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lunes, 13 de noviembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 17 DE NOVIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 17 DE NOVIEMBRE DE 2017
* Se cumplen 100 años del nacimiento de Pedro Infante y de Carlos Arturo Briz
* Además, las frescas voces de Lupe y Raúl. Tres canciones de arrabal de Agustín Lara. El tema costarricense “Vals de media noche”. Las Dos Marías, legendario dueto de antaño.  
* En la sección  Permítame un recuerdo, desde Cuba, semblanza del conjunto Casino. En la sección Una canción colombiana para el mundo, oiremos al Conjunto América y en la sección Ay Jalisco no te rajes: ¿Quién fue Salvador Toscano?

1. Pedro Infante, el llamado “Ídolo Inmortal”, nació hace 100 años, el 18 de noviembre de 1917. Falleció a los 39 años y dejó un acervo de más de 340 piezas musicales en diferentes géneros, así como 63 cintas filmadas. Se tiene previsto una serie de eventos conmemorativos con los que se recordará a la leyenda fílmica. Pedro Infante Cruz nació el 18 de noviembre de 1917 en Mazatlán, Sinaloa, aunque desde muy pequeño vivió en Guamúchil, poblado sinaloense que él consideraba su tierra natal. En su niñez aprendió de música y a tocar varios instrumentos, gracias a su padre Delfino Infante, un maestro de música, lo que despertó también su gusto por el canto; aunque ya en su juventud, por necesidad económica, aprendió el oficio de carpintero, gracias a lo que se ganaba el sustento. Ya en Culiacán, también en el estado de Sinaloa, combinaba su trabajo como carpintero, con el de cantante en algunas orquestas y en estaciones de radio locales. En 1939 decidió probar suerte como cantante en la capital de la República, donde no le fue nada difícil demostrar su talento. En sus primeras audiciones lo rechazaban por desafinado y “apocado”, aunque en realidad, le costaba trabajo superar los nervios de estar ante un micrófono ya de manera profesional. Su tesón por triunfar en la carrera artística, lo llevó a hacer a un lado su timidez y sus miedos y comenzar desde muy abajo en las estaciones de radio, en concursos de aficionados y con raquíticos contratos, que aceptaba, porque recién había contraído matrimonio con María Luisa León. Paso a paso, Pedro llegó a la actuación en cine, donde igual inició como extra en el filme En un burro, tres baturros (1939), hasta llegar a ser la figura mexicana más rentable y trascendental de la Época de Oro del cine nacional, un rey de la radio y de las ventas de discos. (Fuente: http://www.jornada.unam.mx).

2. Ya que hablamos de figuras que estarían cumpliendo 100 años de nacimiento en este año 2017, no podemos olvidar al compositor veracruzano Carlos Arturo Briz, quien nació el 23 de noviembre de 1917 en la ciudad de Tuxpan, Veracruz, y falleció el 10 de mayo de 1973. Arturo Briz fue el autor del bolero “Encadenados”. Lamentablemente hay poca información biográfica de ese compositor, algunos datos sueltos encontrados por internet también destacan que entre los bohemios que andan en los 70 años de edad, se recuerda que Carlos Arturo fue locutor en una radio difusora local en Tuxpan, Veracruz. Alguna vez el cantante Lucho Gatica dijo al periódico argentino La Nación que la canción “Encadenados” fue la única que hizo famoso a su autor, el mexicano Carlos Arturo Brito. Afirma también el cantante chileno, “un día estaba yo en el restaurante de Mario Moreno, Cantinflas, y un señor se me acerca y se presenta como el hijo de Carlos Arturo Briz. Tu padre hizo la canción más linda que he grabado en mi vida”, le dije yo. Este bolero fue grabado en 1955 por los tapatíos Hermanos Reyes y popularizado en 1956 por el chileno Lucho Gatica. Otras canciones de Arturo Briz son “Daño”, que cantaron Los Panchos, “Enemigos”, que grabaron los Hermanos Reyes, “Ni un poquito”, que cantaron los Dandys, entre otras. (Foto tomada de http://eldesvandelailusion.blogspot.mx).

3. Las frescas y siempre recordadas voces del dueto Lupe y Raúl serán escuchadas este viernes de nueva cuenta cuando interpreten en el escenario de Hasta que el Cuerpo Aguante temas musicales que hoy se han vuelto ya clásicos de la música de antaño. El dueto Lupe y Raúl estuvo conformado por Guadalupe Muñoz Viguri, nacida en 1927 y Raúl Piñera Salas, nacido en 1930. Según Federico Ortiz Moreno, los integrantes de éste magnífico dueto de corte romántico ranchero nacieron en Misantla, Veracruz. La pareja tuvo un tremendo éxito por el acoplamiento de voces y ese sentimiento tan especial que imprimían a sus canciones. Raúl, a pesar de ser invidente, no le impidió consolidarse como un gran cantante y excelente ejecutor de la guitarra. También se desempeñó como coautor de temas musicales. En 1949 fueron contratados por la emisora XEW, donde sus excelentes interpretaciones de los boleros de la época y de la trova yucateca ganaron el favor del público radioescucha. Debido a su excelente manera de interpretar las canciones yucatecas, muchas personas creían que eran originarios de la península. En muchas de sus canciones el acompañamiento es de guitarras, sin embargo también hay grabaciones con la Orquesta de Luis González, los conjuntos de Teté Cuevas, Chucho Ferrer, Rubén Fuentes y el Mariachi Vargas de Tecalitlán.

4. Gracias a las amables peticiones de amigos costarricenses, presentaremos una canción que fue y es famosa en Costa Rica, se trata del tema “Estatua de mármol”, que interpretó en los años treinta el cantante yucateco Octavio Mass Montes y que también se conoció en tierras ticas. Asimismo y para gusto de los amigos de este país centroamericano, presentaremos el “Vals de media noche”, compuesto por el costarricense José María Chaverri Trigueros (1894-1963) y que fue grabado por Los Montañeses del Álamo con el título “A media noche”. Sin duda este vals le dio reconocimiento al compositor nacido en Heredia, aunque “Pepe Chaverri” ya tenía cierta fama con su pasillo “Crisantemos”, pero su consagración vino con su fox “Cavita”; más tarde, en los años treinta, tuvo un rotundo éxito con su “Vals de media noche”, que incluso en ese hermoso país centroamericano era utilizado en la sintonía de algunas emisoras de radio. José María Chaverri Trigueros (Pepe Chaverri) fue compositor y ejecutante de piano, guitarra y trombón, hijo del músico mayor y subdirector de la Banda Militar de Heredia Alfonso Chaverri Gutiérrez. En 1906 ingresó a la escuela de Música Militar de Heredia, dirigida por Octavio Morales Fernández; recibió lecciones de Juan Rafael Alfaro. En la Banda Militar de Heredia fue trombonista y director así como de la Escuela Militar de Música de San José. Después de obtener su pensión, organizó y formó conjuntos de orquestas, y además dirigió varias filarmonías cantonales. En la música popular antigua de Costa Rica siempre será infaltable la obra de compositores como Pepe Chaverri, además de otros como Rafael Ángel Fonseca, Julio Barquero, Carlos María Hidalgo, Roberto Cantillano, Carlos Gutiérrez, Emilio León Rojas, que además de componer música estrictamente popular, se desarrollaban también en la música académica.

5. Con la interpretación del dueto mexicano Las Dos Marías escucharemos las canciones: “Cuando ya no me quieras”, “Juárez” y “Niégalo”. Son grabaciones muy antiguas de los años treinta. Las cantantes mexicanas María del Rosario “Charito” Ortega y María Luisa Canales conformaron este dueto en los años treinta. De acuerdo con datos del coleccionista Don Pablo Gastelum ellas eran originarias del estado de Yucatán, aunque no hemos confirmado ese dato. Las Dos Marías grabaron una gran cantidad de discos de 78 RPM con gran diversidad de géneros como boleros, corridos, rancheras e incluso ritmos sudamericanos como pasillos. Fueron conocidas en algunos países sudamericanos, particularmente en Colombia. Charito Ortega también grabó como solista. Destaca por ejemplo su composición del bolero “Niégalo”. Este viernes escucharemos dos interpretaciones con este dueto hoy prácticamente desconocido. Comienzan su carrera fonográfica en 1935 grabando para la RCA Victor en la ciudad de Nueva York una serie de ocho temas comenzando con “Pálida princesa”, de Lorenzo Barcelata, y “Pajarillo embrujado”, de los Cuates de Castilla. Por su parte. María del Rosario Ortega grabó en la ciudad de Los Ángeles, California, para el sello Columbia, en 1939, con el seudónimo de “Charito” acompañada de su guitarra, el bolero de su autoría “Niégalo”, acoplado al bambuco de Domínguez “Soñé”; también grabó el danzón de Esteban Alonso, “Juárez”, acompañada por la orquesta de Manuel S. Acuña.

6. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro colaborador Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá nos ofrecerá el bambuco “Para llevarte al altar”, de Carlos Washington Andrea en la interpretación del argentino Conjunto América. Esta agrupación fue formada por José María de Hoyos (1917-1964), quien había formado parte de Los Trovadores del Cuyo, y estuvo integrado por Elvirita Tamassi, Julio Arce, Luis Moreno Ernesto Balboa, Néstor Sicardi; luego se incorporaron Julio César Navarro y Ángel Linares, al alejamiento de Tamassi. De 1948 a 1954 grabó para Odeón y alcanzaron gran popularidad en Colombia, junto con Los Trovadores de Cuyo. Ha sido el Conjunto América una de las agrupaciones que más acogida ha tenido en Colombia, especialmente en los departamentos del occidente. Antioquía, Caldas y El Valle han sido los que han brindado la mayor aceptación a este conjunto. Fue allá por el año 1943 cuando comenzaron a conocerse las primeras grabaciones de este conjunto argentino que en su mayoría eran letras de autores colombianos y ecuatorianos. Lo más popular de esa época, y seguramente lo que identificó al Conjunto América fue la canción "Corazón sin Amor". Sus grabaciones para el sello ODEON fueron muy bien recibidas, tanto en el interior argentino como en diferentes países de América, donde sus discos se vendieron por millares. Muy pocos años duró el Conjunto América, ya que a partir de la muerte de Elvirita Tamasi, que en realidad fue prematura, y al desaparecer también años después José María de Hoyos la agrupación se disolvió, sólo quedaron sus discos como recuerdo y ODEON los cuenta como verdaderas joyas de su repertorio.

7. El músico poeta Agustín Lara acuñó 408 composiciones, según registra la Sociedad de Autores y Compositores de México. Y de la lista hacen parte clásicos como “Mujer”, “Piensa en mí”, “Se me hizo fácil”, “Amor de mis amores” o “Estoy pensando en ti”, pero no sólo fueron boleros, también hubo rancheras, sones, pasodobles, mazurcas, guajiras, pasillos, tangos, jotas, foxtrot, polcas, aires criollos como el danzón y el huapango, y hasta blues, y de extensa producción lariana, en la sección Un tema mil versiones presentaremos algunas canciones dedicadas a esas mujeres que fueron muy socorridas en la vasta producción de Lara, como “Aventurera”, “Pecadora” y “Pervertida”. Era la década del 30, cuando nacieron temas como “Lamento jorocho”, “Te quiero”, “Solamente una vez”, “Mujer” y el tango “Arráncame la vida”, cuando conquistó los teatros de París y cuando América Latina hacía fila en los teatros para verlo en concierto. Fue el momento de no retorno. Cuando comenzaron a llamarlo en todo México “El flaco de oro”. Cuando de sus títulos surgió la idea de llevarlos al cine, pues los productores y directores hallaron en las canciones del artista un insumo para la gran pantalla: “Novillero”, “Pecadora”, “Señora tentación”, “Perdida”, “Por qué no me amas”; “La faraona”, que protagonizaría al lado de la española Lola Flores; y “Santa”, una de las primeras del cine sonoro mexicano, fueron algunas de las quince cintas en las que apareció el galán que nunca fue. E propio Agustín Lara conocía, mejor que nadie, el efecto efervescente que producían en el corazón sus canciones. Él mismo, que llegó a compartir su vida con diez esposas, sabía que sus letras conseguían con creces lo que no le permitían sus facciones toscas, su delgadez y esa vocecita nasal y por momentos destemplada que le había tocado en suerte. (Texto tomado de www.soycolombiano.com).

8. En la sección Permítame un recuerdo,  desde Sancti Spíritus, Cuba, de la emisora CMGC, Radio Vitral, Gaspar Pumarejo nos presentará una semblanza del cubanísimo Conjunto Casino que fue una agrupación de música popular cubana que realizó una labor importante en las décadas de 1940 y 1950, encuadrado en la tradición de conjuntos en boga por esa época en Cuba. El estilo del “Casino”, más apegado a las armonías del jazz, específicamente del swing y del bebop, se enmarcó en la corriente más progresiva entre las agrupaciones soneras de su tipo en esta época. Junto al conjunto de Arsenio Rodríguez, representando la línea afrocubana, el conjunto Sonora Matancera, apegada a la guaracha y la rumba mulata, el “Casino” conformó un patrón que siguieron muchas agrupaciones desde ese momento como el conjunto “Colonial”, el conjunto de Senén Suárez, el conjunto de Ernesto Grenet, el “Kubakán” y el conjunto “Rumbavana”, entre otros. Alrededor de 1933, en pleno auge los sextetos y septetos de sones, los hermanos José y Manolo Saldarino, cantante y contrabajista respectivamente, fundaron en La Habana el Sexteto “Miquito”. El grupo, denominado sexteto a pesar de que en su personal ya se incluía el piano, cambió de nombre en mayo de 1937 a “Casino” al convertirse en el grupo de planta del “Summer Casino” o Gran Casino Nacional de Marianao, en La Habana.

9. En la sección Ay Jalisco no te rajes, desde Guadalajara, Jalisco, nuestro colaborador Alberto Ramírez Martínez, nos comenta que en el marco del 20 de noviembre, aniversario de la Revolución Mexicana, hay un jalisciense que fue testigo presencial y filmó algunos acontecimientos de la lucha armada, ese personaje es el Ing. Salvador Toscano Barragán. Salvador Toscano nació el 22 de marzo de 1872 en Guadalajara, Jalisco. Empezó su carrera cinematográfica filmando escenas locales de México y acontecimientos noticiosos y sociales, fue el primer productor de largometrajes en México, produciendo una ficción basada en el personaje de Don Juan Tenorio, filmada en 1898 con el actor mexicano Paco Gavilanes, esta fue considerada la primer película genuinamente mexicana. En su carrera como documentalista, filmó escenas reales de la revolución y la mayoría de sus películas fueron sobre ese tema, hasta convertirse en un destacado cineasta y documentalista. Ya desde 1912, Toscano tuvo la idea de hacer un largometraje donde se mostrara el conflicto revolucionario  en su totalidad, para ello copiló y editó su trabajo que lleva por título "Historia completa de la Revolución de 1910 a 1912”. Otros trabajos  del Ing. Toscano fueron,  "Fiestas del centenario de la independencia", "La toma de Ciudad Juárez", " El Viaje del triunfador de la revolución Don Francisco I. Madero" y "La Decena trágica".

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 17 de NOVIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 6 de noviembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 10 DE NOVIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 10 DE NOVIEMBRE DE 2017

* Miguel Aceves Mejía, talento chihuahuense nacido hace 102 añosl
* Desde Yucatán, escucharemos la voz desconocida de Mario Gil
* Además, Orlando de la Rosa murió hace 60 años. Oiremos la voz de María Elena Marqués, fallecida hace 9 años. Bernardo Sancristóbal, bilbaíno que destacó en México. En la sección Ay Jalisco no te rajes, una semblanza de Juan Záizar. Oiremos a los Romanceros del Cauca 
* En la Cadena del Recuerdo, semblanza de Javier Solís, y en la sección Una canción colombiana para el mundo, oiremos Motivo campesino con el dueto Oliver-Pumarino

1. Miguel Aceves Mejía dejó gran huella en la música popular en México. Nació hace 102 años, el 13 de noviembre de 1915, y falleció el 6 de noviembre del año 2006. Fue en la ciudad de Chihuahua donde nació y falleció en el la Ciudad de México en 2006. De niño trabajó como bolero, vendiendo periódicos y posteriormente trabajó como ayudante de mecánico en la Ford Motor Company de Chihuahua. En su adolescencia, y a pesar de ser tartamudo, descubrió su facilidad para el canto. Sus primeras presentaciones fueron en su ciudad natal, en Monterrey y posteriormente en Los Ángeles, donde grabó su primer disco con el trío “Los Porteños” par el sello DECCA. A pesar del éxito inmediato que tenía en Los Ángeles, le dice a sus compañeros que su sueño es regresar a México para estar en la emisora XEW, pero sus compañeros desisten y él deciden seguir por su cuenta, así se despiden. Posteriormente viajó a la Ciudad de México donde luchó por entrar a la XEW, hasta que le dan una oportunidad al oírlo cantar una pieza ranchera, pero le dicen que ese género no tiene muchos seguidores por lo que primero inicia como cantante de boleros. Las primeras incursiones del Aceves Mejía fueron sólo como cantante e incluso doblando la voz de José Pulido en el filme De pecado en pecado (1947). Después de su intervención en diez cintas, en 1954 debutó estelarmente en la película "A los cuatro vientos", al lado de Rosita Quintana.

2. Una de las voces poco recordadas es la del cantante yucateco de los años cuarenta Mario Gil Ojeda. Según datos aportados por Luis Pérez Sabido, Mario Gil nació en el barrio de San Cristóbal de la ciudad de Mérida, Yucatán, el 12 de noviembre de 1922. Se inicia como cantante de la orquesta de Ernesto “El Pelón” Riestra; cautiva al público con su hermosa voz de barítono y su estilo personal. En la XEB, hace presentaciones en programas del Cancionero Picot. En 1943, canta y actúa en la película mexicana De Nueva York a Huipanguillo, dirigida por Manuel R. Ojeda. Mario Gil realizó varias giras tanto a Cuba como a los Estados unidos. En agosto de 1949 hace una temporada en Madrid, en los centros de baile Parque Florida y Villa Romana, alternando con la cantante francesa Nicole Rey y la mexicana Esmeralda. En 1950, graba en disco Columbia, Amorcito corazón, de Pedro de Urdimalas y Manuel Esperón, y Te quiero, de Agustín Lara. En 1952 hace una gira por varios países de Europa. De allí se embarca a América del Sur para hacer presentaciones en Buenos Aires, Santiago de Chile y Lima, Perú. Retorna México por breve tiempo y otra vez viaja a Nueva York donde obtiene nuevos éxitos. En la XEW actúa en el estelar Conga Sabatina alternando con la orquesta del compositor boricua Rafael Hernández. En Nueva York actúa durante siete meses consecutivos en el Teatro Love State de Broadway, acompañado por la famosa orquesta del puertorriqueño Noro Morales, con la  que graba en sello Decca, en 1949, México canta, de María Grever.

