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lunes, 16 de octubre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE OCTUBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE OCTUBRE DE 2017
* “La golondrina”, antiquísima canción con música de Narciso Serradel
* Luis P. Saldaña, El cancionero de Ensueño, canta Sufro y Pensamiento
* Además, en el Rinconcito Arrabalero, recuerdos de Eduardo Bianco. En la Carpa, el cómico uruguayo Verdaguer. Desde Yucatán,  Alfredo Aguilar Alfaro y Juan Acereto
* En la Cadena del Recuerdo, desde Oaxaca, hablaremos de La chilena y en la sección Una canción colombiana para el mundo, semblanza y canción en la voz de Noel Ramírez


1. Para recordar a Narciso Serradel, escucharemos una de las primeras grabaciones de la canción “La Golondrina”, en las voces del dueto Rosales y Robinson, del año de 1906, en la que destaca una letra diferente a la que conocemos hoy. Una de las primeras grabaciones de "La Golondrina" fue realizada por el barítono estadounidense de origen español Emilio de Gogorza también en 1906, con música de Narciso Serradell y letra traducida del francés por Francisco Martínez de la Rosa y que dice lo siguiente: Aben Ahmed al partir de Granada. Su corazón traspasado sintió. Allá en la vega al perderla de vista. Con débil voz su lamento expreso. Mansión de amores, celestial paraíso. Nací en tu seno, so mil dichas gocé. Voy a partir a lejanas regiones de donde nunca jamás yo volveré. Ciertamente la melodía de la canción es obra del mexicano exiliado a Francia Narciso Serradell Sevilla (Veracruz, 1843-1910), que la creó para presentarse a un concurso que ganó, pero con el título de “Las golondrinas”. Respecto al origen de la letra en que se basó Serradell, su historia es sorprendente. En un poema escrito en árabe, original del último rey abencerraje de las Alpujarras (Granada), Aben Humeya (1520-1569), éste versificaba con nostalgia la despedida de su tierra al huir tras ser vencido, con una dedicatoria final “al objeto de mi amor sublime”. Descubierto casualmente el texto siglos después por un investigador francés en Marrakech, se llegaron a hacer del mismo hasta tres versiones traducidas antes de que el escritor vizcaíno Niceto de Zamacois (1820-1885) hiciese la cuarta y más acertada versión del poema. Esta versión, impresa en una hoja de una vieja revista francesa junto a otros papeles de embalaje, fue la que aportó el texto definitivo que dio soporte a la música de Serradell. La canción compuesta en 1862 se convirtió en emblemática para los exiliados mexicanos en Francia durante la segunda mistad del siglo XIX.


2. Hace 76 años, el 26 de octubre de 1941, falleció el compositor Jorge del Moral. Nacido en la Ciudad de México el 23 de diciembre de 1900, el compositor Jorge del Moral Ugarte hizo estudios en Alemania en donde conoció y trató al gran compositor Arnold Schöenberg. Además tuvo la satisfacción de que la Casa Polydor le grabara sus primeras canciones. A finales de 1929, Jorge del Moral regresó a México para formar parte de ese gran grupo de compositores que ya comenzaban a despuntar en la canción popular junto a Gonzalo Curiel, Joaquín Pardavé, Agustín Lara y otros. Del Moral ofreció un concierto de piano en el Anfiteatro Bolívar de la capital mexicana en donde interpretó obras del alemán Nierman. Ahí demuestra sus facultades y los ojos de los críticos se empiezan a fijar en él. Para 1930 ya lo vemos intervenir en concursos como el Ann Harding. Del Moral concursó con el bello vals “Divina mujer” interpretado por Néstor Mesta Chaires. Según cuenta Sergio Nuño, el 19 de septiembre de 1930 en el Cinema Imperial, el vals de Del Moral obtuvo el segundo lugar, aunque el público no quedó contento con el fallo, ya que consideraban esa composición como más melódica y más bella que la que obtuvo el primer lugar que correspondió a Carlos Espinoza de los Montero. Jorge del Moral obtuvo también un contrato para formar parte de la naciente emisora XEW.

3. Este viernes recordaremos la voz del cantante ya olvidado Luis P. Saldaña: “Sufro” y “Pensamiento”. Gracias a la colaboración de los amigos Don Luis Chapa y Roger Antonio Ramos seguimos disfrutando de grabaciones sorprendentes, en este caso de este cantante que hizo historia dentro del bolero en México allá por los años cuarentas. Se trata de discos hechos para el sello Vocalion en los que Saldaña hace mancuerna artística con el compositor Gabriel Ruiz, quien también acompaña en el piano. Los temas que escucharemos fueron grabados en el año de 1936. Como ya lo habíamos comentado en estas páginas, Luis P. Saldaña fue un intérprete que destacó principalmente en la radio en los años treinta y cuarentas, especialmente en la emisora XEB. Existen muchas grabaciones que este cantante realizó principalmente de temas compuestos por Gabriel Ruiz, quien lo acompañaba al piano en la mayoría de las grabaciones. Luis P. Saldaña, quien era un tenorino (en la ópera el tenorino es el tenor de voz pequeña, joven y blanca, al que se confían roles usualmente secundarios) de buena voz, grabó varios boleros. En los Estados Unidos sus grabaciones se editaron para el sello Vocalion. Fue de los primeros que cantó temas y jingles publicitarios entre los que destaca el pregón publicitario “Calzado Neyra”, que grabó en 1939 acompañado de la Orquesta del yucateco José Gamboa Ceballos. Según el libro Bolero, escrito por Pablo Dueñas, Luis P. Saldaña fue llamado “El Cancionero de Ensueño”. (Foto de Luis P. Saldaña y Lydia Fernández: AMEF).

