debido a accidentes aéreos que sufrió. El primer percance fue a bordo de un avión fumigador; el segundo, en una avioneta, y el último, cuando estuvo en mayor peligro, fue en Guadalajara, Jalisco, acompañando a un diputado que lo invitó a volar en su avioneta. Pepe Jara, El trovador solitario, falleció el 30 de julio del 2005, en la ciudad de México, a la edad de 77 años.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVOhadT5PHbAU9BC4OSQr5VW6WmweuMWJ2lE6vvH5_1fYjncXPZCumGTrtU_zLfXuLDIf2rz7AFj81S2LDXpjogcSILly5q3a-8wU4HwMGTiwIGHrufmXbWZPTmkMXYfXdt0GesVysevM/s1600/joaquin_murrieta_by_davidflores_lasteez-d5q4ev8.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="893" data-original-width="895" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVOhadT5PHbAU9BC4OSQr5VW6WmweuMWJ2lE6vvH5_1fYjncXPZCumGTrtU_zLfXuLDIf2rz7AFj81S2LDXpjogcSILly5q3a-8wU4HwMGTiwIGHrufmXbWZPTmkMXYfXdt0GesVysevM/s320/joaquin_murrieta_by_davidflores_lasteez-d5q4ev8.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;">11. </span><span style="color: #274e13;">En </span><span style="color: red;"><i>La cadena del recuerdo </i></span><span style="color: #274e13;">presentaremos la leyenda de </span><span style="color: red;">Joaquín Murrieta,</span><span style="color: #274e13;"> figura legendaria en California durante la Fiebre del oro de la década de los años de 1850. De uno u otro modo, para algunos activistas políticos su nombre ha simbolizado la resistencia latinoamericana ante la dominación económica y cultural de los angloparlantes en las tierras de California. La historia de Joaquín Murrieta es legendaria y popular, es la audacia y la dignidad de los despojados del suelo y sus derechos. Tradicionalmente, se asegura que Joaquín Murrieta llegó a California en 1850 para buscar fortuna durante la fiebre del oro. En vez de oportunidades, encontró racismo y discriminación; primero por la aprobación de la ley que obligaba a pagar un alto impuesto a los mineros de origen latinoamericano que laboraban en las minas californianas y, después, por la violación y asesinato de su esposa. Algunos lo hacen chileno, Pablo Neruda, en su obra Fulgor y muerte de Joaquín Murrieta, apuntaba que Murrieta era chileno. Otros lo nombran como mexicano de Sonora. Una de las grabaciones del Corrido de Murrieta más bien logradas se debe a Los Madrugadores de Don Pedro J. González, agrupación originaria de Los Ángeles, California que en el mes de septiembre de 1934 llevaron al disco ese corrido en viejos discos de 78 rpm.</span><br />
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este </span><span style="color: red;">viernes 26 de JULIO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-63741900593613376322019-07-15T21:01:00.000-05:002019-07-15T21:01:18.767-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 19 DE JULIO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 19 DE JULIO DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Presentaremos diversas canciones que llevan en el título alguna palabra en gerundio</span></div>
<span style="color: red;">* Emilio Tuero murió hace 48 años. En La carpa oiremos temas de Ernesto Riestra</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos en la Cadena del recuerdo a Joaquín Pardavé, a 64 años de su fallecimiento; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Pepe Jara</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj07NKKIC6xsr2OTc-jhao41xkfDoGQECFc8jQv0ZLjxzOuaeQ35WhaI7LNF1Cz9yPSPZjoTdkIptkuBYHYfoklm-4_zgBZvP7sNWubjba6_ou-d4OKPHzYp7bvx16Y0fv8u6hP4ueLPg/s1600/51qEp5SMz7L.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="495" data-original-width="500" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj07NKKIC6xsr2OTc-jhao41xkfDoGQECFc8jQv0ZLjxzOuaeQ35WhaI7LNF1Cz9yPSPZjoTdkIptkuBYHYfoklm-4_zgBZvP7sNWubjba6_ou-d4OKPHzYp7bvx16Y0fv8u6hP4ueLPg/s320/51qEp5SMz7L.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos diversas canciones que llevan en el título alguna palabra en </span><span style="color: red;">gerundio</span><span style="color: #274e13;">, por ejemplo: Llorando, estando, comiendo, escribiendo, leyendo, creyendo, cantando, mirando, exponiendo, bebiendo, teniendo, viendo, sufriendo, creando, estudiando, cayendo, oyendo, amando, bailando, dibujando, cocinando, comprendiendo, previendo, imprimiendo, esforzando, copiando, corriendo, caminando, componiendo, bañando, yendo, trayendo, huyendo, buscando, ventilando, lloviendo, tronando, calificando... El gerundio es una forma verbal impersonal que expresa simultaneidad o anterioridad de la acción con el tiempo en que se habla. Es muy común que los expertos en el uso del lenguaje escrito recomienden usar lo menos posible el gerundio. Sin embargo, en la música podemos encontrar títulos de canciones que llevan implícito esta forma. ¿Por qué hay que usar pocos gerundios? Porque, aunque son muy sencillos de utilizar, pocos saben hacerlo. La forma para recordar su regla –poco académica pero más fácil– es hacerse esta pregunta: las acciones que estoy mencionando, ¿pueden ser realizadas al mismo tiempo? Por ejemplo: yo puedo «bajar las escaleras cantando», pero NO puedo «bajar las escaleras abriendo la puerta». Correcto: «bajé las escaleras y abrí la puerta». Incorrecto: «…se sutura la herida, evitando que se infecte… ». Correcto: «…se sutura la herida, para evitar que se infecte… ».</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkiN_NIHxzrVVqS4kUKMhbbQiymdWID7l5oTso6xSNsIuyog3MRhbnPesOLsw7sST1wej5AToWPnN4R3JQODwpYfCGFYrCcGKHgODOwPxWoiT1sgKdjbEeWl5mUaXCHEAgleUeD-wugEw/s1600/Lupe-la-chinaca-y-Emilio-tuero.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1055" data-original-width="771" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkiN_NIHxzrVVqS4kUKMhbbQiymdWID7l5oTso6xSNsIuyog3MRhbnPesOLsw7sST1wej5AToWPnN4R3JQODwpYfCGFYrCcGKHgODOwPxWoiT1sgKdjbEeWl5mUaXCHEAgleUeD-wugEw/s320/Lupe-la-chinaca-y-Emilio-tuero.jpg" width="233" /></a></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">El 22 de julio de 1971, hace 48 años, murió el actor, productor y cantante </span><span style="color: red;">Emilio Tuero</span><span style="color: #274e13;">, nacido en Santander, España, el 5 de abril de 1912 y fallecido en la Ciudad de México. Escribe Hernán Restrepo Duque que, en 1923, Tuero viajó al nuevo mundo. Ya tenía el canto metido dentro pues colaboraba en los coros de la iglesia de Santana, pueblito cercano a Santander. En México sus primeras actividades fueron en una panadería en donde para sus amigos interpretaba los tangos de moda. Ganó un concurso de aficionados en la XEFO. Pasó luego a la XEW. Trabajó en el Río Rita y El Retiro y se consagró finalmente en El Patio. Eran años que se recuerdan también porque Cantinflas comenzaba en el Follíes, Roberto Soto en el Lírico y Agustín Lara en el Politeama, con Armengod, hacía historia con sus primeros grandes éxitos románticos. En 1936, Tuero debutó en el cine Emilio Tuero en el film "Tras las rejas", comenzaría con esta película una historia cinematográfica de proporciones inmensas. Tuero se hizo ídolo. Fue el galán de las más bellas mujeres de la pantalla — con una de ellas, Marina Tamayo, contrajo matrimonio — y fue tan tremendo el impacto que causó en el público femenino que una de sus admiradoras, Lolita Téllez Wood, reina de la noche farandulera como bailarina de revista, se suicidó de un balazo dentro de su automóvil, y enfrente a la casa del artista, el 7 de mayo de 1933. Como ocurre siempre, el escándalo consiguiente, aumentó hasta el delirio la popularidad del artista quien, mortificado tremendamente por el asunto, renunció a cantar en una época. Emilio Tuero fue al gran cantor de tangos del México de esos tiempos, a partir de 1930, cuando se inició. Fue quien hizo conocer allá los temas de Gardel y de Magaldi. Pero también influyó después en la popularidad de autores como Gonzalo Curial y Luis Arcaraz. (Con datos tomados de http://lascancionesdelabuelo.blogspot.com/2015/03/emilio-tuero-el-baritono-de-argel.html).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcJ1iqKUd9eLPGSLzLMtWigW5cYlgsYhu3y9OyJzfkR2ejLzmBc2O0XzkDPKbcfulQ8q6kmux2Qeop1uTKzdM9wHzyQ0cL0IRu03d-ARk52xUSJ6Wu8Zynx4V3q-yKzPVlHQ5qD_7jrK8/s1600/Riestra-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="637" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcJ1iqKUd9eLPGSLzLMtWigW5cYlgsYhu3y9OyJzfkR2ejLzmBc2O0XzkDPKbcfulQ8q6kmux2Qeop1uTKzdM9wHzyQ0cL0IRu03d-ARk52xUSJ6Wu8Zynx4V3q-yKzPVlHQ5qD_7jrK8/s320/Riestra-sello.jpg" width="238" /></a></div>
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<span style="color: red;">3.</span><span style="color: #274e13;"> En la sección</span><span style="color: red;"><i> La Carpa</i></span><span style="color: #274e13;"> presentaremos diversas canciones del compositor y director de orquesta </span><span style="color: red;">Ernesto <i>El pelón</i> Riestra</span><span style="color: #274e13;">, quien nació en 1901 en la ciudad de Monterey, Nuevo León. A los dieciséis años de edad formó parte de la una orquesta de baile, con la cual hizo giras por toda la República Mexicana. Radicado en la ciudad de México conoció al violinista Alfredo Núñez de Borbón, con quien viajó a Estados Unidos y fundó en Nueva York una banda de música con la que recorrió América del Norte tocando piezas bailables. De nuevo en su país encabezó uno de los conjuntos de jazz y blues más famosos de la ciudad de México. Entre sus canciones más conocidas están: Chinito en Hong Kong, Chorondón, El monje loco, Eres la mujer de mis sueños, Falditas de organdí, Himno del Colegio de la Policía, La boda de don Refugio, Lágrimas y No señor. También compuso música para cine. Otros datos nos indican que este director de orquesta se presentaba en 1938 en la emisora de radio del Buen tono, la XEB, y fue precisamente en ese año que un joven pidió trabajo como “silbador” en esa agrupación y en esa emisora, se trataba ni más ni menos que de Pedro Infante, así que podemos decir que Ernesto Riestra, indirectamente, tuvo algo que ver con los inicios de Infante. Ernesto “El pelón Riestra, aparte de dirigir su orquesta y componer algunas piezas musicales, también se dio tiempo de escribir un libro en el año de 1974 llamado “Mi batuta Habla”. Riestra y su orquesta grabaron muchos discos de 78 rpm con canciones con un toque cómico y musical.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaDCeM1GRRGFaN22lJCVEwdOBpdhsamGpcYVvp_JrCAeAUealE9pnkVcGNu5x9JSXKRSps5PmlLFAODwRe4IZuGLaP_f0bZ6XfRqQfoHRg9iN3O5eLN_vuzToYT2rlRQZ3vE_VOM_cOZE/s1600/joaquin_pardave_by_edgarmartiarena-d5o0rts.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1174" data-original-width="900" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaDCeM1GRRGFaN22lJCVEwdOBpdhsamGpcYVvp_JrCAeAUealE9pnkVcGNu5x9JSXKRSps5PmlLFAODwRe4IZuGLaP_f0bZ6XfRqQfoHRg9iN3O5eLN_vuzToYT2rlRQZ3vE_VOM_cOZE/s320/joaquin_pardave_by_edgarmartiarena-d5o0rts.jpg" width="245" /></a></div>
<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Hace 64 años, el 20 de julio de 1955 murió </span><span style="color: red;">Joaquín Pardavé</span><span style="color: #274e13;">, por lo que lo recodaremos en la sección La cadena del recuerdo. Según publica Reyna Avendaño en el diario El universal el 20 de julio de 2018, Joaquín Pardavé no llegó a la cita, sus compañeros de la cinta “La virtud desnuda” se quedaron con ganas de escuchar su cálida e inconfundible risa en el foro número uno de San Ángel Inn. La mañana del 20 de julio de 1955, una embolia cerebral impidió que el actor continuara la filmación de la película número 208 de su carrera. Pardavé, una de las figuras más emblemáticas de la Época de Oro del cine mexicano pasó las últimas horas de su vida junto a su amada esposa Soledad Rebollo, con quien ahora descansa en paz en el Panteón Jardín de la Ciudad de México. Un poste junto a la tumba mantiene el mensaje que su esposa le dedicó: “Dejaste la gloria de la tierra y entraste en la del cielo. Con cariño de tu esposa Cholita”. El jueves 21 de julio de 1955, en la primera plana de El Universal se informó de la inesperada muerte de Joaquín Pardavé, quien a los 54 años gozaba de éxito y plenitud en su carrera artística. Dos noches antes, Pardavé había disfrutado de una divertida velada jugando boliche con su esposa “Cholita”, esta actividad era algo que el actor acostumbraba para relajarse de las pesadas jornadas laborales, en ese momento, por ejemplo, se encontraba filmando dos películas, se lee en la nota de la época. (Con datos de https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/joaquin-pardave-jugo-boliche-y-bailo-chachacha-antes-de-morir).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0W5t8PKtoOyrYGSzs-9oG_mZOoEaNxpjFMlsYlViUS5z9rRMBctrxDYaZtxfFnSS_xJg5JZ147zzgjnlQ2DNk9hUILhG9OqiHsUkO3TZ6DD92jIXlyZffGGEg2_Rkso8rbxsKeqj4oa0/s1600/pepe+jara.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="620" data-original-width="514" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0W5t8PKtoOyrYGSzs-9oG_mZOoEaNxpjFMlsYlViUS5z9rRMBctrxDYaZtxfFnSS_xJg5JZ147zzgjnlQ2DNk9hUILhG9OqiHsUkO3TZ6DD92jIXlyZffGGEg2_Rkso8rbxsKeqj4oa0/s320/pepe+jara.jpg" width="265" /></a></div>
<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la primera parte de la semblanza de </span><i><span style="color: red;">Pepe Jara</span></i><span style="color: #274e13;">, a través de una conversación con la hija del cantante, Rosario Jara Velázquez. José de Jesús Jara Martínez, mejor conocido como Pepe Jara "El Trovador Solitario", nació en Ciudad Madero, Tamaulipas, el 25 de diciembre de 1928. En 1932, cuando Pepe tenía 4 años de edad, su familia llegó a vivir al pueblo de Nuevo Casas Grandes, Chihuahua, lugar en el que vivió feliz por lo cual él siempre se consideró chihuahuense. Fue ahí donde inició su gusto por la música y la guitarra, instrumento que aprendió a tocar y con el cual destacó como trovador. En 1947 a la edad de 19 años llegó a la ciudad de México con la finalidad de seguir su carrera como cantante, no fue fácil destacar en la capital como trovador, fue su amigo el maestro huasteco Severiano Briseño quien le enseñó los secretos del huapango y las guitarras de golpe. En esa época fue ayudante de Mariano Rivera Conde y de Rubén Fuentes en el sello RCA Victor. Ellos le dieron la primera oportunidad de grabar para esa compañía discográfica. A finales de los años cuarenta los tríos estaban en su mayor apogeo, por lo que formó parte de importantes agrupaciones como "Los Pepes", "El trío Culiacán" y "Los Duendes", formado este último por Pepe Jara, Antonio Pérez Meza y Gilberto Saucillo. Con los Duendes grabó “Amor mío”, del compositor Álvaro Carrillo, que fue todo un éxito de disco de oro. Pepe Jara también formó el Dueto Miseria con el cantante sonorense Gilberto Valenzuela.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">19 de JULIO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-65853463573504121962019-07-08T22:15:00.001-05:002019-07-08T22:15:04.619-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 12 DE JULIO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 12 DE JULIO DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* Hace 76 años falleció Lorenzo Barcelata, autor de “María Elena”</span></div>
<span style="color: red;">* Desde Argentina, escucharemos la voz del cantante Eduardo Farrell</span><br />
<span style="color: red;">* Además, oiremos al dueto Marilina. Tres boleros de Juan Bruno Tarraza. Una versión rara de Ella con el trío Matamoros. La voz desconocida del tenor mexicano Sebastián Muñoz</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos en la Cadena del recuerdo a Juventino Rosas, fallecido el 9 de julio de 1894; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Elvira Ríos</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBK1NCwyyLAoDKP-gbQwOI3zj5HlTjeVn_0w5xJqHujgE2VsSRMsHKfeSiTcEkMaP-LbTTFammWdYWffhsP_r6KnmwUtSkSCZ6W5gH92EX9S9TDv86VCrj2unH1qqZYD5fzzClSPIg0tA/s1600/barcelata.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="900" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBK1NCwyyLAoDKP-gbQwOI3zj5HlTjeVn_0w5xJqHujgE2VsSRMsHKfeSiTcEkMaP-LbTTFammWdYWffhsP_r6KnmwUtSkSCZ6W5gH92EX9S9TDv86VCrj2unH1qqZYD5fzzClSPIg0tA/s320/barcelata.JPG" width="180" /></a></div>
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<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Escribe Carlos Molano Gómez: Para ubicarnos en tiempo y espacio una pieza de la inventiva de </span><span style="color: red;">Lorenzo Barcelata</span><span style="color: #274e13;"> fue la titulada “María Elena” a quienes otros han llamado “Tuyo es mi corazón”, precioso vals compuesto por Barcelata en el 1932, dedicado a su amor platónico, doña María Elena Torres Espinel, como una anécdota impactante debemos decir que el gobernador de Tamaulipas, don Emilio Portes Gil para el 1927, apoyo un grupo formado por Barcelata junto a Ernesto Cortázar, Nicolás y Antonio García y Alberto Caballero surge la agrupación Ruiseñores Tampiqueños, al que el gobernador y futuro presidente de México Portes Gil le cambiara el nombre de Trovadores Tamaulipecos. En agradecimiento el maestro Lorenzo Barcelata le dedica la pieza “María Elena” a la esposa del mandatario doña María Elena Portela. Tristemente dos de sus integrantes a finales del mismo año sufren un accidente y pierden la vida: Antonio García y Alberto Caballero, siendo sustituidos en el 1928 por Agustín Ramírez y Carlos Peña, iniciando su éxito musical por América latina; interpretaciones fantásticas dentro de las que recordamos la de Glenn Miller Nat King Cole, Jimmy Dorsey, Ray Conniff, Los Panchos, Pedro Vargas, Tito Guízar la Miguel Aceves Mejía, Alfredo Sadel, Juan Arvizu, Javier Solís. Se nos fue muy joven, sabiendo su triste final le confeso al amigo y compositor Ernesto Cortázar, "Yo de esto no salgo." Tenía Colera. Se encerró en un hotel y no quería que nadie lo viera. Sabía que la muerte estaba cerca. Pero, se había casado y la pobre muchacha fue allá con Cortázar. Claro, Ernesto estaba muy preocupado. No sé cómo, pero dio con Lorenzo. "Mira, Lencho," le dijo, "Eso que estás haciendo no es correcto. Por qué te escondes de quienes te aman." Solo le dijo que no quería que nadie le tuviera lastima. "No es lastima sino amor lo que sentimos por ti." Fue así como no murió solo el gran Lorenzo Barcelata. (Nota de Frank Chávez), falleció el 13 de julio de 1943 en la Ciudad de México; fue sepultado en el Cementerio Español en Ciudad. de México. (Con información tomada de http://www.encuentrolatinoradio.com/2018/07/lorenzo-barcelata-la-inolvidable-maria.html).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbFN006P2cZTMC9Q5kEmWalf_uskLiz28WtfPoVLr74mu9sV1ATtgDsy12VPIaf61tNvrDHeOsOs_boQ8vUhSQvxO5aAAB07IdDtzFXrQd7-9sr82YfAtMSGdGc9urckgb4LKyKoL6hLY/s1600/03-santa-marta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="545" data-original-width="845" height="206" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbFN006P2cZTMC9Q5kEmWalf_uskLiz28WtfPoVLr74mu9sV1ATtgDsy12VPIaf61tNvrDHeOsOs_boQ8vUhSQvxO5aAAB07IdDtzFXrQd7-9sr82YfAtMSGdGc9urckgb4LKyKoL6hLY/s320/03-santa-marta.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">A mediados del siglo XIX el español Joaquín de Mier y Benítez era todo un potentado en Colombia, tenía una hacienda de más de cuatrocientas hectáreas dedicada a la producción de caña de azúcar en Santa Marta, Magdalena, Colombia. Como agradecimiento a la ciudad, compró un tren en Francia, y con sus barcos lo llevó a </span><span style="color: red;">Santa Marta</span><span style="color: #274e13;">, eso le resultó fácil, tenía el puerto y los barcos a su disposición. Pero, una vez instalada la máquina en Santa Marta, lo que le costó mucho más fueron los permisos para construir las vías. Por eso la canción dice “Santa Marta tiene tren, pero no tiene train vía”, que al final quedó en tranvía pues quedaba mejor en la canción que, vías del tren. El Compositor Manuel Medina Moscote, veterano acordeonero de finales de siglo XIX, nació en Zapayán Magdalena. Siempre reclamó la autoría de la famosa canción “Santa Marta tiene tren”, que aparece registrada como del acordeonero guajiro Francisco “Chico” Bolaños (1902-1962), quien llegó a la zona bananera en 1924, cuando ya la canción era conocida en todo el Departamento del Magdalena. Manuel Medina Moscote como obrero y acordeonero, recorrió la Zona Bananera, en su esplendor dorado del banano, dejando muchas canciones que enriquecieron el folclor vallenato, la más sobresaliente “Santa Marta tiene tren”. La primera versión de esta canción fue grabada en Argentina en el sello Odeón, por la orquesta del argentino Eduardo Armani en 1945. La segunda versión fue grabada en Cartagena en el sello Fuentes, por la Orquesta del Caribe de Lucho Bermúdez y el canto de Pedro Collazo en 1946.</span></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">El cantante melódico </span><span style="color: red;">Eduardo Farrell</span><span style="color: #274e13;"> murió a los 76 años, después de sufrir por muchos años del mal de Alzheimer. Había nacido en 1920 en Buenos Aires, Argentina. Su muerte ocurrió el 21 de junio de 1997. Farrel formó parte junto a Fernando Torres, Leo Marini, Raúl Carrel y Elena Torres, entre otros, de los grandes intérpretes destacados en Sudamérica en interpretar boleros de la década del 50 y paseó sus canciones por casi toda América. Así fue como, en aquellos años, el cantante logró un importante éxito en México, Venezuela, Perú, Cuba, Puerto Rico, Jamaica, Trinidad, Martinica y los Estados Unidos, donde grabó una versión en inglés de El Choclo y participó del show televisivo de Ed Sullivan. En 1939 cuando tenía 19 años se recibió de químico. Comenzó cantando con la orquesta del pianista Héctor Cerávolo. En 1943 realiza su primera grabación con la orquesta de René Cóspito: “Queja caribe” y “Al Compás del Ritmo”. En 1945 se integró a la orquesta de Eduardo Armani donde interpretaba el tema “Vidita”, que abandonó junto con el pianista Dante Amicarelli para formar la orquesta Amicarelli - Farrell, de gran calidad musical pero un fracaso comercial. Su carrera solista se inició en 1949, siendo acompañado por las orquestas de Don Américo, Víctor Lister, Claudio Forbac, Héctor Lagna Fietta y Francisco Marafioti. Presenta su talento como artista exclusivo por Radio Belgrano y Radio Splendid. En Radio Bariloche se lució junto al pianista Hascha Rain. En 1956 realizó una exitosa temporada en el Gran Rex con el grupo Los Cuatro Amigos. Luego, ya en la década del '60, se desempeñó director de Cruceros de la Compañía Ibarra, organizando los espectáculos de los barcos. La mayoría de sus temas fueron presentados bajo las discografías Odeón y Music Hall.</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Las Hermanas María Luisa y Avelina Landín debutan en la XEW, en 1938, con el nombre de “Pirita y Jade”, acompañados por las orquestas de Gabriel Ruiz, Ray Montoya y Federico Baena. En octubre del mismo año se incorporan a la programación de la naciente XEQ, donde su director artístico Enrique Contell, las contrata para que compitan con las “Hermanas Águila”. A partir de 1939, ya bajo el nombre de Hermanas Landín pasan a formar parte del elenco de la RCA y su fama y popularidad alcanzan grandes dimensiones. Para entonces, hay una efervescencia por los duetos femeninos. En 1940, las Hermanas Landín inician una gira por el Caribe, particularmente por Cuba y República Dominicana. El dueto se mantiene firme en las preferencias del público hasta 1942, en que el dueto se disuelve, ya que Avelina contrae nupcias con Ángel Zempoalteca, quien la retira de los medios, eventualmente habrían de reunirse nuevamente, bajo el nombre del </span><span style="color: red;">dueto Marilina</span><span style="color: #274e13;">, a finales de los años cuarenta; de esta época son los temas: “Amargado de la Vida” y “Los Magueyes”, los cuales escucharemos este viernes en el programa. Este dueto seria de corta vida musical ya que vuelven a separarse iniciando exitosas carreras por separado tanto Avelina como María Luisa. (Con datos de Omar Martínez Benavides).</span></div>
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<span style="color: red;">5. Juventino Rosas</span><span style="color: #274e13;"> murió el 9 de julio de 1894, por lo que este viernes lo recordaremos a través de una semblanza en la sección </span><i><span style="color: red;">La cadena del recuerdo</span></i><span style="color: #274e13;">. Entre la República liberal y el Porfiriato vivió su corta vida el artista. Nació Juventino cuando se establecía la República liberal, fresca aún la memoria del Imperio de Maximiliano de Austria, el 25 de enero de 1868, en Santa Cruz de Galeana, Guanajuato, una fértil población agrícola en el corazón del Bajío, cercana a Celaya. La pequeña ciudad lleva hoy el nombre de su hijo más dilecto. Fue su padre quien le enseñó a tocar el arpa y el violín, y pronto sorprendió Juventino a los oyentes con su virtuosismo. Agotado y empobrecido el país por las sucesivas guerras y levantamientos, la familia se marchó a Ciudad de México en 1880, cuando Juventino contaba con doce años. Allá, la familia formó un grupo musical ambulante, en el que el padre tocaba el arpa, Juventino el violín, su hermano Manuel la guitarra y su hermano (o hermana) Patrocinio, cantaba. Hacia los veinte años de edad, Juventino compuso el vals que le daría inmortalidad: Sobre las olas. Difieren las versiones sobre el lugar que lo inspiró y las circunstancias de su composición, igual que sobre el nombre original. Pero ninguna duda hay de su autoría y de su inspiración: una mujer que amaba, Mariana o Dolores. ¿Sólo la pasión es fecunda? Pronto el vals se hizo famoso y, como si hiciera falta, para confirmar su capacidad, Juventino compuso el vals Carmen, dedicado a Carmen Romero Rubio, esposa de Porfirio Díaz, el cual alcanzó tanta fama en ese entonces como Sobre las olas. La Casa Editora Wagner y Lieven imprimió la obra de Juventino entre 1888 y 1892. (Con datos de Leandro Arellano en La Jornada semanal del 7 de septiembre de 2004. Foto: http://www.mexicanisimo.com.mx).</span></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes escucharemos varias canciones del compositor cubano </span><span style="color: red;">Juan Bruno Tarraza</span><span style="color: #274e13;">. Fue un compositor y pianista. Asentado en México desde la década del cuarenta, la historia del Maestro Tarraza es también la historia de los inicios y auge del bolero como forma musical en América Latina. Este viernes escucharemos varias canciones del compositor cubano Juan Bruno Tarraza. Nació en Caibarién antigua provincia de Las Villas en 1912. Falleció el 23 de mayo de 2001. En su ciudad natal estudió trompeta y después piano. A principios de la década de los años cuarenta se trasladó para La Habana, y aquí trabajó como pianista en varios clubes nocturnos; además, fue director de la orquesta Piedra, que acompañaba a los que se presentaban en la Corte Suprema del Arte, que se trasmitía por el Circuito CMQ. Hacia 1943 marcha a México, donde se une como pianista acompañante a la cantante mexicana María Antonia Peregrino (Toña la Negra), con la que recorre otros países de América Latina y España, y desde este último país regresó a Cuba. En 1945 volvió a México, entre 1952 y 1957, integró un dúo de piano con Felo Bergaza, con el que viajó por casi todo el mundo, hasta que en 1958 se instaló definitivamente en México. Fue pianista acompañante de María Victoria y Amparo Montes.</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">El compositor yucateco </span><span style="color: red;">Domingo Casanova Heredia</span><span style="color: #274e13;"> falleció el 13 de julio de 1957. Fue el compositor, en 1925, de la canción yucateca “Ella”, basada en el poema “Pequeño nocturno”, del poeta dominicano Osvaldo Bazil, nacido en Santo Domingo en 1884. Según Gabriel Pareyón en su Diccionario de Música en México, Domingo Casanova era de oficio peluquero y precisamente en su negocio se daban cita innumerables seguidores de la música de trova yucateca. Sin duda su composición “Ella” fue el punto de partida para la inspiración de muchos compositores de la trova peninsular. Ella fue inspirada en la artista Virginia Fábregas, de gira en Mérida en ese tiempo. Una de las primeras grabaciones de ese tema la realizó el dueto yucateco conformado por Santiago Manzanero y Ramón Peraza, quienes la llevaron al disco en 1925, es decir el mismo año de su composición. Según el Diccionario de la Canción Popular de Yucatán, escrito por Luis Pérez Sabido, en el que se cita a Baqueiro Fóster y su obra La canción popular de Yucatán, Domingo Casanova era un personaje extraño en su forma de conducirse en edad madura, ya que mientras la gente en la capital yucateca vestía de blanco para contrarrestar el agobiante calor de la península, él siempre vestía con ropa obscura y corbata de colores vivos. Asimismo, su pelo lo dejaba crecer, por lo que lo blanco de sus canas hacía un contraste con lo oscuro de su piel. Se afirma también que siempre hacía reír a constantemente a las personas con las que platicaba ya que sus conversaciones eran muy jocosas. De él también son las canciones “Manos de azucena” y “cuando me miras”. En esta oportunidad escucharemos “Ella” en una rara versión grabada en 1929 en San Antonio, Texas por el trío Matamoros, pero no el cubano, sino uno posiblemente mexicano integrado por Núñez, Romero y Vega. Sin duda una rareza.</span></div>