3. Hace 60 años, el 15 de noviembre de 1957 falleció el compositor cubano Orlando de la Rosa Valenzuela, quien nació el 15 de abril de 1919 en La Habana. Es autor de dos canciones como “Anoche hablé con la luna”, "No vale la pena", No vayas a pensar", "Nuestras vidas" y “Vieja luna”, entre otras. En 1935 ingresó en la Asociación de Artistas Teatrales de Cuba. Trabajó como pianista repertorista en la estación CMQ Radio y en el Teatro Alcázar, bajo la dirección orquestal de Rodrigo Prats. Destacaban en sus primeras creaciones la fluidez e independencia de la línea melódica en relación con el ritmo, aspecto que las alejaban del bolero tradicional y avisaban un cambio importante en el género. De la Rosa grabó en México a inicios de la década de 1950 un disco de larga duración de diez pulgadas para la firma Musart titulado Rapsodia Panamericana en el cual reveló sus dotes como pianista: interpretó al piano, de manera ininterrumpida, una veintena de conocidas canciones del hemisferio, desde tangos argentinos, rumbas cubanas, boleros y canciones, chachachás y mambos, en forma de popurrí.

4. Ignacio Fernández Esperón, “Tata Nacho”, nació el 14 de febrero de 1894 y murió el 5 de junio de 1968. De acuerdo con datos de Gabriel Pareyón en su Diccionario Enciclopédico de Música en México, Tata Nacho empezó a tocar el piano bajo la guía de su madre, Piedad Esperón. En 1913, huérfano de padre, se trasladó a Oaxaca para trabajar con unos tíos suyos. Regresó a la capital del país muy pronto, aunque durante muchos años haría viajes constantes a Oaxaca para visitar a su familia, y recibir la influencia de la canción tradicional oaxaqueña. En 1913 escribió su primera pieza, el vals cantado Carlota. Hizo amistad con muchos artistas de la época, entre ellos Ángel de Campo “Micrós”, Rubén M. Campos, Miguel Lerdo de Tejada, Amado Nervo, Ana Pavlova, Manuel M. Ponce, José Juan Tablada y Luis G. Urbina. En 1916 compuso su segunda canción, Dime ingrata,  que lo hizo famoso en todo el país. En 1919 viajó a Nueva York, donde permaneció ocho años, y estudió armonía e instrumentación con Edgar Varèse. De regreso en la ciudad de México fue empleado por la SEP como investigador de música folclórica (1925), lo cual le permitió viajar por la República y entrar en contacto con cancioneros, poetas y bailarines de todo el país. A fines de 1926 fue nombrado profesor de música en la Casa del Estudiante Indígena de la ciudad de México. En 1927 fue invitado por el gobernador de Yucatán para hacer un estudio sobre la canción yucateca; ese mismo año conoció en Mérida a Guty Cárdenas, a quien luego presentó al público de la ciudad de México. (Foto de Tata Nacho, Chucho Monge y la esposa de este último).

5. El compositor Bernardo Sancristóbal falleció el 14 de noviembre de 1974. Nacido en Bilbao, España, vivió en la ciudad de México, donde estuvo aligado al a música como director artístico de emisoras de radio y disquera. Según el sitio de internet del Instituto Mexicano de la Radio, IMER, la emisora XEB entre julio de 1944 y hasta mayo de 1945 vivió una gran crisis que marcaría el fin de su etapa de esplendor. En junio de 1944 Bernardo San Cristóbal, gerente de la estación desde 1933, anunció que a partir del 15 de julio de ese año abandonaría su cargo para dedicarse por completo a la actividad cinematográfica. Según otras versiones, la renuncia de San Cristóbal había sido resultado de las diferencias entre este y los directivos de El Buen Tono, que aparentemente deseaban bajar costos de producción y operación, lo cual a juicio de San Cristóbal afectaría la calidad artística de la emisora. El sustituto de San Cristóbal a partir de esa fecha fue Manuel González Calzada (Orizaba, Veracruz 1925) con experiencia periodística como jefe de redacción y colaborados en varias publicaciones. A pesar de su empeño no pudo mantener el nivel de la radiodifusora y probablemente también entró en conflicto con los directivos de la XEB ya que el 30 de noviembre de 1944 firmó su renuncia. El 28 de mayo de 1945, Bernardo San Cristóbal regresó a la gerencia de la XEB. Para 1959 era también gerente la XEQ, en los 940 kilociclos, y según una publicación de ese año, Sancristóbal le dio un giro a la emisora convirtiéndola en una radio enfocada al periodismo, lo que nos dice que Sancristóbal no sólo se enfocaba a la música dentro de sus actividades en la radio.

6. Este viernes escucharemos la voz de María Elena Marqués, quien falleció hace 9 años, el 11 de noviembre de 2008, víctima de un paro cardiaco. María Elena Marqués Rangel nació en la ciudad de México el 14 de diciembre de 1926. El director de cine Fernando de Fuentes, que era su vecino, fue quién la descubrió artísticamente y convenció a sus padres para que la dejasen hacer una prueba. Su primera película fue “Dos corazones y un tango” (1942) donde actuó junto al tanguero argentino Andrés Falgás. En 1943, trabaja en “Doña Bárbara” junto a María Félix. Actuó en más de cincuenta películas en una trayectoria artística de tres décadas (se retiró a fines de los años setentas), trabajando junto a otras grandes figuras como Jorge Negrete, Cantinflas, Arturo de Córdova y Pedro Armendáriz. Actuó en Hollywood, en las películas “Across the wide Missouri” y “Ambush at Tomahawk gap”, junto a Clark Gable y John Derek respectivamente. También se desempeñó en televisión, actuando en una gran cantidad de novelas y unitarios. Incursionó en política, siendo diputada federal por el Partido Revolucionario Institucional en la década de los setenta y presidenta del área de Jubilaciones de la Asociación Nacional de Actores (ANDA). Este último cargo lo ocupaba al momento de fallecer. Se casó con el también actor Miguel Torruco, durante un breve matrimonio que culminó por el deceso de éste en 1956. Tenía dos hijos, Marisela y Miguel Torruco Marqués.

7. En la sección Rinconcito Arrabalero presentaremos la grabación "El huérfano y el sepulturero", en la voz de  Agustín Magaldi, y también desde Argentina escucharemos dos muy antiguas interpretaciones con Los Romanceros del Cauca: Camino del sepulcro y "El leproso". Esta antiquísima agrupación de Los Romanceros del Cauca fue un Conjunto Argentino dirigido por Eladio Martínez, músico y cantor de brillante actuación, que se formó en la década de los años cuarentas. Muchos pensarían por el nombre, los integrantes de la agrupación eran originarios de Colombia, pero no era así.  Según un artículo de elpais.com.co al estallar la II Guerra Mundial, los estudios de Hollywood fueron destinados a producir propaganda bélica, lo cual marcó el surgimiento del cine mexicano: Jorge Negrete, Pedro Infante y las Hermanas Padilla se tomaron el continente. En Colombia surgió la música de carrilera, canciones mexicanas hechas y cantadas en Colombia, explica el musicólogo Julián Bueno. Los siguientes 30 años la huella de las Padilla perduró con Las Camanduleras, Las Gaviotas y las Hermanitas Calle, entre muchas. Del Sur llegaban pasillos y valses cantados por grupos argentinos con nombres colombianos: los Romanceros del Cauca y los Trovadores del Valle suplían la falta de industria fonográfica nacional. También los Trovadores de Cuyo y el Conjunto América.

8. Desde Guadalajara, en la sección "Ay Jalisco no te rajes", Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza del compositor y cantante Juan Záizar, nacido hace 84 años en Tamazula de Gordiano, Jalisco, el 9 de noviembre de 1933. Murió a la edad de 58 años, el 6 de febrero de 1991. Sus canciones fueron grabadas por grandes intérpretes como Lola Beltrán, Javier Solís, María de Lourdes, Flor Silvestre, Chavela Vargas, desde luego su hermano David y muchos más. Juan Záizar fue autor de temas como "Cielo Rojo", "Cruz de Olvido", "Dolor de mi dolor", "Un mar de penas" y muchos más. En 1948 compuso su primera canción ranchera (Al pie de tu reja) y ese mismo año formó un grupo musical con su hermano David, con dos de sus hermanas y con un violinista invitado. Trasladados a la ciudad de México en 1949, actuaron para la radio y fueron bautizados por el locutor Pedro de Lille como Los Cantores del Bosque. En 1953 Juan alcanzó gran éxito con sus canciones rancheras Apártate de mí y Entre cadenas, a las que siguieron los huapangos Una paloma herida, No soy culpable y ¡Qué padre es la vida! El grupo Los Cantores del Bosque se disolvió en 1954 y quedó en su lugar el Dueto de los Hermanos Záizar (integrado por Juan y David). En 1971 su Canto al obrero fue premiado por organismos sindicales mexicanos. Compuso más de 100 canciones; además de las mencionadas destacan también Cárcel perpetua, El corrido chicano, Partes iguales y ¿Qué le debo a la vida? Su hermano David Záizar murió el 2 de enero de 1982. (Con datos de Gabriel Pareyón en su Diccionario Enciclopédico de Música en México).

9. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro colaborador Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá nos ofrecerá el tema "Motivo campesino", en versión de Julián Mario Oliver y Francisco Pumarino. Sobre la música popular en Antioquia, Hernán Restrepo Duque menciona: "Los poetas firman o regalan los versos. Libardo Parra Toro (Tartarín Moreira), Santiago Vélez Escobar, Julio Vives Guerra, Roberto Muñoz Londoño, Augusto Duque Bernal, entre otros. Los cantantes son en general mexicanos o españoles, habitantes de ese confuso mundo neoyorquino. Juan Pulido, José Moriche, el chileno Francisco Fuentes Pumarino, Julián Mario Oliver, Pilar Arcos, Margarita Cueto. Y dos colombianos: Alcides Briceño y Jorge Añez. Detrás de cada pasillo, cada bambuco o cada danza de autor antioqueño, viene casi con seguridad, un tango. Uno de aquellos tangos zarzueleros que diferían totalmente del gardeliano ya impuesto del todo en Buenos Aires. Pero tango al fin. Y nuestros paisas, de espíritu hogareño, se reúnen desde las seis de la tarde a gozar con esas pastas negras, misteriosas, que giran a 78 revoluciones por minuto y ofrecen dos canciones no más, una del compositor del pueblo, otra extraña, y comienzan a gustar los nuevos ritmos".

10. Este viernes en la sección La Cadena del Recuerdo presentaremos una semblanza de Javier Solís, con testimonios de su hijo Gabriel Solís.  Javier Solís (Gabriel Siria Levario) nació y murió en la Ciudad de México. Trabajó en numerosos oficios antes de triunfar en un concurso para cantantes aficionados en una carpa de Tacubaya. Enseguida formó el Trío México con Pablo Flores y Miguel García. Después se sumó a varios mariachis y trabajó en la plaza Garibaldi hasta cantar como solista y aparecer en programas de radio con el seudónimo de Javier Luquín, imitando a Pedro Infante. En 1948 debutó en la radiodifusora XEW y poco después conoció a Los Panchos, con  quienes grabó para CBS la canción ¿Por qué negar? (1950). Después grabó su primer éxito, Llorarás, llorarás y formó parte del elenco de la XEQ. Actuó en el teatro Lírico y en el Blanquita, que lo contrató para realizar varias giras por EU, Guatemala, El Salvador, Colombia, Venezuela, Ecuador, Perú, Chile y Argentina (1957-1959). En esos países dio a conocer sus grabaciones con bolero ranchero y tango. En 1965 grabó la canción de los Hermanos Rigual "Cuando calienta el sol", con la que confirmó su éxito internacional. En 1963 ganó un disco de oro en Nueva York por la venta de 25,000 copias de su disco "Llorarás", marca que superó dos años después con "El loco" y "Sombras". Entre 1959 y 1965 participó en 23 películas, cantando en todas ellas.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 10 de NOVIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 30 de octubre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 03 DE NOVIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 03 DE NOVIEMBRE DE 2017
* Programa especial de Día de muertos con música en vivo del Dueto Con Sabor a mi tierra
* Entrevista con Pancho Madrigal, autor de canciones como Jacinto Cenobio
* Desde Perú, Luis Abanto Morales, autor de Oh Humanidad. En el Rinconcito arrabalero, Los Romanceros del Cauca. En La Carpa, Agustín Isunza. Desde Cuba, el dueto Vera Zequeira
* En la Cadena del Recuerdo, la historia de Ay cosita linda, de Pacho Galán y en la sección Una canción colombiana para el mundo, semblanza de cantante y compositor Enrique Figueroa

1. Este viernes presentaremos un programa variado muy especial de día de muertos con lectura de calaveras que nos envían los amables radioescuchas, además de música en vivo con invitados, entrevista con Pancho Madrigal, autor de canciones como Jacinto Cenobio, sin olvidar como ya es costumbre muchas canciones que hablan sobre la muerte, tomando en cuenta estas fechas de festividad en México. En cabina contaremos con música el dueto "Con sabor a mi tierra", integrado por Victorino Díaz, originario de Villa Hidalgo, Jalisco, en el arpa y voz Christian Naranjo, de Aguascalientes, en vihuela y voz. Ambos han participado en diferentes agrupaciones de mariachis de Jalisco, Aguascalientes y Sinaloa. El dueto se conformó hace tres meses y siguen la línea de la música tradicional mexicana. Han recorrido algunos estados de la República Mexicana y participado en diferentes eventos culturales. El culto a la muerte en México no es algo nuevo, pues ya se practicaba desde la época precolombina. Asimismo, en el calendario mexica, que se localiza en el Museo de Antropología, se puede observar que entre los 18 meses que forman este calendario, había por lo menos seis festejos dedicados a los muertos. Posteriormente, los evangelizadores cristianos de tiempos coloniales aceptaron en parte las tradiciones de los antiguos pueblos mesoamericanos, fusionándolas con las tradiciones europeas, para poder implantar el cristianismo entre dichos pueblos.

2. Este viernes presentaremos una entrevista, vía telefónica, desde  el estado de Jalisco, con Pancho Madrigal, autor de varias canciones, entre ellas la más conocida "Jacinto Cenobio". Como ya antes habíamos comentado en estas páginas, Francisco Javier Madrigal Toribio, llamado artísticamente Pancho Madrigal, compositor, pintor y escritor de gran talento, nació el 19 de mayo de 1945 en Guadalajara, Jalisco. Empezó a componer canciones y a hacer giras por el centro y occidente del país. Fue premiado por su labor de difusión y por su aportación personal a la música mexicana, por gobiernos y asociaciones civiles de Jalisco. Con corridos humorísticos Pancho intenta parodiar y caricaturizar uno de los grandes vicios de la conducta del mexicano, como es el machismo, abordando para esto, temas como la pendencia, el bandolerismo, y otros, que fueron algunos de los asuntos más comunes en los corridos de épocas anteriores, pero despojándolos, por medio del humor, de la carga de dramatismo y del tono sangriento que caracterizaban originalmente a este género. Mezcla de narrador y cantador de corridos, Pancho Madrigal ingresó en 1968 al Coro Folclórico de la Universidad de Guadalajara, poco más tarde comenzó a componer canciones y a hacer giras por el país, integrándose a la corriente de la nueva canción latinoamericana, entre 1974 y 1979 encabezo el conjunto “Los Masiosares”, después volvió a la actividad como solista. En la actualidad Pancho Madrigal sigue activo a sus 72 años, se presenta en Guadalajara en un lugar denominado “Rojo café”, en donde interpreta sus temas acompañado de su grupo llamado “El borlote”.

3. Una de las canciones que habla de la muerte y como ésta no distingue ni pobres ni ricos es "Oh humanidad", compuesta por Luis Abanto Morales, uno de los autores y compositores más populares del Perú, quien murió el pasado 14 de junio de 2017, a la edad de 93 años. El músico nació en Trujillo el 25 de agosto de 1923. Su carrera comenzó cuando ganó el concurso ‘La Canción de los Barrios’ que organizaba Radio Callao en los años 40 y se prolongó hasta esta década. Temas como “Cholo soy”, “Nunca podrán”, “Las quimeras”, “Cielo serrano”, “La Pitita”, “Quiéreme”, “El provinciano”, sin olvidar “Oh humanidad”, con música de Abanto Morales y al parecer la letra, dedicada a la fidelidad canina, fue tomada del poema “Últimos amigos”, escrito por el poeta mexicano Juan de Dios Peza. Estos temas lo convirtieron en uno de los cantantes más populares de la música peruana. Aunque nació en Trujillo, su infancia transcurrió en Cajabamba en donde, al quedar huérfano de padre, quedó bajo el cuidado de su abuela paterna. Sus primeros estudios los hizo en la Escuela 113. A la edad de 13 años se traslada a Lima, ciudad en la que reside hasta la actualidad. Su actividad artística es muy extensa y se inicia en 1942. En la década de 1950 hace famosa en el Perú la canción Mambo de Machaguay, cuya primera versión hizo precisamente Abanto Morales en la década de 1950, época cuando los migrantes andinos mezclaban su folklor musical con la música criolla de la costa peruana y otros géneros musicales como el mambo cubano. En 1951 se casó con María Ester Carolina Bailey con quien tuvo 4 hijos.

4. Con el antiquísimo dueto cubano de Vera-Zequeira  escucharemos “Sepulturero no cantes”. María Teresa Vera conformó este dueto de leyenda junto a Rafael Zequeira entre 1916 y 1924 y grabaron casi 200 canciones, muchas de las cuales fueron éxitos populares inmediatos como "A llorar a Papá Montero". Rafael Zequeira le hacía un segundo casi perfecto, según ella. De inmediato son contratados por la disquera Columbia de Nueva York y llegan a realizar cinco viajes a la ciudad de los rascacielos para grabar una considerable cantidad de obras de la trova. Después de grabar con la Columbia aceptan un contratado por otras compañías de discos como la Víctor y la Pathé. El dueto finaliza debido a la muerte de Rafael, ocurrida en Cuba en 1924, después de una gira que ambos realizaron por Nueva York. A muy temprana edad, María Teresa Vera empezó a darse a conocer en los ambientes de bohemia y trova. Empezó a cantar en 1911 y el cantante Manuel Corona le aconsejó que aprendiera a tocar la guitarra. A mediados de la década del veinte, conoció a Ignacio Piñeiro, a quien enseñó a tocar el contrabajo y en 1926 fundó el Sexteto Occidente, dentro de la tradición cubana de sextetos de son. Este conjunto fue fundado por María Teresa Vera a instancia de sus productores musicales. Esto se debió fundamentalmente a la gran demanda que tenían los sextetos de son a mediados de los años veinte.