4. En la sección Rinconcito arrabalero recordaremos desde Argentina al  violinista, compositor y director de orquesta Eduardo Bianco, fallecido el 26 de octubre de 1959. Escribe Néstor Pinsón en todotango.com que desde pequeño, Bianco tuvo una formación clásica, estudió violín en su ciudad natal, Rosario, Provincia de Santa Fe. Ya muchacho, marchó a Buenos Aires para incorporarse a alguna orquesta, pero según propia confesión, la suerte le fue esquiva. Entonces, decidió probar fortuna en París. Pero no fue uno más, enseguida interpretó el gusto del público y le dio a sus tangos ese sabor europeo. Su intención no era ser un muchacho de orquesta sino formar la suya propia por lo que llamó a Juan Bautista Deambroggio, (Bachicha), que estaba en Marsella. Había sido primer bandoneón de Roberto Firpo y un músico con excelente formación para la época. Juntos formaron la Orquesta Típica Bianco-Bachicha e inauguraron el Cabaret Palermo, ubicado en la planta baja del ya famoso El Garrón. Entre los vocalistas que pasaron por la orquesta, podemos citar a Teresita Asprella, César Alberú, Juan Raggi y el propio Bianco, como solista o haciendo dúos con Pettorossi, con Raggi, e incluso en un tema humorístico cantan juntos Bachicha y Melfi. Aquellos tiempos daban para todo, divertían al público y se divertían entre ellos. En 1928 la formación titular de su orquesta era: Bianco (violín y dirección), Juan Pecci (violín), Miguel Bonano, Lotito, Mario Melfi y Manuel Bianco (bandoneones), Horacio Pettorossi(guitarra), José Cohan (piano).

5. El 29 de octubre de 1930 nació en Mérida, Yucatán, Juan Acereto Manzanilla, una de las voces más bellas y frescas que la tierra del Mayab ha dado. Desde muy joven aprendió el arte de la guitarra, pues a la edad de 21 años, las calles meridanas lo sorprenden llevando sus primeras serenatas. Trasladó su residencia durante algún tiempo a la capital de la república donde conoció y admiró la música de María Greever, Agustín Lara y Gonzalo Curiel. En 1956 regresa a Mérida, formando dueto con el compositor y trovador Pastor Cervera Rosado. Ese mismo año se presenta ante la Sociedad Artística Ricardo Palmerín con el bolero “Cautivo de amor”, de su propia inspiración. En 1958 integra el trío “Los trovadores del Mayab” con Jorge Torre Ballote y Felipe Domínguez Romero, grabando con esta agrupación el disco titulado Los Trovadores del Mayab, en la casa disquera Musart de la ciudad de México con canciones de Manuel Montes de Oca, Ermilo Padrón, Ernesto Rangel, Fausto Cámara, José León Bojórquez, etcétera, así como tres temas de su propia inspiración. En 1962 graba en la casa disquera Orfeón el disco “Mujer, Yucatán te canta”, acompañado por las voces y guitarras de Pastor Cervera y Felipe Domínguez así como otro acetato titulado “Nuestra Cita” interpretando sus propias canciones en varios ritmos con arreglos de Salvador Dávila Hernández y el Grupo Natacha. Juan Acereto falleció en la ciudad de Mérida, Yucatán a la edad de 60 años el 26 de octubre de 1991. (Información de José Felipe García Vargas con datos proporcionados por la Sra. Irma Cervera de Acereto en 2011).

6. En La Carpa oiremos a Juan Verdaguer, El señor del humor, fue un humorista y actor uruguayo residente en Argentina, que tuvo una destacada actuación en los escenarios de América Latina, nació en Montevideo el 30 de Julio de 1915. Cultor de un fino humor y considerado como el mejor autor de chistes de salón. Hijo de una familia de artistas, Verdaguer se caracterizó por la seriedad con que contaba los chistes y por utilizar las figuras de la esposa y la suegra como protagonistas. Inició su trayectoria a los 12 años en un circo, donde se destacó como malabarista y violinista. Años después, ya en Buenos Aires, su desempeño en el teatro de revistas le permitió ganar popularidad en la céntrica avenida Corrientes y luego saltar al cine y a la televisión para su consagración definitiva. Verdaguer intervino en ocho películas.  Con el humor pasó por innumerables revistas y se mantuvo en televisión diez años seguidos (1960/1970) para proyectarse como uno de los grandes contadores de chistes. Su última actuación fue en la ciudad bonaerense de San Nicolás. Cuando se le preguntaba por su estilo de humor, su respuesta favorita era: “Asaltan a un hombre y lo dejan completamente desnudo, eso es comicidad. En cambio, si lo dejan en camiseta y calzoncillos, es humorismo. Yo hago humorismo, porque prefiero que la gente se quede, por lo menos, en ropa interior”. “El Señor del Humor”, como se lo conocía en el ambiente, había debutado en 1932 en un circo y actuó en él durante varios años para luego, como comediante, presentarse en México, Estados Unidos, Colombia y España, entre otros países. Recorrió América con esa exótica y arriesgada habilidad para permanecer durante horas en el último travesaño de una escalera de cinco metros de alto y una sola hoja. “Para hacer esta prueba no debo comer. Y para poder comer debo hacer esta prueba”, evocaba con su cinismo sarcástico.

7. Alfredo Aguilar Alfaro nació en la población de Calotmul, Yucatán el 20 de Octubre de 1902. Ante las necesidades económicas de la familia comenzó a trabajar, en 1916, en la Droguería Díaz. Se mantuvo durante cinco años en este empleo hasta que en 1921 trasladó su domicilio a la ciudad de México en donde laboró para la Droguería Echeverría por un periodo de cuatro años. Posteriormente fue contratado por los “Laboratorios Mexicanos Colliere” donde se desempeñó por espacio de cuarenta años hasta jubilarse. En abril de 1965 al fundarse el diario “Novedades de Yucatán” colaboró en éste, primero como escritor y posteriormente como Director del suplemento cultural “Artes y Letras” del cual fue director honorario hasta su muerte. Sus primeros libros fueron “De mis senderos” y “La divina ociosidad” editados ambos en la Ciudad de México el primero en 1928 y el segundo en 1940. Fueron muy pocos los versos de Alfredo Aguilar Alfaro que fueron convertidos en canción, siendo el tema más conocido “Ojos tristes” que fue musicalizado por Guty Cárdenas. Otras canciones con letra suya son “En un minuto de ilusión” musicalizada por Ricardo Palmerín y a la que Guty pensaba ponerle música, cosa que no llegó a ocurrir debido a su inesperado asesinato. Este mismo poema fue musicalizado por Ermilo Padrón, José Díaz Bolio y José Antonio Castillo. Jesús Haro y Tamariz musicalizó su poema “Ya nunca más”; El Chel Solís, “Solamente una vez”; Héctor Aguilar Quiroz, “Sublime visión”; Fausto Cámara Zavala “Beso Santo”; Carlos Cadena, “Como blancas magnolias”; Manuel López Barbeito “Como pétalo en la flor” y “Dos luceros”; Ricardo Pasos Peniche, “Los bucles de tu pelo”; y Pepe Domínguez, “Por el camino y la huella”. Alfredo Aguilar Alfaro falleció a la edad de 84 años el 11 de Noviembre de 1986. (Con datos de Beatriz Heredia Morales en www.trovadores-yucatecos.com).