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<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">Dos rarezas musicales son las que vamos a presentar con un cantante mexicano hoy poco recordado llamado </span><span style="color: red;">Sebastián Muñoz</span><span style="color: #274e13;">, quien murió el 6 de enero de 1962. Este cantante tenor grabó con diversos sellos discográficos destacando especialmente los sellos Victor y Peerles. Grabó con orquestas como las de Alfonso Esparza Oteo, Juan García Esquivel y Rafael de Paz, entre otras. Sebastián Muñoz fue artista exclusivo de los programas de radio de la Lotería Nacional, según la foto que tenemos a un costado de estas líneas. Hace una semana comentábamos que de 1930 a 1940, la emisora de radio XEB fue crisol de nuevos valores en la música popular. En este lapso, figuraron como intérpretes exclusivos: Margarita Romero, las Hermanas Landín (Avelina y María Luisa), el Dr. Alfonso Ortiz Tirado, Antonio Escobar, Vicente Bergmann, las hermanas Ruiz Armengol, Raquel Moreno, Dora Luz, Maruca Pérez, Wello Rivas, Carlos de Nava, Enrique Quezada, Alberto Cervantes, Jaime Nolla Reyes, Néstor Mesta Chayres, Manuel Esperón, Miguel Prado y muchos más, entre los que podemos agregar precisamente a Sebastián Muñoz, según lo destaca Pablo dueñas en su libro sobre boleros. Eran los tiempos de los primeros años de transmisiones de la XEB, aquellos primeros años de la Emisora del Buen Tono, se crearon muchos conceptos y fórmulas que rigen hasta nuestros días el quehacer radiofónico en general. Pioneros en sus micrófonos, fueron: Jorge Marrón (el que después se convirtiera en el famoso Doctor IQ) y Enrique W. Curtiss. En el lapso de 1930 a 1940, la emisora estuvo identificada por los locutores: Humberto G. Tamayo, Joaquín Gamboa, Edmundo García, Adrián Fournier, Guillermo Núñez Keith y Oscar Pulido, entre otros. Esos eran los tiempos de Sebastián Muñoz en la XEB. (Con datos de https://www.imer.mx/xeb/xeb-nueve-decadas-de-historia-con-mayusculas).</span></div>
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<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><i><span style="color: red;">Ay Jalisco no te rajes,</span></i><span style="color: #274e13;"> nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos hablará de la cantante </span><span style="color: red;">Elvira Ríos</span><span style="color: #274e13;">, a través de una entrevista con el investigador musical colombiano Jaime Rico Salazar. Elvira Ríos, cuyo nombre real fue María Elvira Gallegos Ríos, nació hace el 16 de noviembre de 1913 en la ciudad de México, en el barrio de La Lagunilla. Fue una autentica pionera que rompió tabúes y abrió el camino para los cantantes de su tiempo. Fue la primera en atreverse a cantar boleros cuando este género estaba considerado como de los arrabales y de personas no recomendables. Su voz era de tesitura grave, profunda y romántica. No había otra cantante capaz de decir las canciones con tanto sentimiento, por lo que alcanzó enorme popularidad. En el año 1936 la conoció Agustín Lara quien se impresionó cuando la escuchó cantar en un pequeño bar capitalino. Agustín la recomendó en la XEW donde pronto llegó a ser una de las artistas más importantes, teniendo hasta tres programas diarios de 15 minutos. En ese mismo año Elvira hizo su debut discográfico grabando a dúo con Agustín Lara los temas "Pensaba que tu amor" y "Cachito de sol". Vivió algún tiempo en París y más de 10 años en Estados Unidos, donde fue artista de la NBC y se presentó en los lugares más renombrados. Intervino en varias películas mexicanas, argentinas y estadounidenses, entre otras, apareció en "La Diligencia" con John Wayne bajo la dirección de John Ford, trabajo también en las películas argentinas "El Tango Vuelve a Paris" y "Ven mi Corazón te Llama" y varias más.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes</span><span style="color: red;"> 12 de JULIO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-18196403551507886252019-07-01T15:33:00.001-05:002019-07-01T15:33:13.457-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 05 DE JULIO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 05 DE JULIO DE 2019</span></div>
<span style="color: red;">* Escucharemos algunas joyas discográficas en voz de Margarita Romero</span><br />
<span style="color: red;">* Desde Ecuador, su música, compositores e intérpretes de antaño</span><br />
<span style="color: red;">* Además, dos corridos de El Potrero del Llano. Desde Colombia, el dueto Kalamary</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos a Facundo Cabral en la Cadena del Recuerdo, a 8 años de su asesinato; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Nelson Pinedo</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOdyzT775TOJPt30ZDybHR5TkIGvetWv_ltJHE-rsI83OOOA1ONOc5uFvqR7LuklOWuJzil9158R1h7MVhj9Lip5RzcF7p-qylmwSwPR9BQTi7qq9slZ4fwuj604juJfeI5nJGLdyRbLg/s1600/Margarita-Romero-y-Wello-Rivas-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="751" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOdyzT775TOJPt30ZDybHR5TkIGvetWv_ltJHE-rsI83OOOA1ONOc5uFvqR7LuklOWuJzil9158R1h7MVhj9Lip5RzcF7p-qylmwSwPR9BQTi7qq9slZ4fwuj604juJfeI5nJGLdyRbLg/s320/Margarita-Romero-y-Wello-Rivas-sello.jpg" width="267" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes escucharemos algunas grabaciones que nunca hemos programado con </span><span style="color: red;">Margarita Romero</span><span style="color: #274e13;">, una cantante que fue pionera de las grabaciones de discos y las transmisiones radiales. Romero primero fue intérprete de Roque Carbajo y posteriormente su carrera brilló al lado de Rafael Hernández. Ella y Wello Rivas hicieron grandes presentaciones en la emisora XEB, La Estación del Buen Tono, durante los años treinta. Después Margarita se unió sentimentalmente con el gerente de la estación de radio Bernardo San Cristóbal. Después de su matrimonio con San Cristóbal se fue alejando de los escenarios, y su retiro voluntario de los se dio a mediados de los años cuarenta. Escribe Pablo Dueñas que juntos, Margarita, Wello y Rafael Hernández crearon una escuela musical en la XEB en lo romántico y tropical con boleros, sones cubanos, rumbas, guarachas, congas y otros ritmos. Todas las tardes, el público atiborraba el teatro estudio de la emisora del Buen Tono para llenarse de la alegría musical que desbordaba el Jibarito en cada una de sus composiciones. De 1930 a 1940, XEB fue crisol de nuevos valores en la música popular. En este lapso, figuraron como intérpretes exclusivos: Margarita Romero, las Hermanas Landín (Avelina y María Luisa), el Dr. Alfonso Ortiz Tirado, Antonio Escobar, Vicente Bergmann, las hermanas Ruiz Armengol, Raquel Moreno, Dora Luz, Maruca Pérez, Wello Rivas, Carlos de Nava, Enrique Quezada, Alberto Cervantes, Jaime Nolla Reyes, Néstor Mesta Chayres, Manuel Esperón, Miguel Prado y muchos más. En 1936, el compositor puertorriqueño Rafael Hernández fue contratado para participar en los Programas Picot de XEB. El éxito de esta serie musical, propició que la radiodifusora inaugurara un nuevo teatro-estudio en sus instalaciones, para dar cabida a los numerosos espectadores. En estas audiciones, destacó la trilogía artística integrada por los cantantes Margarita Romero, Wello Rivas y el propio Rafael, con sus canciones y su orquesta. (Con datos de https://www.imer.mx/xeb/xeb-nueve-decadas-de-historia-con-mayusculas).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTyfk57M0HPx9Gh3grVWnkTGmAohR8aT_WeU2xDaJW0LiLSxJ0axtzQH4NyZS8nrbTtkLg2-dUS6KGWeOoxSnDrhq02PWdQTxhcTOMPD6AV_1OYlsds6TosTOYJHDY1XGqNb4tEuHh15w/s1600/Potrero+del+llano+info.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="1024" height="160" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTyfk57M0HPx9Gh3grVWnkTGmAohR8aT_WeU2xDaJW0LiLSxJ0axtzQH4NyZS8nrbTtkLg2-dUS6KGWeOoxSnDrhq02PWdQTxhcTOMPD6AV_1OYlsds6TosTOYJHDY1XGqNb4tEuHh15w/s320/Potrero+del+llano+info.png" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Rincón Norteño</i> </span><span style="color: #274e13;">vamos a escuchar dos canciones que nos hablan del buque mexicano </span><span style="color: red;">El Potrero del Llano</span><span style="color: #274e13;">, que fue el primer buque petrolero mexicano torpedeado e inutilizado (no del todo hundido), por el submarino alemán U-564 tipo VII C comandado por el Kapitänleutnant Reinhard "Teddy" Suhren el 13 de mayo de 1942, este hecho llevó a México a abandonar su neutralidad y entrar en la Segunda Guerra Mundial. Vamos a presentar “El hundimiento de El Potrero del Llano”, corrido de Antonio Alegre, en una grabación del sello Victor, interpretado por el dueto Ray y Laurita; asimismo, presentaremos “El corrido de El Potrero del Llano”, de Manuel Esquivel, con Martín y Eloisa, del sello Peeerles. Ambas grabaciones del año de 1942. Al momento del ataque, iban a bordo de El Potrero del Llano 35 marinos de tripulación, de los cuales fallecieron 14. Entre las víctimas se encontraban el teniente de navío Gabriel Cruz Díaz, el teniente de fragata Rafael Castelán Orta, el primer maestre Enrique Andrade Díaz, quien era el radio-operador y 11 trabajadores de Pemex. Entre los sobrevivientes se encontraba el teniente de navío Jorge Mancisidor Gales. Tenía un desplazamiento de 6132 toneladas e iba cargado con 46 000 barriles de petróleo. El torpedo impactó en la mitad del puente, este se partió en dos. Se inició así la participación de México en la Guerra Mundial. Actualmente el barco Potrero del Llano se encuentra convertido en monumento simbólico —hundida la parte central, la proa y popa levantadas formando la "V" de la victoria— al haber sido remolcado a la isla de Mosquitos, cerca de Miami.</span></div>
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<span style="color: red;">3.</span><span style="color: #274e13;"> Este viernes vamos a presentar también diversas canciones, ritmos e intérpretes que vienen de Sudamérica, en especial de Ecuador y Colombia. Por ejemplo, desde Colombia recordaremos al </span><span style="color: red;">Dueto Kalamarí</span><span style="color: #274e13;">, que solamente grabó dos canciones en toda su carrera artística a finales de los cincuentas para el sello Silver. Una de las canciones fue “Adoración”, un pasillo ecuatoriano cuya letra es de Genaro Castro y la música de Enrique Ibáñez Mora. La otra fue “El dolor de la ausencia”. En el año 1955, se inició el Dueto Kalamarí, con Carlos Araque y su hermana Margarita. Este dueto era especializado en música colombiana antigua pero también cantaban boleros, valses, tangos, danzas, y más. En cierta ocasión el Dueto Kalamarí se presentaba en un programa de La Voz de Antioquia; Carlos y Margarita Araque tenían un contrato firmado por espacio de un mes, pero cuando sólo llevaban ocho días de presentaciones Margarita tuvo un gran inconveniente que le impedía seguir en el dueto; el contrato ya estaba firmado con dicha emisora y había que cumplirlo; entonces Carlos habló con Alberto Toro Montoya, el gerente de la empresa, y solicitó incluir a su otra hermana, Lucía, en lugar de Margarita, el resultado fue maravilloso. El acompañamiento en esa ocasión fue de la orquesta de Manuel J. Bernal. El Dueto Kalamarí alguna vez fue acompañado por la orquesta del maestro Lucho Bermúdez en el radioteatro de La Voz de Antioquia, en un programa que dirigía Gabriel Muñoz López. En todos estos programas radiales el Dueto Kalamarí alternó con fi¬guras como Chela Roselló, Olga Guillot y Los Casanova, entre otros. Este dueto finalizó sus actuaciones el 16 de diciembre de 1963, fecha en que falleció Carlos en un accidente de tránsito. En ese mes precisamente el Dueto Kalamarí estaba preparando las canciones que aparecerían en su primer disco de larga duración en enero de 1964 en la disquera Sonolux. (Con datos tomados de http://biografiasantioquia.blogspot.com/2010/11/dueto-kalamari.html).</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Del músico ecuatoriano </span><span style="color: red;">Francisco Paredes Herrera</span><span style="color: #274e13;"> escucharemos algunas de sus creaciones musicales. Paredes Herrera nació en Cuenca el 8 de noviembre de 1891. Sus primeras lecciones de música a sus escasos cinco años las recibe de su padre Don Francisco Paredes Orellana. Aprende el piano, la guitarra, el armonio y la concertina. En 1922 se radica en Guayaquil y trabaja para Don José D. Feraud Guzmán como director artístico de la fábrica de rollos para pianolas hasta 1928. En 1932 funda el trío “Guayaquil” integrado por Francisco Paredes H. (piano y dirección), Alfonso Calero (tenor) y Carlos González (barítono). Con este trío espectacular recorre todo el Ecuador. En 1936 la Banda de la Armada de los EEUU interpretó la obra “Recuerdos del Chimborazo” desde Bound Brook en New Jersey, y fue transmitido por la Nacional Broadcasting Company por onda corta a toda América. Según la investigadora Ana Paredes Roldán el catálogo de obras de Francisco Paredes Herrera asciende a 857 entre pasillos, tangos, sanjuanitos, pasacalles, villancicos, pasodobles, polcas, romanzas etc. Entre sus composiciones más conocidas tenemos: “Tu y yo” con versos del Dr. Manuel Coello, pasillo ganador del primer premio en Barcelona España, en la Segunda Feria de la Canción Iberoamericana. “Anhelos”, “Rosario de besos”, “Manabí”, “Horas de pasión”, “Unamos los corazones”, “Como si fuera un niño”, “Amor que renace”, “Paloma del ensueño”, “Playas del adiós”, “Por tu amor”, “Un triste despertar”, “Vamos linda”; los sanjuanitos “Cuitas de amor”, “Al pie del capulí”, “Palomita cuculí” y un prolongado etc. El Dr. Remigio Romero y Cordero en el Florilegio del Pasillo describe al maestro Francisco Paredes Herrera –“de alma noble, corazón hidalgo, palabras suaves y amistad sincera”. Este compositor, orgullo del Ecuador. falleció en Guayaquil el 1 de enero de 1952. Por haber llegado a las entrañas del alma se lo conoce como “El príncipe del pasillo ecuatoriano”. </span></div>
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<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">Desde Ecuador también presentaremos algunos temas musicales compuestos por </span><span style="color: red;">Nicasio Safadi Reves</span><span style="color: #274e13;">, libanés naturalizado ecuatoriano y radicado en Guayaquil. Safadi nació en 1896 en Beirut y falleció en el mes de octubre de 1968. Nacido en Beirut, Líbano, a fines del siglo XIX, emigró a Guayaquil, Ecuador junto con sus padres cuando Nicasio tenía 5 años de edad. Músico de excepción y hábil autodidacto, estudió por cuenta propia y brilló como compositor, intérprete y maestro de maestros. Safadi puso la letra al pasillo con base en el texto del poeta manteño José María Egas. Los versos fueron escritos en la ciudad de Quito en 1920. La partitura fue editada por el mismo Safadi en 1933. Nicasio Safadi fue un músico excepcional y prolífico quien además de crear también cantaba. Formó parte del Dúo Ecuador junto a Enrique Ibáñez Mora en los años treinta, también tocaba la guitarra. Escribe Germán Arteta Vargas, en el diario El Universo de Ecuador que en octubre de 1968, cuando murió Nicasio Safadi Reves, los conocedores de nuestra música dijeron que el Ecuador perdía a uno de sus más prolíficos compositores. Pasillos, pasacalles, boleros, pasodobles, corridos, valses criollos, jotas, cuecas, himnos de planteles educativos y de instituciones obreras y sociales, etcétera, aparecen entre las composiciones inéditas del famoso Turco, quien en junio de 1930 en compañía de Enrique Ibáñez Mora, el Pollo, viajó a los Estados Unidos para realizar grabaciones de música ecuatoriana. El dúo Ibáñez-Safadi o Ecuador, como lo bautizara el visionario empresario José Domingo Feraud Guzmán, hizo época. Triunfó rotundamente y abrió caminos para una mayor acogida del pasillo y otros ritmos que prevalecían en esa época. Compuso el pasillo Guayaquil de mis amores, con letra del poeta orense Lauro Dávila Echeverría.</span></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">“Nadie Como yo nació /con destino marinero/La única flor que conozco / es la rosa de los vientos” así decía el poeta </span><span style="color: red;">Abel Romeo Castillo</span><span style="color: #274e13;"> en su creación literaria, en 1935, en Santiago-Chile. Posteriormente en Guayaquil el compositor manabita Gonzalo Vera Santos convirtió en popular pasillo los versos de nuestro romancero. No hay canción que sepamos, tenga mayor expresión de alma marinera que aquella. Este pasillo cuya letra magistral corresponde al Dr. Abel Romeo Castillo y que fue musicalizada por Gonzalo Vera Santos, se ha transformado en la melodía preferida del marino, siempre está presente en nuestros mares y en los mares del mundo. El primero que grabó Romance de mi destino en una película mexicana fue el ventrílocuo ecuatoriano Paco Miller por intermedio de su muñeco Don Roque, La película se tituló La Liga de las Canciones. Después lo grabó la cantante azteca La Panchita, esposa de Paco Miller, en un disco de 45 r.p.m. y en un Long Play con el título cambiado, ya que figuró como El Buque Fantasma, para el sello RCA Víctor, de México. Posteriormente grabó este pasillo para la Peerless del mismo país, el Trío Los Embajadores, artistas ecuatorianos. A este tema se le han puesto diversos títulos como La Rosa de los Vientos, Nauta sin Puerto, El Buque Fantasma, etc. El autor de Romance de mi destino falleció en Guayaquil el 11 de noviembre de 1996, a la edad de 92 años. Gonzalo Vera Santos, falleció el 6 de enero de 1989. (Esta nota citada por Walter González Álvarez la escribió Hugo Delgado Cepeda, para la revista ecuatoriana del Instituto de Historia Marítima de la Armada Nacional y se publicó en la Revista No. 26 en diciembre de 1999).</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Desde la ciudad de Guadalajara, en la sección </span><span style="color: red;">Ay Jalisco no te rajes</span><span style="color: #274e13;">, nuestro colaborador Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza del cantante colombiano </span><span style="color: red;">Nelson Pinedo</span><span style="color: #274e13;">, con satos aportados por el productor de radio colombiano Juan Carlos Álvarez Echeverri. Napoleón Nelson Pinedo Fedullo, mejor conocido como Nelson Pinedo, nació el 10 de febrero de 1928 en el barrio de Rebolo de Barranquilla, Colombia. Se inició como técnico en la industria textil, después empleado bancario, hasta llegar a locutor de radio en "La Voz de la Patria". La locución lo ayudó a modular y tener buena dicción, preparándolo para comenzar como cantante aficionado. Su carrera profesional la inicio en Baranquilla cuando la agrupación de Julio Lastra, preocupada por la ausencia de su cantante principal, le brindaron la oportunidad de emergente, interpretando como primer tema el bolero "Mi cariño". Viaja a Maracaibo, Venezuela, con el conjunto de Los Hermanos Rodríguez Morena, allí graba su primer disco de 78 rpm otro bolero titulado "Mucho, mucho, mucho", para después graduarse con la orquesta de Don Antonio María Peñaloza. Se presenta su mejor oportunidad cuando la muy gustada agrupación argentina de Don Américo hace presencia en la emisora "Nuevo Mundo" con su voz, consiguiendo destacar. En el año 1954 entró a los estudios de la radio CMQ en Cuba y grabó sus primeros éxitos con la Sonora Matancera. Nelson Pinedo murió en la ciudad de Valencia, Venezuela, el 27 de octubre del 2016 a la edad de 88 años, por un paro cardíaco, fue cremado en Caracas y sus cenizas se encuentran en Barranquilla, Colombia.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNFYIPWToASoatQnJcrJ2ebFoylfZnKyJUecKlqGMk0WVJxY_3vgw-HMvbruq_lf-WkgIq2004oS8QHvNMoIyQX2KaEgx_vnDFtCESJFaPaKmpeD-yWbaxY7gtWWWpji-StQlUGWZrkVc/s1600/facundo_0.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="765" data-original-width="1366" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNFYIPWToASoatQnJcrJ2ebFoylfZnKyJUecKlqGMk0WVJxY_3vgw-HMvbruq_lf-WkgIq2004oS8QHvNMoIyQX2KaEgx_vnDFtCESJFaPaKmpeD-yWbaxY7gtWWWpji-StQlUGWZrkVc/s320/facundo_0.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>La cadena del recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;">, y gracias a un anterior trabajo radiofónico de nuestro ya fallecido colaborador salvadoreño radicado en Venezuela Carlos Figueroa, escucharemos una semblanza de Rodolfo Enrique Cabral Camiñas, más conocido como </span><span style="color: red;">Facundo Cabral</span><span style="color: #274e13;">, quien murió hace 8 años, el 9 de julio de 2011. Cantautor, poeta, escritor y filósofo argentino. Su propuesta artística resulta difícil de encasillar. Aunque compuso canciones y algunas de estas trascendieron a nivel hispanoamericano como “No soy de aquí ni soy de allá”, su obra también consistía en contar historias con una estética que entremezclaba la crítica social, sátira, misticismo, cristianismo, anarquismo, optimismo y hedonismo. Al momento de definir su trabajo, Cabral aseguraba que en vez de trovador o un contador de historia, él representaba lo que en la Edad Media se conocía como juglar −artista ambulante que ofrecía su espectáculo (música, teatro, literatura o charlatanería) a cambio de dinero. En los recitales que realizó, el compositor revelaba algunos aspectos personales de su vida como que no tenía hogar y que recorría el mundo viajando de hotel a hotel. Por eso se autodefinió como "vagabundo first class". Cabral fue asesinado en Guatemala en julio de 2011 por sicarios que lo confundieron con un empresario vinculado al narcotráfico. La Unesco lo declaró en 1996 "Mensajero mundial de la paz" y fue nominado al premio Nobel de la Paz en 2008. Un día antes de su nacimiento, su padre se fue del hogar. Su madre y sus otros seis hermanos vivían en casa del abuelo paterno de Facundo Cabral, quien expulsó al resto de la familia. A la edad de 9 años, escapó de su hogar y estuvo desaparecido cuatro meses. Su propósito inicial era llegar hasta Buenos Aires para conocer al entonces presidente argentino Juan Domingo Perón, ya que tenía la referencia de que el mandatario "les daba trabajo a los pobres".</span></div>
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<span style="color: red;">HACE UNA SEMANA QUEDAMOS A DEBER:</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC7uj6qfPLd-OTP5G4BdPA1i47F_pK7K7gr_9A6nxyqPwpXp_gxisqUAZCl9fcP4vQlw2MLC1sOeKjBCBOW67M6pZ5L2_8RKCtfrOCw6Rmt05vz9RT90SBwpS8fE3ru1kXeoV-d_iQYQY/s1600/marihuana.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="581" data-original-width="881" height="211" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC7uj6qfPLd-OTP5G4BdPA1i47F_pK7K7gr_9A6nxyqPwpXp_gxisqUAZCl9fcP4vQlw2MLC1sOeKjBCBOW67M6pZ5L2_8RKCtfrOCw6Rmt05vz9RT90SBwpS8fE3ru1kXeoV-d_iQYQY/s320/marihuana.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>La Carpa</i></span><span style="color: #274e13;">, escucharemos diversas canciones dedicada a la marihuana. En la música popular de antaño hay muchas canciones que introducen esta planta en sus textos. Podemos mencionar por ejemplo “La cucaracha”, “La marihuana”, “Marihuana boogie”, “Dúo de mariguanos”, “Los mariguanos”, y otras más. El cannabis o también conocido como marihuana es originario de Asia central y del sur. A pesar de que muchos relacionan el uso de la marihuana con las culturas prehispánicas, no existe evidencia al respecto. Juan Pablo García Vallejo, sociólogo y autor de El primer manifiesto pacheco, asegura que la llegada del cannabis a México ocurre en 1492. Pese a que la hierba no fue usada por las culturas mesoamericanas, estas ya tenían amplia experiencia en el uso de plantas maestras como peyote, hongos y ololiuhqui, que se consumían cotidianamente tanto para «liberar el alma» como para convivir con la divinidad. El cultivo de cáñamo fue ampliamente incentivado para hacer despegar la economía de la Nueva España. La historia le atribuye a Pedro Cuadrado de Alcalá del Río la introducción de la planta en 1530 a petición de Hernán Cortés. Asimismo, su cultivo fue autorizado en una audiencia conducida por el obispo Juan de Zumárraga, quien aseguraba que la yerba era lo que les hacía falta a los indígenas «para ser felices». Estos descubrieron rápidamente los beneficios de consumirla y la empleaban para reducir diversas molestias, adaptándola también a la vida diaria y al uso ritual. Es muy probable que por el año 1550 también comenzara a fumarse ya que el virrey Luis de Velasco y Ruiz de Alarcón sugirió limitar el cultivo porque «los indígenas empezaron a emplearla para algo que más que la creación de cuerdas». En esta época empieza a llamársele Juanita o María, como las curanderas indígenas que sanaban con la planta.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicj97FCq0qo35ZAGVsRmkYUNNUvI5GxLAWViBrOb8iVXwSWzHPxAoLfLAD76ca52VMTl1fr0PrrB_-Y8wyUyYB1tULGvBln37cBM1JThOgWa42TrWf_u54c7lbumzPTuoDQ5E_Lyyevaw/s1600/Jose+A.+Morales-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="498" data-original-width="380" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicj97FCq0qo35ZAGVsRmkYUNNUvI5GxLAWViBrOb8iVXwSWzHPxAoLfLAD76ca52VMTl1fr0PrrB_-Y8wyUyYB1tULGvBln37cBM1JThOgWa42TrWf_u54c7lbumzPTuoDQ5E_Lyyevaw/s320/Jose+A.+Morales-sello.jpg" width="244" /></a></div>
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<span style="color: red;">10. José Alejandro Morale</span><span style="color: #274e13;">s nació en El Socorro, Santander, Colombia, el 19 de marzo de 1913 y falleció el 22 de septiembre de 1978 en Bogotá. Fue uno de los más importantes compositores colombianos, además de ser uno de los que más obras han dejado. Siempre se caracterizó por su elegancia, además de su talento musical. Fue el primer compositor en hacer canción protesta en Colombia, con la canción “Ayer me echaron del pueblo”. Inició su desarrollo musical en su tierra. Cuando aún era muy joven se trasladó a Bogotá, donde desarrollaría casi en su totalidad su carrera artística. Siempre se caracterizó por su talento musical, sus buenos modales, su fino modo de vestir y su actividad intelectual. En el año de 1935 realizó su primera composición en la capital colombiana: un tango titulado “Marta”, con el que obtuvo grandes éxitos. Realizó su primera grabación musical en los estudios de Sonolux Con las voces e instrumentos, tiple y guitarra de Garzón y Collazos bajo la dirección del maestro Luis Uribe Bueno. Era un sencillo de 78 RPM que contenía su bambuco María Antonia y Arrunchaditos, de Rafael Godoy Grabación, con la que logró que el pueblo colombiano le empezara a reconocer como compositor. Se desempeñó además como Director de relaciones públicas de Sonolux, y como comentarista en diversos programas culturales de radio en varias emisoras de la capital colombiana. Murió el 22 de septiembre de 1978 a causa de una afección respiratoria en la Clínica del Country en la capital colombiana, aunque su cuerpo fue trasladado a Socorro por expreso deseo de su parte. Algunas de sus 213 composiciones son “Yo también tuve veinte años”, “Camino viejo” y “Pueblito viejo”.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">05 de JULIO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-49391355303199369192019-06-24T22:29:00.003-05:002019-06-24T22:29:58.962-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 28 DE JUNIO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 28 DE JUNIO DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* Recordaremos, como cantantes y como compositores, a los veracruzanos Cuates Castilla</span></div>