5. Otra de las canciones que habla de la muerte pero de manera jocosa es "El muerto murió", tema que presentaremos en voz de Rodolfo Hoyos y Enrique Herrera, en una grabación de finales de los años veinte. Asimismo escucharemos en la sección La Carpa, la ya clásica canción "Cerró sus ojotos Cleto", de Chava Flores, en la voz del actor cómico Agustín Isunza. Según publica Cineforever, Agustín Isunza del Palacio nació en Múzquiz, Coahuila, el 3 de septiembre de 1900. Su padre era pagador de un regimiento de caballería, por lo cual no es de extrañar que a los 15 años, Agustín se alistara en el ejército carrancista, habiendo permanecido en las filas militares durante catorce años, dándose de baja con el grado de subteniente. Isunza contó en una entrevista publicada en los Cuadernos de la Cineteca Nacional: Testimonios para la Historia del Cine Mexicano que “El 18 de junio de 1930 debuté como cómico en el Teatro Garibaldi, al lado de Miguel Inclán, en una cosa que hacía el Panzón Roberto Soto. Gusté y al final me hice figura. Ahí, con la compañera de mi presentación, Celia Tejeda, se llegó a formar una pareja, pues éramos las estrellas.” En el cine, Agustín Isunza debutó en 1937 en “La Adelita” de Guillermo Hernández Gómez, al lado de Pedro Armendáriz y Esther Fernández, a partir de la cual fue ligando película tras película hasta llegar a 1975 a “Alucarda” de Juan López Moctezuma, que fue su última que realizó. Agustín Isunza, junto con Armando Soto La Marina “El Chicote” y Fernando Soto “Mantequilla”, formó el trío más destacado de cómicos de apoyo que desfilaron por nuestro cine, en su mal llamada “Epoca de oro”. Su humorismo ingenuo y cándido, lleno de inocentes picardías le hizo ganarse la simpatía del público. Murió el 23 de agosto de 1978.

6. En la sección Rinconcito arrabalero presentaremos la grabación "El huérfano y el sepulturero", en la voz de  Agustín Magaldi, y también desde Argentina escucharemos dos muy antiguas interpretaciones con Los Romanceros del Cauca: Camino del sepulcro y "El leproso". Esta antiquísima agrupación de Los Romanceros del Cauca fue un Conjunto Argentino dirigido por Eladio Martínez, músico y cantor de brillante actuación, que se formó en la década de los años cuarentas. Muchos pensarían por el nombre, los integrantes de la agrupación eran originarios de Colombia, pero no era así.  Según un artículo de elpais.com.co al estallar la II Guerra Mundial, los estudios de Hollywood fueron destinados a producir propaganda bélica, lo cual marcó el surgimiento del cine mexicano: Jorge Negrete, Pedro Infante y las Hermanas Padilla se tomaron el continente. En Colombia surgió la música de carrilera, canciones mexicanas hechas y cantadas en Colombia, explica el musicólogo Julián Bueno. Los siguientes 30 años la huella de las Padilla perduró con Las Camanduleras, Las Gaviotas y las Hermanitas Calle, entre muchas. Del Sur llegaban pasillos y valses cantados por grupos argentinos con nombres colombianos: los Romanceros del Cauca y los Trovadores del Valle suplían la falta de industria fonográfica nacional. También los Trovadores de Cuyo y el Conjunto América.

7. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro colaborador Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá, nos ofrecerá un tema compuesto y cantado por Enrique Figueroa: "Madre labriega". Enrique Figueroa fue un importante compositor antioqueño nacido en Valparaiso el 10 de mayo de 1907, famoso especialmente por la hermosa selección de bambucos que compuso sobre temas del poeta pereirano Luis Carlos González. Dueño de una bonita voz de tenor, hizo estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Bogotá y conformó algunos duetos de corta duración pues básicamente gustaba de cantar como solista. Del maestro Figueroa son muchas de las más bellas páginas del cancionero andino colombiano, compuestas sobre poemas de destacados poetas y escritores nacionales, como “Antioqueñita”, “Vecinita”, “Tu callecita morena”, “Besito de fuego", "Recuerdos", “Paisaje”, “Rosalinda”, “Compañero”, “Cansera”, y otras. Curiosamente, después de haber creado esa gran llave con Luis Carlos González para hacer bambucos durante tantos años, la canción “Bendigo la soledad” fue la última producción de estos dos ilustres personajes. Enrique Figueroa falleció en Pereira el 10 de marzo de 1977. (Con datos de www.oocities.org/nashville/opry/3107/figueroa.html).

8. Y ya que seguimos en Colombia, en la sección La cadena del recuerdo, Jorge Arango, desde Medellín, nos compartirá cuál es el origen de la famosa canción "Ay cosita linda", merecumbé de Pacho Galán. Escribe Luis Daniel Vega que a los 49 años Pacho Galán no era un músico en ciernes. Nacido el 3 de octubre de 1906 en el municipio de Soledad, el trompetista era ampliamente conocido en el medio musical por su trabajo como arreglista e intérprete de algunas de las orquesta más reputadas tanto de las ondas radiales como de los bailes de salón. A mediados de los años cincuenta, Pacho recibió la llamada de Ramón Ropaín, viejo amigo y colega que lo convidó a Medellín para unirse a la orquesta del sello Sonolux. Pacho Galán se instaló con su hija Carmen en una hermosa casona andina donde también vivía Ramón Ropaín y su hija Patricia. Cuenta la historia que el saludo matutino de Galán a Patricia era la expresión que unos meses más tarde iba a acuñar en una canción inmortal: ‘Ay cosita linda’. En julio de 1955, junto a músicos de las orquestas de Lucho Bermúdez y Ramón Ropaín, Pacho Galán grabó la primera versión que se conoce de Ay cosita linda', con el que apareció la cara A de un sencillo de 78 rpm y en cuyo lado B estaba el porro “Fruta sabrosa”. Aunque ya Galán había acuñado el término merecumbé para referirse a su nueva creación, las directivas de Sonolux decidieron presentar la canción bajo el ritmo cucurumbé que Galán aceptó resignado. En cualquier caso, unos meses más tarde el cucurumbé era tan solo un dato curioso.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 03 de NOVIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

martes, 24 de octubre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 27 DE OCTUBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 27 DE OCTUBRE DE 2017
* Manolita Arriola interpreta boleros, rancheras y canciones jocosas
* Entrevista con Alma Velasco, escritora del libro “Me dicen la tequilera”
* Hace 120 años nació Agustín Lara. Tres canciones con tres tríos nostálgicos: Los Porteños, Guayacán y Trío México. En el Rincón Norteño una grabación de 1932: Los Jornaleros
* En la Cadena del Recuerdo, Nicasio Safadi, fallecido hace 49 años y en la sección Una canción colombiana para el mundo, una joya de Arturo Patiño: De Nueva York a Bogotá

1. Este viernes presentaremos algunas canciones jocosas, rancheras y boleros en interpretación de la cantante Manolita Arriola, como solista y cantando a dueto. Nació en El Rosario, Sinaloa en 1922. Nos cuenta Omar Martínez que ella fue conocida por su versatilidad al interpretar casi todos los géneros musicales conocidos de su época. Arriola integró con María Luisa López el famoso dueto Las Cantadoras del Bajío (dueto que se disolvió en 1937) y poco después, con Blanca Mafalda Reducindo, el dueto de corta vida musical llamado Las Soldaderas. Manolita tuvo una relación muy cercana con el compositor y músico chileno Juan S. Garrido, quien la acompañó con su gran orquesta una gran cantidad de grabaciones, haciendo extraordinarios arreglos musicales. Omar Martínez escribe que desde abril de 1938, Manolita impone una marca de permanencia en centros nocturnos: 5 años en “El Patio”, hasta 1943. En ese mismo año firma un contrato radiofónico de 3 años; inicia una gira por Cuba, Brasil, Colombia, Venezuela y Estados Unidos. En 1940 inicia un intenso trabajo discográfico: Inicialmente con la disquera Peerless graba más de 30 temas en ese año, entre los que destacan la primera versión del bolero de Pedro Flores, “Amor Perdido”, asimismo canciones como “Jamás”; “Te vi pasar”; “Cantando”; “Rancho Alegre”; “Siboney”; “Sol de Veracruz” y otras. Fue precisamente en el año 1940 cuando Manolita surge a la popularidad gracias a sus grabaciones de canciones como “Chula” de Juan S. Garrido, notable músico chileno que se destacó por sus profundos estudios del folclore mexicano. El triunfo de la intérprete sería más tarde refrendado con sus grabaciones de obras debidas a la inspiración de autores como Rafael Hernández «El Jibarito» y Pedro Flores. La inolvidable cancionera Manolita Arriola murió el 27 de noviembre de 2004.