8. En la sección La cadena del recuerdo, Fernando Merino Reyes, desde la emisora XEJAM, La Voz de la Costa Chica de Santiago Jamiltepec, Oaxaca, México, en los 1260 Kilohertz de AM nos presentará una cápsula en la que nos hablará de la chilena. La chilena es un género musical mexicano de la región de la Costa Chica, zona junto al océano Pacífico entre los estados mexicanos de Guerrero y Oaxaca, aunque su influencia se extiende a otras regiones cercanas. Se originó a partir de la cueca chilena, de allí su nombre, baile que fue llevado por marinos chilenos en 1822 y luego por inmigrantes chilenos entre 1848 y 1855, durante el auge de la fiebre del oro de California, quienes pasaron por los puertos de Acapulco en Guerrero; Puerto Ángel, Huatulco y Puerto Escondido en Oaxaca. En otros estados de la República Mexicana, así como en Estados Unidos, la chilena llegó a implementarse como un género musical más debido a las migraciones en masa de pobladores provenientes de las regiones de la costa durante las décadas de 1980 y de 1990. Está emparentada con géneros musicales mexicanos como el son calentano, son de tarima de Tixtla y el son de artesa, así como con la zamba argentina, y la zamacueca y la marinera norteña peruanas. Aunque la chilena lleva en su nombre un indicio de sus orígenes, se trata de un género que nació de la mezcla de la música traída por los marineros chilenos y de las tradiciones mestizas de la región sureña de México. Es el género representativo de la llamada Costa Chica y se practica tanto por los grupos mestizos como indígenas.

9. Este viernes recordaremos en la sección Una canción colombiana para el mundo, producida desde Bogotá por el coleccionista Alberto Cardona Libreros, al cantante colombiano Noel Ramírez, estrella de la canción popular. Noel Ramírez nació el 11 de abril de 1921 en Quindío, Colombia. Noel Ramírez de 14 años, aprende a tocar la guitarra, y con su hermana Aura forman un dúo que es solicitado para amenizar, las fiestas de los vecinos: cumpleaños, serenatas y las tertulias familiares. Para su fortuna llegan a la vecindad dos guitarristas: José Mosquera y Alfredo Santa y conforman el Trío Mosquera, con quienes da sus primeros pasos como artista que cobra por cantar. Pero como primero es la familia, se desintegra el trío y el dueto de los hermanos Ramírez es él que causa sensación, y su calidad es comentada en Pereira. Los hermanos Arango los contratan para que actúen en la Emisora La Voz de Pereira, para audiciones de la mañana y la tarde, y los sábados en el radio teatro, el éxito se multiplica y los eleva tanto, que el contrato se alarga por un año. Luego Noel entraría en el rosario de dúos, tríos y conjuntos, complementado con la cantidad de orquestas que lo acompañaron como solista. Luego sería la primera voz de “El trío Grancolombiano”, con Nano Molina y Renán Salazar. Noel Ramírez cantó en las emisoras más potentes de las tres cadenas radiales de Colombia.  Y en la ciudad de Panamá actuó en 20 audiciones internacionales en la emisora “Radio Continental” con la dirección de Carlos Eleta Almarán. (Con datos tomados de www.eldiario.com.co; Foto: biografiasantioquia.blogspot.com).

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 20 de OCTUBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 9 de octubre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 13 DE OCTUBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 13 DE OCTUBRE DE 2017
* Escucharemos canciones dedicadas a la luna
* Entrevista con Gabriel Solís, hijo de Javier Solís
* Además, Anoche hable con la luna y Vieja luna de Orlando de la Rosa. Desde Guatemala, Luna de Xelajú. La canción Luna de octubre, de José A. Michel, con el Dueto Azteca. En el Rinconcito arrabalero, Hugo del Carril canta Luna Arrabalera. De Tony Fergo es Luna lunera
* En la sección Una canción colombiana para el mundo, una semblanza de Terig Tucci

1. Dice la canción interpretada por los Hermanos Michel, que de las lunas, la de octubre es más hermosa, por lo que este viernes dedicaremos el programa a escuchar canciones que hablan de la luna. El sitio de internet www.poesianocturna.wordpress.com se pregunta ¿Qué es la luna para un poeta? Depende de en qué está inspirado el mismo. Depende de cómo sea tal inspiración y cuán apasionante es. La luna no tiene definición exacta en lo que respecta a algún tema literario, suele ser una musa, una representación romántica, filosófica, enigmática. Hay que ir más allá… Una inspiración… Una basta y sobra para definir, según el corazón, qué es la luna para cualquier poeta. La luna representa la belleza milenaria de un amor, cualquier amor, pero que sea eso, amor. No un enamoramiento solitario, imposible y hasta obtuso, sino amor de verdad. Desde, quizás, el primer amor que suscito en este planeta, el hombre de ingenioso relacionó a su amor con la luna. Es tan hermosa aquellas apariciones que hace, que crea el mismo sentimiento del amar a alguien. Dejando el tecnicismo, la luna, como la mejor referencia, se ha convertido hasta en una musa autónoma.