<span style="color: red;">* Oiremos a las Hermanas Landín acompañadas de mariachi</span><br />
<span style="color: red;">* Además, la orquesta del veracruzano Noé Fajardo. Desde Colombia, José A. Morales. Canciones que hacen referencia a la marihuana. Desde Cuba, Vicentico Valdez</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos a Nico Saquito en la sección Permítame un recuerdo; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza y entrevista con Irma Carlón</span><br />
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<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes recordaremos, como cantantes y como compositores, a los veracruzanos </span><span style="color: red;">Cuates Castilla</span><span style="color: #274e13;">. Miguel Ángel y José Ángel Díaz Mirón y González de Castilla nacieron el día 2 de septiembre de 1912, en Veracruz. En 1924, a la corta edad de 12 años, Los Cuates Castilla iniciaron su longeva carrera de compositores, cantantes y guitarristas, debutando en el Teatro Principal de su tierra natal, Veracruz. Fueron autores y compositores de letra y música de más de mil canciones de todos los estilos. La primera fue “Tu alma”, compuesta en 1924. Según Pablo Dueñas, el eslabón entre el bolero veracruzano y el bolero capitalino lo realizaron Los Cuates Castilla a través del bolero “Cuando ya no me quieras”, compuesto a los 18 años de edad, en 1930, cuando llevaban más de dos años de vivir en la capital, procedentes de Veracruz. Tuvieron que pasar más de cuatro años para que los cuates grabaran este tema que finalmente llevaron al disco en 1934. Pepe y Miguel Castilla, gemelos idénticos e inspirados compositores nacidos en Veracruz, fueron quienes llevaron la música mexicana (el bolero. el son huasteco y la canción ranchera) por diversos países de Europa y Asia, durante la época de la postguerra, es decir, después de 1947. No hay que olvidar que sus primeras incursiones en radio se dieron en la XEB, alrededor de 1929. Miguel “Cuate” Castilla falleció en la ciudad de México, Distrito Federal, el 21 de junio de 1979. José “Cuate” Castilla falleció en la ciudad de México, Distrito Federal, el 13 de septiembre de 1994. Viajeros del mundo, embajadores de nuestra canción, compositores de grandes éxitos… mucho es lo que se puede decir de esta pareja de cantantes, que otorgó al cancionero popular latinoamericano obras de la categoría de “Cuando ya no me quieras”, “Plegaria Guadalupana”, “El pastor”, “Mi segundo amor” y muchas más. Fueron artistas de la emisora XEB entre 1929 y 1940. Imagen de Los Cuates Castilla tomada de la Revista Somos.</span></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">No pueden faltar en nuestro elenco musical el dueto de las </span><span style="color: red;">Hermanas Landín</span><span style="color: #274e13;">, pero ahora acompañadas de mariachi. María Luisa y Avelina Landín Rodríguez fueron las integrantes de este excelente dueto que interpretó magistralmente algunos de los antiguos boleros que se conocieron en México. Debutan en la XEW, en 1938, con el nombre de “Pirita y Jade”, acompañados por las orquestas de Gabriel Ruiz, Ray Montoya y Federico Bahena. En octubre del mismo año se incorporan a la programación de la naciente XEQ, donde su director artístico Enrique Contell, las contrata para que compitan con las “Hermanas Águila”, conocido ya como el “Dueto de América” a partir de entonces se originaría una rivalidad artística entre ambos duetos, que duraría muchos años en la programación de las radiodifusoras. A partir de 1939, ya bajo el nombre de Hermanas Landín pasan a formar parte del elenco de la RCA y su fama y popularidad alcanzan grandes dimensiones. En 1940, las Hermanas Landín, inician una gira por el Caribe, particularmente por Cuba y República Dominicana. El dueto se mantiene firme en las preferencias del público hasta 1942, en que el dueto se disuelve, ya que Avelina contrae nupcias con Ángel Zempoalteca, quien la retira de los medios, eventualmente habrían de reunirse nuevamente, bajo el nombre del dueto Mari-Lina, a finales de los años cuarenta; de esta época son los temas: “Amargado de la Vida” y “Los Magueyes”. Este dueto sería de corta vida musical ya que vuelven a separarse iniciando exitosas carreras por separado tanto Avelina como María Luisa. (Con datos de https://marialuisalandin.org.mx/biografia).</span></div>
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<span style="color: red;">3. Noé Fajardo Montalbán</span><span style="color: #274e13;"> fue un músico que acompañó con su orquesta diversos cantantes. Nació en Coatzacoalcos, Veracruz, el 4 de julio de 1906 y murió en Ciudad de México el 25 de noviembre de 1961. Ingresó al Conservatorio Nacional de Música –cuando lo dirigía Julián Carrillo– en Ciudad de México. Al morir su padre, quien lo inició en el estudio del flautín, el bombo y el piano, suspendió sus estudios musicales y regresó a Veracruz; allí se empleó en una banda militar como flautista. Posteriormente consiguió una plaza en la Impulsora de la Ópera de Ciudad de México, lo que le permitió regresar a la capital de la República y volver a tomar clases en el Conservatorio de 1918 a 1922, además de asistir a la academia particular del maestro Manuel M. Ponce. Ocupó puestos en varias orquestas de los teatros de la capital. De 1923 a 1928 trabajó como pianista en cines. En 1928 hizo sus primeros ensayos como arreglista de las canciones de Guty Cárdenas y emprendió estudios de composición y armonía con Juan León Mariscal. En 1934 formó parte de la Orquesta de Jazz de Adolfo Girón y colaboró (1936-1941) con Juan S. Garrido hasta que formó su propia orquesta de baile. Musicalizó varios cortos documentales entre los que sobresalen Fantasía Torera y Fantasía Mexicana. Dirigió también en el cine la ópera Fantasía Ranchera, cantada por Ramón Vinay, Pedro Vargas, la Chacha Aguilar y otros. Músico de la Orquesta Sinfónica Nacional desde 1928. Fue conocido en el medio como “El hombre orquesta”, dada su habilidad para tocar varios instrumentos, y por sus múltiples actividades como compositor, arreglista, intérprete, director y maestro. (Fuente: Diccionario Enciclopédico Veracruzano / Roberto Peredo / UV).</span></div>
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<span style="color: red;">4. José Alejandro Morales</span><span style="color: #274e13;"> nació en El Socorro, Santander, Colombia, el 19 de marzo de 1913 y falleció el 22 de septiembre de 1978 en Bogotá. Fue uno de los más importantes compositores colombianos, además de ser uno de los que más obras han dejado. Siempre se caracterizó por su elegancia, además de su talento musical. Fue el primer compositor en hacer canción protesta en Colombia, con la canción “Ayer me echaron del pueblo”. Inició su desarrollo musical en su tierra. Cuando aún era muy joven se trasladó a Bogotá, donde desarrollaría casi en su totalidad su carrera artística. Siempre se caracterizó por su talento musical, sus buenos modales, su fino modo de vestir y su actividad intelectual. En el año de 1935 realizó su primera composición en la capital colombiana: un tango titulado “Marta”, con el que obtuvo grandes éxitos. Realizó su primera grabación musical en los estudios de Sonolux Con las voces e instrumentos, tiple y guitarra de Garzón y Collazos bajo la dirección del maestro Luis Uribe Bueno. Era un sencillo de 78 RPM que contenía su bambuco María Antonia y Arrunchaditos, de Rafael Godoy Grabación, con la que logró que el pueblo colombiano le empezara a reconocer como compositor. Se desempeñó además como Director de relaciones públicas de Sonolux, y como comentarista en diversos programas culturales de radio en varias emisoras de la capital colombiana. Murió el 22 de septiembre de 1978 a causa de una afección respiratoria en la Clínica del Country en la capital colombiana, aunque su cuerpo fue trasladado a Socorro por expreso deseo de su parte. Algunas de sus 213 composiciones son “Yo también tuve veinte años”, “Camino viejo” y “Pueblito viejo”.</span></div>
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<span style="color: red;">5. Vicente Valdés Valdés</span><span style="color: #274e13;">, mejor conocido por su nombre artístico de Vicentico Valdés nació en La Habana, Cuba; el 10 de diciembre de 1919 y murió en Nueva York, Estados Unidos; 26 de junio de 1995. Vicentico Valdés fue hermano menor del también cantante Alfredito Valdés, y junto a él fue integrante del Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro. También fue integrante de la orquesta "Cosmopolita" que dirigía Antonio María Romeu. Trabajó también con la Sonora Matancera, interpretando principalmente guarachas y guaguancós tales como “Yo no soy guapo” (guaracha de Reineiro Martínez) y el bolero mambo “Decídete mi amor”. Uno de sus temas más representativos en esa época fue su versión de “Los aretes de la luna”, original de José Dolores Quiñones, tema que contribuyó a darle a conocer ante el gran público. Radicado en New York, conoció a Noro Morales. Éste lo integró a su orquesta y con él grabó temas como Guararé de Ricardo Fábregas, y Qué problema de Rudy Castel. En los años subsiguientes, su repertorio se concentró en la interpretación de boleros, aunque continuó cantando otros ritmos autóctonos de su tierra como guajiras, sones o guarachas. Para el sello Seeco grabó una cantidad de temas, entre boleros, guarachas y hasta cumbias. En el álbum, Así canta el corazón, acompañado por su propia orquesta y con arreglos y dirección de René Hernández (pianista de la orquesta de Machito durante algún tiempo), incluyó temas como: Ya 'ta el guateque (ritmo orizá), Negro de sociedad (motivo afro), Cumbia que se va de ronda, (cumbia) Yuyumbé (guaracha) y varios boleros como Tú mi adoración original de José Antonio Méndez. En su madurez como cantante, Vicentico Valdés tuvo su propia orquesta y contó con arreglos musicales de René Hernández, Joe Caín y Javier Vásquez.</span></div>
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<span style="color: red;">6.</span><span style="color: #274e13;"> En la sección </span><span style="color: red;"><i>Un tema mil versiones</i></span><span style="color: #274e13;">, escucharemos diversas canciones dedicada a </span><span style="color: red;">la marihuana. </span><span style="color: #274e13;">En la música popular de antaño hay muchas canciones que introducen esta planta en sus textos. Podemos mencionar por ejemplo “La cucaracha”, “La marihuana”, “Marihuana boogie”, “Dúo de mariguanos”, “Los mariguanos”, y otras más. El cannabis o también conocido como marihuana es originario de Asia central y del sur. A pesar de que muchos relacionan el uso de la marihuana con las culturas prehispánicas, no existe evidencia al respecto. Juan Pablo García Vallejo, sociólogo y autor de El primer manifiesto pacheco, asegura que la llegada del cannabis a México ocurre en 1492. Pese a que la hierba no fue usada por las culturas mesoamericanas, estas ya tenían amplia experiencia en el uso de plantas maestras como peyote, hongos y ololiuhqui, que se consumían cotidianamente tanto para «liberar el alma» como para convivir con la divinidad. El cultivo de cáñamo fue ampliamente incentivado para hacer despegar la economía de la Nueva España. La historia le atribuye a Pedro Cuadrado de Alcalá del Río la introducción de la planta en 1530 a petición de Hernán Cortés. Asimismo, su cultivo fue autorizado en una audiencia conducida por el obispo Juan de Zumárraga, quien aseguraba que la yerba era lo que les hacía falta a los indígenas «para ser felices». Estos descubrieron rápidamente los beneficios de consumirla y la empleaban para reducir diversas molestias, adaptándola también a la vida diaria y al uso ritual. Es muy probable que por el año 1550 también comenzara a fumarse ya que el virrey Luis de Velasco y Ruiz de Alarcón sugirió limitar el cultivo porque «los indígenas empezaron a emplearla para algo que más que la creación de cuerdas». En esta época empieza a llamársele Juanita o María, como las curanderas indígenas que sanaban con la planta.</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">La cantante </span><span style="color: red;">Irma Carlón </span><span style="color: #274e13;">nació el 20 de noviembre de 1936 y desde muy pequeña en su casa escuchó música de boleros cuarenteros, por lo que en la sección Ay Jalisco no te rajes presentaremos una semblanza y entrevista con esta cantante nacida en la ciudad de Puebla. Estudió la carrera de actuación especializa en teatro en la ANDA en la Academia de Andrés Soler, después estudió en la escuela de teatro de Bellas Artes. Nunca dejó de cantar pues el gusto por el canto lo traía en la sangre y en 1944 a los 19 años inició su carrera profesional como cantante. Alguien muy importante en su carrera fue el compositor Vicente Garrido que había triunfado internacionalmente con su canción "No me platiques". En ese tiempo se estaba inaugurando el Hotel Continental Hilton en la ciudad de México, en el último piso se encontraba el Salón Belvedere, a Vicente Garrido le tocó inaugurar ese lugar el 19 de marzo de 1957 con su orquesta e Irma Carlón fue la cantante. Después, Irma conoció al gran actor Pancho Córdova, quien la recomendó al programa de "Variedades de Media Noche" que conducían el "Loco" Valdez y Kippy Casado. Debido al sentimiento que Carlón imprimía a sus interpretaciones, el "Loco" Valdez le puso el seudónimo de "La lágrima que canta". También trabajó en los programas "El Estudio de Pedro Vargas", "El Yate del Prado", "Guitarras" con Claudio Estrada y muchos más. El éxito logrado en sus presentaciones en radio y televisión, fue la razón por la que fue contratada en exclusiva para grabar en la compañía discográfica RCA Victor, por su director Mariano Rivera Conde. Los años cuarenta y cincuenta fueron muy brillantes para la señora Carló. En la actualidad la señora Irma Carlón es considerada una leyenda viviente del bolero. A sus 82 años, con buena salud, y estupendo estado de ánimo, es frecuente su participación en “La Cueva de Rodrigo de la Cadena". </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiP4WwvOoaMfY9a7HwRuYhaHYOVBKoF127FbdNzI-9CnaP1Hb4YqYIZSXnH-nd-5MVWwtlxpPuNMJViJOfkjUhv_w7B4hwHxWwPqA5kIgMcMwdgwmY6exdDilB7MYgeKkCqbbB5ZsfDtc/s1600/%25C3%25B1ico+saquito+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="549" data-original-width="368" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiP4WwvOoaMfY9a7HwRuYhaHYOVBKoF127FbdNzI-9CnaP1Hb4YqYIZSXnH-nd-5MVWwtlxpPuNMJViJOfkjUhv_w7B4hwHxWwPqA5kIgMcMwdgwmY6exdDilB7MYgeKkCqbbB5ZsfDtc/s320/%25C3%25B1ico+saquito+%25281%2529.jpg" width="214" /></a></div>
<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Permítame un recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;">, desde la emisora CMGC, Radio Vitral, ubicada en la frecuencia 103.9 FM, en la ciudad de Santi Spíritus, Cuba, el locutor e investigador cubano Gaspar Marrero, gracias a la intermediación del colega Juan Carlos Álvarez Echeverri, en Pereira, Colombia nos hablara de </span><span style="color: red;">Nico Saquito y Caridad Cuervo</span><span style="color: #274e13;">. El 13 de febrero de 1901 nació el destacado compositor cubano Benito Antonio Fernández Ortiz, conocido en el mundo artístico como Ñico Saquito. La música siempre formó parte de su existencia. Su mamá y su tía cantaban a dueto tanto en su casa como en actividades en el barrio Tivolí, donde él nació. Además, la influencia y la tradición folclórica y musical de Santiago de Cuba, la cuna de los trovadores, lo llevó a los 15 años por primera vez a acariciar una guitarra, y tomó clases con el maestro Félix Premión. Se ganó el sobrenombre de Ñico Saquito en el Plus Ultra, donde jugaba la posición de jardinero central. Se desplazaba en el terreno con gran agilidad y destreza, los aficionados comentaban que era “un saco cogiendo pelotas”, que no se le escapaba ni una, este hecho unido a su baja estatura le ganaron el sobrenombre con el cual fuera conocido en el mundo musical, perdiendo por completo su nombre de pila, Benito Antonio Fernández Ortiz. En 1928 comenzó su carrera como trovador con el Cuarteto Castillo, posteriormente formó parte del grupo Típico Oriental, dirigido por Guillermo Mozo, con el cual hizo su primer viaje a las calles de La Habana. En 1948 creó Los Guaracheros de Oriente. Con este grupo viajó por Venezuela, Tampa, Cayo Hueso, México y Nueva York. En 1951 viajó a Venezuela con Los Guaracheros de Oriente el que después se separó y allí trabajó con el trío América y el cuarteto de Tico Álvarez. Participó con Los Guaracheros de Oriente, en el filme cubano Rincón criollo, 1951, junto a la vedette Blanquita Amaro, la cantante Celia Cruz y el dúo de Celina y Reutilio. </span></div>
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<span style="color: red;">HACE UNA SEMANA QUEDAMOS A DEBER:</span><br />
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<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">Escucharemos algunas interpretaciones de este dueto denominado </span><span style="color: red;">Chema y Juana, “Dueto Picot”</span><span style="color: #274e13;">. Chema y Juana eran los personajes que adornaban el Cancionero Picot, un pequeño cuadernillo de papel en el que, en medio de páginas con letras de canciones de rumbas, mambos, boleros, rancheras y alegres sones, se podían leer consejos para curar la indigestión provocada por la sabrosa comida mexicana, así como remedios en bálsamo o pastillas para aliviar el resfriado, la tos, las quemaduras y hasta los callos. En 1931 los Laboratorios Picot comenzaron a comprar tiempo aire en la radiodifusora XEW. Los anuncios comerciales fueron un éxito rotundo, y este esquema se convirtió en uno de los medios más eficaces de propaganda en el México de aquella época. Es así como surge el famoso Cancionero Picot, cuya genialidad y gusto recaía en las aventuras de Chema y Juana, dos personajes que siempre, en forma de verso, anunciaban las bondades del producto. La serie de Chema y Juana fue creada en 1932 por César Berra. Durante muchos años él dibujó las planas que aparecían tanto en el Cancionero como en espacios de diversos periódicos, en las que también colaboraba el publicista Jorge Aguilar. Chema, un charrito con un mechón de pelo sobre la frente, con grandes entradas a lo Pedro Infante y largo bigote en forma de herradura, recobraba la vida después de una noche azarosa recurriendo a Sal de Uvas Picot. Juana, una chica morena con enormes ojos oscuros y peinado a ras, no hacía más que validar el juicio de Chema al encontrar en Sal de Uvas Picot un remedio fácil y rápido a las crudas, que hasta entonces se habían combatido casi exclusivamente por medio de caldos calientes muy picosos y chilaquiles con una excesiva dosis de chiles de todos los tipos.</span></div>
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<span style="color: red;">10. </span><span style="color: #274e13;">Escribe Sofía Mireles Garavito que la actriz, cantante y poeta </span><span style="color: red;">Amanda del Llano</span><span style="color: #274e13;"> murió siendo todavía joven, en plena fama y éxito. Muchas ciudades han peleado ser su tierra natal; algunos biógrafos ponen que nació en Tonalá, otros que en Tapachula; pero realmente, ella nació en Cintalapa, Chiapas el 20 de junio de 1920; aunque fue asentada en el Registro civil de Tapachula. Amanda Llano Serrano trabajó como maestra en el Colegio Alemán en la Ciudad de México. En estos años, Amanda del Llano escribió más de 30 poesías, que nunca publicó y que su hermana Beatriz guarda. Empezó a actuar en una pequeña parte de la película Noche de recién casados. En 1942 actúa en la película Yo bailé con Don Porfirio al lado de Joaquín Pardavé; en ese mismo año, actuó en las cintas. La venganza del Charro Negro, Dos mexicanos en Sevilla y Mil estudiantes y una Muchacha. Hizo 48 películas de 1941 a 1963. El actor costarricense Crox Alvarado fue su segundo esposo, con el que se casó en el año de 1948. Antes se había casado con el Lic. Emilio Serrano Castro, pero su matrimonio nada más duró un año. Como cantante de ranchero, triunfó en una gira que realizó por Texas, California y algunas ciudades de los Estados Unidos. También hizo una gira de 2 años por España. En Cintalapa tenía un rancho de su propiedad, llamado La Enramada. Frecuentemente, visitaba su ciudad natal para ver a su hermana y participar en la Feria de la Candelaria el 2 de febrero. Murió el 24 de junio de 1964 en la ciudad de México, después de tres operaciones en los intestinos.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este </span><span style="color: red;">viernes 28 de JUNIO de 2019 </span><span style="color: blue;">en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-56949795704873600212019-06-17T23:07:00.001-05:002019-06-17T23:07:10.902-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 21 DE JUNIO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 21 DE JUNIO DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* Eloísa Gómez conformó Las tres morenas, y los duetos Picot, Ray y Eloísa y Martín y Eloísa</span></div>
<span style="color: red;">* Recodaremos al cantante Pepe Bustos, fallecido la semana pasada </span><br />
<span style="color: red;">* Además, garbanzos de a libra con la desconocida Beatriz Gurrola. Oiremos canciones de José de Jesús Morales. La Varsoviana, canción revolucionaria polaca. Desde Aguascalientes, nuevamente el Dueto América. Amanda del llano nació hace 99 años y murió hace 55 años </span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos la sección Permítame un recuerdo, desde Cuba; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Alberto Escobar, fallecido el domingo 16 de junio de 2019</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2COkkN8dnaUEj_3ExkdR_-yR61pzpzs66p9PVScGOFOhThd6gNnXohA_cKb48xlDcy4thij41HYIGN9lxQe8-O3BF9WqHb2NwEuJsc55IffHuxg_jJMcgDBQ9Yk6cus1pJFYxKsDbO8I/s1600/LAS-TRES-MORENAS_crop-300x300.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2COkkN8dnaUEj_3ExkdR_-yR61pzpzs66p9PVScGOFOhThd6gNnXohA_cKb48xlDcy4thij41HYIGN9lxQe8-O3BF9WqHb2NwEuJsc55IffHuxg_jJMcgDBQ9Yk6cus1pJFYxKsDbO8I/s1600/LAS-TRES-MORENAS_crop-300x300.jpg" /></a></div>
<span style="color: red;">1.</span><span style="color: #274e13;"> Cuando nos referimos a los diferentes duetos que hizo Martín Becerra pocas veces nos detenemos a revisar la obra de sus diferentes acompañantes, casi siempre nos ocupamos de la biografía del propio Martín, pero hoy nos enfocaremos especialmente en </span><span style="color: red;">Eloísa Gómez Torres,</span><span style="color: #274e13;"> quien nació en Coalcomán, Michoacán. Fue una cancionera y comediante. Actuó en la XEW en los años treinta en pareja con Rodolfo Sánchez Marín, quienes personificaron a Ponciano y Domestica y luego a los charritos Picot Chema y Juana. Eloísa Torres, antes de integrar el famoso dueto Martín y Eloísa, conformó el trío Las Tres Morenas, junto a Martha Elena Pérez Tejada (la famosa Malena) y Paz Sánchez. Las Tres Morenas participaron en el filme "Amapola del camino" (1937), en donde cantan "La Malagradecida" y “Adiós Trigueña”. De este trío salieron importantes duetos, por ejemplo, Ray y Eloísa (Raymundo Pérez y Soto y Eloísa Gómez); Martín y Eloísa (Martín Becerra y Eloísa Gómez) y Martín y Malena (Martín Becerra y Martha Elena Pérez Tejada). En una entrevista que este programa Hasta que el Cuerpo Aguante le hizo a Martín Becerra, comentó que, en 1939, a sugerencia de Guillermo Kornhauser, director artístico de Discos Peerless, se conformó el dueto Martín y Eloísa, un dúo vocal con Eloísa Gómez Torres del trío Las Tres Morenas. Como don Martín contó la historia, la idea de Kornhauser era tener un dueto en Peerless que compitiera con el popular dúo de Ray y Laurita, las estrellas de la compañía rival RCA Víctor Mexicana (Peerless y Víctor eran los dos gigantes de la industria discográfica en México en ese momento). Curiosamente, Eloísa había formado un dueto con Ray Pérez y Soto, dúo Ray y Eloísa, antes de que él se uniera a Laura Rivas para formar el famoso Ray y Laurita. El dúo de Martín y Eloísa tuvo un gran éxito y grabaron más muchas canciones en la etiqueta Peerless entre 1939 y 1942. Un accidente cerebrovascular obligó Eloisa retirarse del canto, Martín la reemplazó con otra integrante de Las Tres Morenas, Magdalena (o Marta Elena) “Malena” Pérez Tejada, y el nuevo dúo se conoció como Martín y Malena.</span></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Ya que hablamos del dueto </span><span style="color: red;">Chema y Juana</span><span style="color: #274e13;"> de los programas radiofónicos de la Picot, escucharemos algunas interpretaciones de este dueto denominado Chema y Juan Dueto Picot. Chema y Juana eran los personajes que adornaban el Cancionero Picot, un pequeño cuadernillo de papel en el que, en medio de páginas con letras de canciones de rumbas, mambos, boleros, rancheras y alegres sones, se podían leer consejos para curar la indigestión provocada por la sabrosa comida mexicana, así como remedios en bálsamo o pastillas para aliviar el resfriado, la tos, las quemaduras y hasta los callos. En 1931 los Laboratorios Picot comenzaron a comprar tiempo aire en la radiodifusora XEW. Los anuncios comerciales fueron un éxito rotundo, y este esquema se convirtió en uno de los medios más eficaces de propaganda en el México de aquella época. Es así como surge el famoso Cancionero Picot, cuya genialidad y gusto recaía en las aventuras de Chema y Juana, dos personajes que siempre, en forma de verso, anunciaban las bondades del producto. La serie de Chema y Juana fue creada en 1932 por César Berra. Durante muchos años él dibujó las planas que aparecían tanto en el Cancionero como en espacios de diversos periódicos, en las que también colaboraba el publicista Jorge Aguilar. Chema, un charrito con un mechón de pelo sobre la frente, con grandes entradas a lo Pedro Infante y largo bigote en forma de herradura, recobraba la vida después de una noche azarosa recurriendo a Sal de Uvas Picot. Juana, una chica morena con enormes ojos oscuros y peinado a ras, no hacía más que validar el juicio de Chema al encontrar en Sal de Uvas Picot un remedio fácil y rápido a las crudas, que hasta entonces se habían combatido casi exclusivamente por medio de caldos calientes muy picosos y chilaquiles con una excesiva dosis de chiles de todos los tipos.</span></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">De nueva cuenta y gracias a las amables peticiones de los radioescuchas oiremos al </span><span style="color: red;">Dueto América</span><span style="color: #274e13;">. Causa sin duda una agradable sorpresa sabe que muchos radioescuchas del extranjero, y en Colombia, principalmente, recuerdan con mucho entusiasmo a este dueto aguascalentense que logró traspasar fronteras y que hoy es recordado más allá de México. El aguascalentense Dueto América, en el ámbito ranchero, grabó muchas canciones principalmente para el sello Columbia. Precisamente en el Rincón Norteño escucharemos a este dueto de música mexicana integrado por los hermanos Carolina y David González, originarios de la ciudad de Aguascalientes. Disfrutaron de su mayor éxito a finales de la década de 1940. Asimismo, Carolina y su hermana Elvira fueron también integrantes de otro dúo llamado “Las Palomas”, que compartieron un estilo similar al Dueto América. Este dueto no solamente cantó temas contemporáneos, también revivieron antiguos corridos que estaban prácticamente olvidados (con la ayuda de Fernando Z. Maldonado y Felipe Valdés, como compositores). Además de la magnífica combinación de sus voces, el Dueto América fue también destacado por su maravilloso acompañamiento de cuerdas y arpa hábilmente ejecutada por Jacinto Gatica. El Dueto América nos ha dejado una gran cantidad de grabaciones que afortunadamente se han arraigado en el gusto popular.</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Tal vez el bolero más conocido del compositor </span><span style="color: red;">José de Jesús Morales</span><span style="color: #274e13;"> sea “Ahora y siempre”, tema que han llevado al disco una gran cantidad de cantantes, desde tríos hasta la recia voz de Mario Alberto Rodríguez, sin embargo, también compuso otros extraordinarios boleros como “Nada importa”, que fue uno de los primeros temas en grabar Chela Campos en 1943, y que este viernes presentaremos en la desconocida voz de Lupita Carmona. José de Jesús Morales nació el 4 de mayo de 1922. Residió en San Luis Potosí, de 1922 a1938; posteriormente residió en la Ciudad de México. Estudió primaria, secundaria, preparatoria y hasta tercer año de Medicina. En San Luis Potosí recibió clases particulares de música desde los ocho años, y en la Ciudad de México ingresó al Conservatorio Nacional de Música. Su carrera artística la inició en 1938, su primera obra fue "Sin tu Amor", que fue interpretada por Toña la Negra. Además de compositor, se ha desempeñado como pianista, Director artístico en discos Peerless, maestro de piano y de canto, y fue director del programa "El Cochinito", en XEW, durante veinte años. En 1945 fue cantante y tuvo oportunidad de grabar varios discos. La canción que más satisfacciones le ha dado es "Ahora y Siempre", que compuso para su primera novia. De su larga lista de obras, destacan: "Ahora y Siempre", interpretada por los Tecolines y Mario Alberto Rodríguez; "Convénceme", con los Bribones; "Vete, no te Quiero Ver", con Daniel Santos; "Disco, Tócame aquélla Pieza", con Martha Laura; "Nada Importa" y "Vacío", con los Tecolines; "Ando Marchito", con Pedro Infante; "El Corrido de Pedro Infante", con el dueto Monterrey; "¿De quién es tu Corazón?", con Marilú y los cuatro Soler; "El Marcianito" con los Apson Boys; "Hasta el Final", "Haz Concha", "Cuando Hablo Contigo", "El Microbio del Amor", "Me Estoy Enamorando de Ti", etc. (Con datos de la SACM)</span></div>