2. Este viernes presentaremos una entrevista vía telefónica, desde la ciudad de México, con la escritora e investigadora Alma Velasco, quien escribió el libro “Me dicen a tequilera”, dedicado a la cantante mexicana Lucha Reyes. Alma Velasco nació en la Ciudad de México en el año de 1948. Mujer dedicada también a la música, estudió canto, música y teatro en el Conservatorio Nacional de Música y la licenciatura en Letras Hispánicas en la UNAM. Sus actividades como cantante y escritora las combina con la impartición de clases de lectura en voz alta y comunicación oral. Ha publicado libros de traducción y otros títulos como Juguetero de poesía, Buscoso Busquiento (en coautoría con Eduardo Casar), Horripilantario, Sentir humor, Mi primer diccionario de flora de México.  Por su trayectoria ha recibido diversos reconocimientos como el Premio Nacional de Traducción de Poesía (1995), la Medalla Gabino Barreda al Mérito Académico otorgada por la UNAM (1998) y el Premio Nacional de Poesía para Niños "Narciso Mendoza" (2002). En el año 2012, luego de una larga investigación que la llevó a conocer la vida y trayectoria de Lucha Reyes, editó el libro “Me llaman La Tequilera” (Suma de letras, 2012). La autora describe este texto como un “homenaje literario” para la cantante que inventó el género de la música ranchera y a quien califica como ícono de un tiempo. Dar a conocer el lado íntimo así como las batallas profesionales que emprendió la también actriz de “¡Ay Jalisco, no te rajes!”, cuyo estilo único llevó a la música vernácula a los teatros más importantes del país durante la época de oro, fue la intención de Velasco en este libro. (Con datos de https://descargacultura.unam.mx).

3. Los tríos románticos nacieron en la primera mitad del siglo pasado, México fue la cuna donde se desarrollo este género a nivel mundial. En esos años se dio un derroche de romanticismo por todas las regiones del país: la trova yucateca, la veracruzana, la oaxaqueña, la guerrerense, en el norte y por supuesto en el centro de la nación. Este viernes presentaremos una tanda especial con el sondo nostálgico y antiguo de los tríos Los Porteños, Guayacán y Trío México. El trío romántico, musicalmente hablando, se conforma de 3 voces (primera, segunda y tercera) y de 3 guitarras (acompañamiento, armonía y requinto), cada trío romántico se caracteriza por la complejidad que le imprime a la armonía musical, ya sea en sus voces o instrumentación. En Los Porteños fue donde a finales de los años treinta se dio a conocer el cantante Miguel Aceves Mejía. El trío Guayacán fue una agrupación en la que Martín Becerra aportaría ese característico tono de voz que también conocimos en duetos como Martín y Malena o Martín Eloísa. Sobre el Trío México, lamentablemente no hay muchos datos, aunque nos comenta Omar Martínez Benavides que tal vez uno de los integrantes de este trío fue el cantante Abundio Ortiz de quien ya hemos presentado algunas grabaciones como solista. El propio Rogelio Antonio Ramos agrega que otro integrante del trío México puedo haber sido José J. Torres, que es el autor de varios temas que grabaron principalmente para el sello DECCA. Los temas que el trío México llevó al disco reflejan principalmente la realidad del campo mexicano, ya que la mayoría de las canciones tiene un toque de mexicanidad que reflejan la vida en el campo en aquellos años, aunque también grabaron una gran cantidad de boleros.

4. Hace 67 años, el 30 de octubre de 1950 falleció Luis Casas Romero, compositor e iniciador de la radio en Cuba, autor de canciones como “Si llego a besarte”. En 1891 inició sus estudios de música con el maestro español Gregorio Cánova Macaró. En 1904 se trasladó de Camagüey a La Habana, donde fungió como flautista y director de orquesta del teatro Martí. Viajó a México como director de la orquesta de la Compañía de Raúl del Monte, que actuó en Mérida y Veracruz. En 1907 se radicó definitivamente en La Habana, donde trabajaría como flautista de la orquesta del teatro Alhambra dirigida por Jorge Anckermann. En 1913 ingresó en el ejército de la República como flautista de la Banda del Estado Mayor del Campamento de Columbia; en 1918 pasó a ser subdirector de la misma y fue nombrado director, cargo que ocupó hasta su fallecimiento. En el propio 1918 fundó la primera fábrica electromecánica de rollos de pianola, en la que colaboraron Ernesto Lecuona, Moisés Simons, Jaime Prats, Nilo Menéndez y Vicente Lanz; denominó al método de perforación rollo autógrafo. Casas Romero también se destacó por ser fundador de la radio en Cuba, cuando en 1922inauguró la 2LC; en 1934 era propietario de la COC, primera emisora de onda corta en Cuba, posteriormente llamada COCO; fundó también la CMCK y fue director artístico de la CMC dela Cuban Telephone Company. Con su banda viajó por República Dominicana, Canadá, Estados Unidos y México. Luis Casas Romero es otro nombre valioso entre la gama de los folkloristas cubanos; su inventiva corre a la par que su técnica en un centenar de producciones, desbordantes, todas ellas, de la más limpia cubanía. Casas Romero, además de cultivar los géneros típicos del cancionero cubano, supo enriquecer este acervo creando uno nuevo, el de la criolla, que se asocia enseguida al título de Carmela, la primera que compuso dentro de esa modalidad.

5. Hace 120 años, el 30 de octubre de 1897  nació Agustín Lara. Aunque no hay certezas sobre la fecha ni el lugar de nacimiento, y a eso se suma que Lara era un mentiroso empedernido. Este viernes escucharemos algunas canciones en la voz de Lara, grabadas al inicio de su carrera. Durante la década de 1920 trabajó como pianista en bares, cafés y salas de cine mudo. Por entonces, compuso la canción “Marucha”, escrita en honor a uno de sus primeros amores. Se trasladó temporalmente a Puebla hasta 1929, debido a los acontecimientos de la Guerra Cristera. Él mismo narró, a través de la radio, las circunstancias en las que conoció al padre Miguel Agustín Pro Juárez: en la comandancia de policía, presenció su fusilamiento, el cual se ejecutó sin juicio alguno ni desahogo de pruebas, sin embargo, no fue hasta 1929 que empezó a trabajar para el tenor Juan Arvizu, quien lo descubrió y dio a conocer sus composiciones.La primera canción que registró a su nombre fue “La prisionera”, la cual compuso en 1926. En septiembre de 1930 inició su carrera de éxitos rotundos en la radio, mediante el programa llamado La hora íntima de Agustín Lara. Al tiempo actuaba y componía canciones para diversas películas, entre ellas Santa (1931), inspirada en la novela de Federico Gamboa. Poco tiempo después participó en la radio con el programa La Hora Azul en la radiodifusora XEW, compartiendo con intérpretes como Toña la Negra y Pedro Vargas, dirigiendo también a la Orquesta El Son Marabú. Durante 1932 se presentó en el teatro Politeama de la Ciudad de México. En 1933 afrontó el fracaso de su primera gira en Cuba, debido al cambiante clima político que imperaba en la isla. Hizo diversas giras por América del Sur y nuevas composiciones aumentarían su fama como Solamente una vez (compuesta en Buenos Aires y dedicada a José Mojica), Veracruz, Guitarra guajira/Palmera, Tropicana, Pecadora, entre otras.

6. En la sección La Cadena del recuerdo, escucharemos un trabajo que hemos desempolvado y que produjo Don Ramiro Palacios de León (QEPD) hace algunos años, cuando como productor del programa Memorias musicales de la emisora Frecuencia TEC de Monterrey, Nuevo León,  nos hablaba sobre Nicasio Safadi Reves, libanés naturalizado ecuatoriano y radicado en Guayaquil. Safadi nació en 1896 en Beirut y falleció hace 49 años, el 29 de octubre de 1968. Nacido en Beirut, Líbano, a fines del siglo XIX, emigró a Guayaquil, Ecuador junto con sus padres cuando Nicasio tenía 5 años de edad. Músico de excepción y hábil autodidacto, estudió por cuenta propia y brilló como compositor, intérprete y maestro de maestros. Safadi puso la letra al pasillo con base en el texto del poeta manteño José María Egas. Los versos fueron escritos en la ciudad de Quito en 1920. La partitura fue editada por el mismo Safadi en 1933. Nicasio Safadi fue un músico excepcional y prolífico quien además de crear también cantaba. En compañía de Enrique Ibáñez Mora, a quien apodaban "El Pollo", y con quien formó el dúo Ecuador, partió el 4 de junio de 1930, en el Transatlántico “Santa Teresa” con rumbo a Nueva York a grabar sus primeros discos para las marcas Ónix de Ecuador, y CBS Columbia Internacional. Grabó así el pasillo "Guayaquil de mis amores", compuesto por el orense Lauro Dávila y con música de su propia autoría, además de otras 37 canciones en 19 discos de carbón de 78 rpm, el 19 de junio de 1930. También realizaron una serie de exitosas presentaciones en ciudades como Buenaventura, Panamá y la Habana. (Con información de http://soymusicaecuador.blogspot.mx).

7. En la sección Rincón norteño escucharemos una antiquísima grabación realizada para el seño Vocalion en los años treinta por el dueto Gaytán y Rodríguez. El corrido “El jornalero”, un disco de 78 rpm, fue grabado en dos partes y en su primera parte trata como unos jornaleros intentan regresar a México desde San Antonio, Texas, porque allí se sienten discriminados, ya que dicen “sólo les gustan los negros y los gringos”. Los protagonistas intentan volver al estado de Nuevo León. Luego se despiden de la ciudad de San Antonio y de las mujeres que aman. La segunda parte de este corrido alaba a la ciudad de Monterrey, en el estado de Nuevo León, a donde los protagonistas del corrido deben regresar. Ellos alaban y dicen sus despedidas a sus mujeres que dejarán en San Antonio. La grabación de este corrido data del 15 de diciembre de 1932. Según datos existentes, combinando los números de inmigrantes registrados oficialmente por el Departamento de Justicia de Estados unidos con aquellos que entraron sin documentos, se calcula que entre 1900 y 1940 cruzaron la frontera más de un millón de mexicanos, quienes se establecieron principalmente en Texas, Arizona y California. El censo estadounidense de 1940 mostró que más de un millón y medio de mexicanos residían en las franjas fronterizas y en los estados más remotos, en los cuales se habían distribuido. Esta tendencia masiva acrecentó en una escala sin precedentes la población de las ciudades fronterizas del lado mexicano. Entre 1940 y 1950 la población de Tijuana se incrementó de 16 846 a 59 117 y la de Mexicali de 18 775 a 63 830; Ciudad Juárez de 48 881 a 121 903 y Matamoros de 15 699 a 43 830. Juntas estas ciudades formaron una reserva laboral secundaria a la de las colonias de California y Texas. (Con datos de http://www.dimensionantropologica.inah.gob.mx/?p=582).