2. La Luna es el único satélite natural de la Tierra. Con un diámetro ecuatorial de 3474 km, es el quinto satélite más grande del Sistema Solar, mientras que en cuanto al tamaño proporcional respecto de su planeta es el satélite más grande: un cuarto del diámetro de la Tierra y 1/81 de su masa. Después de Ío, es además el segundo satélite más denso. Se encuentra en relación síncrona con la Tierra, siempre mostrando la misma cara hacia el planeta. El hemisferio visible está marcado con oscuros mares lunares de origen volcánico entre las brillantes montañas antiguas y los destacados astroblemas. A pesar de ser en apariencia el objeto más brillante en el cielo después del Sol, su superficie es en realidad muy oscura, con una reflexión similar a la del carbón. Su prominencia en el cielo y su ciclo regular de fases han hecho de la Luna un objeto con importante influencia cultural desde la antigüedad tanto en el lenguaje, como en el calendario, el arte o la mitología. La influencia gravitatoria de la Luna produce las mareas y el aumento de la duración del día. La distancia orbital de la Luna, cerca de treinta veces el diámetro de la Tierra, hace que se vea en el cielo con el mismo tamaño que el Sol y permite que la Luna cubra exactamente al Sol en los eclipses solares totales.

3. El compositor cubano Orlando de la Rosa Valenzuela nació el 15 de abril de 1919 en La Habana. Es autor de dos canciones dedicadas a la luna: "Anoche hablé con la luna" y "Vieja luna". En 1935 ingresó en la Asociación de Artistas Teatrales de Cuba. Trabajó como pianista repertorista en la estación CMQ Radio y en el Teatro Alcázar, bajo la dirección orquestal de Rodrigo Prats. Destacaban en sus primeras creaciones la fluidez e independencia de la línea melódica en relación con el ritmo, aspecto que las alejaban del bolero tradicional y avisaban un cambio importante en el género. De la Rosa grabó en México a inicios de la década de 1950 un disco de larga duración de diez pulgadas para la firma Musart titulado Rapsodia Panamericana en el cual reveló sus dotes como pianista: interpretó al piano, de manera ininterrumpida, una veintena de conocidas canciones del hemisferio, desde tangos argentinos, rumbas cubanas, boleros y canciones, chachachás y mambos, en forma de popurrí. El 15 de noviembre de 1957 falleció en La Habana. De su inspiración escucharemos el bolero “Vieja luna” con la voz del cantante argentino Hugo Romani y "Anoche hablé con la luna", en la voz de Ramón Armegod.

4. "Luna de Xelajú" es un popular vals-canción de Guatemala que puede ser interpretado en la marimba o cualquier otro instrumento. Fue compuesto por Paco Pérez (1917-1951), cantante nacido en Huehuetenango y activo en Quetzaltenango, que con esta composición ganó el tercer lugar en un concurso de canto a nivel nacional en 1944, en el Teatro Capitol. Xelajú es el nombre utilizado por los Mayas para la ciudad guatemalteca de Quetzaltenango. La canción fue dedicada a Eugenia Cohen, una bella dama judía que enamoró al compositor pero luego le abandonó por el rechazo de sus padres a la relación. La heredera legítima de este legado vive aún en Quetzaltenango y la Ciudad de Guatemala. Todas las grandes orquestas de marimba en Guatemala la han tocado con gran éxito. A pesar de que es común que sólo se interprete instrumentalmente ya sea en marimba, piano o conjunto instrumental, la canción tiene letra y a menudo se canta a coro. Muchos artistas a nivel mundial han interpretado de una u otra manera esta canción, entre los que están trío Los Dandys de México, Pepe Aguilar, Carlos Peña, Gaby Moreno entre otros, es pieza infaltable en los conciertos de marimba y porra preferida de los aficionados del Xelajú M. C. equipo de fútbol de la ciudad de Quetzaltenango.

5. Uno de los temas dedicados a las lunas más conocido es "Luna lunera", compuesta por el cubano Tony Fergo. Antonio Fernández Gómez nació el 13 de enero de 1923. Locutor, escritor, publicista y compositor. Se inició en la radio en 1940 en la CMCQ La Habana, Cuba, con el seudónimo de Tony Fergo, que le acompañará toda la vida. En 1947 es seleccionado por la Asociación de la Crónica Radial Impresa (ACRI) como el compositor más destacado del año. En 1948 establece su propia agencia en Cuba, Fergo Arregui, con la cual logra el auge del jingle como elemento creativo. Paralelamente acepta en 1955 la Vice Presidencia de New York Sewing Machine Corp. y en 1957 se radica en Panamá con las metas de crear la industria publicitaria como base para el lanzamiento de la primera televisora, junto al magnate radiofónico Fernando Eleta Almarán. En la década de los cuarenta compone el bolero "Luna Lunera" , luego de que dos de sus amigos lo encerraran, bromeando, en un estudio de Radio Progreso, en La Habana. En ese entonces el célebre Gregorio Barrios le dice "dame eso que yo lo grabo", y el disco llegaría a Argentina, para destronar por una semana nada menos que al disco Volver de Carlos Gardel. El bolero amagándole al tango, en su propia cancha. En Panamá, por encargo de su buen amigo Omar Torrijos, creó la marcha ‘Panamá Primero’. ‘Oye Tony, hazme una de esas ‘musiquitas’ que tú haces’, le decía el General en una reunión con referencia a los famosos ‘jingles’ de Fergo.

6. En la sección Rinconcito Arrabalero, escucharemos los tangos "Luna de arrabal", en voz de Hugo del Carril y "Vieja luna", en la versión de la orquesta de Carlos Di Sarli. Piero Bruno Hugo Fontana nació en Buenos Aires, el 30 de noviembre de 1912 y murió en Buenos Aires, el 13 de agosto de 1989. Fue más conocido como Hugo del Carril.  Inició su carrera como actor y cantante de estribillos de tangos a los quince años y posteriormente formó el «Trío París» junto a Emilio Castaing y Martín Podestá. En los años treinta hizo dúo con un cantor amigo hasta la muerte de este años después, además de estudiar taquigrafía. En 1937 fue contratado para interpretar el tango Tiempos viejos en la película Los muchachos de antes no usaban gomina y entre 1938 y 1939 participó en Madreselva, La vida es un tango, Gente bien, El astro del tango y La vida de Carlos Gardel. En 1945 estrenó junto a Libertad Lamarque La cabalgata del circo, que contó con la participación de la futura primera dama Eva Duarte. Al año siguiente viajó a México, en donde permaneció hasta fines de la década de los cuarenta e interpretó numerosos tangos tales como Compadrón y Che, papusa, oí. Tras su regreso filmó Pobre mi madre querida, junto a Emma Gramatica y Aída Luz, e Historia del 900 junto a Sabina Olmos. Además, grabó la Marcha Peronista.