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<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">Escribe Sofía Mireles Garavito que la actriz, cantante y poeta </span><span style="color: red;">Amanda del Llano</span><span style="color: #274e13;"> murió siendo todavía joven, en plena fama y éxito. Muchas ciudades han peleado ser su tierra natal; algunos biógrafos ponen que nació en Tonalá, otros que en Tapachula; pero realmente, ella nació en Cintalapa, Chiapas el 20 de junio de 1920; aunque fue asentada en el Registro civil de Tapachula. Amanda Llano Serrano trabajó como maestra en el Colegio Alemán en la Ciudad de México. En estos años, Amanda del Llano escribió más de 30 poesías, que nunca publicó y que su hermana Beatriz guarda. Empezó a actuar en una pequeña parte de la película Noche de recién casados. En 1942 actúa en la película Yo bailé con Don Porfirio al lado de Joaquín Pardavé; en ese mismo año, actuó en las cintas. La venganza del Charro Negro, Dos mexicanos en Sevilla y Mil estudiantes y una Muchacha. Hizo 48 películas de 1941 a 1963. El actor costarricense Crox Alvarado fue su segundo esposo, con el que se casó en el año de 1948. Antes se había casado con el Lic. Emilio Serrano Castro, pero su matrimonio nada más duró un año. Como cantante de ranchero, triunfó en una gira que realizó por Texas, California y algunas ciudades de los Estados Unidos. También hizo una gira de 2 años por España. En Cintalapa tenía un rancho de su propiedad, llamado La Enramada. Frecuentemente, visitaba su ciudad natal para ver a su hermana y participar en la Feria de la Candelaria el 2 de febrero. Murió el 24 de junio de 1964 en la ciudad de México, después de tres operaciones en los intestinos.</span></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">El cantante </span><span style="color: red;">Pepe Bustos,</span><span style="color: #274e13;"> conocido por la interpretación de temas como “Perfume de gardenias” y “La boa”, con La Sonora Santanera, falleció la mañana del lunes 10 de junio de 2019 en su casa a consecuencia del cáncer de próstata que padecía y de otras complicaciones. Pepe Bustos marcó un hito en la historia de la agrupación. Hace 46 años se grabó “Perfume de gardenias”, tema por el que más se le recuerda. Pepe Bustos trabajó más de 35 años con la Sonora Santanera. En 1996 decidió abandonar a la agrupación por motivos de salud y debido a las fuertes presiones que vivió por la muerte de su esposa y hermano. Pepe Bustos nació en 1940 en el Barrio de El Coecillo en León, Guanajuato. Su nombre de nacimiento era José Bustos Olivares. Fue popular por sus canciones Perfume de gardenia y La boa. Gracias a estos temas fue popular por su voz romántica e impactante. Fue una de las voces de la Sonora Santanera por varias décadas, este grupo musical interpretaba ritmos como el danzón, bolero, rumba el mambo, y chachachá. En el año de 1986 falleció Carlos Colorado, músico y creador de la agrupación musical. Lo anterior trajo varios problemas internos entre los integrantes. Lograron sobrepasar estas diferencias, pero la situación volvió en 1995 con la muerte de Juan Bustos, su hermano. Así que, Pepe Bustos se retiró de la Santanera, también por cuestiones de salud porque el médico le advirtió que debía tener reposo y ciertos cuidados médicos porque podría sufrir un ataque al corazón mientras llevaba a cabo una gira en Costa Rica. En suma, su esposa murió. Luego de su recuperación física y emocional emprendió un nuevo proyecto llamado Los Santaneros de Pepe Bustos. Tuvo siete hijos, catorce nietos y seis bisnietos.</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Una joya musical de la versión de </span><span style="color: red;">“La Varsoviana” </span><span style="color: #274e13;">es la que presentaremos con la legendaria orquesta de Juan S. Garrido. La Varchavianka, Warszawianka o La Varsoviana es una de las canciones más importantes del movimiento obrero y de la causa de la Revolución mundial. Es una canción revolucionaria polaca escrita en 1893 y recuperada en 1897 por el poeta polaco Wacław Święcicki. Fue muy popular en Rusia en el período revolucionario de 1905 y 1917. No se conoce quien fue el compositor. Wacław Święcicki escribió la letra de esta canción en su celda del Pabellón X de la cárcel de la Ciudadela de Varsovia en 1879 condenado por sus actividades socialistas. El texto fue publicado por primera vez el 15 de septiembre 1883 en la edición de primer año de la revista "Proletariado" después de que Święcicki regresará de su exilio en Siberia. Aunque se cantaba entre los socialistas polacos, durante las manifestaciones habidas en marzo de 1885 en Varsovia fue haciéndose popular y extendiéndose fuera de los círculos socialistas. La canción ganó su nombre durante una manifestación del 1 de mayo de 1905 en Varsovia, cuando se convirtió en el himno de los trabajadores manifestantes. En España con el nombre de Marcha triunfal y subtítulo ¡A las barricadas!, se publicó la partitura, en noviembre de 1933, en el suplemento de la revista Tierra y Libertad de Barcelona. En México este tema ha sido grabado por diferentes intérpretes desde Los Montañeses del Álamo, diferentes mariachis, Felipe Bermejo y sus Fronterizos y hasta Tehua y Oscar Chávez. En la película de 1965 Doctor Zhivago es usada una versión instrumental de la canción, en la escena de las manifestaciones pacíficas en Moscú.</span></div>
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<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">Hace algunas semanas un amigo radioescucha en la ciudad de Bogotá, Colombia nos preguntaba si teníamos en los archivos de la fonoteca de Hasta que el cuerpo aguante alguna grabación con la desconocida cantante </span><span style="color: red;">Beatriz Gurrola,</span><span style="color: #274e13;"> así sin dar mayores datos ni detalles, sólo nos dijo es una bolerista cuarentera que canta de maravilla. Al no tener nada en nuestra fonoteca, recurrimos con nuestro amigo y colaborador, el coleccionista tamaulipeco don Luis Jaime Chapa, quien, con su amabilidad y desinteresada colaboración, nos proporcionó cuatro grabaciones de esta cantante de quien lamentablemente no tenemos mayores datos biográficos, pero que al escuchar sus grabaciones nos quedamos maravillados con su exquisita voz para cantar boleros. Seguramente Beatriz Gurrola fue una cantante que se movió en la zona fronteriza entre México y Estados Unidos, especialmente en el estado de California, ya que sus grabaciones para los sellos Columbia y Okeh, básicamente, destaca el acompañamiento de la orquesta de Manuel S. Acuña, quien como sabemos acompañó a muchas y muchos cantantes fronterizos. Las únicas cuatro grabaciones que disponemos de ella son “Amor perdido”, “Amor de ayer”, estas dos grabadas el 13 de septiembre de 1940 para el sello Okeh, y “Mala noche” y “Que te vaya bien”, grabadas en 1942 para el sello Columbia. En antiguos catálogos aparecen otras dos grabaciones con Beatriz Gurrola que lamentablemente no tenemos: “Esperándote”, de Manuel S. Acuña y “Vuélveme a querer”, de Mario Álvarez, en las que también destaca el acompañamiento de Manuel S. Acuña, y fueron grabadas también en 1942 para Columbia. El lugar de estas seis grabaciones fue en Hollywood, según destaca el catálogo. Este viernes disfrutaremos de las grabaciones que tenemos en fonoteca con Beatriz Gurrola.</span></div>
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<span style="color: red;">9.</span><span style="color: #274e13;"> El pasado domingo 16 de junio falleció en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, el compositor y cantante </span><span style="color: red;">Alberto Escobar</span><span style="color: #274e13;">, quien en 1984 escribió la letra de Coincidir, con música de Raúl Rodríguez, por lo que en la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;"> presentaremos una semblanza de este artista musical. Juan Alberto Escobar Zúñiga nació un 31 de enero de 1949 en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, en El Santuario, uno de sus barrios más tradicionales y ricos en cultura urbana. Al integrar el grupo Tierra Mojada, grabaron un disco en 1965, después Alberto grabo otros 5 discos como solista. De entre sus muchas canciones, destacan: "De verdad te quiero", "Deja que la vida", "Estamos haciendo historia", "Todavía me asombro", "Soy ciudadano del mundo" y "Utopía", de las que es autor, tanto de la música como de la letra. En 1984 escribió la letra de "Coincidir", con música de Raúl Rodríguez, ésta es la canción con la que más lo identifica su público, misma que la ha sido grabada por grandes cantantes como Guadalupe Pineda, Silvio Rodríguez, Nicho Hinojosa, Rocío Banquells, Alejandro Filio y muchos más. Fue por esta canción que, en el año 2014, con motivo de los 30 años de su creación, se celebró un concierto especial en el Teatro Diana en la ciudad de Guadalajara titulado "30 años de Coincidir, homenaje a Alberto Escobar". Desde el año 1992, junto con su esposa Cristina Barba, creó el Centro Artístico Cultural en la ciudad de Guadalajara, lugar por el que pasaron infinidad de artistas, entre los que podemos mencionar Carlos Diaz "Caito", de Argentina, Pancho Madrigal, Los 4 Hermanos Silva de Chile, Sergio Esquivel, Paco Padilla y muchos más. Alberto Escobar falleció a los 70 años en la madrugada del domingo 16 de junio del 2019 en un hospital de la ciudad de Guadalajara, lugar en el que había sido internado por una fuerte neumonía, que aunado al cáncer que se le diagnosticó hace casi 6 años, lo llevaron a perder la batalla por la vida. </span></div>
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<span style="color: red;">10. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes recordaremos una de las colaboraciones que desde Sancti Spiritus, Cuba, nos compartió el locutor e investigador cubano Gaspar Marrero, gracias a la intermediación del colega Juan Carlos Álvarez Echeverri, en Pereira, Colombia. Gaspar Marrero produjo el segmento </span><span style="color: red;">“Permítame un recuerdo”</span><span style="color: #274e13;">, desde la emisora CMGC, Radio Vitral, ubicada en la frecuencia 103.9 FM, en la ciudad de Santi Spíritus, Cuba, quien nos hablará de los cantantes </span><span style="color: red;">Orlando Vallejo </span><span style="color: #274e13;">y Vicentico Valdez. En el caso de Orlando Vallejo, este cantente nació en el municipio Arroyo Naranjo, en la provincia de Ciudad de La Habana. Tuvo poca fortuna en sus inicios. En diversos discos de diversas agrupaciones aparece la voz de Vallejo. En el año 1951, Vallejo es llamado por Roberto Espí, cantante y director del famoso Conjunto Casino, para cubrir la plaza dejada por el guitarrista y compositor Agustín Ribot y grabar los boleros “Cielo y sol” y “Dudas de mí”, que más tarde se convirtieron en éxitos nacionales. Entre 1951 y finales de 1952, grabó alrededor de treinta caras entre discos de 78 y 45 rpm. En 1953, inició su vertiginosa carrera como solista y grabó decenas y decenas de discos, principalmente boleros y guajiras, que alcanzaron inusitada popularidad. Durante sus presentaciones en Radio Progreso, Orlando Vallejo cantó reiteradamente acompañado por la Orquesta Aragón, en arreglos concebidos por el flautista Richard Egües. Por los años sesenta, Vallejo viaja a los Estados Unidos y allí se establece hasta su muerte, ocurrida en la ciudad de Miami el 20 de enero de 1981, a la edad de 61 años.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">21 de JUNIO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span><br />
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-36295786902203441412019-06-10T22:25:00.002-05:002019-06-10T22:25:30.441-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 14 DE JUNIO DE 2019<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 14 DE JUNIO DE 2019</span><br />
<span style="color: red;">* Presentaremos a las Hermanas Hernández, y a Catalina Hernández con Los Jaibos</span><br />
<span style="color: red;">* Sobre el payaso Ricardo Bell escribía Juan de Dios Peza: "Es más popular que el pulque” </span><br />
<span style="color: red;">* Recordaremos al compositor duranguense Alberto M. Alvarado. Rarezas con el Dueto Blanco y Negro. La primera grabación de Chela Campos: Altivez. Desde Cuba, Tomasita Núñez</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección La Cadena del recuerdo, semblanza de venezolanos Los cantores del trópico; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de un invitado: Luis Demetrio</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTMx2L0icXzr9u1Rr8apJAYqsV47NyZS3M_yysceuHKVAaGR7NtGiTAmTgiAzTYT0UcY7skY269mBrwBMiorTqGvY9dhqDVUkqMqVK7SNs0u1I-VdrAInltcIj7tblhEWwFJa_g-nJCss/s1600/hernandez.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="451" data-original-width="402" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTMx2L0icXzr9u1Rr8apJAYqsV47NyZS3M_yysceuHKVAaGR7NtGiTAmTgiAzTYT0UcY7skY269mBrwBMiorTqGvY9dhqDVUkqMqVK7SNs0u1I-VdrAInltcIj7tblhEWwFJa_g-nJCss/s320/hernandez.jpg" width="285" /></a></div>
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos algunas grabaciones en la interpretación de las llamadas Alondras laguneras, </span><span style="color: red;">Hermanas Hernández</span><span style="color: #274e13;">. Asimismo, compartiremos dos temas que una de las integrantes del dueto, Catalina Hernández, grabó con el trío Los Jaibos, para el sello Peerlees. Las Hermanas Hernández eran llamadas Las Alondras Laguneras debido a lo excelente de su canto y magnífica coordinación vocal y a su procedencia natal, ya que fueron originarias de San Pedro de Las Colonias, en el estado de Coahuila. Fueron las intérpretes por excelencia de don Pablo Valdés Hernández. ¿Quién no recuerda su interpretación (tal vez la mejor) de la bella melodía Sentencia? Eran ellas las hermanas María de Jesús y Catalina Hernández Tinoco, dueñas de voces excelentes y perfectamente acopladas, quienes debutaron en la capital de México en el año de 1943, aunque ya llegaron precedidas de varios años de interpretar boleros con ese sentimiento característico en ellas, en su natal Coahuila. Al llegar a la ciudad de México tuvieron un gran reto al presentarse y competir con las Hermanas Águila, saliendo airosas y manteniéndose durante varias décadas al igual que las Águila, en la preferencia del público. Su primera grabación, que data de 1943 fue “Nada importa” de José de Jesús Morales. Su calidad se impuso gracias a la calidad de sus voces, su acoplamiento y al acompañamiento de excelentes orquestas como la de Noé Fajardo entre otras. María de Jesús falleció el 26 de octubre de 1977, mientras que Catalina terminó sus días y con ella una rica historia en la música romántica, el 17 de septiembre de 1992. Una vez fallecida María de Jesús, Catalina continuó cosechando éxitos haciendo un dueto con Amelia Lomelí Cervantes con quien siguió entregando su arte al público, hasta que, en julio de 1992, una serie de problemas respiratorios le impidieron seguir cantando. Su calidad se impuso gracias a la calidad de sus voces, su acoplamiento y al acompañamiento de excelentes orquestas como la de Noé Fajardo entre otras. Interpretaron melodías tales como “Sentencia”, “Conozco a los dos”, “Humanidad”, “Condición”, “Amor de la calle”, “Todavía no me muero”, “Déjame llorar” y otras. (Notas de Roberto Ramírez González y www.vintagemusic.es).</span></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Una grata sorpresa será presentar algunas grabaciones con el </span><span style="color: red;">dueto Blanco y Negro</span><span style="color: #274e13;">, conformado por el cantante coahuilense Salvador García y el jalisciense Eduardo Solís. Ambos grabaron una realmente pocos temas para el sello Perreles, entre los que podemos mencionar “Yo no sé por qué”, “Puro amor”, “Cuando nadie te quiera”, “Tata Dios”, “Cantinero” y “Gota a gota”. Nacido en Jocotepec, Jalisco, el 2 de febrero de 1921, Eduardo Solís fue figura en los programas Nestlé de la emisora XEW. Fue intérprete favorito de Gabriel Ruiz y el campechano Miguel Ángel Valladares, aunque cabe destacar que también cantó muchas piezas de otros compositores. Murió prematuramente. Por su parte, el cantante Salvador García Gallardo nació en San Pedro de Las Colonias, Coahuila, en 1921. Ya en la década de los años cuarenta cantaba en algunas radiodifusoras coahuilenses regionales, pero ya para 1943, figuraba en el elenco estelar de la XEW “La Voz de la América Latina desde México”. También en esa época hizo recorridos artísticos por la cuna del bolero: Cuba, donde dejó constancia de su calidad interpretativa, de tenor fino, misma tesitura que le valió que figuras como María Grever y Federico Baena, le facilitaran algunas de sus melodías para su estreno. Por su arte como intérprete de boleros, llegó a la pantalla grande actuando en películas, de las que se recuerda la cinta “Bamba” en 1949, donde compartió créditos con actores de la talla de Tito Junco, Carmen Montejo, Andrés Soler, Víctor Manuel Mendoza, Eduardo Arozamena y Silvia Pinal, y en donde Salvador García se interpreta a sí mismo. En 1944 grabó su primer disco: “Hoja Seca”, del Dr. Roque Carbajo, que fue su primer éxito. Lamentablemente, afecciones cardíacas lo retiraron del canto. (Con datos tomados de http://uricuaromusical.blogspot.mx. Foto: AMEF).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje5Za59aGIrGZN0DnKRUHYc3WYW32FxTyJXjOkIUASNchf5H-_rPQx45tSZRc7Jbyidzr_hsuymmfcRLZ9uBNlFfRObQpcmmq0anTzRcpGGh2w7UuZI13ZYuKAGGfkOUn0RBW1wRgqS3M/s1600/Chela_Campos_on_the_cover_of_Melod%25C3%25ADas_mexicanas.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="761" data-original-width="515" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje5Za59aGIrGZN0DnKRUHYc3WYW32FxTyJXjOkIUASNchf5H-_rPQx45tSZRc7Jbyidzr_hsuymmfcRLZ9uBNlFfRObQpcmmq0anTzRcpGGh2w7UuZI13ZYuKAGGfkOUn0RBW1wRgqS3M/s320/Chela_Campos_on_the_cover_of_Melod%25C3%25ADas_mexicanas.jpg" width="216" /></a></div>
<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Hace 37 años, el 18 de junio de 1982 falleció </span><span style="color: red;">Chela Campos</span><span style="color: #274e13;">, quien nació en 1922 y comenzó su carrera musical con actuaciones en la emisora XEFO. Chela Campos falleció en la ciudad de México a la edad de 60 años. El locutor Don Pedro de Lille (nacido el 19 de junio de 1899 en Durango, México) la bautizó como La dama del bastón de cristal. Según datos de su sobrina política, la señora Dolores A. García Huse, hay una historia sobre ese bastón de cristal que la cantante usaba: Chela utilizó al principio de su carrera un bastón de madera, pero en un viaje, vio un bastón de cristal en Estados Unidos y le explicó a su padre cómo era. Él era un fundidor (hizo algunas de las estatuas en la Avenida Reforma del D.F.) y se lo fabricó en su taller. Según datos de Pablo Dueñas, sus primeras grabaciones fueron “Altivez”, bolero de Alfredo Parra, el cual escucharemos este viernes, y “Una lágrima”, ambas fueron llevadas al disco en el año de 1940. Chela Campos fue además una de las primeras boleristas que grabó, en 1942, la composición “Bésame mucho”, de Consuelo Velázquez. Campos también actuó en varias películas de la época dorada del cine mexicano, entre las más recordadas cintas se encuentra “Del rancho a la televisión”, filmada por Ismael Rodríguez en el año de 1953, en donde comparte créditos con Luis Aguilar y María Victoria, entre otros.</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">El notable músico y compositor duranguense </span><span style="color: red;">Alberto M. Alvarado</span><span style="color: #274e13;">, que dejó obras de fama internacional como sus valses “Recuerdo” y “Río Rosa”, nació en Durango, Durango, el 10 de diciembre de 1864, y murió hace 80 años, el 18 de junio de 1939. A los 18 años formó parte de la orquesta más importante de la ciudad que dirigía el maestro Jesús Trujillo, quien más tarde dejó la dirección del conjunto musical al maestro Alvarado López. En 1883 a sus 19 años de vida, era el mejor violinista de Durango y ocupó el puesto de Violín Concertino en la compañía de ópera italiana de Ángela Peralta cuando llegó a Durango. Alvarado se fue con la compañía a Mazatlán, Sinaloa, donde murió Ángela el 30 de agosto del mismo año. Actuó en una gira por los Estados Unidos como Director de Operetas y Zarzuelas actuando en Chicago, Atlanta, Búfalo, Nueva Orleans y otros. A su regreso a la tierra natal se le encargó la dirección de la Banda de Música del Estado que dirigió por 12 años consecutivos. Volvió nuevamente a la Unión Americana, al frente de la compañía de opereta, presentado en algunas ciudades “Eva”, “Mujeres Vienesas”, “La Casta Susana” y el “Paraíso Azul”. En 1910 salió para Nueva York con miras de escribir y estrenar su ópera “Mañana” que él dirigiría y cuyo libreto lo escribió Jorge Scarborough y trataba de escenas villistas de la Revolución Mexicana. La Guerra Europea en 1914 y a 1918 en la que participó el país del norte, impidió que se realizara el deseo de Alvarado. La producción musical de Alvarado es muy amplia y variada, ya que desde joven escribió para las orquestas y bandas que él dirigió; su obra pasa de 1500. Entre las composiciones que adquirieron fama internacional, se mencionan: “Una lágrima es consuelo”, “Lágrimas de amor”, “Al despuntar la aurora”, “El 22 de julio”, “Recuerdo”, “Río rosa”, “El hada azul”, “Recuerdos del baile”, “El príncipe de Asturias”, este último poema sinfónico que en 1808 fue interpretado por la Real Banda de Alabarderos de Madrid.</span></div>
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<span style="color: red;">5. Roberto Fugazot,</span><span style="color: #274e13;"> cuyo nombre completo era Santiago Roberto Fugazot, fue un cantor y actor que nació en Montevideo, Uruguay el 20 de junio de 1902 y falleció en Buenos Aires, Argentina el 8 de agosto de 1971. Fue integrante del </span><span style="color: red;">trío Argentino</span><span style="color: #274e13;">, por lo que este viernes en la sección </span><span style="color: red;"><i>Rinconcito arrabalero</i></span><span style="color: #274e13;">, escucharemos algunos tangos con esta agrupación. Este trío, conformado por los míticos Agustín Irusta, Roberto Fugazot y Lucio Demare, llegaron a Barcelona en 1928 y gracias a la repercusión de sus presentaciones en el Edén Concert pronto se hicieron conocidos en España. Luego llegaron al disco de 78 rpm y al celuloide. Estos discos, digitalizados en base a viejos vinilos tienen imperfecciones técnicas, sin embargo, los conocedores afirman que a pesar de ello se nota la frescura de las voces de Agustín Irusta y Roberto Fugazot acompañados bellamente por el piano de Lucio Demare. Después de su gran éxito en España, el Trío Argentino dejó Barcelona e inició una gira por el Caribe y, cuando llegaron a México, mediados de los años treinta, Lucio Demare volvió a Buenos Aires y fue remplazado por el guitarrista Rafael Iriarte. Tanto en el trío como en la gran orquesta que formaron en Barcelona a fines del veinte -y que dirigía Lucio Demare-, Agustín Irusta y Roberto Fugazot cantaron indistintamente, tanto a dúo como en forma individual, por supuesto, el cantor principal era Irusta. Fugazot tocaba muy bien la guitarra y era una estupenda segunda voz para los dúos; Irusta, también se acompañaba con la guitarra, y ambos eran compositores. </span></div>
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<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;">La Carpa</span><span style="color: #274e13;"> escucharemos algunos recuerdos del mítico payaso </span><span style="color: red;">Ricardo Bell</span><span style="color: #274e13;">. Son grabaciones de algunos artistas de la época dedicaron al famoso payaso cuyo nombre real era Richard Bell Guest, y que nació en Londres, Reino Unido, el 10 de enero de 1858 y murió en New York, 12 de marzo de 1911. Fue un payaso inglés, exitoso en México a finales del siglo XIX y principios del XX. Luego de triunfar en el Circo Orrín al convertirse en el espectáculo más exitoso de su tipo en el país, fundó su propio Gran Circo Ricardo Bell. El poeta Juan de Dios Peza escribió en El Monitor Republicano sobre Bell "es más popular que el pulque" y escribió dedicado a Bell el poema “Reír llorando”. Ricardo Bell debutó en Lyon a los dos años, recorriendo después con ellos muchas ciudades en Europa. Debutó en México el 17 de octubre de 1869 en el Circo Chiarin. Conoció a su esposa Francisca Peyrés, en Santiago de Chile, ciudad de la que se mudaron a la capital de México contratado Bell por el Circo Orrín. Bell era un clown inglés, que cambió la estética usual del payaso blanco conocido en México por uno más llamativo basado en el modelo del pierrot, que en México fue llamado "huacaro". En 1906 le fueron concesionados por el gobierno de Porfirio Díaz los terrenos del antiguo Hospicio de Pobres de la Avenida Juárez, frente a la Alameda Central, terrenos que ocuparon el Hotel del Prado y desde 2004 el Hotel Hilton México City Reforma. En este espacio Bell instaló el Gran Circo Ricardo Bell, en donde actuaban sus trece hijos. Las crónicas y notas periodísticas de la época constatan a detalle el éxito y la conexión que tenía Bell con su público cautivo. El 3 de enero de 1911 partió con su familia rumbo a su natal Reino Unido, pero tuvieron que hacer una escala en Nueva York. Ahí debió permanecer por el fallecimiento de su hermano Jerry. En esa ciudad recibió noticias de cómo su casa había sido tomada por revolucionarios. Falleció el 12 de marzo de 1911 y fue enterrado en dicha ciudad.</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Y precisamente en algunos discos de la agrupación </span><span style="color: red;">Los trovadores tamaulipecos</span><span style="color: #274e13;"> resalta un violín, interpretado por Ricardo Bell, hijo del cirquero del mismo nombre. El hijo del payaso Bell también era compositor de él escucharemos con los Trovadores tamaulipecos su canción “Venadita cola blanca”. El estado de Tamaulipas fue muy importante para el compositor guerrerense José Agustín Ramírez, pues en Ciudad Victoria se enamoró hasta la ignominia de una bella joven, María Eva Castillo, mejor conocida como Maca, y en 1926 se casó con ella. También formó y dirigió los Trovadores Tamaulipecos, con Alberto Caballero, Antonio García Planes, Lorenzo Barcelata y Ernesto Cortázar. Los Trovadores Tamaulipecos fue un grupo sensacional, de una pureza que ya no existe, que hacía música con amor, inspiración y genio. Los Trovadores Tamaulipecos contaron con el apoyo del gobernador de Tamaulipas, Emilio Portes Gil, y pronto tuvieron mucho éxito, primero en Tamaulipas y después en la capital, así es que salieron de gira a Cuba, Centroamérica, Sudamérica y Estados Unidos. En Nueva York, como después Guty Cárdenas, grabaron una serie de canciones extraordinarias para la Columbia. Todo iba muy bien hasta que Planes y Caballero murieron cuando se volcó su automóvil en Nueva Jersey. Carlos Peña, que tocaba muy bien el violín, entró como reemplazo, pero la tragedia fue algo que, en el fondo, desestabilizó fuertemente al grupo; aun así, en 1930 los Trovadores Tamaulipecos se volvieron estrellas de la recién creada XETO y después de la XETR, y se presentaban como abanderados de la genuina canción mexicana. Sin embargo, el grupo iba perdiendo cohesión. Por una parte, como era de esperarse, José Agustín Ramírez se reincorporó a la actividad magisterial y se enfocó en las misiones culturales, que buscaban preservar y difundir la gran tradición artística y artesanal mexicana. (Con datos de El Universal).</span></div>