8. Nuestro amigo y colaborador en la ciudad de Bogotá, Colombia, Alberto Cardona Libreros nos presentará en su sección Una canción colombiana para el mundo, un auténtico garbanzo de a libra, se trata de la grabación “De Nueva York a Bogotá”, llevada al disco a ritmo de fox trot el 19 de junio de 1928 para el sello Victor en la ciudad de Nueva York. La interpretación es del cantante Juan Pulido y la autoría es del cantante y compositor colombiano Arturo Patiño. El acompañamiento es de la orquesta dirigida por Eduardo Vigil y Robles. Arturo Patiño, junto con otros compositores colombianos como Diógenes Chávez o Lelio Olarte, fueron autores que poseían conocimientos musicales inclusive armonía y composición y que crearon intermezzos, gavotas, valses, marchas, pasillos, bambucos, guabinas y otros ritmos. Igualmente, Arturo Patiño integró en 1909 un quinteto en compañía de Alejandro Willis, Jerónimo Velázquez, José María Forero y Ernesto Neira, una agrupación muy recordada por la sociedad bogotana de la época. En el catálogo de discos Victor existen muchas grabaciones en las que Arturo Patiño aparece no sólo como compositor, instrumentista o director de orquesta, sino también como cantante, por ejemplo en los años de 1920 y 1921 grabó varios discos de 78 rpm acompañado de Victor Justiniano o de Joaquín Forero; asimismo hay grabaciones desde 1927 y hasta 1930 en las que Patiño se acompaña vocalmente de otros cantantes mucho más conocidos en esa época como José Moriche o Margarita Cueto. Como compositor se destacan en el sello Victor canciones desde 1916 hasta 1930, entre las que podemos mencionar “Yo soy un pobre mendigo”, “Cuca”, “Furtiva”, “Indiana”, “Mirada melancólica” y otros títulos que le grabaron entre otros intérpretes, el ya mencionado Víctor Justiniano Rosales, Jorge Añez, Joaquín Forero, Margarita Cueto, la Orquesta Internacional, Edward Sobarzo's Orchestra, José Moriche, Juan Pulido, Orquesta Setaro, Cuarteto Mixto, entre otros.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 27 de OCTUBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 16 de octubre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE OCTUBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE OCTUBRE DE 2017
* “La golondrina”, antiquísima canción con música de Narciso Serradel
* Luis P. Saldaña, El cancionero de Ensueño, canta Sufro y Pensamiento
* Además, en el Rinconcito Arrabalero, recuerdos de Eduardo Bianco. En la Carpa, el cómico uruguayo Verdaguer. Desde Yucatán,  Alfredo Aguilar Alfaro y Juan Acereto
* En la Cadena del Recuerdo, desde Oaxaca, hablaremos de La chilena y en la sección Una canción colombiana para el mundo, semblanza y canción en la voz de Noel Ramírez


1. Para recordar a Narciso Serradel, escucharemos una de las primeras grabaciones de la canción “La Golondrina”, en las voces del dueto Rosales y Robinson, del año de 1906, en la que destaca una letra diferente a la que conocemos hoy. Una de las primeras grabaciones de "La Golondrina" fue realizada por el barítono estadounidense de origen español Emilio de Gogorza también en 1906, con música de Narciso Serradell y letra traducida del francés por Francisco Martínez de la Rosa y que dice lo siguiente: Aben Ahmed al partir de Granada. Su corazón traspasado sintió. Allá en la vega al perderla de vista. Con débil voz su lamento expreso. Mansión de amores, celestial paraíso. Nací en tu seno, so mil dichas gocé. Voy a partir a lejanas regiones de donde nunca jamás yo volveré. Ciertamente la melodía de la canción es obra del mexicano exiliado a Francia Narciso Serradell Sevilla (Veracruz, 1843-1910), que la creó para presentarse a un concurso que ganó, pero con el título de “Las golondrinas”. Respecto al origen de la letra en que se basó Serradell, su historia es sorprendente. En un poema escrito en árabe, original del último rey abencerraje de las Alpujarras (Granada), Aben Humeya (1520-1569), éste versificaba con nostalgia la despedida de su tierra al huir tras ser vencido, con una dedicatoria final “al objeto de mi amor sublime”. Descubierto casualmente el texto siglos después por un investigador francés en Marrakech, se llegaron a hacer del mismo hasta tres versiones traducidas antes de que el escritor vizcaíno Niceto de Zamacois (1820-1885) hiciese la cuarta y más acertada versión del poema. Esta versión, impresa en una hoja de una vieja revista francesa junto a otros papeles de embalaje, fue la que aportó el texto definitivo que dio soporte a la música de Serradell. La canción compuesta en 1862 se convirtió en emblemática para los exiliados mexicanos en Francia durante la segunda mistad del siglo XIX.


2. Hace 76 años, el 26 de octubre de 1941, falleció el compositor Jorge del Moral. Nacido en la Ciudad de México el 23 de diciembre de 1900, el compositor Jorge del Moral Ugarte hizo estudios en Alemania en donde conoció y trató al gran compositor Arnold Schöenberg. Además tuvo la satisfacción de que la Casa Polydor le grabara sus primeras canciones. A finales de 1929, Jorge del Moral regresó a México para formar parte de ese gran grupo de compositores que ya comenzaban a despuntar en la canción popular junto a Gonzalo Curiel, Joaquín Pardavé, Agustín Lara y otros. Del Moral ofreció un concierto de piano en el Anfiteatro Bolívar de la capital mexicana en donde interpretó obras del alemán Nierman. Ahí demuestra sus facultades y los ojos de los críticos se empiezan a fijar en él. Para 1930 ya lo vemos intervenir en concursos como el Ann Harding. Del Moral concursó con el bello vals “Divina mujer” interpretado por Néstor Mesta Chaires. Según cuenta Sergio Nuño, el 19 de septiembre de 1930 en el Cinema Imperial, el vals de Del Moral obtuvo el segundo lugar, aunque el público no quedó contento con el fallo, ya que consideraban esa composición como más melódica y más bella que la que obtuvo el primer lugar que correspondió a Carlos Espinoza de los Montero. Jorge del Moral obtuvo también un contrato para formar parte de la naciente emisora XEW.

3. Este viernes recordaremos la voz del cantante ya olvidado Luis P. Saldaña: “Sufro” y “Pensamiento”. Gracias a la colaboración de los amigos Don Luis Chapa y Roger Antonio Ramos seguimos disfrutando de grabaciones sorprendentes, en este caso de este cantante que hizo historia dentro del bolero en México allá por los años cuarentas. Se trata de discos hechos para el sello Vocalion en los que Saldaña hace mancuerna artística con el compositor Gabriel Ruiz, quien también acompaña en el piano. Los temas que escucharemos fueron grabados en el año de 1936. Como ya lo habíamos comentado en estas páginas, Luis P. Saldaña fue un intérprete que destacó principalmente en la radio en los años treinta y cuarentas, especialmente en la emisora XEB. Existen muchas grabaciones que este cantante realizó principalmente de temas compuestos por Gabriel Ruiz, quien lo acompañaba al piano en la mayoría de las grabaciones. Luis P. Saldaña, quien era un tenorino (en la ópera el tenorino es el tenor de voz pequeña, joven y blanca, al que se confían roles usualmente secundarios) de buena voz, grabó varios boleros. En los Estados Unidos sus grabaciones se editaron para el sello Vocalion. Fue de los primeros que cantó temas y jingles publicitarios entre los que destaca el pregón publicitario “Calzado Neyra”, que grabó en 1939 acompañado de la Orquesta del yucateco José Gamboa Ceballos. Según el libro Bolero, escrito por Pablo Dueñas, Luis P. Saldaña fue llamado “El Cancionero de Ensueño”. (Foto de Luis P. Saldaña y Lydia Fernández: AMEF).

4. En la sección Rinconcito arrabalero recordaremos desde Argentina al  violinista, compositor y director de orquesta Eduardo Bianco, fallecido el 26 de octubre de 1959. Escribe Néstor Pinsón en todotango.com que desde pequeño, Bianco tuvo una formación clásica, estudió violín en su ciudad natal, Rosario, Provincia de Santa Fe. Ya muchacho, marchó a Buenos Aires para incorporarse a alguna orquesta, pero según propia confesión, la suerte le fue esquiva. Entonces, decidió probar fortuna en París. Pero no fue uno más, enseguida interpretó el gusto del público y le dio a sus tangos ese sabor europeo. Su intención no era ser un muchacho de orquesta sino formar la suya propia por lo que llamó a Juan Bautista Deambroggio, (Bachicha), que estaba en Marsella. Había sido primer bandoneón de Roberto Firpo y un músico con excelente formación para la época. Juntos formaron la Orquesta Típica Bianco-Bachicha e inauguraron el Cabaret Palermo, ubicado en la planta baja del ya famoso El Garrón. Entre los vocalistas que pasaron por la orquesta, podemos citar a Teresita Asprella, César Alberú, Juan Raggi y el propio Bianco, como solista o haciendo dúos con Pettorossi, con Raggi, e incluso en un tema humorístico cantan juntos Bachicha y Melfi. Aquellos tiempos daban para todo, divertían al público y se divertían entre ellos. En 1928 la formación titular de su orquesta era: Bianco (violín y dirección), Juan Pecci (violín), Miguel Bonano, Lotito, Mario Melfi y Manuel Bianco (bandoneones), Horacio Pettorossi(guitarra), José Cohan (piano).