7. La canción "Luna de octubre", de José Antonio Michel, es una de los temas más bellos dedicados a este satélite natural de la tierra. Este viernes escucharemos la versión del Dueto Azteca, integrado por María Padilla, del Dueto Hermanas Padilla, y su esposo, Guillermo Quintero, que fue vocalista de algunos mariachis. Uno de los tríos mexicanos de renombre en la época dorada del bolero fue el Trío Hermanos Michel, integrado por Ignacio, Manuel y José Antonio Michel Santana, se inician artísticamente según palabras del propio José Antonio: como un pasatiempo después de cumplir sus labores en el campo. Originarios de Tonaya, Jalisco, se ponían a cantar y cuando logran un buen acoplamiento daban serenatas y deciden ir a la capital del país para probar suerte. Iniciaron su carrera cantando música de Agustín Lara, Gonzalo Curiel, Gabriel Ruiz, entre otros muchos más pero también interpretaban el género ranchero así como el vals que fue lo que caracterizo a este trío, el compositor de muchas de las melodías que interpretaron fueron de la autoría de José Antonio como por ejemplo “Luna de Octubre” que fue la canción que más éxito tuvo, aunque también compuso huapangos, pasodobles, boleros y otro géneros musicales. José Antonio Michel Santana estudió algunos años en la Escuela Superior Nocturna de Música, por lo tanto tocaba piano, guitarra, contrabajo, guitarrón y otros instrumentos más, dio además algunos conciertos de piano.

8. Este viernes presentaremos una entrevista con Gabriel Solís, hijo del cantante Javier Solís, quien alguna vez mencionó que llevar el apellido de su padre, más que una ventaja, ha sido un obstáculo para destacar en la música, sin embargo, afirmó sentirse orgulloso de haber tenido un padre tan querido, que a pesar de los años sigue vivo en la memoria de la gente. "Mucha gente me pregunta cuáles son los recuerdos de mi padre, pero he de confesar que son muy pocos, pues cuando él murió yo tenía cuatro años. Sin embargo, toda mi vida la he pasado con su recuerdo y con todo lo que vivió junto a mi madre, él murió joven, pero me cuenta mi mamá que era un hombre muy cariñoso con nosotros". Gabriel Solís ha seguido los pasos de su famoso padre en la música, sin embargo la suerte no le ha sonreído, pues confesó que si bien llevar el apellido Solís es un orgullo, a la vez ha sido muy complicado para su carrera. "Es un orgullo ser hijo de Javier Solís y llevar su sangre, pero en el aspecto profesional ha sido muy difícil para mí, porque al igual que otros compañeros hijos de artistas, se nos quiere comparar. Por ejemplo en mi caso, me dicen: "A ver, canta Sombras, pero como lo hacía tu papá", eso me pasa siempre que voy a trabajar y casi siempre antes de alguna actuación, tengo que decirle al público que les canto las canciones que pida pero a mi manera". "La voz de mi papá no la ha tenido nadie y quién sabe si algún día alguien pueda tener esa media voz, entonces, para mí si ha sido muy difícil abrirme camino en el ámbito profesional, pero por el lado emocional es un gran orgullo, decir que soy hijo de Javier Solís". (Con datos tomados de http://www.radioformula.com.mx).

9. Este viernes recordaremos en la sección Una canción colombiana para el mundo, producida desde Bogotá por el coleccionista Alberto Cardona Libreros, a Terig Tucci, nacido en Buenos Aires, el 23 de Junio de 1897, falleció el 28 de Febrero de 1973. Allí en su ciudad natal estudió en el conservatorio CESI, violín con Luis Vivoli y armonía y composición con Alfonso de María.  En 1924 el joven Tucci viaja a Nueva York, donde por desconocimiento del idioma inglés, se desempeña como albañil. En ese país, ya casado y debido a su constancia en estudiar el pentagrama, presenta varias de sus obras en la NBC y logra alcanzar el triunfo que tanto anhelaba.  En 1931,  acompaña con el trío Los Charros, que conforma con Juárez García (mexicano) y Antonio Francés (español), algunas grabaciones del dueto Briceño y Añez, para la RCA Víctor. Al año siguiente realizó grabaciones con la Estudiantina Colombiana Tucci, en la que estuvieron –en diversas etapas-  músicos de tanto prestigio como los colombianos Miguel Bocanegra  (violinista), Adolfo Mejía (guitarrista), Jorge Añez, (guitarrista y tiplista), Nano Rodrigo (vocalista), el catalán Antonio Frances (laudista) y los argentinos Remo Bolognini y Juan Carlos Cobián. Pero para coleccionistas y conocedores de nuestra música, las agrupaciones de Terig Tucci son las que mejor interpretan, a pesar el  tiempo, los temas vernáculos. Sus grabaciones son modelo de buen gusto interpretativo, tanto en lo instrumental como en el acompañamiento a importantísimos cantantes de la música popular latinoamericana, desde Gardel hasta Sadel, en una larguísima lista de vocalistas de tango, bolero, pasodoble, zarzuela, bambuco, pasillo y otros ritmos conocidos.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 13 de OCTUBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 2 de octubre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 06 DE OCTUBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 06 DE OCTUBRE DE 2017
* Pedro Galindo Galarza, trovador y compositor fallecido hace 28 años
* María Alma nació en la Ciudad de México y no en Monterrey
* Además, El Chansonier de Moda. Una voz muy característica y diferente: Gilberto Urquiza. Oiremos la desconocida voz de Marga Llergo. Desde Perú, Cuando llora mi guitarra, tema del compositor Augusto Polo. Canciones sobre el 12 de octubre y Cristóbal Colón
* En la sección La Cadena del recuerdo, la historia de la canción Motivo, de Italo Pizzolante; y en Una canción colombiana para el mundo, interpretación de Eduardo Armani