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<span style="color: red;">8. Tomasita Núñez</span><span style="color: #274e13;"> fue una de las mejores mezzosopranos de Cuba, fue parte de la extensa casta de líricos que auspiciara Lecuona, y una de sus escogidas. Durante su carrera hizo zarzuela, ópera y conciertos. Nació en La Habana, el 21 de diciembre de 1901 y murió en Miami, Florida, el 12 de abril de 1980. Debutó en el Teatro Nacional el año 1925, en un Concierto Típico Cubano de los que organizaba y dirigía Ernesto Lecuona. Su debut operístico fue con Madame Butterfly, resultando una estupenda Suzuki. En el teatro Payret cantó en la opereta de Lecuona Rosalima, que se había estrenado en el Teatro Pavón de Madrid el 13 de diciembre de 1927. Estaba entre las cantantes que Ernesto Lecuona llevó en diciembre de 1933 a la Ciudad México donde, con su Compañía Lírica, inauguró la temporada del teatro Iris con obras ya conocidas en México, como El cafetal y estrenando otras como Niña Rita o La Habana en 1830, María la O y El maizal, entre otras. Asimismo, el 22 de marzo de 1934 intervino en el estreno absoluto de la zarzuela Julián el Gallo, en el teatro Felipe Carrillo Puerto de Veracruz, en México. Tras los éxitos conseguidos en la larga temporada mexicana, regresó a Cuba y participó en el preestreno de Julián el Gallo. El 28 de abril de 1937 participó en el estreno de la comedia lírica Sor Inés, de Lecuona con libro de Francisco Meluzá Otero y Antonio Castells Casas, haciendo el papel de Mercedes. Realizó representaciones en Estados Unidos, y fue la que más grabaciones de discos hizo en aquellos primeros tiempos de fines de los años 20-30, después de Rita Montaner. En varias emisoras de radio cubanas se dio a conocer junto a Zoraida Marrero, Blanca Becerra Grela, etc. y ofreció recitales en salas y teatros de la capital y del interior de Cuba. Viajó a los Estados Unidos donde se radicó en Florida en la década del 60, allí ejerció como profesora de canto. Presentaremos algunos temas que grabó con Guty Cárdenas y Trini Varela.</span></div>
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<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><i><span style="color: red;">Ay Jalisco no te rajes </span></i><span style="color: #274e13;">presentaremos una semblanza de un invitado: el yucateco Luis Demetrio. Alberto Ramírez Martínez, colaborador del programa en la ciudad de Guadalajara, platicó con la hija del artista, Elizabeth Traconis. En 1958, los temas de Luis Demetrio fueron interpretados por los cantantes más solicitados de esa época. Pedro Vargas le grabó “Me estás Envenenando”, Andy Rusell “Jóvenes y Bellas”, Miguelito Valdés Mr. Babalu, convirtió en éxito “Corazón Salvaje” y la puertorriqueña Virginia López hizo lo mismo con “Qué Esperas”. En los años de 1960 y 1961 se hizo cargo de la dirección artística de la empresa discográfica CBS, retirándose de su actividad como compositor con el fin de conocer otra faceta de la industria de la música. Pero la inspiración prevaleció y regresa a la composición para crear temas como “El Día” para Angélica María, “La Copa de Vino” para Olga Guillot, “Voy”, “Si Dios me quita la Vida” y “En tu Pelo”, para Javier Solís, “Bravo” para Celia Cruz y “Te Necesito” para Carlos Lico, quienes hicieron de ellas grandes éxitos. Asimismo, las canciones de Luis Demetrio fueron incluidas como temas principales y de fondo en numerosas películas y telenovelas, como fueron "Corazón Salvaje". En 1970 se impone un nuevo reto: el conocimiento de la Historia de México a través de la música. El poeta Salvador Novo lo animó y ofreció su colaboración, entonces se inició el desarrollo de “La Historia Biográfica de México Cantada y en Dibujos”, proyecto integrado por 86 canciones que abordan sucesos desde la época prehispánica hasta las gestiones de algunos presidentes de México. Para 1981 Luis Demetrio reanudó su actividad artística con giras tanto en la República Mexicana como en el extranjero y temporadas de cabaret en el Hotel del Prado, La Escena, El Botín, El Gatsby del Hotel Stouffer Presidente, El Restaurante del Lago, El Ambassador y el Hotel Camino Real. Luis Demetrio falleció a los 76 años de edad el 17 de diciembre de 2007 en la ciudad de Cuernavaca Morelos.</span></div>
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<span style="color: red;">10. </span><span style="color: #274e13;">En la </span><span style="color: red;"><i>Cadena del Recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;">, Félix Hurtado, desde Maracaibo, Venezuela nos comparte una cápsula sobre </span><span style="color: red;">Los Cantores del Trópico</span><span style="color: #274e13;">, que fue uno de los primeros tríos que hubo en Venezuela. Muchos cronistas aseguran que es el más viejo de este tipo de agrupación. A inicios de los años treinta, estuvo integrado por Marco Tulio Maristany (primera voz), Manuel Enrique Pérez Díaz en la segunda voz y Antonio Lauro en el punteo de la guitarra y tercera voz. Inicialmente fue un cuarteto, pues el compositor Eduardo Serrano también formó parte de Los Cantores del Trópico. Desafortunadamente este grupo solamente duró en actividad unos 10 años y fue constituido en reuniones artísticas en la casa de María Luisa Escobar, que realiza una gran labor de divulgación de la música popular venezolana, autora de “Desesperanza”, “Concierto sentimental” y otras composiciones para piano y orquesta. Los Cantores del Trópico interpretan joropos, merengues, valses y demás expresiones de la música popular, cuidando de no desvirtuarla con arreglos comerciales de mal gusto y peor propósito lucrativo. El debut en público fue el año 1933, cuando el Trío Los Cantores del Trópico se presentó en concierto en el Ateneo de Caracas. Después, en 1935, dieron otros conciertos en el Teatro Municipal de Caracas y en el Ateneo de Caracas, actuaciones que tuvieron gran aceptación en el público y los mejores comentarios de la crítica especializada. Marco Tulio Maristany afirma: “Era cuarteto entonces pero cuando iniciamos nuestra gira a Sur América, Eduardo Serrano no pudo viajar por razones familiares y tuvimos que reducirnos a trío. Visitamos Colombia, Ecuador, Perú y Chile, divulgando especialmente la música venezolana”.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">14 de JUNIO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-7377000935825749662019-06-03T22:23:00.002-05:002019-06-03T22:23:53.317-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 07 DE JUNIO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 07 DE JUNIO DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* Se cumplieron 105 años del natalicio del trovador juchiteco Saúl Martínez </span></div>
<span style="color: red;">* Escucharemos las bellas voces de tres Marthas: Triana, Zeller y Catalina</span><br />
<span style="color: red;">* Oiremos a Manuel Capetillo, de torero a cantante y actor; Carlos Madrigal, cantante que presentó a Pepe Jara a con Álvaro Carillo. Bellas voces las de Olga Darson y Margarita Cueto</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección El pregonero del Mayab, semblanza de Pastor Cervera; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de un invitado: Luis Demetrio</span><br />
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<span style="color: red; text-align: justify;">1. </span><span style="color: #274e13; text-align: justify;">El pasado 30 de mayo se cumplieron 105 años del natalicio del trovador juchiteco </span><span style="color: red; text-align: justify;">Saúl Martínez</span><span style="color: #274e13; text-align: justify;">, quien nació el 30 de mayo de 1914 en Juchitán de Zaragoza, Oaxaca y falleció el 3 de enero de 1969 en la Ciudad de Oaxaca. De acuerdo con datos aportados en exclusiva a nuestro programa “Hasta que el Cuerpo Aguante” por Flor Martínez y Ramírez Corzo, hija de Saúl Martínez, su padre fue compadre de Andrés Henestrosa ya que el poeta fue padrino en el bautizo a su hermana Niria. Henestrosa fue autor de La Martiniana y Don Saúl, como le dice cariñosamente su hija Flor, fue el primero que grabó ese tema acompañado de su guitarra, otorgándole la disquera disco de plata por las ventas obtenidas. Desgraciadamente es el único disco que no tiene en su colección la hija de Saúl. Este mismo tema, Saúl Martínez lo grabó con banda de viento tradicional de Juchitán, Oaxaca, y este viernes lo compartiremos con usted, gracias al aporte de Flor Martínez. Saúl Martínez viajaba mucho a Monterrey, donde lo apodaron "El Tullido", porque no le veían los dedos al tocar la guitarra y se asombraban como podía tocar el bajo, requintear y acompañarse al mismo tiempo. También viajaba a Estados Unidos y sucedía lo mismo, se admiraban por su forma de tocar y cantar, porque decían que les transmitía ese romanticismo inigualable, se vendían muchos discos en Los Ángeles y en Chicago. Comenta la hija del Trovador Juchiteco: “Me viene a la mente un programa de los que presentaban los periódicos para promocionar su suscripción, no recuerdo si era de Excélsior o El Universal, al estar tocando la guitarra, se rompió una cuerda, don Saúl siguió tocando como si nada hubiera pasado, pero el camarógrafo se dio cuenta y le hizo un acercamiento a la guitarra, lo que provocó muchos aplausos. </span><br />
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<span style="color: #274e13;">A Saúl no le gustaba hacer cine, pero le ofrecieron hacer la vida de Guty Cárdenas y estaba en pláticas para realizarla, desgraciadamente la vida no le dio tiempo”. Flor Martínez conserva una guitarra con un moño negro que Saúl le puso y un traje con un listón negro porque el cantante estaba de duelo debido al fallecimiento de su esposa, y coincidió que presentó un programa luctuoso en memoria de Guty Cárdenas, de hecho, fue el último programa de televisión que hizo en 1968. Saúl Martínez estaba preparando material para un nuevo disco porque se iba a cambiar de disquera, Flor Martínez tiene las letras de puño y letra de él, pero lamentablemente no tiene la música. En diciembre de 1968, Saúl Martínez cantó en una boda “El caminante del Mayab” en dos ocasiones, él le tenía superstición a esta canción y cuando se la pedían no la cantaba porque decía que si lo hacía se iba a morir, ya que Guty la cantó el día que lo mataron, desgraciadamente Saúl Martínez falleció en enero de 1969. “No sé si llamarle coincidencia o tenía él razón”, dice su hija”. Daniel Pérez Alcaraz lo invitaba con frecuencia a su programa "El club del hogar" porque le gustaba mucho el estilo de don Saúl. A un costado de estas líneas publicamos una foto emblemática, en virtud de que es la única en la que El trovador juchiteco aparece sin estar tocando la guitarra. Don Saúl fue uno de los iniciadores de las serenatas yucatecas, organizadas por el señor Santiago Manzanero, papá de Armando Manzanero. (Datos y fotografías aportadas en exclusiva para Hasta que el Cuerpo Aguante por Flor Martínez y Ramírez Corzo).</span></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos a tres boleristas que llevan el nombre de </span><span style="color: red;">Martha: Triana, Zeller y Catalina</span><span style="color: #274e13;">. Precisamente una de las boleristas que más se ido olvidando de la memoria musical actual es la cantante </span><span style="color: red;">Martha Triana,</span><span style="color: #274e13;"> prototipo de aquellas voces identificables con los boleros de los años cuarenta. Martha Triana grabó una gran cantidad de discos de 78 rpm, lamentablemente pocas de sus grabaciones fueron reeditadas en discos LP. Aunque hay pocos datos biográficos de Martha Triana, nos cuenta Jaime Rico Salazar que se llamaba en realidad Eva Rodríguez y comenzó su vida artística en la carpa Ofelia, un medio artístico muy humilde de México, pero donde empezaron lumbreras como Cantinflas. Algunos otros datos nos dicen que era originaria de Torreón, Coahuila. Nació el 5 de abril de 1920 y fallecio el 26 de abril de 2011. Martha Triana fue cantante de la XEW y XEQ. Tenía una voz pequeña pero linda. En sus boleros grabados en los años cuarenta destaca el acompañamiento de varias orquestas de renombre como la de Abel Domínguez, Juan S. Garrido, Bobby Collazo, Rafael de Paz y la orquesta Continental, entre otras. De ella se recuerda un disco LP llamado “Vuelven los boleros de oro”, incluido en una serie de discos que Peerles editó en los años setentas para recordar a boleristas cuarenteros como Gaby Daltas, Eduardo Alexander, Salvador García y la propia Martha Triana, entre otros. En ese disco se incluyes temas como “No vuelvo contigo”, “Sin motivo”, “Somos diferentes”, y otros. (Foto de Martha Triana: AMEF).</span></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Otra Martha que escucharemos este viernes es </span><span style="color: red;">Martha Zeller</span><span style="color: #274e13;">, quien nació en Pachuca, Hidalgo, el 14 de marzo de 1918 y falleció en Veracruz, Veracruz, el 6 de septiembre de 2014. Fue una cantante mexicana que inició su carrera artística cuando viajó de Pachuca a Ciudad de México para participar en un concurso de aficionados de la XEW, el cual ganó con su interpretación del bolero “Perfidia”. Se convirtió en artista exclusiva de la XEW, y después cantó en el famoso centro nocturno capitalino El Patio. Hizo giras por Estados Unidos, Cuba, Puerto Rico, Venezuela, Panamá y Brasil. También participó en películas mexicanas como Una mujer con pasado (1949) y Vagabunda (1950). El 31 de julio de 2013, el Instituto Veracruzano de la Cultura (IVEC) le rindió un homenaje en la Casa Museo Agustín Lara. En 16 octubre de 2013, el Gobierno del Estado de Veracruz y el H. Ayuntamiento de Veracruz le otorgaron la Medalla Toña la Negra por «80 años de trayectoria artística y su aportación cultural a México y al mundo». En 11 de noviembre de 2013, la Fonoteca Nacional le rindió un homenaje en la Casa Museo Agustín Lara. Conocida con varios motes, entre ellos “La cancionera del 43”, “La novia de la radio” o “El lucero de Pachuca”, reconoce que en sus inicios fue fácil demostrar su talento: “fui a un concurso de aficionados en la XEW y canté “Perfidia”, gané y de ahí me contrataron, después estuve en El Patio que era un centro nocturno de lo mejor, y después giras y grabaciones”. La cante agrega que “De joven viajé de Pachuca a la Ciudad de México y fui a un concurso de aficionados en la XEW y canté Perfidia, gané y de ahí me contrataron, después estuve en El Patio que era un centro nocturno de lo mejor, y después giras y grabaciones”. Martha Zeller cuenta con amplia trayectoria y a pesar de no tener estudios en canto, grabó 35 discos LP, sencillos y EP, con las disqueras RCA Víctor, Peerles, Coro, Tizoc, Taxco y Comix.</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Finalmente, en este trío de cantantes llamadas Marthas, que escucharemos este viernes, se encuentra la aguascalentense </span><span style="color: red;">Martha Catalina</span><span style="color: #274e13;">, quien fue una bolerista que grabó varios discos principalmente a inicios de los años cincuenta. Lamentablemente hay pocos datos biográficos de esta cantante que según especifica Pablo Dueñas en su libro de boleros, fue muy querida por los públicos norteños. Al parecer su nombre de pila era Catalina Palacios. El estilo de Martha Catalina tenía un toque de arrabal en su forma de interpretar sus canciones. Hay quien dice que el estilo de interpretar de esta cantante incluía un sello impregnado de erotismo. Inició su carrera en la emisora de radio XEB, La emisora del Buen Tono, a inicios de los años cincuenta; más tarde fue artista de la XEW, La Voz de la América Latina desde México, en los programas del mediodía. La mayoría de sus discos de 78 rpm los hizo para el sello Columbia. Uno de sus más grandes éxitos fue el bolero “Vacío”, del compositor José de Jesús Morales. Otros boleros que grabó fueron “Noches de Mazatlán”, “Tonterías”, “Perdí tu cariño”, “Compasión”, “Contestación a mar y cielo”, “Corazón partico”, “Flores negras”, “Mal correspondido”, y otros más. Martha Catalina falleció a mediados de los años ochenta.</span></div>
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<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes disfrutaremos de la voz de la cantante </span><span style="color: red;">Olga Darson</span><span style="color: #274e13;">, quien fue una intérprete que por el año de 1953 grabó diversos temas en México para el sello Peerles y Anfión. Esta cantante era nicaragüense, según algunas fuentes, aunque Pablo Dueñas en su libro sobre Boleros afirma que nació en Sonsonate, El Salvador. En un texto escrito por el nicaragüense Carlos Mantica Abaunza, al hablar del compositor de ese país Tino López Guerra, nacido en Chinandega en 1906, escribe “Cuando tenía suficientes ahorros, Tino López se iba por tres meses a México, donde un verano me presentó a nuestro inolvidable Indio Pantaléon (Alberto Ferrey ) gloria de la radiodifusión nicaragüense y entonces esposo de Olga Darson quien fuera una de las mejores intérpretes de Agustín Lara. Y fue así como el Divino Flaco compartió con nosotros cuatro una gran copa de cognac después de su variedad en el night club El Capri”. Pablo dueñas afirma que el nombre de esta cantante era Olga Espinoza Dawson y se inició en la radiodifusión de su país y llegó a ser conocida como una de las boleristas más importante de Centroamérica. Decidió probar en México donde fue apoyada por amparo Montes y Agustín Lara. Según afirma Dueña en México Olga se casó con el locutor Francisco Javier Camargo. Entre sus grabaciones destacan “Enamorada”, “Piensa en mí”, “Bugambilia”, “Tu boca me espera” y otras. Murió en 1988.</span></div>
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<span style="color: red;">6.</span><span style="color: #274e13;"> Siguiendo con las voces femeninas, también recordaremos a la cantante mexicana </span><span style="color: red;">Margarita Cueto</span><span style="color: #274e13;">, quien fue una soprano que se convirtió en uno de los símbolos más importantes de la canción de antaño, su privilegiada voz quedó impresa en más de 200 grabaciones con múltiples acompañantes orquestales y vocales. Mexicana, nació el 10 de junio de 1900, fueron sus padres don Jesús Sánchez Muñoz y doña María Cueto, para su nombre artístico adoptó su nombre de pila y el apellido de su madre. Fueron sus maestros Rozzet y Vidal Numeill, con quienes se perfeccionó en el canto. Sus primeras incursiones en la ópera datan de 1924, donde actuó en el Teatro Abreu, con Aída, de Verdi. En 1925 viajó a Estados Unidos, donde se enroló con lo más granado de los artistas de entonces, allí comienzan sus primeras grabaciones para la RCA Víctor, sello en el que grabó casi toda su vida, corría el año de 1928. Hizo importantes presentaciones en Europa acompañada de Ernesto Lecuona con su piano. Sobre Margarita Cueto, Hernán Restrepo Duque afirma que cantaba todos los géneros musicales. Grabó zarzuelas y operetas completas. Interpretaba los cuplés que en España popularizaban desde los escenarios las vedettes de moda. Hacía interesantes versiones de tangos argentinos y cantaba a dúo con las figuras más destacadas del momento. Grabó canciones típicas de Colombia. Ecuador. Perú y naturalmente México. Se calcula que Margarita Cueto llegó a figurar en unas 2 mil etiquetas fonográficas. Murió hace 38 años en México, el 19 de marzo de 1977. Hizo fabulosos dúos con Carlos Mejía, Juan Arvizu, Juan Pulido, José Moriche, Arturo Patiño, Jorge Añez, Luis Álvarez, Tito Guízar, Evaristo Flórez, Carlos Contreras, Rodolfo Ducal, Perla Violeta Amado, Carmen García Cornejo, y otros más. </span></div>
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<span style="color: red;">LO QUE QUEDAMOS A DEBER LA SEMANA PASADA</span></div>
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<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos varias grabaciones del cantante </span><span style="color: red;">Carlos Madrigal</span><span style="color: #274e13;">. Se conoce poco de Madrigal, cantaba temas mexicanos y rancheros, aunque según se sabe era de origen costarricense. Según algunos datos existentes, en 1956, Carlos Madrigal, también cantante e integrante de diferentes tríos romántico, fue quien presentó a Antonio Pérez, integrante del trío Los Duendes, con el entonces desconocido y novel compositor Álvaro Carrillo. Incluso el propio Pepe Jara, también integrante de Los Duendes, quien al principio no confió en el bardo costeño Álvaro Carrillo, arrepentido se justificaba así: "Fue Carlos Madrigal quien nos presentó al abrigo de un bar. Quería que escuchara unas canciones nuevas, que aseguraba, eran un 'tiro'. Al calor de las copas pagadas por el ingeniero Carrillo, Carlos Madrigal cantó "Amor mío", "El Andariego" y otras que no recuerdo. En un gesto presuntuoso, dije que las canciones no me gustaban, porque Carlos dijo que eran suyas. Carrillo no se inmutó, simplemente ofreció nuevas copas, y una amistad que no fue ocasional. Sin embargo, más por amistad que por convencimiento, grabé algunas canciones que [¡Oh sorpresa!] el público aceptó como el sediento un vaso de agua. Gracias a sus canciones [soy famoso y] jamás he tenido tiempo de arrepentirme de aquel paso que pareció descabellado en principio". En el Diario La Jornada, en 1999, Pepe Jara recordaba que conoció a Álvaro Carrillo por un fraude --en el buen sentido-- de Carlos Madrigal, un cantante apodado El Johnny, quien allá por principios de los años 50 rondaba por el bar La Cucaracha, en la esquina de Madero y Gante. "Este Madrigal --quien murió de muerte natural, es decir, de cirrosis-- cantaba los temas de Álvaro y se pensaba que eran de él. Interpretaba, entre otras, Eso merece un trago, Eso, El carreto, que luego confesó que no eran de su inspiración, sino de la de un ingeniero agrónomo "brillante especialista en suelos".</span></div>
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<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes escucharemos algunas grabaciones con el actor, cantante y torero ya fallecido </span><span style="color: red;">Manuel Capetillo</span><span style="color: #274e13;">, quien grabó para el sello SEECO, principalmente canciones rancheras. Manuel Capetillo nació en Ixtlahuacán de los Membrillos, Jalisco, el 15 de abril de 1926, desde joven se interesó por la llamada fiesta brava, en la que participaba en calidad de sobresaliente en algunos festejos pueblerinos. Recibió la alternativa de matador en Querétaro, el 24 de diciembre de 1948, del llamado Berrendito Luis Procuna, con Rafael Rodríguez de testigo. Un mes después, en enero de 1949, la confirmó en la Plaza México con Luis Castro, El Soldado, de padrino, y Antonio Velázquez de testigo. Su alta estatura y lo largo de los brazos le ayudaron en sus innumerables faenas, pues llevaba al burel en un desplazamiento lento de casi 360 grados, lo que le valió ser nombrado el mejor muletero del mundo, aunque sus detractores –que también los hubo– decían que parecía que toreaba perros. En 1953 abandonó temporalmente los ruedos para incursionar como cantante de música ranchera, pero en 1957 volvió a vestirse de luces. En la década de 1960 participó como actor en películas rancheras en el cine. Algunos críticos opinaron que su actividad como actor perjudicó su carrera taurina. Pero en aquellos años era una arraigada costumbre que tanto las figuras deportivas como taurinas fueran tentadas por los directores cinematográficos para protagonizar filmes, lo cual después surtía poderosos efectos publicitarios que se reflejaban en las taquillas de las plazas. Inició su carrera en el cine con la película, Contigo a la distancia en 1954. Participó al lado de grandes estrellas del cine mexicano, como Evangelina Elizondo, Elvira Quintana, Regina Torné, Flor Silvestre, Antonio Aguilar, Eulalio González "Piporro", Javier Solís, Andrés Soler, Dacia González, Liza Castro, Ignacio López Tarso, entre otros. Falleció el 5 de mayo de 2009. Con su esposa, Sara de Flores, tuvo a Manuel, Eduardo y Guillermo, quienes también incursionaron lo mismo en los ruedos que en los sets televisivos. </span></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGAwZJw8VHeyfJHOkPwmuXZq82wjHu5fGOh1RqcaWO8Q4EaM3JJJqCQR4ySQtvLtygHIFeAOa00e9-wykVzGRKdg5HjY8NhMf214wGMD47nDSV9C7kaR7XjSsUF6DkpsrQ4IJ5pkyVk5Q/s1600/PASTOR-CERVERA.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1570" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGAwZJw8VHeyfJHOkPwmuXZq82wjHu5fGOh1RqcaWO8Q4EaM3JJJqCQR4ySQtvLtygHIFeAOa00e9-wykVzGRKdg5HjY8NhMf214wGMD47nDSV9C7kaR7XjSsUF6DkpsrQ4IJ5pkyVk5Q/s320/PASTOR-CERVERA.jpg" width="314" /></a></div>
<span style="color: red;">9.</span> <span style="color: #274e13;">Para recordar al trovador </span><span style="color: red;">Pastor Cervera</span><span style="color: #274e13;">, hemos desempolvado un capítulo de la serie </span><i style="color: red;">El pregonero del Mayab</i><span style="color: #274e13;">, que produjo por mucho tiempo nuestro amigo yucateco el trovador Felipe García. Considerado uno de los máximos representates de la música regional mexicana, debido a sus memorables composiciones que trascendieron en la cultura, el prolífico cantautor Pastor Cervera Rosado es recordado porque murió el 31 de mayo de 2001. Nació el 20 de febrero de 1915 en Mérida, Yucatán. Cuentan sus biógrafos que en su juventud fue un muchacho inquieto y rebelde, siempre en busca de innovar, por lo que encontró en la trova yucateca el refugio indicado. Además de dedicarse a la composición musical, trabajó en diversos oficios como el cultivo de henequén y el de obrero, aunque a la labor que le dedicó mayor tiempo fue a la de carnicero, en el popular mercado de Santa Ana. Pastor Cervera formó parte de una generación de trovadores que se caracterizó por componer un mensaje poético y por inventar una música para cantarle a la mujer, una trova poética, romántica y espiritual. Según una biografía difundida por el Diario de Yucatán, a lo largo de su vida, Cervera compuso más de 300 temas y grabó más de una docena de discos, los cuales se interpretaron dentro y fuera del país. Algunos de sus temas más destacados son “Así te quiero”, “Amor y dolor”, “Bésame con pasión”, “Fuiste”, “La fuente”, “Mi última canción”. El compositor yucateco se consolidó como una de las figuras destacadas de este movimiento cultural y desde entonces ha seguido sus pasos una larga lista de compositores, poetas y cantautores, que fueron inspirados por sus letras románticas. Cervera murió en Mérida el 31 de mayo de 2001, a los 86 años.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGiaSENmAusjptWMix7MLWxDAEpjZZlLHtNQboAV5YzrN9BlJrnL2z1vmcSLCho7kClPoI4aC9xqGIHR0e-nfml2pQHgYyohxGn4xJx6iFJDbhgwBqTS-xBzerulHiBv9Q6TVoRrRBn04/s1600/Luis+demetrio+vertical.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="908" data-original-width="586" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGiaSENmAusjptWMix7MLWxDAEpjZZlLHtNQboAV5YzrN9BlJrnL2z1vmcSLCho7kClPoI4aC9xqGIHR0e-nfml2pQHgYyohxGn4xJx6iFJDbhgwBqTS-xBzerulHiBv9Q6TVoRrRBn04/s320/Luis+demetrio+vertical.jpg" width="206" /></a></div>