5. El 29 de octubre de 1930 nació en Mérida, Yucatán, Juan Acereto Manzanilla, una de las voces más bellas y frescas que la tierra del Mayab ha dado. Desde muy joven aprendió el arte de la guitarra, pues a la edad de 21 años, las calles meridanas lo sorprenden llevando sus primeras serenatas. Trasladó su residencia durante algún tiempo a la capital de la república donde conoció y admiró la música de María Greever, Agustín Lara y Gonzalo Curiel. En 1956 regresa a Mérida, formando dueto con el compositor y trovador Pastor Cervera Rosado. Ese mismo año se presenta ante la Sociedad Artística Ricardo Palmerín con el bolero “Cautivo de amor”, de su propia inspiración. En 1958 integra el trío “Los trovadores del Mayab” con Jorge Torre Ballote y Felipe Domínguez Romero, grabando con esta agrupación el disco titulado Los Trovadores del Mayab, en la casa disquera Musart de la ciudad de México con canciones de Manuel Montes de Oca, Ermilo Padrón, Ernesto Rangel, Fausto Cámara, José León Bojórquez, etcétera, así como tres temas de su propia inspiración. En 1962 graba en la casa disquera Orfeón el disco “Mujer, Yucatán te canta”, acompañado por las voces y guitarras de Pastor Cervera y Felipe Domínguez así como otro acetato titulado “Nuestra Cita” interpretando sus propias canciones en varios ritmos con arreglos de Salvador Dávila Hernández y el Grupo Natacha. Juan Acereto falleció en la ciudad de Mérida, Yucatán a la edad de 60 años el 26 de octubre de 1991. (Información de José Felipe García Vargas con datos proporcionados por la Sra. Irma Cervera de Acereto en 2011).

6. En La Carpa oiremos a Juan Verdaguer, El señor del humor, fue un humorista y actor uruguayo residente en Argentina, que tuvo una destacada actuación en los escenarios de América Latina, nació en Montevideo el 30 de Julio de 1915. Cultor de un fino humor y considerado como el mejor autor de chistes de salón. Hijo de una familia de artistas, Verdaguer se caracterizó por la seriedad con que contaba los chistes y por utilizar las figuras de la esposa y la suegra como protagonistas. Inició su trayectoria a los 12 años en un circo, donde se destacó como malabarista y violinista. Años después, ya en Buenos Aires, su desempeño en el teatro de revistas le permitió ganar popularidad en la céntrica avenida Corrientes y luego saltar al cine y a la televisión para su consagración definitiva. Verdaguer intervino en ocho películas.  Con el humor pasó por innumerables revistas y se mantuvo en televisión diez años seguidos (1960/1970) para proyectarse como uno de los grandes contadores de chistes. Su última actuación fue en la ciudad bonaerense de San Nicolás. Cuando se le preguntaba por su estilo de humor, su respuesta favorita era: “Asaltan a un hombre y lo dejan completamente desnudo, eso es comicidad. En cambio, si lo dejan en camiseta y calzoncillos, es humorismo. Yo hago humorismo, porque prefiero que la gente se quede, por lo menos, en ropa interior”. “El Señor del Humor”, como se lo conocía en el ambiente, había debutado en 1932 en un circo y actuó en él durante varios años para luego, como comediante, presentarse en México, Estados Unidos, Colombia y España, entre otros países. Recorrió América con esa exótica y arriesgada habilidad para permanecer durante horas en el último travesaño de una escalera de cinco metros de alto y una sola hoja. “Para hacer esta prueba no debo comer. Y para poder comer debo hacer esta prueba”, evocaba con su cinismo sarcástico.

7. Alfredo Aguilar Alfaro nació en la población de Calotmul, Yucatán el 20 de Octubre de 1902. Ante las necesidades económicas de la familia comenzó a trabajar, en 1916, en la Droguería Díaz. Se mantuvo durante cinco años en este empleo hasta que en 1921 trasladó su domicilio a la ciudad de México en donde laboró para la Droguería Echeverría por un periodo de cuatro años. Posteriormente fue contratado por los “Laboratorios Mexicanos Colliere” donde se desempeñó por espacio de cuarenta años hasta jubilarse. En abril de 1965 al fundarse el diario “Novedades de Yucatán” colaboró en éste, primero como escritor y posteriormente como Director del suplemento cultural “Artes y Letras” del cual fue director honorario hasta su muerte. Sus primeros libros fueron “De mis senderos” y “La divina ociosidad” editados ambos en la Ciudad de México el primero en 1928 y el segundo en 1940. Fueron muy pocos los versos de Alfredo Aguilar Alfaro que fueron convertidos en canción, siendo el tema más conocido “Ojos tristes” que fue musicalizado por Guty Cárdenas. Otras canciones con letra suya son “En un minuto de ilusión” musicalizada por Ricardo Palmerín y a la que Guty pensaba ponerle música, cosa que no llegó a ocurrir debido a su inesperado asesinato. Este mismo poema fue musicalizado por Ermilo Padrón, José Díaz Bolio y José Antonio Castillo. Jesús Haro y Tamariz musicalizó su poema “Ya nunca más”; El Chel Solís, “Solamente una vez”; Héctor Aguilar Quiroz, “Sublime visión”; Fausto Cámara Zavala “Beso Santo”; Carlos Cadena, “Como blancas magnolias”; Manuel López Barbeito “Como pétalo en la flor” y “Dos luceros”; Ricardo Pasos Peniche, “Los bucles de tu pelo”; y Pepe Domínguez, “Por el camino y la huella”. Alfredo Aguilar Alfaro falleció a la edad de 84 años el 11 de Noviembre de 1986. (Con datos de Beatriz Heredia Morales en www.trovadores-yucatecos.com).

8. En la sección La cadena del recuerdo, Fernando Merino Reyes, desde la emisora XEJAM, La Voz de la Costa Chica de Santiago Jamiltepec, Oaxaca, México, en los 1260 Kilohertz de AM nos presentará una cápsula en la que nos hablará de la chilena. La chilena es un género musical mexicano de la región de la Costa Chica, zona junto al océano Pacífico entre los estados mexicanos de Guerrero y Oaxaca, aunque su influencia se extiende a otras regiones cercanas. Se originó a partir de la cueca chilena, de allí su nombre, baile que fue llevado por marinos chilenos en 1822 y luego por inmigrantes chilenos entre 1848 y 1855, durante el auge de la fiebre del oro de California, quienes pasaron por los puertos de Acapulco en Guerrero; Puerto Ángel, Huatulco y Puerto Escondido en Oaxaca. En otros estados de la República Mexicana, así como en Estados Unidos, la chilena llegó a implementarse como un género musical más debido a las migraciones en masa de pobladores provenientes de las regiones de la costa durante las décadas de 1980 y de 1990. Está emparentada con géneros musicales mexicanos como el son calentano, son de tarima de Tixtla y el son de artesa, así como con la zamba argentina, y la zamacueca y la marinera norteña peruanas. Aunque la chilena lleva en su nombre un indicio de sus orígenes, se trata de un género que nació de la mezcla de la música traída por los marineros chilenos y de las tradiciones mestizas de la región sureña de México. Es el género representativo de la llamada Costa Chica y se practica tanto por los grupos mestizos como indígenas.

9. Este viernes recordaremos en la sección Una canción colombiana para el mundo, producida desde Bogotá por el coleccionista Alberto Cardona Libreros, al cantante colombiano Noel Ramírez, estrella de la canción popular. Noel Ramírez nació el 11 de abril de 1921 en Quindío, Colombia. Noel Ramírez de 14 años, aprende a tocar la guitarra, y con su hermana Aura forman un dúo que es solicitado para amenizar, las fiestas de los vecinos: cumpleaños, serenatas y las tertulias familiares. Para su fortuna llegan a la vecindad dos guitarristas: José Mosquera y Alfredo Santa y conforman el Trío Mosquera, con quienes da sus primeros pasos como artista que cobra por cantar. Pero como primero es la familia, se desintegra el trío y el dueto de los hermanos Ramírez es él que causa sensación, y su calidad es comentada en Pereira. Los hermanos Arango los contratan para que actúen en la Emisora La Voz de Pereira, para audiciones de la mañana y la tarde, y los sábados en el radio teatro, el éxito se multiplica y los eleva tanto, que el contrato se alarga por un año. Luego Noel entraría en el rosario de dúos, tríos y conjuntos, complementado con la cantidad de orquestas que lo acompañaron como solista. Luego sería la primera voz de “El trío Grancolombiano”, con Nano Molina y Renán Salazar. Noel Ramírez cantó en las emisoras más potentes de las tres cadenas radiales de Colombia.  Y en la ciudad de Panamá actuó en 20 audiciones internacionales en la emisora “Radio Continental” con la dirección de Carlos Eleta Almarán. (Con datos tomados de www.eldiario.com.co; Foto: biografiasantioquia.blogspot.com).

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 20 de OCTUBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.