1. Pedro Galindo Galarza nació en la Ciudad de México el día 16 de agosto de 1906. Trovador huasteco que compuso canciones en casi todos los géneros; desde música ranchera hasta boleros. En 1933 formó el grupo Los Trovadores Chinacos junto con los hermanos Castillo. Pedro Galindo también fue productor, y actor de la época del cine de oro, mexicano, compartiendo escenarios con grandes personajes como María Félix, Emilio El Indio Fernández, Pedro Infante y Pedro Armendáriz, entre otros. Algunos títulos de sus películas como productor son: Al son del mambo, Juan Charrasqueado, El derecho de nacer, Cantando nace el amor, Carabina 30-30, Romeo contra Julieta, por citar sólo algunas. En el campo de la actuación participó en Doña Bárbara, Soy puro mexicano, Los de abajo y muchas otras. La Malagueña, canción que Pedro Galindo creó en coautoría con Elpidio Ramírez Burgos, ha sido uno de los tema más reconocidos mundialmente. Otro tema importante de Galindo es Virgen de Medianoche, que hiciera famoso Daniel Santos; esta canción forma parte de la cinta sonora de la película mexicana Mujeres Insumisas. Su canción Viva México, es una de las más interpretadas el 16 de septiembre y eventos patrióticos; cabe recalcar la pasión que este compositor sentía por sus raíces y su tierra. Pedro Galindo Galarza falleció el 8 de Octubre de 1989.


2. Según el sito de facebook dedicado a María Alma, ella nació en México, Distrito Federal el 6 de Octubre de 1915. María Alma pasó su infancia entre bambalinas con su madre Esther Río de la Loza, conocida artísticamente como Estela Ríos. María Alma venía de familia musical ya que su abuela Enriqueta Porchini fue cantante de ópera de las preferidas por el Presidente Porfirio Díaz y su bisabuela María Luisa Rodríguez se dedicaba a la composición y a la música sacra cantando en las Iglesias. Su carrera como compositora inicia en Monterrey, lugar que le tomó tanto cariño que inclusive llegó a decir que nació ahí y hasta adquirió una casa en Guadalupe Nuevo León. Ahí trabajó en las estaciones XEMR, XEH, XEFB, y posteriormente viajó a su natal México, D.F. en 1940, ingresando a la XEW.  La primera obra que compuso fue "Noche de mar," canción que compuso a los 12 años de edad y que fue grabada por la orquesta de Alan Roth. Sus obras que más satisfacciones le dieron, fueron "Compréndeme,". "Tuya",  fue el tema principal de la película "La mujer sin alma", que protagonizó María Félix. Su obra obtuvo importantes reconocimientos, como Discos de Oro y de Plata por "Compréndeme," "Tuya," "Perdí el Corazón," "Ya llegó el Vapor", "Si fuera una cualquiera", así como también “El papelerito” que fue tema principal de la película que lleva el mismo nombre siendo figura principal la actriz Sara García junto a otros reconocidos artistas. María Alma falleció en la plenitud de su actividad como cantante y compositora el 10 de mayo de 1955 en la ciudad de México su obra y legado musical permanece vivo por siempre. (Con datos y foto tomadas del Facebook dedicado a María Alma).



3. Ramón Armengod nació en Veracruz, Veracruz, el 10 de octubre de 1909 y murió en un accidente en la carretera Chilpancingo-Iguala, el 31 de  octubre de 1976. Cancionista. En 1931 decidió  consagrarse al canto. Debutó ese año en el teatro Lírico, con la compañía lírica y teatral de Roberto Soto. En esa época grabó su primer disco, acompañado al piano por Mario Ruiz Armengol. Poco después fue contratado por varias firmas disqueras y por la radiodifusora XEW, que lo hizo su artista exclusivo. Ramón Armengod fue hijo de padres españoles, desde muy joven había mostrado una gran habilidad para una carrera musical, pero a fin de no disgustar a sus padres, trabaja como dependiente de una joyería; sin embargo, a pesar de su esfuerzo, le fue imposible continuar en este trabajo y de nuevo volvió a la música. Cuando cumple 18 años de edad, Ramón hace su debut con la compañía de Margarita Carbajal en el Teatro Esperanza Iris, en la ciudad de México, interpretando la parte de un joven caballero en las operetas; a la par encontró un lugar en las famosas estaciones XEB y XEW. Su momento definitivo le llegó en 1935, cuando inicia en la XEW el programa "Melodías radiantes" y filma bajo la dirección de Fernando de Fuentes la película La familia Dressel, ambos eventos lo confirmaron como un artista de arraigo popular.



4. En la sección Cadena del recuerdo, desde Maracaibo, Venezuela, Félix Hurtado nos hablará de la historia de la canción "Motivo", escrita por el venezolano Italo Pizzolante, nacido en  Puerto Cabello, el 2 de diciembre de 1928  y fallecido en Valencia, el 12 de marzo de 2011. Fue un poeta, compositor, músico, profesor e ingeniero venezolano de ascendencia italiana. La vocación musical de Italo Pizzolante comenzó en el hogar durante reuniones familiares siguiendo las inclinaciones musicales de su padre. Probablemente su más conocida canción sea «Motivos» que ha sido interpretada por La Rondalla Venezolana, Los Panchos, Chucho Avellanet, Armando Manzanero, Alfredo Sadel y otros. Esta canción fue compuesta el primero de diciembre de 1965 para dedicarla a sus amigos en una fiesta. Otra canción popular de Pizzolante es «Mi Puerto Cabello», dedicada a su ciudad nativa. Fue cantada en la década de los sesenta por Felipe Pirela acompañado de la orquesta Billo's Caracas Boys. El 17 de julio de 1998 fue declarada como himno oficial de la ciudad de Puerto Cabello. Con la canción «Provincianita» de su autoría, Pizzolante ganó su primer premio en el Primer Concurso de Música Venezolana de la Universidad Central de Venezuela donde se graduó de ingeniero civil. Representó a Venezuela en 1992 en el Festival del Bolero en La Habana, Cuba, obteniendo el primer lugar.