<span style="color: red;">10. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes </i></span><span style="color: #274e13;">presentaremos una semblanza de un invitado: el yucateco </span><span style="color: red;">Luis Demetrio.</span><span style="color: #274e13;"> Alberto Ramírez Martínez, colaborador del programa en la ciudad de Guadalajara, platicó con la hija del artista, Betty Traconis. </span><span lang="ES" style="text-indent: -21.25pt;"><span style="color: #274e13;">Luis Demetrio Traconis Molina
nació el 21 de abril de 1931 en Mérida, Yucatán. Al cumplir 12 años reveló sus
dotes de compositor con su primera canción "Felicidad". En 1948,
llegó a la Ciudad de México para cursar la carrera de Contador Público como su
familia deseaba, pero en su mente bullía la meta de conquistar un sitio en el
medio musical, así que sin descuidar sus obligaciones como estudiante, supo
introducirse al mundo del espectáculo y para el año de 1950, el entonces famoso
Trío Avileño le grabó su canción "Yo no sé qué siente aquí" y casi al
mismo tiempo Dámaso Pérez Prado, "El Rey del mambo", presentó ese
mismo tema rebautizándolo con el nombre de “La cerveza". Para 1954, en
pleno apogeo del cha cha chá, Luis Demetrio se integró a los coros de la
orquesta cubana América, que dirigía el Mtro. Ninón Modéjar, quien inmediatamente
incluyó en su repertorio y discos las canciones de Luis Demetrio: “Cha cha chá
Chabela”, “Qué esperas”, “Cha cha chá con melodía”, “Quiéreme un poquito más” y
varias más, hasta completar una docena de éxitos con dicha orquesta. En 1955 el
Cuarteto Armónico, que eran sus paisanos, le grabaron sus temas “Dos extraños”
y “Eres todo para mí”, siendo ésta última también un gran éxito en la voz del
célebre compositor Luis Arcaraz interpretándola con su orquesta. En 1957, “La
puerta” se coloca entre las grandes favoritas del público de habla hispana, en
la voz del afamado cantante chileno Lucho Gatica.</span></span><br />
<div class="MsoListParagraph" style="margin-bottom: 8.0pt; margin-left: -14.2pt; margin-right: -28.45pt; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -21.25pt;">
<span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes</span><span style="color: red;"> 07 de JUNIO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México.</span></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
<div>
<br /></div>
Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-82180389932602606132019-05-27T22:57:00.004-05:002019-05-27T22:57:59.078-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 31 DE MAYO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 31 DE MAYO DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Gran recuerdo de Mario Alberto Rodríguez en Aguascalientes</span></div>
<span style="color: red;">* Carlos Madrigal, cantante que presentó a Pepe Jara a con Álvaro Carillo</span><br />
<span style="color: red;">* Oiremos a la cantante Estela Mejía; dos joyas con Lupita Morán; Manuel Capetillo, de torero a cantante y actor; Tony Camargo cumple años el 1 de junio; Lydia Mendoza en el Rincón norteño; Luis G. Roldan falleció hace 33 años; oiremos más canciones con Toño el negro</span><br />
<span style="color: red;">* En la sección El pregonero del Mayab, semblanza de Pastor Cervera; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Pepe Domínguez, II parte</span><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfGBaq_wQONqXZ3mbRC3Ta2QBOoTGGmCWJohNvNrIcGjTuA7IWqcsOV-__dQvdEzuVgFTFCiwO_pZ4vVOpjfU6Z2u-aVxDjg42DO8msVLYkm6m2Wwaptk2JCl674QlL9aNDHvmpm3UND8/s1600/mario+alberto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="811" data-original-width="1073" height="241" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfGBaq_wQONqXZ3mbRC3Ta2QBOoTGGmCWJohNvNrIcGjTuA7IWqcsOV-__dQvdEzuVgFTFCiwO_pZ4vVOpjfU6Z2u-aVxDjg42DO8msVLYkm6m2Wwaptk2JCl674QlL9aNDHvmpm3UND8/s320/mario+alberto.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;"><br /></span>
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;"> Encima de estas líneas, es grato compartir con ustedes una muy desgastada fotografía aportada por el músico aguascalentense e iniciador de este programa Hasta que el Cuerpo Aguante, Rosendo González Valderrama. En la imagen podemos ver al propio Don Rosendo acompañado ni más ni menos que por el cantante </span><span style="color: red;">Mario Alberto Rodríguez</span><span style="color: #274e13;"> allá por los años ochenta, cuando amenizaban ambos una presentación en un lugar ya desaparecido llamado Siboney, en esta ciudad de Aguascalientes, en la Colonia Las Flores. Recordemos que en esta ciudad de Aguascalientes viven familiares de este desaparecido cantante chihuahuense. Gracias a Don Rosendo González por aportarnos esta valiosa joya fotográfica que, aunque desgastada por el tiempo, tiene mucho valor para los gustosos de la música de antaño. Según el investigador musical Jaime Rico Salazar, Mario Alberto nació en Chihuahua el 15 de octubre de 1919 y falleció en el año de 1990. Una de las voces de tenor más lindas y emotivas del bolero en México. Realizó giras por el continente, y grabó para la Victor. Mario Alberto empezó cantando en una radiodifusora local en Chihuahua, o por lo menos allí fue donde se le empezó a conocer. Durante los años cuarenta y cincuenta grabó gran cantidad de boleros para el sello Peerles, acompañado de las mejores orquestas de ese tiempo. Por su parte Alfonso Diez, de la página codigodiez.mx cuenta que Mario Alberto Rodríguez, el magnífico tenor que nos deleitó con su gracia y su voz en “Mi Bella Dama”, junto a Manolo Fábregas, cantando “Con un poquitín de suerte a mi favor…”. Recordemos que a Mario Alberto Rodríguez también lo vimos actuar en varias películas del cine mexicano allá por los años sesentas y setentas, conocido por su trabajo en Macario (1960), ¡El que no corre... vuela! (1982) y Los caciques (1975(, entre otras muchas películas.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimJi8S_FEHdDhcquGmooCi14_RUZgnu3rwve2OnQ9briRwFndbLxD-FRql-c6PhMHZ3ubkJOC1ThgNtVtS7D9BVgyraTkg-ifvCPqrkFE_-DZlRIoAN4btV_XW4eg4tYjTQUxl_M4SsEw/s1600/Carlos-Madrigalvertical.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="651" data-original-width="519" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimJi8S_FEHdDhcquGmooCi14_RUZgnu3rwve2OnQ9briRwFndbLxD-FRql-c6PhMHZ3ubkJOC1ThgNtVtS7D9BVgyraTkg-ifvCPqrkFE_-DZlRIoAN4btV_XW4eg4tYjTQUxl_M4SsEw/s320/Carlos-Madrigalvertical.jpg" width="255" /></a></div>
<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos varias grabaciones del cantante </span><span style="color: red;">Carlos Madrigal.</span><span style="color: #274e13;"> Se conoce poco de Madrigal, cantaba temas mexicanos y rancheros, aunque según se sabe era de origen costarricense. Según algunos datos existentes, en 1956, Carlos Madrigal, también cantante e integrante de diferentes tríos romántico, fue quien presentó a Antonio Pérez, integrante del trío Los Duendes, con el entonces desconocido y novel compositor Álvaro Carrillo. Incluso el propio Pepe Jara, también integrante de Los Duendes, quien al principio no confió en el bardo costeño Álvaro Carrillo, arrepentido se justificaba así: “Fue Carlos Madrigal quien nos presentó al abrigo de un bar. Quería que escuchara unas canciones nuevas, que aseguraba, eran un ‘tiro’. Al calor de las copas pagadas por el ingeniero Carrillo, Carlos Madrigal cantó “Amor mío”, “El Andariego” y otras que no recuerdo. En un gesto presuntuoso, dije que las canciones no me gustaban, porque Carlos dijo que eran suyas. Carrillo no se inmutó, simplemente ofreció nuevas copas, y una amistad que no fue ocasional. Sin embargo, más por amistad que por convencimiento, grabé algunas canciones que [¡Oh sorpresa!] el público aceptó como el sediento un vaso de agua. Gracias a sus canciones [soy famoso y] jamás he tenido tiempo de arrepentirme de aquel paso que pareció descabellado en principio”. En el Diario La Jornada, en 1999, Pepe Jara recordaba que conoció a Álvaro Carrillo por un fraude --en el buen sentido-- de Carlos Madrigal, un cantante apodado El Johnny, quien allá por principios de los años 50 rondaba por el bar La Cucaracha, en la esquina de Madero y Gante. "Este Madrigal --quien murió de muerte natural, es decir, de cirrosis-- cantaba los temas de Álvaro y se pensaba que eran de él. Interpretaba, entre otras, Eso merece un trago, Eso, El carreto, que luego confesó que no eran de su inspiración, sino de la de un ingeniero agrónomo "brillante especialista en suelos".</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilNjJfcXZnnDjOYsnEUv1WYYcCGIwRVN8n7BwZLdEsDXIhKKCfMe6okklavp6-Te0kSdrK_NzEfU34D-PzMyjKBmchIsO19dIwIqDA78W48M58qfWysbGtyGsAGDrLDupxLMiPamxuYKc/s1600/toni-gari-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="667" data-original-width="667" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilNjJfcXZnnDjOYsnEUv1WYYcCGIwRVN8n7BwZLdEsDXIhKKCfMe6okklavp6-Te0kSdrK_NzEfU34D-PzMyjKBmchIsO19dIwIqDA78W48M58qfWysbGtyGsAGDrLDupxLMiPamxuYKc/s320/toni-gari-sello.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos nuevos hallazgos fonográficos encontrados del cantante llamado </span><span style="color: red;">Toni Gari que fue más conocido como Toño el Negro</span><span style="color: #274e13;">, de quien existen muy pocos datos biográficos. Es difícil conseguir mayor información sobre él. Toni Gari grabó una gran cantidad de discos para varios sellos discográficos. Luis Jaime Chapa, coleccionista de música de antaño, nos comenta que las primeras grabaciones de Gari fueron a partir de 1946 para la compañía SEECO. Sin embargo, en 1948 grabó para la marca Azteca con el nombre de Toño El Negro, en clara referencia a la cantante María Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, llamada Toña la Negra. Antes, en 1947 grabó algunos temas para el sello RCA como Canción del sur y el Tío Remus lo contó. En 1949 grabó para el sello DECCA canciones como “Ambar”, “Bambalaca” y “Sí, señor”. A mediados de los años cincuenta grabó algunos temas para el sello Columbia, entre ellos “Cha cha cha Chabela”, “Capricho” y “Aunque me cueste la vida”. A mediados de los años sesentas hizo algunas grabaciones para el sello Cisne. Toni Gari radicó por algunos años en la ciudad fronteriza de Matamoros, en el estado de Tamaulipas, en donde tuvo cercana amistad con la cantante Julia Garnica, integrante del Trío Garnica Ascencio.</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Sobre la cantante </span><span style="color: red;">Estela Mejía</span><span style="color: #274e13;">, según datos de su hijo Jorge Aguilar Mejía, ella nació en Tepeaca, Puebla el 15 de enero de 1920, enamorada de la música y el canto desde muy joven inicia su carrera artística presentándose en algunos programas de radioemisoras en aquella ciudad. A la edad de 21 años decide ir a la ciudad de México, donde presenta una prueba en la XEW y hace su debut en dicha emisora en septiembre de 1941. Ya para 1942, en la propaganda de la RCA Víctor Mexicana para sus distribuidores de discos en el país se decía que: "nace una estrella de primera magnitud, figura de Estela Mejía en su primer disco "Te vas porque quieres" y "No Vuelvas"; música muy buena y letra de pegue"… En el mes de febrero de 1943 se presenta en la compañía de Roberto Soto en el teatro Lírico alternando con Paquita Estrada. Para entonces ya había salido su segundo disco con las canciones "Tristeza" y "Que más me da". Dedicada a hacer giras y presentaciones en México, se contrata para alternar en el Teatro Lírico con Paquita Estrada y un gran elenco; ahí la escucha cantar Mario Moreno "Cantinflas", quien le ofrece la oportunidad de acompañarle en una gira por Centro y Sudamérica con duración de dos meses. Estela Mejía se mantuvo vigente grabando algunos discos más y realizando giras y presentaciones en el país hasta el año de 1947 cuando se casa y deja su carrera. Fue madre de ocho hijos que hoy le sobreviven, según Don Jorge Aguilar. El 14 de abril de 1943 el periódico Nuevo Mundo de Lima, Perú comenta: "joven y graciosa cantante Azteca del conjunto de Mario Moreno "Cantinflas" se presenta en el Teatro Segura..." De acuerdo con otros datos, el domingo 18 de abril de 1943 se anuncia el debut de Cantinflas, llamado “El mago de la risa”, Paquita Estrada, Shilinsky y Estela Mejía (bella cancionera estrella de la radio) y la orquesta Swing de Costa Rica....". Gracias a todos los hijos de Estela Mejía que compartieron con nosotros estos, fotos y canciones de esta extraordinaria cantante que ahora recordamos en Hasta que el cuerpo aguante.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGsNBCTR707ALVM0q7t2Q6aArwGRYhYLEzwHxhKUVTcrgdoBN0CPF_rB8txv8qNQ_GvF4cjnCdfXDpJ-YORnMKygpTMa10yEz-LlQkAxiNTTmZBEsCMduIlDKQCBAP4vx47ThU4WNHoHE/s1600/lydia+medoza.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="594" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGsNBCTR707ALVM0q7t2Q6aArwGRYhYLEzwHxhKUVTcrgdoBN0CPF_rB8txv8qNQ_GvF4cjnCdfXDpJ-YORnMKygpTMa10yEz-LlQkAxiNTTmZBEsCMduIlDKQCBAP4vx47ThU4WNHoHE/s320/lydia+medoza.jpg" width="264" /></a></div>
<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En este mes de mayo de 2019 se cumplieron 103 años del natalicio de la cantante texana </span><span style="color: red;">Lydia Mendoza</span><span style="color: #274e13;">. En el libro Lydia Mendoza's Life in Music: La Historia de Lydia Mendoza, de la autora Yolanda Broyles-González, la cantante recuerda sobre sus inicios: “La música la tuvimos siempre en la casa y yo nací con ese talento. Mi papá le compró una guitarra a mi madre. Y lo que ella tenía dentro, ahí despertó su talento de ella, su música. Me acuerdo muy bien, tendría yo como —pos fue en 1920— tenía como cuatro años. Me acuerdo que nomás llegaba del trabajo mi papá, cenábamos, y nos salíamos a jugar yo y mi hermanita. Nomás terminaba mi mamá y se sentaba con su guitarra y con mi papá, los dos cantando ahí. Nomás oía yo sonar la guitarra y allí voy —corría y me sentaba a sus pies. Porque yo heredé eso de la música de mi madre también. Y ella fue la que me enseñó, como te digo. En la casa siempre la música existió. No había fiesta que mi padre no la llevara a mi madre y la presentara. Todos los tíos estaban en contra de mi papá. Que la música, que esto y que el otro. Creían que... de que los artistas no eran buena gente, y todas esas cosas, tú sabes. Pero, así fue en esa forma como la música la tuvimos siempre en la casa y yo nací con ese talento. Yo me acuerdo de las primeras visitas que hacíamos con mis papas, que veníamos con ellos a San Antonio. Allá por el año de 1923 o 24. ¡Eso era tan bonito! ¡Pos hubieran protestado para que tampoco no tumbaran eso! Se acabó esa botica, se acabó el Teatro Nacional y el Teatro Zaragoza donde venían artistas muy grandes. Eso lo hubieran dejado también. Todo eso lo tumbaron. El Restaurante Carta Blanca, ¿te acuerdas? El Restaurante Carta Blanca también lo tumbaron. Era restaurante abajo, y arriba era hotel. Ahí paramos nosotros cuando vinimos a grabar a San Antonio. Pero papá nos puso El Cuarteto Carta Blanca porque a él le gustaba mucho la cerveza Carta Blanca. Por eso le puso a nuestro cuarteto así. Pero ya te digo, el Restaurante Carta Blanca lo tumbaron ahora que renovaron y que hicieron todo ese mugrero”.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_D4pB9JMrhX0CB9Z4pcstP7yBh3rvICwqBeG2kQuPKT9NdCXvHkV9AXWFomRScptQcCAmN3wnE71mHl9mLbEJaXy3mtXnsdjlE6XiRmB8ukqNx3IzLimbMdzNb6LW7q17n9-7t6mZZgg/s1600/capetillo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="342" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_D4pB9JMrhX0CB9Z4pcstP7yBh3rvICwqBeG2kQuPKT9NdCXvHkV9AXWFomRScptQcCAmN3wnE71mHl9mLbEJaXy3mtXnsdjlE6XiRmB8ukqNx3IzLimbMdzNb6LW7q17n9-7t6mZZgg/s320/capetillo.jpg" width="218" /></a></div>
<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes escucharemos algunas grabaciones con el actor, cantante y torero ya fallecido </span><span style="color: red;">Manuel Capetillo</span><span style="color: #274e13;">, quien grabó para el sello SEECO, principalmente canciones rancheras. Manuel Capetillo nació en Ixtlahuacán de los Membrillos, Jalisco, el 15 de abril de 1926, desde joven se interesó por la llamada fiesta brava, en la que participaba en calidad de sobresaliente en algunos festejos pueblerinos. Recibió la alternativa de matador en Querétaro, el 24 de diciembre de 1948, del llamado Berrendito Luis Procuna, con Rafael Rodríguez de testigo. Un mes después, en enero de 1949, la confirmó en la Plaza México con Luis Castro, El Soldado, de padrino, y Antonio Velázquez de testigo. Su alta estatura y lo largo de los brazos le ayudaron en sus innumerables faenas, pues llevaba al burel en un desplazamiento lento de casi 360 grados, lo que le valió ser nombrado el mejor muletero del mundo, aunque sus detractores –que también los hubo– decían que parecía que toreaba perros. En 1953 abandonó temporalmente los ruedos para incursionar como cantante de música ranchera, pero en 1957 volvió a vestirse de luces. En la década de 1960 participó como actor en películas rancheras en el cine. Algunos críticos opinaron que su actividad como actor perjudicó su carrera taurina. Pero en aquellos años era una arraigada costumbre que tanto las figuras deportivas como taurinas fueran tentadas por los directores cinematográficos para protagonizar filmes, lo cual después surtía poderosos efectos publicitarios que se reflejaban en las taquillas de las plazas. Inició su carrera en el cine con la película, Contigo a la distancia en 1954. Participó al lado de grandes estrellas del cine mexicano, como Evangelina Elizondo, Elvira Quintana, Regina Torné, Flor Silvestre, Antonio Aguilar, Eulalio González "Piporro", Javier Solís, Andrés Soler, Dacia González, Liza Castro, Ignacio López Tarso, entre otros. Falleció el 5 de mayo de 2009. Con su esposa, Sara de Flores, tuvo a Manuel, Eduardo y Guillermo, quienes también incursionaron lo mismo en los ruedos que en los sets televisivos. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSu4M48MbD9k-6creLQ7aqqihSMNaCHsYq0pjAi8s3udcDSAjs4onZCJCp8zBXoa8Cp3ME9DTlyOdyeDWHPF7EheMDbRO29cCKrtEx3b2hiPTzqZAPIY1rmrtMoQ9MIeJCI0Qe4oIEoF4/s1600/PASTOR-CERVERA.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1570" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSu4M48MbD9k-6creLQ7aqqihSMNaCHsYq0pjAi8s3udcDSAjs4onZCJCp8zBXoa8Cp3ME9DTlyOdyeDWHPF7EheMDbRO29cCKrtEx3b2hiPTzqZAPIY1rmrtMoQ9MIeJCI0Qe4oIEoF4/s320/PASTOR-CERVERA.jpg" width="314" /></a></div>
<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Para recordar al trovador </span><span style="color: red;">Pastor Cervera</span><span style="color: #274e13;">, hemos desempolvado un capítulo de la serie El pregonero del Mayab, que produjo por mucho tiempo nuestro amigo yucateco el trovador Felipe García. Considerado uno de los máximos representates de la música regional mexicana, debido a sus memorables composiciones que trascendieron en la cultura, el prolífico cantautor Pastor Cervera Rosado es recordado porque murió el 31 de mayo de 2001. Nació el 20 de febrero de 1915 en Mérida, Yucatán. Cuentan sus biógrafos que en su juventud fue un muchacho inquieto y rebelde, siempre en busca de innovar, por lo que encontró en la trova yucateca el refugio indicado. Además de dedicarse a la composición musical, trabajó en diversos oficios como el cultivo de henequén y el de obrero, aunque a la labor que le dedicó mayor tiempo fue a la de carnicero, en el popular mercado de Santa Ana. Pastor Cervera formó parte de una generación de trovadores que se caracterizó por componer un mensaje poético y por inventar una música para cantarle a la mujer, una trova poética, romántica y espiritual. Según una biografía difundida por el Diario de Yucatán, a lo largo de su vida, Cervera compuso más de 300 temas y grabó más de una docena de discos, los cuales se interpretaron dentro y fuera del país. Algunos de sus temas más destacados son “Así te quiero”, “Amor y dolor”, “Bésame con pasión”, “Fuiste”, “La fuente”, “Mi última canción”. El compositor yucateco se consolidó como una de las figuras destacadas de este movimiento cultural y desde entonces ha seguido sus pasos una larga lista de compositores, poetas y cantautores, que fueron inspirados por sus letras románticas. Cervera murió en Mérida el 31 de mayo de 2001, a los 86 años.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjECoiB2wu6RuAub_Bvf_5WYSCeQoQC78OfOiCUCUNwlZCflVmog_bbvrzfLCYGTHc8cO6x_PuPB1NigsP_S8bt3lm7YXdSrRagtRMFaA3hhI2WRHa_v5Gf4m20AL1mbVKNxpS_7FLSP_U/s1600/luis-g-roldan-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="926" data-original-width="841" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjECoiB2wu6RuAub_Bvf_5WYSCeQoQC78OfOiCUCUNwlZCflVmog_bbvrzfLCYGTHc8cO6x_PuPB1NigsP_S8bt3lm7YXdSrRagtRMFaA3hhI2WRHa_v5Gf4m20AL1mbVKNxpS_7FLSP_U/s320/luis-g-roldan-sello.jpg" width="290" /></a></div>
<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">Hace 33 años, el 30 de mayo de 1986, falleció el cantante </span><span style="color: red;">Luis G. Roldán.</span><span style="color: #274e13;"> El investigador Jaime Rico Salazar, al hacer un recuerdo de las emisiones radiofónicas ¡Viva América! Un programa de la Columbia Broadcasting System, dice que uno de los participantes en esos programas que a través de la onda corta llegaban en forma nítida a miles de personas de distantes rincones de la América Latina, era Luis G. Roldán, conocido también como el Cancionero Romántico. Venía de hacer una gira exitosa por Buenos Aires y Río de Janeiro. En este programa interpreta una canción de María Grever que tuvo la suerte de estrenar en México, el bolero "Así". También canta de Gabriel Ruiz el bolero "De corazón a corazón ". Con Eva Garza interpretan la famosa canción de Belisario de Jesús García "Cuatro milpas " (letra de José Elizondo) y también une su voz a la de Los Panchos para cantar "Rayando el sol" (de Manuel Hernández). Fue este el último programa que hizo el trío en la CBS, ya que emprendieron su primera gira artística a Venezuela. En 1947 estuvieron en La Habana y al año siguiente regresaron a México. Como es fácil darse cuenta, aún no cantaban boleros, que fue el género musical que los hizo famosos. Y por supuesto la fabulosa Orquesta Panamericana que dirigía el maestro Alfredo Antonini que se lucía con los arreglos musicales de ese otro grande maestro, como fue Teric Tucci. Es realmente esta grabación otro verdadero banquete musical, que pocas veces en la vida puede uno darse. En estos programas también se presentó Carlos J. Ramírez y con el esplendor de su maravillosa voz nos deja oír: "Lamento gitano", "La canción de las canciones", "Granada", y el "Beguin the Beguine". Y como detalle curioso intercala en cada canción un mensaje en el que promueve el consumo que genere "taxes" (impuestos) para ayudar al gobierno a recaudar fondos y sostener la guerra hasta conseguir la victoria.</span></div>
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<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">Este 1 de junio el cantante tapatío de música tropical </span><span style="color: red;">Tony Camargo </span><span style="color: #274e13;">cumplirá 93 años de edad. Por lo que desde este programa le deseamos muchas felicidades. Tony Camargo no es bueno para las matemáticas. No sabe cuántos discos grabó ni cuántas copias se vendieron de “El año viejo” y actualmente no recibe ningún tipo de regalías de la discográfica por la interpretación que suena en todo el continente cada vez que termina un año. En su casa de la calle 60, en las afueras de Mérida, transita una soledad espesa desde el día que murió Lupita. Y procura sacar cuentas: de ocho hermanos sólo quedan tres vivos, cada vez que vacuna a sus tres perros gasta 80 pesos mexicanos, cada dos meses invierte 80 pesos más para pelarlos, la última vez que lo visitaron sus hijos estuvieron sólo tres días, cobra algo más de dos mil pesos como músico jubilado, el costal de alimentos para Loreta, la lora, vale 174 pesos y le dura dos meses y medio, al mediodía suele almorzar un sándwich de jamón y ya pasaron 102 días de la muerte de Lupita. “El 13 de septiembre, día de mi santo, se cumplieron 50 días de fallecida. El 17 de septiembre será el primer cumpleaños que no la vamos a pasar juntos”. Como los presidiarios en su celda esperando la libertad, Camargo cuenta cada día que pasa en soledad. La única cuenta matemática que lleva con exactitud es la de la ausencia del amor. Cuando Tony Camargo se va a dormir enciende la radio, aunque no la escuche. Necesita, aunque sea, un ruido como compañía. El niño que recibía coscorrones porque no cantaba no soporta el silencio. (Texto escrito por Juan Mascardi, el 23 agosto de 2015 y tomado de la Revista El Replicante: https://revistareplicante.com/el-dia-que-tony-camargo-quiso-olvidarse-del-ano-viejo/).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3bGXvuQtE0QRTvgESpoRvCurs-gXJNGoOsiQqK6GIZKaQBJXlvDcp0PUh2Nfe7P1MkBNOeAlJkhORCLs9iUo9NcdQjarrqtuSU3bQRkYS49svq9sSCnnCTv5IvoDaX64pMVCUB3ozNiw/s1600/Jos%25C3%25A9-Pepe-Dominguez-222x300.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="222" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3bGXvuQtE0QRTvgESpoRvCurs-gXJNGoOsiQqK6GIZKaQBJXlvDcp0PUh2Nfe7P1MkBNOeAlJkhORCLs9iUo9NcdQjarrqtuSU3bQRkYS49svq9sSCnnCTv5IvoDaX64pMVCUB3ozNiw/s1600/Jos%25C3%25A9-Pepe-Dominguez-222x300.jpg" /></a></div>
<span style="color: red;">10. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes</i></span><span style="color: #274e13;"> presentaremos la segunda parte de la semblanza de José del Carmen Domínguez Saldívar, más conocido como </span><span style="color: red;">Pepe Domínguez</span><span style="color: #274e13;">. Alberto Ramírez Martínez, colaborador del programa en la ciudad de Guadalajara, platicó con el investigador musical yucateco Luis Pérez Sabido. En 1931, Pepe Domínguez escribió "Mañanita", que grabó Lucha Reyes. Domínguez era un compositor que usaba el diminuto en sus canciones, como "Mañanita", "Torcacita", "Mesticita de mi tierra", "Manzanita" y otras. En 1946, en Mérida, volvió a formar el Quinteto Mérida con el cual realizó giras con presentaciones por todo México, Centroamérica, América del Sur y Cuba. Inicialmente Ricardo Palmerín había formado el Sexteto Mérida, pero al dejar el grupo, Pepe Domínguez quedó como director ahora del quinteto. En 1949, Pepe Domínguez escribió dos de sus poesías más celebradas: "En el mismo Jardín” y "Postal Habanera". A Pepe Domínguez, se le identifica como un gran compositor y como un gran poeta que hacía sus poemas rimados, incursionó también en otros géneros de música como el bambuco, de origen colombiano. En la ciudad de Mérida existe una institución denomina el Museo de la Canción Yucateca, ahí están los oleos de 60 de los principales compositores, poetas e intérpretes de la canción peninsular y desde luego Pepe Domínguez ocupa un lugar preponderante. Otros de sus temas son "Manos de Armiño", "Torcacita”, “Mesticita de mi Tierra", "Dentro de mí", "Muñequita", "La Rosa", "Responde", "Flor del mal" y muchos más, hasta llegar a más de 80. Pepe Domínguez murió en La Habana, Cuba, el 11 de enero de 1950, al día siguiente fue llevado al Panteón Florido en donde se le enterró en el mausoleo de la familia Souza Novelo, permaneciendo ahí durante diez años, hasta que la Sociedad Artística Ricardo Palmerín pidió su traslado al Monumento a los Creadores de la Canción Yucateca. En este lugar reposan sus restos desde el 14 de enero de 1960, en el Cementerio General de la ciudad de Mérida.</span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">31 de MAYO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-20618606409609276262019-05-20T22:50:00.006-05:002019-05-20T22:50:53.666-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 24 DE MAYO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 24 DE MAYO DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* Disfrutaremos de la música ranchera antigua con el dueto Martín y Eloísa</span></div>
<span style="color: red;">* Se cumplen 100 años del fallecimiento de Amado Nervo</span><br />
<span style="color: red;">* Oiremos canciones con el dueto Angelino. Celia Viveros en <i>Rinconcito arrabalero</i>. Consuelo Vidal, bolerista casi olvidada. Oiremos a Luis P. Saldaña. Alfonso Torres, autor guatemalteco</span><br />
<span style="color: red;">* En La cadena del recuerdo, semblanza de Pastor López, fallecido el mes pasado; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Pepe Domínguez</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitYEFPwCl_6DkVqsokqlJRsxqBQ7f12MEKz7MKe0njLY9yx0i_Q9vCVC4eGbCs6J8Y52c1jCaloXY6OOxjP5KKCKt0QZXxKyoS6a-eEqE2gPLYyLbfZWd8Uwd-IkqhH09_SMsov8qq6EM/s1600/Martin-y-Eloisa.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1127" data-original-width="793" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitYEFPwCl_6DkVqsokqlJRsxqBQ7f12MEKz7MKe0njLY9yx0i_Q9vCVC4eGbCs6J8Y52c1jCaloXY6OOxjP5KKCKt0QZXxKyoS6a-eEqE2gPLYyLbfZWd8Uwd-IkqhH09_SMsov8qq6EM/s320/Martin-y-Eloisa.jpg" width="225" /></a></div>
<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes disfrutaremos el sonido de la música ranchera antigua con el dueto </span><span style="color: red;">Martín y Eloísa</span><span style="color: #274e13;">, con quienes escucharemos tres canciones, entre rancheras y temas jocosos, grabadas en los años treinta. En 1939, a sugerencia de Guillermo Kornhauser, director artístico de Discos Peerless, Martín formó con Eloísa Gómez Torres, un dúo vocal muy popular. Eloísa había formado parte de Las Tres Morenas. Según don Martín Becerra, la idea de Kornhauser era tener un dueto en Peerless que compitiera con el popular dúo de Ray y Laurita, las estrellas de la compañía rival, RCA Víctor Mexicana. Recordemos que Peerless y Víctor eran los dos gigantes de la industria discográfica en México. Curiosamente, Eloísa había formado un dueto con Ray Pérez y Soto, dúo Ray y Eloísa, antes de que él se uniera a Laura Rivas para formar el famoso Ray y Laurita. El dúo de Martín y Eloísa tuvo un gran éxito y grabaron más de 100 canciones en la etiqueta Peerless entre 1939 y 1942. Un accidente cerebrovascular obligó Eloísa retirarse del canto, Martín la reemplazó con otra integrante de Las Tres Morenas: Magdalena (o Marta Elena) “Malena” Pérez Tejada, y el nuevo dúo se conoció como Martín y Malena. José Martín Becerra Ochoa nació en Ocotlán, Jalisco, un pueblo en el extremo noreste del Lago de Chapala, el 2 de julio de 1912 y murió el 19 de noviembre de 2015, a la edad de 103 años. Su padre, Casimiro Becerra, hacía monturas para ganarse la vida. Su madre, Virginia Ochoa, le enseñó a tocar la guitarra a una edad temprana. Ella fue quien animó a su hijo a trasladarse a Guadalajara, asegurándole que, “Si te quedas aquí en Ocotlán, nunca vas a nada”. Fue en Guadalajara que Martín hizo su debut en la radio en 1932, a los 20 años, cantando en una estación de radio, pero no fue hasta 1938 que finalmente hizo su debut en la XEW, en la Ciudad de México, como miembro del trío Los Cancioneros del Sur.</span></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Nos comenta un amigo radioescucha desde Colombia que hubo a fines de los años treinta en la ciudad de Los Ángeles, California, un gran dueto que se hacía llamar </span><span style="color: red;">Dueto Angelino</span><span style="color: #274e13;"> que entre sus grabaciones hechas para el sello Vocalion se encuentran “Siempre viva”, “Negrita”, “A medios Chiles”, “Nos sé porque te quiero”, “Promesa”, El petrolero” y otras. No tenemos los nombres de quienes integraban este dueto, ni mayores datos biográficos de ellos. En las etiquetas de los discos que hemos encontrado en la colección de la UCLA se encuentra poca información al respecto, podemos sacar en conclusión que tal vez el señor Manuel S. Acuña era algo así como su productor o arreglista ya que incluso Los Costeños, que era un grupo con el cual tenía que ver el señor Acuña, acompañaba al dueto Angelino. En otras canciones la Orquesta de Manuel S. Acuña es la que acompaña. En nuestra fonoteca, y agracias al apoyo del coleccionista Luis Jaime Chapa, desde Reynosa, Tamaulipas, compartiremos algunas grabaciones de este dueto. Serán los temas “A medios chiles”, un corrido compuesto por Acuña y Leal y que el Dueto Angelino grabó con el acompañamiento de Los Costeños. También escucharemos el tema “El petróleo”, de Felipe Valdez Leal, también grabado con Los Costeños.</span></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Rinconcito arrabalero</i></span><span style="color: #274e13;"> recordaremos a </span><span style="color: red;">Celia Viveros,</span><span style="color: #274e13;"> actriz cómica y cantante que nació en la Ciudad de México, el 13 de agosto de 1925 y falleció el 21 de noviembre de 1979. En su voz escucharemos el tema “Amor brutal”, del compositor Carlos Crespo. Celia Viveros fue una actriz mexicana de cine y teatro, regularmente participó en comedias. Aurora Celia Rivera Viveros era su nombre completo. Siendo niña, debutó como actriz como parte del coro de la carpa Tanis y recibió sus primeros pagos del público que le arrojaba monedas después de su actuación. En las carpas forjó su carrera, acompañando a varios de los más destacados cómicos surgidos de éstas, como Jesús Martínez “Palillo”, Germán Valdés “Tin Tan”, Roberto “El Panzón” Soto, Adalberto Martínez “Resortes”, Antonio Espino “Clavillazo” y Joaquín García “Borolas”, también trabajando en el cine con algunos de ellos. Celia Viveros realizó temporadas exitosas en los teatros Esperanza Iris, Lírico, Principal, Tivoli, Folies Bergère y El Colonial, con la compañía de Don Chicho. En el ocaso de su carrera también trabajo en el Teatro Blanquita. Junto con su esposo, Viveros formó la pareja cómica “Celia y Don Leandro”, manteniéndose activa hasta poco antes de su muerte, acaecida en la ciudad de México el 21 de noviembre de 1979. En cine, tuvo participaciones en varias cintas donde se explotaba su talento para la comedia. Tenía una forma muy característica y popular de expresarse en las películas con un estilo arrabalero. Entre otras, destacan: Una gallega baila mambo (1951), Ahí vienen los gorrones (1953), Dios los cría (1953), El águila negra (1954), El vividor (1956), El chismoso de la ventana (1956), Quiero ser artista (1958), El proceso de las señoritas Vivanco (1961), Barridos y regados (1963), Especialista en chamacas (1965), El aviso inoportuno (1969), Calzontzin Inspector (1974), Ante el cadáver de un líder (1974) y Los amantes fríos (1978), que se convertiría en su última cinta.</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos la voz de la cantante </span><span style="color: red;">Consuelo Vidal.</span><span style="color: #274e13;"> Destaca Pablo Dueñas en su libro Historia Documental del Bolero Mexicano que Consuelo Vidal fue una cantante de voz grave y diferente, que figuró con éxito en los primeros programas de televisión en México, al lado de Agustín Lara. Su desaparición prematura truncó una carrera que prometía mucho. Fue intérprete de El Flaco de oro a quien acompañó en varias giras al extranjero, llegando incluso a Brasil. Asimismo, Consuelo Vidal cantó en forma excelente los boleros feeling Consuelo Vidal se casó con el cantante de música ranchera José Antonio Dussauge, quien falleció en 20105 a los 77 años de edad. De esa unión nació la actriz cómica Consuelo Duval Vidal, quien en una entrevista con el diario El Universal manifestó que nunca escuchó en vivo a su madre, ya que murió cuando ella apenas tenía dos años. Por eso mismo, su herencia más preciada son las grabaciones de Consuelo Vidal. Esos discos y el olor a naftalina podrían resumir la vida de la actriz Consuelo Duval, quien agrega: En Parral, Chihuahua solamente nací, pero nos mudamos muy pronto a México. Y en Salvatierra, Guanajuato viví con mi bisabuela, cuya casa siempre olía a naftalina; la verdad es que toda mi vida gira en torno a los olores. En su blog, Consuelo Duval destaca: “No puedo, ni quiero imaginar el dolor que sintió mi padre cuando mi mamá se murió, de lo que estoy completamente segura es de que a veces la muerte mete dos corazones en un mismo ataúd y el de mi padre se fue con ella y su sonrisa también. Después de gritos de impotencia y de conocer ese dolor que no tiene lágrimas ni palabras, llegó la hora de ser valiente y enfrentar la realidad: Su esposa estaba muerta y cuatro hijos dependían de él”.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggh3xozsXA355U-L0QxiMyWuZTsTs2D3Hp5OI41vwXGOOh8OfuRgwSF-upuoOvXDu2bWyCw2pv_o3JZE2j6P2805EzE48ij5UZrkNrbwyoaVQYdLAYmnv0EmZR9VkPoX3VTXBJ__oadf0/s1600/lydia-fdz-luis-p-salda%25C3%25B1a-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="743" data-original-width="563" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggh3xozsXA355U-L0QxiMyWuZTsTs2D3Hp5OI41vwXGOOh8OfuRgwSF-upuoOvXDu2bWyCw2pv_o3JZE2j6P2805EzE48ij5UZrkNrbwyoaVQYdLAYmnv0EmZR9VkPoX3VTXBJ__oadf0/s320/lydia-fdz-luis-p-salda%25C3%25B1a-sello.jpg" width="242" /></a></div>
<span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes recordaremos la voz del cantante ya olvidado </span><span style="color: red;">Luis P. Saldaña </span><span style="color: #274e13;">con algunas de sus grabaciones. Gracias a la colaboración de los amigos Don Luis Chapa y Roger Antonio Ramos seguimos disfrutando de grabaciones sorprendentes, en este caso de este cantante que hizo historia dentro del bolero en México allá por los años cuarenta. Se trata de discos hechos para el sello Vocalion en los que Saldaña hace mancuerna artística con el compositor Gabriel Ruiz, quien también acompaña en el piano. Los temas que escucharemos fueron grabados en el año de 1936. Como ya lo habíamos comentado en estas páginas, Luis P. Saldaña fue un intérprete que destacó principalmente en la radio en los años treinta y cuarenta, especialmente en la emisora XEB. Existen muchas grabaciones que este cantante realizó principalmente de temas compuestos por Gabriel Ruiz, quien lo acompañaba al piano en la mayoría de las grabaciones. Luis P. Saldaña, quien era un tenorino (en la ópera el tenorino es el tenor de voz pequeña, joven y blanca, al que se confían roles usualmente secundarios) de buena voz, grabó varios boleros. En los Estados Unidos sus grabaciones se editaron para el sello Vocalion. Fue de los primeros que cantó temas y jingles publicitarios entre los que destaca el pregón publicitario “Calzado Neyra”, que grabó en 1939 acompañado de la Orquesta del yucateco José Gamboa Ceballos. Según el libro Bolero, escrito por Pablo Dueñas, Luis P. Saldaña fue llamado “El Cancionero de Ensueño”. (Foto de Luis P. Saldaña y Lydia Fernández: AMEF).</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOqP-L3QAQygwiypgrXB3MQFC_VVjCVeKXACwUPGhp_gdmFEYwjAWl6Q8FCQcIr6ZCROPDocJguKjbcwXShZ944q3M01b-NmADyND7F5N-h1L4jL7XIL0Hc3QcGsDImM4j7EI9Cd-lBmI/s1600/alfonso+Torres-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="770" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOqP-L3QAQygwiypgrXB3MQFC_VVjCVeKXACwUPGhp_gdmFEYwjAWl6Q8FCQcIr6ZCROPDocJguKjbcwXShZ944q3M01b-NmADyND7F5N-h1L4jL7XIL0Hc3QcGsDImM4j7EI9Cd-lBmI/s320/alfonso+Torres-sello.jpg" width="228" /></a></div>
<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">Desde Guatemala presentaremos dos exponentes del bolero en ese país centroamericano, inicialmente escucharemos "Pensando en ti", tema musical del guatemalteco </span><span style="color: red;">Alfonso Torres Cataño</span><span style="color: #274e13;">. De acuerdo con datos de Don Jaime Rico Salazar, aunque guatemalteco de nacimiento, la vida profesional de Alfonso Torres en la música, la desarrolló en México. Fue un compositor inspirado, tocaba el piano, el acordeón y además era excelente director de orquesta. Colaboró como contrabajista en la orquesta Riestra por el año de 1942 y también tuvo su propia orquesta que amenizaba festejos populares. En 1942 compuso su bolero "Pensando en ti”, el cual le dio muchas satisfacciones y estuvo en el repertorio de los más distinguidos cantantes no sólo en México, sino en varios países de Latinoamérica y España. Este bolero fue unos de los grandes éxitos de Elvira Ríos, Emilio Tuero, Toña la Negra y otros más. También son boleros suyos "Queja de amor", "Olvido", ""Pobrecita" y "Tú y yo". En el año de 1943 realizó una gira por Cuba acompañando al intérprete mexicano Moy Salazar y se presentaron con mucho éxito en la RHC Cadena Azul. (Con información del libro Cien años de boleros, escrito por Jaime Rico Salazar).</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSdEn1fZQU0IQoPeA8bQ1lXa6Vav2Ld-Iq1G1moi5S8bZClKDCOoCL0GGKyP594lKMYiMffx3UIm1HlqTJZfUXwDhXFKy0XXWZDp5jD7B4QEX7VvJR7WoyCfTCZSaV0fqu4xrLe3vDmsQ/s1600/amadonervo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="270" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSdEn1fZQU0IQoPeA8bQ1lXa6Vav2Ld-Iq1G1moi5S8bZClKDCOoCL0GGKyP594lKMYiMffx3UIm1HlqTJZfUXwDhXFKy0XXWZDp5jD7B4QEX7VvJR7WoyCfTCZSaV0fqu4xrLe3vDmsQ/s320/amadonervo.jpg" width="216" /></a></div>
<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Hace 100 años, el 24 de mayo de 1919 falleció en Montevideo, Uruguay, el poeta nayarita </span><span style="color: red;">Amado Nervo</span><span style="color: #274e13;">, quien había nacido en Tepic, el 27 de agosto de 1870. Su nombre completo era Amado Ruiz de Nervo Ordaz, fue un poeta y prosista mexicano, perteneciente al movimiento modernista. Las canciones “Gratia plena”, “Pasas por el abismo” y “El día que me quieras”, fueron inspiradas en la obra del poeta nayarita Amado Nervo. La canción “Gratia plena” fue compuesta por el veracruzano Mario Talavera con versos de Amado Nervo, inspirados en el amor de su vida, Ana Cecilia Luisa Dailliez, a quien Nervo conoció en París en 1901 y esta mujer se convirtió en el amor de su vida. El 17 de diciembre de 1911, Ana Cecilia contrajo una fiebre tifoidea que le provocó una lenta agonía, también secreta, ya que Nervo la atendió a escondidas, hasta la noche del 7 de enero de 1912 en que murió su musa. Por diez años fue suya, como dice el poema y canción. “La amada inmóvil” es el poema que nació esa noche en que Nervo veló en soledad el cadáver de quien fue su amada. De ahí nace también “Gratia plena”, canción que han grabado José Mojica, Jorge Negrete, Alfonso Ortiz Tirado y el declamador Manuel Bernal, entre otros. Ana Cecilia, Anita, La amada inmóvil, dejó en la orfandad al poeta (“su muerte es una brutal amputación de mi corazón”). En Yo te bendigo, vida (2002), Carlos Monsiváis refiere: “Anita le ha pedido a Nervo que se encargue de la niña Margarita Elisa Dailliez y en Francia se le concede la tutoría”. David Guerrero Flores, en su excelente ensayo biográfico “El hombre a quien jamás le sucedió cosa alguna: Amado Nervo”, escribe: “De Ana quedaron los recuerdos y la presencia de Margarita Elisa Dailliez, nacida en París el 7 de septiembre de 1900, a quien Amado cuidó como a una hija” (Véase foto del poeta y Margarita, hija de Ana Cecilia Luis Dailliez. (Con datos y foto tomados de http://archivo.estepais.com).</span></div>
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<span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><i><span style="color: red;">Ay Jalisco no te rajes </span></i><span style="color: #274e13;">presentaremos una semblanza de José del Carmen Domínguez Saldívar, más conocido como </span><span style="color: red;">Pepe Domínguez.</span><span style="color: #274e13;"> Alberto Ramírez Martínez, colaborador del programa en la ciudad de Guadalajara, platicó con el investigador musical yucateco Luis Pérez Sabido. José del Carmen Domínguez Saldívar, mejor conocido como Pepe Domínguez, fue un compositor, poeta y músico nacido el 16 de julio de 1900 en Dzidzantún, Yucatán. En 1918 se desempeñó como maestro rural y al mismo tiempo comenzó a componer. Su primera canción fue "Flores muertas" y su primer maestro de guitarra don Manuel Náhuat Gómez, antes había tenido estudios de violín y clavicordio por lo que le fue fácil asimilar la enseñanza de guitarra y empezó a formar grupos troveros con otros aficionados del pueblo. Le siguieron otras canciones entre las que destacan “Aires del Mayab" y "Granito de Sal", ambas en coautoría con Carlos Duarte Moreno; "Pájaro Azul" escrita en colaboración con Manuel Alonso Díaz Massa; "Beso Asesino". tan solo por mencionar algunas. En 1918 formó dueto primero con Ernesto Paredes y posteriormente con Felipe Castillo. En 1927 formó el Quinteto Mérida del cual fue su director. Viajó a La Habana, Cuba, con la compañía de Celia Montalván debutando en ese año en el Cine-Teatro Payret. Fue locutor de la radiodifusora XEZ-AM en la ciudad de Puebla. En el año 1934 se inauguró en Mérida esa estación radiodifusora y Pepe Domínguez fue invitado a tomar parte del elenco artístico, recibiendo posteriormente el cargo de Director Artístico de dicha estación, alterno con locutores como Arturo de Córdova.Pepe Domínguez murió en La Habana, Cuba, el 11 de enero de 1950. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1g0poptVurIr0FyAF7AaSbruilB80bs1yBlFUjOj5o2Kv45ijQuR3onv2ClyUYbdYD3iJXczgmnBSSpe7C6dtn0agaGAbwDQb3vHidr4H5rc-upnThtiKW4zn2FWNZqjVD7ZCPrC4hxo/s1600/1554560341-pastor-lopez.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1g0poptVurIr0FyAF7AaSbruilB80bs1yBlFUjOj5o2Kv45ijQuR3onv2ClyUYbdYD3iJXczgmnBSSpe7C6dtn0agaGAbwDQb3vHidr4H5rc-upnThtiKW4zn2FWNZqjVD7ZCPrC4hxo/s320/1554560341-pastor-lopez.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">El pasado viernes 5 de abril, falleció el cantante colombo-venezolano Pastor López murió en la Clínica Norte en la ciudad de Cúcuta, Colombia, según confirmó el centro médico. Tenía 74 años. Este viernes escucharemos su música en la sección La cadena del recuerdo. Pastor López, conocido como ‘El Indio López’ nació en Barquisimeto, estado Lara, en Venezuela, el 15 de junio de 1944. Es conocido en varios países de América Latina por ser intérprete de música tropical, como cumbias, vallenatos, porros y además por su “dulce voz de tenor”, y su música marcó a toda una generación. Pastor López tuvo una trayectoria de más de 40 años en la música, su catálogo musical cuenta más de 50 álbumes, y durante su carrera artística agotó la boletería en muchos países. La música de López, así como otros grupos como Los Melódicos y Nelson Henríquez, son muy populares durante las épocas navideñas en países como Colombia y Venezuela, y algunos medios lo han catalogado como “El Rey de la fiesta decembrina” o “El rey de la cumbia”. El artista era reconocido por canciones como "Traicionera", "Lloró mi corazón", "golpe con golpe", "Solo un cigarro" y "Fue por una cerveza", así como por haber hecho parte de orquestas como las de Aníbal Velásquez, Los Mayorales y el Combo de Emir Boscán, este último cantautor venezolano fallecido en 2013. Su última presentación fue el pasado 5 de marzo en Ciudad de Guatemala, dijo a periodistas su empresaria, Sheril González. En diciembre pasado, en una entrevista con la emisora RCN Radio, López afirmó que su música representa la identidad de los latinos y valoró que en varios países lo han "adoptado" como ciudadano. "En Barquisimeto nací, ha sido muy bonito ver que tantos países me han adoptado como suyo, especialmente Colombia que en tantas ciudades y rincones todavía piden las canciones hasta que me hacen salir lágrimas", manifestó.</span></div>
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<span style="color: magenta;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes </span><span style="color: red;">24 de MAYO de 2019</span><span style="color: magenta;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-10698342205823184052019-05-13T22:50:00.003-05:002019-05-13T22:50:31.199-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 17 DE MAYO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 17 DE MAYO DE 2019</span></div>
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<span style="color: red;">* Se cumplen 100 años del natalicio del zacatecano Antonio Aguilar</span></div>
<span style="color: red;">* Conoceremos la obra de un compositor con toque sonorense: Silvestre Rodríguez</span><br />
<span style="color: red;">* Hace 31 años murió Chucho Martínez Gil. Hace 64 años murió Andrés E. Blanco. Juanito Arvizu nació hace 119 años. Lucha Reyes nació hace 113 años y Miguel Cáceres nació hace 125 años </span><br />
<span style="color: red;">* En La cadena del recuerdo, la cantante chilena de Silvia Infantas; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, segunda parte de semblanza de Tata Nacho en una entrevista con su hija menor</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_z9GJ1tJD2aPYksgd1pQnPjHqSB5ZirriEIpVO4Guf5xIpQ3w3i5Acs_Y551puKI-9XB7aiplgWAilm8akVcxYckknFeGcZvIeK2HTIGu_JCGi6Pp0KikjhONK1d1m13Zi1iZ2LOcxq0/s1600/Tony+Aguilar-vertical.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1007" data-original-width="596" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_z9GJ1tJD2aPYksgd1pQnPjHqSB5ZirriEIpVO4Guf5xIpQ3w3i5Acs_Y551puKI-9XB7aiplgWAilm8akVcxYckknFeGcZvIeK2HTIGu_JCGi6Pp0KikjhONK1d1m13Zi1iZ2LOcxq0/s320/Tony+Aguilar-vertical.jpg" width="189" /></a></div>
<span style="color: red;">1.</span><span style="color: #274e13;"> Este 17 de mayo de 2019 se cumplen los 100 años del nacimiento de </span><span style="color: red;">Antonio <i>Tony </i>Aguilar</span><span style="color: #274e13;">, quien nació en Villanueva, Zacatecas. José Pascual Antonio Aguilar Márquez Barraza, mejor conocido como Tony o Antonio Aguilar es considerado una leyenda de la música popular mexicana. En su infancia vivió en una hacienda de Tayahua, adquirida por sus ancestros a principios del siglo XIX. Su madre cantaba en una iglesia en Villanueva, y es ella a quien atribuye Antonio su vocación por el canto. Mariano, un tío de Antonio, intentó pagarle la carrera de aviación en Nueva York, pero éste le retiró su apoyo al enterarse que cambió su carrera por una beca para cantantes en La Gran Manzana (Nueva York). Fue a Hollywood para estudiar canto de 1940 a 1941 y cuando empezó a trabajar en Tijuana ganaba a la semana 12 dólares. Regresó a la Ciudad de México en 1945 y, desde entonces siguió estudiando canto, de tal manera que podía interpretar lo mismo canciones del género popular que operístico. Al principio empezó cantando boleros, pero después se cambió al traje de charro cuando estando en Puerto Rico el músico y compositor Rafael Hernández Marín le sugirió que cantara la música vernácula ranchera, pues su tono de voz se prestaba a ese estilo de música. Recibió del Bachiller Álvaro Gálvez la oportunidad de cantar en la XEW en julio de 1950, y a partir de ahí empezó a despuntar como estrella. Antonio Aguilar y la famosa cantante Guillermina Jiménez «Flor Silvestre», su segunda esposa, se conocieron por primera vez en 1950 cuando él cantaba en “Increíble pero cierto”, un programa radiofónico de Flor Silvestre en la XEW. En ese programa, Flor cantaba rancheras y Antonio cantaba boleros, arias de ópera o canciones de María Grever. No se enamoraron en ese momento. Aguilar conoció a su primera esposa, la bailarina y actriz Otilia Larrañaga Villarreal en la emisora XEW-TV en 1952. Se divorciaron algunos años después. La relación sentimental entre Flor y Antonio inició durante el rodaje de la película La rebelión de la sierra en 1957. Se casaron por el civil en 1959, y en 1960 nació el primogénito, el cantante y actor Antonio Aguilar, hijo. El segundo hijo, el cantante y actor Pepe Aguilar, nació en 1968. Josefina Aguilar, la hermana de Antonio, es madre de la cantante Guadalupe Pineda. Antonio Aguilar murió el 19 de junio de 2007.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmG3FNXMUCk0qdwT3mUCH9ulUzj4zBlNauCpNscZZsDC7Tv6cNtU0Sowr900jWJuS9PgxKAqvS_4ereHsyF-UuxHmRQihSgQM2s0YZ79cjkL2ccOiCnY6ncoQPEOnHAzHYqATvHFVlPVg/s1600/silvestre+rodriguez.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="792" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmG3FNXMUCk0qdwT3mUCH9ulUzj4zBlNauCpNscZZsDC7Tv6cNtU0Sowr900jWJuS9PgxKAqvS_4ereHsyF-UuxHmRQihSgQM2s0YZ79cjkL2ccOiCnY6ncoQPEOnHAzHYqATvHFVlPVg/s320/silvestre+rodriguez.jpg" width="264" /></a></div>
<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">Desde Sonora, este viernes escucharemos una serie de temas musicales del compositor </span><span style="color: red;">Silvestre Rodríguez</span><span style="color: #274e13;">. No era oriundo de Sonora, pero su música es netamente sonorense, con el sello sonorense y compuesta en la entidad. Escribe Ángel Encinas Blanco: “…y quien no lo crea, nada más que escuche esa chulada de jacarandosa alegría que es La Pilareña, que bien pudiera tomarse como la bandera revolucionaria en Sonora, como lo fue La Adelita en la República entera”. Agrega el escritor “y si ello no basta, está El Costeño, que bien puede definir y catalogar a su autor como sonorense hasta las cachas”. No digamos ya otras obras de la fecunda inspiración de don Silvestre, entre las cuales se encuentran los hermosísimos valses: “Suspiros y lágrimas”, “Tu mirada”, “Soñando despierto”, “Amor del alma”, “Linda Morena”, “Celina”, “Vida de Ensueño”, “Amigos alegres”, “Mañana”, “Teresita”, “Alborada”, “Trinidad”, “Flores y Espinas”; los fox “Retorno al Hogar”, “El Yaqui”, “El Serrano”, “A Mi Primer Amor” y “La danza Tuya”. Nacido en Sahuayo, Michoacán el 23 de diciembre de 1877, de pequeño se trasladó con su familia a Colima en donde estudió, habiendo tenido como primer maestro de Música al padre Gabriel que también era profesor. En 1893 formando parte de la orquesta colimense que dirigía Juan Nava, fue a Baja California, a La Paz, donde fue contratado por seis meses. En 1895 fue a Sonora radicándose en Guaymas, en donde a los nueve días de su arribo fue contratado por Ambrosio Venegas para realizar una gira por el sur del Estado. Encontrándose en La Colorada, fue contratado por el Circo Atayde y visitó Hermosillo, Magdalena, Nogales y otras poblaciones del sur de los Estados Unidos, terminando por radicar en Nogales, Sonora, aunque visitando periódicamente ciudades americanas en giras artísticas. Casó con Delfina León y se radicó definitivamente en Nacozari, en donde encontró la muerte el 31 de marzo de 1955. Don Silvestre realizó su primera composición a la tierna edad de diez años y su música toda es de corte romántico. (Con datos tomados de https://www.historiadehermosillo.com/htdocs/anecdotario/menuf.htm).</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4kHIZDWqGJpG2OInfWlMRItAO5lUv4kQvDUcnilQNLnXTlBzAnecgw89_VTIXtOGh2gMJm5NIpG0nPLDF1C6tVK5NglfOBc8MGiVpX-hMNo8GBic8RNEt7A_zT_n00sQ0mhcbrXCZtWs/s1600/chucho+martinez+gil-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="953" data-original-width="713" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4kHIZDWqGJpG2OInfWlMRItAO5lUv4kQvDUcnilQNLnXTlBzAnecgw89_VTIXtOGh2gMJm5NIpG0nPLDF1C6tVK5NglfOBc8MGiVpX-hMNo8GBic8RNEt7A_zT_n00sQ0mhcbrXCZtWs/s320/chucho+martinez+gil-sello.jpg" width="239" /></a></div>
<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes presentaremos algunas grabaciones en la voz del cantante </span><span style="color: red;">Jesús Bojalil Gil</span><span style="color: #274e13;">, más conocido como </span><span style="color: red;"><i>Chucho </i>Martínez Gil,</span><span style="color: #274e13;"> quien nació el 19 de diciembre de 1917 en Puebla, Puebla y falleció el 22 de mayo de 1988. Hijo de Felipe Bojalil y Carmen Gil de Bojalil. Radicó en Misantla y en Jalapa, Veracruz durante su infancia. Después vivió en Centro y Sudamérica, y en Cuba y Puerto Rico. Su carrera artística la inició en una gira por la República Mexicana con el maestro Gonzalo Curiel en 1934. Su primera obra musical fue el vals “Ensoñación”. La obra con la que obtuvo mayores satisfacciones fue “Dos arbolitos”, porque la grabaron en diferentes países artistas muy famosos. A la fecha es una canción que se sigue grabando y escuchando. Poseedor de una gran voz y magnífico dominio de la misma, fue reconocido como cantante admirable. Resulta que, en primero de secundaria, su maestro de canto lo reprobó y le dijo que ni se le ocurriera dedicarse al canto. Otra anécdota refiere que a la edad de once años compuso su primera canción, que fue un tango, pues era admirador de Carlos Gardel. Entusiasmado le comentó a su padre acerca de su composición y la cantó. Sólo pudo interpretar las primeras frases porque su papá lo regañó y le prohibió volver a cantarlo. El título de aquel tanto era “Tenuidad” y comenzaba diciendo: Tenuidad quieren los hombres, buscan mujercitas nuevas…</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7w3DRDb-Tib36m-skAL-yFR98ACB7invpLoTr9jYPHXzlTj9RMb7TUprm9c2vNNOKwE5paX90P6vBBK-r7KYsMbyyYqepPWFTd4sqicqajCzMP3D4SBrEpiE_TfGa8i-12KT_nt_BqeQ/s1600/andres+eloy+blanco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="475" data-original-width="847" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7w3DRDb-Tib36m-skAL-yFR98ACB7invpLoTr9jYPHXzlTj9RMb7TUprm9c2vNNOKwE5paX90P6vBBK-r7KYsMbyyYqepPWFTd4sqicqajCzMP3D4SBrEpiE_TfGa8i-12KT_nt_BqeQ/s320/andres+eloy+blanco.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;"><br /></span>
<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">El 21 de mayo de 1955 falleció el abogado, escritor, humorista, político y emblema de la poesía venezolana, </span><span style="color: red;">Andrés Eloy Blanco,</span><span style="color: #274e13;"> quien nació el 6 de agosto de 1897 en Cumaná, estado Sucre. Su infancia transcurrió en la Isla de Margarita, hasta que se mudó a Caracas en 1908 para estudiar en el Colegio Nacional. Luego ingresó a la Universidad Central de Venezuela, donde cursó la carrera de Derecho y se graduó en 1919. En 1928 formó parte del grupo de estudiantes universitarios que se alzaron en contra de la dictadura del general Juan Vicente Gómez, enmarcada en la denominada “Generación del 28”. Cabe destacar que Eloy Blanco fue miembro fundador del partido Acción Democrática (AD). Luego pasó a ser presidente de la Asamblea Nacional Constituyente (1946-1947), para después desempeñarse como ministro de Relaciones Exteriores en el Gobierno de Rómulo Gallegos. Cuando se graduó en Derecho, ya había publicado sus primeros versos. Pero su gran salto a este arte fue cuando obtuvo el primer premio en los Juegos Florales de Santander (Cantabria), España, con su poema "Canto a España". Más tarde en 1924 fue nombrado miembro de la Real Academia Sevillana de Buenas Letras. En su extensa gama de poemas también figuran: "Coloquio bajo la palma", y la emblemática "Píntame Angelitos Negros", entre otros versos. "Si sabes pintar tu tierra, oye, tu tierra, si has de pintar tu cielo como el sol que tuesta blancos, como el sol que suda negros, aunque la Virgen sea blanca, píntame angelitos negros", Andrés Eloy Blanco. Luego de exiliarse en México por varios años y entregarse por completo a sus obras, en 1955 perdió la vida en un accidente de tránsito. El 6 de junio de ese año sus restos fueron trasladados a Caracas para su sepelio, realizado entre estrictas medidas de seguridad.</span></div>
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<span style="color: #274e13;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiikcryBv-BPN_MbNmgotOn4nCnBXRoxKK5E9YeqCvZP48S-HEhyB1coiYSXr3ApJ0IcqcpNHh600p3TWzvJ5t0gvtGGNnSAAn2hgoW6ZWZLYJ19UE0KPbILfYiopaYwjcy-OfmqXlqv5Y/s1600/juanito-arvizu-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="889" data-original-width="718" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiikcryBv-BPN_MbNmgotOn4nCnBXRoxKK5E9YeqCvZP48S-HEhyB1coiYSXr3ApJ0IcqcpNHh600p3TWzvJ5t0gvtGGNnSAAn2hgoW6ZWZLYJ19UE0KPbILfYiopaYwjcy-OfmqXlqv5Y/s320/juanito-arvizu-sello.jpg" width="258" /></a></div>
<span style="color: red;">5. Juan Nepomuceno Arvizu Santelices</span><span style="color: #274e13;"> nació en Querétaro, el 22 de mayo de 1900 y murió en la Ciudad de México, el 19 de noviembre de 1985. Juan Arvizu, bautizado como El Tenor de la Voz de Seda fue uno de los principales tenores líricos de los años treinta y cuarenta y uno de los mayores logros de Juan Arvizu fue el de descubrir a unos de los más grandes compositores de México, Agustín Lara. Durante las décadas de los veinte y treinta, el tango era muy popular en México y Arvizu estrenó muchas de esas canciones en la revista musical de Pepe Campillo. En una de esas actuaciones, el célebre cantante contrató, para que lo acompañara, a un desconocido y bohemio pianista que trabajaba en el mundano Café Salambó. Aquel pianista, con sus canciones arrabaleras, sensuales y sentimentales, conmovió al ya famoso Arvizu, quién, virtualmente, lo lanzó a la fama. Aquel personaje fue Agustín Lara. Al inicio Agustín Lara era tanguista, pero sus obras carecían del acompañamiento suntuoso de las orquestas tangueras así que sus obras se clasificaban dentro del género de «canción criolla». Las actuaciones del dúo Lara-Arvizu en la XEW fueron casi míticas. De hecho y debido a su popularidad, en 1930, la emisora XEW invitó a Juan Arvizu a inaugurar su primera transmisión radial. No sería esta la única vez que el Tenor de la Voz de Seda tuviera semejante reconocimiento ya que en Sudamérica también inauguró algunas emisoras de radio. Este viernes presentaremos algunas de sus grabaciones.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQZP1V-lPbUCyGtSlWuyn1kF4lcZIQSEXNpWQp7IGp7qhJtV9dO75Ffaqg5uz1vGtum4kpEb7-y9dn3Twnt-llx-WyYpfm9dKdzwptkN0PXhnU6Ckd5gwcI2vntLBFtgIIS8Fz14dEduI/s1600/valente+y+caceres.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="383" data-original-width="470" height="260" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQZP1V-lPbUCyGtSlWuyn1kF4lcZIQSEXNpWQp7IGp7qhJtV9dO75Ffaqg5uz1vGtum4kpEb7-y9dn3Twnt-llx-WyYpfm9dKdzwptkN0PXhnU6Ckd5gwcI2vntLBFtgIIS8Fz14dEduI/s320/valente+y+caceres.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;">6. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;">Rinconcito Arrabalero</span><span style="color: #274e13;"> disfrutaremos de las interpretaciones de algunos duetos que hizo el cantante argentino </span><span style="color: red;">Miguel Cáceres</span><span style="color: #274e13;">, quien nació, el 21 de mayo de 1894, hace 125 años, en San Juan, provincia de Cuyo, Mendoza, Argentina. Fue pionero de la radio argentina con los guitarristas y cantantes Gregorio Ayala y Agustín Cornejo. Viajó por Chile, Perú, Ecuador, Colombia (1929 con Cornejo y Ayala) y Puerto Rico. En Estados Unidos conoció a Luis Valente uniéndose en dueto para grabar para la RCA Víctor. Allí se casó con María Betancur, poetisa colombiana, cuyo nombre artístico era Sonia Dimitrowna y regresó a su natal Argentina por la primera mitad de la década del 40, no volvió a grabar y allí murió el 21 de enero de 1977 de 83 años. Con Luis Valente hizo aproximadamente 114 grabaciones como dueto Valente y Cáceres. Fue tan intensa la actividad del dueto que los directores de la RCA Víctor Internacional consideraron importante que ellos grabaran un repertorio abundantísimo, del cual mucha parte, por desgracia, se ha perdido en lo que corresponde a sus matrices originales. Valente y Cáceres fue un dueto que apasionara a diversos países como Colombia con sus melodías sentimentales, en los años treinta y hasta inicios de los años cuarenta, cuando dejaron de venir sus discos desde Nueva York. Su última grabación como dueto fue el pasillo “Hora fatal”, el 23 de diciembre de 1940. Se separaron para no volverse a ver jamás. Sonia Dimitrowna es la autora de muchas de las canciones que cantan Valente y Cáceres.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVbO_3vK2zcCQQCoK6ZKJMciWcCQmmDT6MrpjTYEOVvB5Ccg9vgF1cWfFl3ykgev0u8mZjrVY4EB-_3vGCGNOgdZysMpeIhrS5k-bQqj3RWTsKim0J-2BRcJPGNZQDgxda1A57rALPAIk/s1600/lucha+reyes.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1430" data-original-width="1430" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVbO_3vK2zcCQQCoK6ZKJMciWcCQmmDT6MrpjTYEOVvB5Ccg9vgF1cWfFl3ykgev0u8mZjrVY4EB-_3vGCGNOgdZysMpeIhrS5k-bQqj3RWTsKim0J-2BRcJPGNZQDgxda1A57rALPAIk/s320/lucha+reyes.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: red;">7. </span><span style="color: #274e13;">Hace 113 años, el 23 de mayo de 1906 nació en Guadalajara, la cantante </span><span style="color: red;">Lucha Reyes</span><span style="color: #274e13;">. María de la Luz Flores Aceves adoptó el apellido Reyes del primer esposo de su madre. A los cinco años de edad se trasladó a la ciudad de México. Ocho años más tarde debutó como cantante y actriz cómica en una carpa de la plazuela de San Sebastián. En 1920 viajó a Los Ángeles, California, como parte de un grupo de música tradicional mexicana; en esa ciudad consiguió pagarse algunas clases privadas de canto. De regreso en la ciudad de México, en 1923 integró el trío Reyes Ascencio, con las hermanas Sara y Ofelia Ascencio, el cual actuaba en los teatros Iris y Lírico. A fines de 1927 viajó a Europa como cantante solista de la Orquesta Típica Torreblanca. El viaje habría de fracasar, pues la crisis económica mundial desatada poco después, mermó el triunfo que esperaba el conjunto. Para salvarse, la Típica se fragmentó en dos partes y siguió sus actuaciones para reunir fondos y regresar a México. El grupo con el que quedó Lucha Reyes se presentó con cierto éxito en Alemania, Francia, España y Suiza hasta 1930. De nuevo en la ciudad de México, se dedicó a grabar canción ranchera, de la cual se considera una de sus grandes intérpretes. A fines de 1930 regresó a Los Ángeles, contratada por Frank Fouce. Esa gira marcó el punto culminante de su carrera. No obstante, regresó a la ciudad de México para grabar varias canciones, entre ellas La feria de las flores de Chucho Monge y Guadalajara de Pepe Guízar. En 1939, en compañía del Mariachi San Pedro Tlaquepaque de Gilberto Parra, hizo una última, larga gira, por el norte de la República Mexicana y el sur de EU. En 1941 regresó a la ciudad de México, donde numerosas dificultades económicas y desventuras amorosas la orillaron al alcoholismo. Poco después se suicidó. (Con datos de Gabriel Pareyón).</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrYSRwkl-cPkw4Qkx-wt0pPo9HM-KrLz6PYESBbObqiZjXUtBKPJx6cALPwny_i8YLmBHPQKdNv09ZJS9oSf17dPKova4jTLDH0Ufka5fwWXxm6rOf-glJ_LbF6Pl0_wx_W0GFjqpMqyo/s1600/tata+nacho.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="541" data-original-width="339" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrYSRwkl-cPkw4Qkx-wt0pPo9HM-KrLz6PYESBbObqiZjXUtBKPJx6cALPwny_i8YLmBHPQKdNv09ZJS9oSf17dPKova4jTLDH0Ufka5fwWXxm6rOf-glJ_LbF6Pl0_wx_W0GFjqpMqyo/s320/tata+nacho.jpg" width="200" /></a></div>
<span style="color: #274e13;"><br /></span>
<span style="color: #274e13;"><span style="color: red;">8. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes </i></span><span style="color: #274e13;">presentaremos la segunda parte de la semblanza de </span><span style="color: red;">Ignacio Fernández Esperón, <i>Tata Nacho</i></span><span style="color: #274e13;">. Alberto Ramírez Martínez, colaborador del programa en la ciudad de Guadalajara, platicó con la hija menor del compositor, Malú Fernández González. En 1927, el Teatro Lírico que era uno de los más representativos de la época, donde concurrían los mejores exponentes de la música tradicional mexicana, convocó a un concurso de la canción ranchera, y Tata Nacho obtuvo el segundo lugar con su tema "Menudita", compuesta para su segunda esposa señora María del Refugio González. Durante su estancia en Francia, Tata Nacho fue miembro de la Asociación de Autores y Compositores de ese país y fue ahí donde aprendió el funcionamiento de la sociedad autoral y a su regreso a México, junto con Alfonso Esparza Oteo y Mario Talavera, formaron el Sindicato de Autores, Compositores y Editores de México. El 3 de mayo de 1937, Tata Nacho debutó en la XEW, patrocinado por la Cervecería Modelo, y muy pronto sus canciones se difundieron y trascendieron. En 1946 inicio su trasmisión del programa "Así es mi Tierra" del cual fue su conductor en la misma estación de radio. En 1940 Fernández Esperón formó su famosa Rondalla, con la que interpretó sus canciones, también fundó junto con Alfonso Esparza Oteo y Mario Talavera el Trío Veneno, al agregarse, el trío cambió su nombre por "Los Cuatro Ases de la Canción". Ignacio Fernández Esperón falleció en el Hospital inglés de la Ciudad de México, el 6 de junio de 1968.</span></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIyNJ5jIyGFAjbQRob0XTmEixlNZfwfVOkmadhvdHRjgp_EypRFUl48MHGAIVifaaZ0v34phWzs08n_VpQVHRXTWRRG_cxC4elrSPy3WklMbKFphTicHeAgtMaktUmJhH517DTdJO1rYo/s1600/silviainfantas.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="422" data-original-width="318" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIyNJ5jIyGFAjbQRob0XTmEixlNZfwfVOkmadhvdHRjgp_EypRFUl48MHGAIVifaaZ0v34phWzs08n_VpQVHRXTWRRG_cxC4elrSPy3WklMbKFphTicHeAgtMaktUmJhH517DTdJO1rYo/s320/silviainfantas.jpg" width="241" /></a></div>
<span style="color: red;">9. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>La cadena del recuerdo</i></span><span style="color: #274e13;">, Raúl Pinto Zúñiga del programa “Con raíces de América”, de la emisora Radio Nueva Belén, de Puerto Montt, Chile, nos presentará una semblanza de </span><span style="color: red;">Silvia Infantas</span><span style="color: #274e13;">, que es considerada la última gran figura de la música folclórica típica que imperó en Chile por más de cuatro décadas. Silvia Infantas y los Baqueanos y Silvia Infantas y los Cóndores fueron los grupos que la cantante encabezó en los cincuentas y sesentas con canciones como el vals ‘‘La batelera’’ y la universal canción de Vicente Bianchi y Pablo Neruda ‘‘Tonadas de Manuel Rodríguez’’. Aunque Sylvia (con y en el nombre original) Elvira Infantas Soto nació en Santiago, fue en el puerto donde vivió su niñez, en el barrio El Almendral de Valparaíso. ‘‘Nací accidentalmente en Santiago, pero toda mi familia vivía en Valparaíso. Siempre digo que soy porteña porque me crié hasta los catorce años allá’’, explica. Su padre fue el cantante de ópera y autor Jorge Infantas (1898-1968) y su hermano, también músico, actuó con el compositor Luis Bahamonde, autor de la tonada ‘‘Fiesta linda’’ y también porteño. La revista ‘‘Radiomanía’’ la eligió entre ‘‘los mejores del año 1943’’ como ‘‘cantante melódica’’, junto a Ester Soré como ‘‘cancionista’’, Maruja Cifuentes como actriz teatral y Nicanor Molinarecomo folclorista. También fue escogida entre ‘‘los cinco mejores números del año’’ con Sonia y Myriam, Los Huasos Quincheros y el Trío Melódico de Donato Román Heitman. (Con información de David Ponce y http://www.musicapopular.cl).</span></div>
<br />
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este </span><span style="color: red;">viernes 17 de MAYO de 2019 </span><span style="color: blue;">en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
<br />Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-449443320325279411.post-75536659648816533322019-05-06T21:36:00.001-05:002019-05-06T21:36:27.413-05:00MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 10 DE MAYO DE 2019<div style="text-align: center;">
<span style="color: blue;">MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 10 DE MAYO DE 2019</span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="color: red;">* Desde hace 97 se celebra en México el Día de la Madre, a instancias del diario Excélsior</span></div>
<span style="color: red;">* En Venezuela, murió a la edad de 102 años, Juan Vicente Torrealba</span><br />
<span style="color: red;">* En La cadena del recuerdo, escucharemos una semblanza del maestro Torrealba; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, </span><br />
<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzVsbiM2yA6kxE7nczjD3We9zeZD_YSHlsDdSPgST76oFR8FZt8ikQjvYZmkhSysRBLzijMgnPwhLx7XqN8a_UExZiurpjwxEKcvUKN8xuMy2JxgoCE4fPdWqH5MVfyFcmTQ2jig0WftY/s1600/Dia+de+la+madre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="497" data-original-width="735" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzVsbiM2yA6kxE7nczjD3We9zeZD_YSHlsDdSPgST76oFR8FZt8ikQjvYZmkhSysRBLzijMgnPwhLx7XqN8a_UExZiurpjwxEKcvUKN8xuMy2JxgoCE4fPdWqH5MVfyFcmTQ2jig0WftY/s320/Dia+de+la+madre.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: red;">1. </span><span style="color: #274e13;">Este viernes 10 de mayo se celebra en México el </span><span style="color: red;">Día de la Madre</span><span style="color: #274e13;">, por lo que hemos seleccionado una gran cantidad de canciones dedicadas a este ser en voces variadas de muchos intérpretes. Sin duda en todos los géneros podemos encontrar infinidad de temas musicales dedicados a las madres. En México el Día de la Madre se celebra anualmente el 10 de mayo, sin ajustarse a días de la semana como otros países. Este día se habría festejado por primera vez en 1911, pero no fue hasta 1922 cuando se habría institucionalizado por iniciativa del director del periódico Excélsior Rafael Alducín, probablemente influenciado por el Secretario de Educación José Vasconcelos, aunque se sugiere que «esta iniciativa fue en realidad una reacción a un movimiento feminista» yucateco. Alducin argumentó que Estados Unidos tenía más de una década de haber asignado el segundo domingo de mayo para celebrar a las madres, mientras que México no. Así fue como los lectores leyeron el exhorto de Alducin: “Excélsior lanza la idea de que se consagre la fecha mencionada (10 de mayo) de una manera especial para rendir un homenaje de afecto y respeto a la madre; y pide la colaboración de sus colegas y del público para realizar ese elevado propósito”. El Periódico de la Vida Nacional, incluso, publicó el 1 de mayo recomendaciones para regalar a las madres. La convocatoria recibió el apoyo de los lectores, que escribieron decenas de cartas para mostrar su aceptación; el mismo presidente Álvaro Obregón y el secretario de Educación, José Vasconcelos, quedaron complacidos con esta propuesta. Luego de una intensa campaña de 27 días para la primera celebración, el miércoles 10 de mayo de 1922 nació con gran éxito esta festividad. La celebración incluye el apoyo de distintos entes estatales, incluyendo además cierta connotación religiosa al vincularse con homenajes a la Virgen de Guadalupe en algunos poblados. Incluso El papa Pío XI dio su respaldo al fundador de esta publicación, Rafael Alducin, promotor de la idea, en un encuentro que tuvieron en Roma en 1923.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVXb8GyypvqP9BuC32PtdjEJEpru5dsDzCX_9p8G6VzONNBKAUbmUtt_Fm-7tIQjEej6egW6ALNcKvQZUsIF6PggT2vfbd4la9pa5sfWl4HFUYq_isikBa4I8Ej-TRiB6w9ST3Kp6rBhY/s1600/Pulido-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="801" data-original-width="496" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVXb8GyypvqP9BuC32PtdjEJEpru5dsDzCX_9p8G6VzONNBKAUbmUtt_Fm-7tIQjEej6egW6ALNcKvQZUsIF6PggT2vfbd4la9pa5sfWl4HFUYq_isikBa4I8Ej-TRiB6w9ST3Kp6rBhY/s320/Pulido-sello.jpg" width="198" /></a></div>
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<span style="color: red;">2. </span><span style="color: #274e13;">El cantante español </span><span style="color: red;">Juan Pulido</span><span style="color: #274e13;"> fue uno de los intérpretes que le cantó varios temas a la madre, por ejemplo, este viernes escucharemos algunos: “Madre mía”, “Madrecita mía” y “Su mama tuvo la culpa”. Juan Pulido Rodríguez nació en Las Palmas de Gran Canaria el 18 de junio de 1891 en un ambiente familiar propio de la época. Murió el 22 de noviembre de 1972. Pulido Desde muy joven él y sus hermanos sintieron vocación hacia todo lo artístico. Sus estudios musicales comenzaron en su ciudad natal en la Academia de la Sociedad Filarmónica con el maestro Bernardino Valle. Los últimos conciertos de Juan Pulido en Las Palmas de Gran Canaria antes de marcharse para América se celebraron en el Teatro Circo del Puerto junto a Micaela Rodríguez, Isidro Brito, Juan Arencibia y Federico Quevedo en la noche del 30 de octubre de 1920, y fueron organizados por la sociedad Los Doce y la sociedad de Arte del Teatro 1º de Mayo. Juan Pulido abandona Las Palmas de Gran Canaria a finales de 1920 y, como muchos canarios, pone rumbo a Cuba en busca de mejoras. Allí se establece como empleado en una casa comercial de La Habana, trabajo que alterna con sus estudios musicales en la capital caribeña. Después de Cuba, Juan Pulido se establece en Nueva York y alterna su trabajo en una empresa como contable con su oficio de cantante. A las pocas semanas de llegar se presenta como cantante en el teatro Rialto de la capital neoyorkina el 7 de octubre de 1923, obteniendo un gran éxito entre la colonia hispana residente allí. De esta época son sus primeras grabaciones para la casa discográfica Columbia, entre las que destacan las canciones O sole mio y Maria Mari, a dúo con Pilar Arcos. Luego, en 1923 es contratado para cantar en Tampa, Florida, donde canta con Hipólito Lazaro. De regreso a Nueva York continuó representando zarzuelas y operetas vienesas traducidas al castellano y repite Marina, esta vez con Rodolfo Hoyos, Carlos Mejía y Margarita Cueto. (Con datos de Isidoro Santana Gil en el artículo “Juan pulido y Dalia Íñiguez en la vida y en el arte a ambos lados del atlántico”. Foto del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España. Subdirección General de Coordinación Bibliotecaria, 2015).</span></div>
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<span style="color: red;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigWhH38Dp8ZH3zbKqDXPuUDtHGeXC43bsk65IGDgUXWxARaBzwxN_pP1HiSYzZanHR1PhO9mH_M5xoOMNRFCo0Btjg-AMDf3_gSXKm2yWVVh3jAplnspv2mwzg_m6mABU3-X-lxLdajdI/s1600/2+DuetoAmerica.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="494" data-original-width="417" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigWhH38Dp8ZH3zbKqDXPuUDtHGeXC43bsk65IGDgUXWxARaBzwxN_pP1HiSYzZanHR1PhO9mH_M5xoOMNRFCo0Btjg-AMDf3_gSXKm2yWVVh3jAplnspv2mwzg_m6mABU3-X-lxLdajdI/s320/2+DuetoAmerica.jpg" width="270" /></a></div>
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<span style="color: red;">3. </span><span style="color: #274e13;">El aguascalentense </span><span style="color: red;">Dueto América</span><span style="color: #274e13;">, en el ámbito ranchero, también grabó muchas canciones dedicadas a la madre. Precisamente en el Rincón Norteño escucharemos a este dueto de música mexicana integrado por los hermanos Carolina y David González. Originarios de la ciudad de Aguascalientes. Disfrutaron de su mayor éxito a finales de la década de 1940. Asimismo, Carolina y su hermana Elvira fueron también integrantes de otro dúo llamado "Las Palomas", que compartieron un estilo similar al Dueto América. Este dueto no solamente cantó temas contemporáneos, también revivieron antiguos corridos que estaban prácticamente olvidados (con la ayuda de Fernando Z. Maldonado y Felipe Valdés, como compositores). Además de la magnífica combinación de sus voces, el Dueto América fue también destacado por su maravilloso acompañamiento de cuerdas y arpa hábilmente ejecutada por Jacinto Gatica. El Dueto América nos ha dejado una gran cantidad de grabaciones que afortunadamente se han arraigado en el gusto popular.</span></div>
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<span style="color: red;">4. </span><span style="color: #274e13;">El cantante de música tradicional venezolana J</span><span style="color: red;">uan Vicente Torrealba</span><span style="color: #274e13;"> falleció el pasado jueves 2 de mayo de 2019 a los 102 años de edad. Nació en Caracas el 20 de febrero de 1917. El arpista, que tenía una trayectoria de más de cincuenta años en la música llanera, recibió en 2014 un galardón en los premios Grammy a la Música Latina por su carrera artística concedido por el Consejo Directivo de la Academia Latina de la Grabación. Juan Vicente Torrealba destacaba como su mayor logro haber traído la música del llano para la ciudad y llevar al mundo entero la torrealbera, "con la que enaltecí la cultura venezolana", dijo alguna vez. Torrealba aseguró que nunca estuvo vinculado a la política, el país era más importante que cualquier otra cosa en la vida. "A mí siempre me ha preocupado lo que pasa en Venezuela. La madre es lo más importante en la vida, pero más importante que ella es la patria", comentó. El 3 de abril, Torrealba recibió un Doctorado Honoris Causa, de la Universidad Pedagógica Experimental Libertador (Upel) como reconocimiento a su trayectoria profesional y su aporte a la cultura nacional y por su legado al folklore venezolano. Fue reconocido como embajador de la cultura nacional, su aporte suma 300 composiciones musicales que forman parte del acervo musical de Venezuela. Entre sus canciones más conocidas están ‘Concierto en la llanura’ y ‘Madrugada llanera’. Fue profesor honorario de la Academia Militar de Venezuela con más de 45 condecoraciones nacionales e internacionales y el ministerio de Educación le confirió la “Orden Andrés Bello” en Primera Clase, máxima distinción del país. Y fue designado como una de las 100 personalidades latinoamericanas más destacadas del siglo XX. En 2017, Torrealba recibió de parte del presidente venezolano, Nicolás Maduro, la Orden Libertadores y Libertadoras de Venezuela en su primera clase y la de más alta distinción en el país caribeño. Maduro también le entregó la réplica de la espada del Libertador Simón Bolívar por la celebración de su cumpleaños número 100.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_ABHyUJeAyupK_mx4xt662LCG75AwMvRyS8NhWtbRa3TQgoGD8dLHuuT64kZjlV5PyFfSrCA2mgbcmom1KhWO5mPIDNIQlBI77yT4XM4a2u4C670Ab0v16aYd_Ecs9noGcglS2wUA0GQ/s1600/tata-nacho-sello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1049" data-original-width="798" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_ABHyUJeAyupK_mx4xt662LCG75AwMvRyS8NhWtbRa3TQgoGD8dLHuuT64kZjlV5PyFfSrCA2mgbcmom1KhWO5mPIDNIQlBI77yT4XM4a2u4C670Ab0v16aYd_Ecs9noGcglS2wUA0GQ/s320/tata-nacho-sello.jpg" width="243" /></a></div>
<span style="color: #274e13;"><span style="color: red;">5. </span><span style="color: #274e13;">En la sección </span><span style="color: red;"><i>Ay Jalisco no te rajes </i></span><span style="color: #274e13;">presentaremos un trabajo sobre la obra de </span><span style="color: red;">Ignacio Fernández Esperón, “Tata Nacho”</span><span style="color: #274e13;">. Alberto Ramírez Martínez, colaborador del programa en la ciudad de Guadalajara, platicó con la hija menor del compositor, Malú Fernández González. Ignacio Fernández Esperón nació en la Ciudad de México el 14 de febrero de 1894. El seudónimo de "Tata Nacho" viene de una ocasión en que jugando con sus amiguitos sufrió una terrible caída en su escuela y perdió la dentadura completa, mientras le preparaban una postiza, los demás niños se burlaban de él por el modo en que hablaba como anciano y le pusieron el apodo de “Tata Nacho”, sobrenombre que quedó para toda la vida. En 1913 se trasladó a Oaxaca para trabajar con unos tíos suyos. Regresó a la capital del país muy pronto, aunque durante muchos años haría viajes constantes a Oaxaca para visitar a su familia y recibir la influencia de la canción tradicional oaxaqueña. En ese mismo año 1913 escribió su primera canción, el vals cantado “Carlota. En 1914 compuso su segunda canción "Dime Ingrata". Poco después hizo estudios de piano con el maestro Salvador Ordóñez. Fue en 1915 cuando compuso dos de sus canciones más conocidas: "La borrachita" y "Adiós mi chaparrita". En 1919 a los 25 años viajó a Nueva York donde duró 7 años y estudió armonía e instrumentación con Edgar Varése. De regreso a la Ciudad de México, en 1925, fue empleado para la Secretaría de Educación Pública. Esta historia continuará la próxima semana en la parte número 2 de esta semblanza.</span></span></div>
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<span style="color: blue;">Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este </span><span style="color: red;">viernes 10 de MAYO de 2019</span><span style="color: blue;"> en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. </span></div>
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<span style="color: magenta;">* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.</span></div>
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Hasta que el cuepo aguante radiohttp://www.blogger.com/profile/11331663553418437894noreply@blogger.com0