5. Este viernes escucharemos algunas canciones de Gilberto Urquiza, que fue compositor, cantante y especial ejecutante de la guitarra, nació en Matanzas, Cuba, en el año de 1920. En el año de 1940 se fue a La Habana y formó un trío, teniendo éxito por la emisora RHC. María Argelia Vizcaíno, con base en datos de Rosendo Rosell en el Tomo III de Vida y Milagros de la Farándula en Cuba, relata  que El Trío Habana formado por Urquiza junto a Arca y García “obtenían merecidos triunfos en el país azteca” y  muestra su categoría al verlos retratados al lado del famosísimo Cantinflas. Agrega Cristóbal Díaz Ayala en la Enciclopedia de la Música que después de tener éxito por la emisora RHC, que los llevó por varios  países, se quedan definitivamente en México formando un nuevo trío llamado Urquiza, junto a los  mexicanos Roberto Hernández y Ángel González. En 1957 regresó a Cuba tratando de continuar su carrera allí, como invitado especial por Gaspar Pumarejo para actuar el 24 febrero de 1957, en el Estadio El Cerro, en el histórico espectáculo que denominó “50 años de música cubana,” a través del Circuito CMQ TV, donde se contrató a los más famosos artistas cubanos residentes en el extranjero, la mayoría de los cuales llevaban largos años ausentes de su patria. Sin embargo regresó a México siguiendo su carrera. Gilberto Urquiza compuso éxitos musicales como “Hola ¿qué tal?”, “El Redentor”, “Tonterías”, “Engáñame otra vez”, “Habladurías”, “Si me atreviera”, “Humillación” y otros. Gilberto Urquiza falleció en la capital azteca.



6. Puquio, ese simbólico distrito de la provincia de Lucanas, en el corazón del “Rincón de los Muertos” (Ayacucho), vio nacer a Augusto Armando Polo Campos, el 25 de febrero de 1932. Ya casi retirado de la actividad pública, su gran legado musical se impone a una vida no ajena a la polémica, la crítica y el escarnio. Llegó a Lima desde Ayacucho cuando apenas aprendía a caminar. Lo hizo de manos de su padre, Rodrigo Polo Alzamora, mayor del Ejército Peruano, y de su madre, la chiclayana Flor de María Campos, quien era guitarrista y amante de la música supo inculcar en el pequeño Augusto el amor y respeto por el espíritu criollo. De regreso a Lima, la tierra de su padre, la familia Polo Campos se instaló en el distrito del Rímac, donde recibía a parientes y amigos y se armaban grandes jaranas y peñas. Augusto vivió todo eso, pero también debió cuidar los carros estacionados para ganar algo y ayudar en su casa. Incluso se contaba la leyenda de que pudo escuchar, en su propia hogar, al dúo fundador del criollismo peruano, integrado por Eduardo Montes (voz) y César Manrique (voz y guitarra). En ese ambiente festivo y creativo no fue raro que el pequeño Augusto desarrollara luego sus indiscutibles habilidades para escribir versos e imaginárselos dando vida a sus canciones. Augusto Polo Campos dedico su vals "Cuando llora mi guitarra" a su madre y a todos los momentos que vivió junto a ella y en eso se inspiró pra componer esa canción. "Cuando llora mi guitarra", canción que dedica al gran amor de su vida: Flor de María Campos, su madre. (Con datos Carlos Batalla en http://elcomercio.pe).



7. Este viernes recordaremos en la sección Una canción colombiana para el mundo, producida desde Bogotá por el coleccionista Alberto Cardona Libreros,  al violinista y director de orquesta argentino Eduardo Armani, nacido en  Buenos Aires, el 22 de agosto de 1898 y fallecido ahí mismo el 13 de diciembre de 1970. En 1928 comenzó a cultivar el jazz, al unirse con el pianista René Cóspito, creando la Jazz Cóspito Armani. Permaneció cinco años, lapso durante el cual grabó discos para el sello RCA Víctor. Eduardo Armani tomó gran interés por las canciones escritas por autores colombianos y fue así que a partir del año 1940 hizo una serie de grabaciones para el sello Odeón de Buenos Aires, incluyendo temas de José Barros, Lucho Bermúdez, Jorge Monsalve (Marfil), Pacho Galán, Milciades Garavito y otros. La mayoría de estos temas son porros y pasillos que desde Colombia se enviaban a la capital Argentina para ser grabados por la orquesta de Eduardo Armani. Era la época en que en Buenos Aires estaba haciendo furor el porro colombiano. Existían tres orquestas especializadas en grabar nuestra música que eran la de Eduardo Armani, la de Eugenio Nobile y la del colombiano Efraín Orozco.  (Con datos de José Perilla en www.senalmemoria.co). La primera versión de "Santa Martha" fue grabada en Argentina en el sello Odeón, por la orquesta del argentino Eduardo Armani en 1945. La segunda versión fue grabada en Cartagena en el sello Fuentes, por la Orquesta del Caribe de Lucho Bermúdez y el canto de Pedro Collazo en 1946.



8. Este viernes escucharemos algunas canciones en la desconocida voz de la cantante Marga Llergo. Muy pocos datos tenemos de la cantante Marga Llergo, sin embargo en su enciclopedia discográfica de música cubana, de la Universidad Internacional de Florida, el investigador Cristóbal Díaz Ayala menciona que ella era una cantante mexicana, hija del también cantante cubano Negrito Chevalier. En nuestro programa la hemos presentado interpretando algunas canciones extraídas de un programa de la emisora XEW del año de 1955 patrocinado por la embotelladora Canadá Dry. En ese programa participaron además Nicolás Urcelay y las Tres Conchitas. La conducción corrió a cargo de Maricruz Olivier, Rubén Zepeda Novelo y Raúl Astor. En esa emisión incluso Marga Llergo canta en idioma francés, sobre esto último, el Luis Ángel Silva, el famoso Melón, en una de sus columnas del Diario La Jornada destaca que la cantante hablaba este idioma de manera “sui generis”. Existen muchas grabaciones de los años cuarenta en 78 rpm con la voz de Marga Llergo, principalmente de temas cubanos, boleros e incluso rancheras, para los sellos Panamerican y Peerless, grabaciones en las que se acompañó de orquestas como la de Antonio Escobar, Rafael Méndez y Absalón Pérez, entre otras. Un artículo de la revista española Ritmo del año de 1948 destaca el triunfo de Llergo en El Posapoga de Madrid, que fue una sala de fiestas de situada en los bajos del cine Avenida, en el número 37 de la Gran Vía. Desde 1942 El Pasapoga se convirtió en una de las salas más importantes del país.


Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 06 de OCTUBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México.

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 25 de septiembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 29 DE SEPTIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 29 DE SEPTIEMBRE DE 2017
* Canciones del filme “Los hijos de don Venancio”,  a 117 años del nacimiento de Pardavé 
* Desde Colombia la voz de Víctor Hugo Ayala, entrevistado por Oscar Botero Franco
* Además, canciones de Lerdo de Tejada, nacido hace 148 años. La Chacha Aguilar murió hace 49 años. Desde Yucatán, recordaremos al letrista Manuel Alonso Díaz Massa. 1 de octubre: Día Mundial del Pasillo en Ecuador. Una anécdota del cantante  Eduardo Alexander.
* En la sección La Cadena del recuerdo, cómo nació Negra consentida; y en Una canción colombiana para el mundo, semblanza de Pedro Morales Pino

1. Este viernes recordaremos a Joaquín Pardavé, nacido el 30 de septiembre de 1900. Escucharemos en la sección La Carpa algunas canciones extraídas de la película Los hijos de Don Venancio, filmada en 1944. Sobre este filme, Joaquín Peña Aranda comenta que es una de tantas películas que tiene algo en particular, un elemento que vuelve loco al mundo: el futbol. Utilizaron imágenes reales hábilmente mezcladas con recreación. La primera vez que la vi me sorprendió la forma en que reproducían el ambiente de tribuna: gentío, gritos, lluvia de vasos, discusiones entre la fanaticada, disimuladas mentadas de madre.  Genuino.  Como buena película mexicana de los cuarentas, es todo un melodrama propio de su época e incluir a Horacio Casarín fue muy audaz.  En  ese entonces, Casarín era el ídolo futbol nacional – algunos le atribuyen haber sido el primero – y su incursión al cine resulta sobradamente peculiar (posiblemente, también, el primer futbolista en actuar).  Logra un desempeño aceptable si bien fue evidente que la actuación no era lo suyo. En contraste, se reclutó para la cinta a una buena camada de actores como Roberto Cañedo, Rafael Banquells, Victoria Argota, Alfredo Varela, Marilú y otros más quienes ofrecieron  un magnífico soporte histriónico. Los Hijos de Don Venancio se ha convertido, a la distancia, en un gran documento. Hasta donde se sabe, fue la primera película en nuestro país que incluyó una final de futbol en su trama. Conocido sobre todo como actor y recordado gracias a entrañables personajes del cine como Susanito Peñafiel o el Baisano Jalil, Joaquín Pardavé fue también un compositor de algunos éxitos del cancionero popular. 

2. Y precisamente en la sección La cadena del recuerdo escucharemos, a 117 años del nacimiento de Pardavé, una semblanza de cómo nació su canción “Negra consentida”. El investigador Pavel Granados, en un artículo escrito por Rosario Reyes en el diario El Financiero, comenta: “Él fue actor de teatro de revista, era muy chistoso y muy celebrado, nació de familia de actores y sabía de la música que gustaba, porque antes de la radio, el lugar natural de difusión era el teatro. En su obra, por un lado está la música campirana inspirada en Guty Cárdenas, una música melancólica, a veces chistosa, como en la canción Ventanita morada, pero sobre todo añorando la provincia, con letras melancólicas como Florecita de retama y Varita de nardo, que eran muy famosas. Y por otra parte la influencia de Agustín Lara, a quien le tocó ver en el teatro a finales de los años 20. Inspirado en él compuso Cholita, que es un bolero que dedicó a su esposa, y después Negra consentida, que es su bolero internacional, de la cual se han grabado más de 70 versiones”. Protagonista de sus canciones, la mujer también era descrita por Joaquín Pardavé en dos sentidos: Señalándola con desprecio o encumbrándola como compañera fiel. “Hizo boleros como Falsa y No hagas llorar a esa mujer, que son de despecho contra las mujeres, pero dedicadas a su mamá porque lo abandonó. Sus canciones son al mismo tiempo románticas, de buscar una mujer ideal, bonita, hogareña, que no trabaje, y por otro lado contra las que salen a trabajar, olvidan a sus hijos y causan males. En Falsa dice: ‘pecho de mujer, nido de hiena’; son más o menos así, de una dualidad interesante porque así era Agustín Lara, pensaba que las mujeres eran al mismo tiempo buenas y malas, decía que saber amar era también odiar un poco”, agrega Granados. (Con datos de www.elfinanciero.com.mx).

3. Este viernes presentaremos tres canciones compuestas por Miguel Lerdo de Tejada, quien nació el 29 de Septiembre de 1869 en Morelia, Michoacán y murió el 25 de Mayo de 1941. Era sobrino de don Sebastián y don Miguel Lerdo, quienes ocuparon altos puestos políticos de México en el siglo XIX. Su padre, que era primo hermano de ambos, y nativo de Veracruz, se trasladó a Morelia a mediados del siglo XIX, y residió en Michoacán durante varios años. Ahí nació Miguel. Desde que Miguel estaba en el Seminario de Morelia sus compañeros al darse cuenta de su gran facilidad para la música, le insistían que les compusiera pequeñas piezas musicales, las cuales tocaba al piano. Cuando ya estaba en la ciudad de México, Miguel decidió no seguir estudiando la carrera eclesiástica y prefirió ser militar. Pasó varios meses de miseria en la ciudad de México, hasta que se empleó como pianista en un conocido cabaret de aquella época. Por fin un día pudo dejar los cabarets donde tocaba para ganarse la vida, y formar su propia orquesta; reunió un grupo de músicos para tocar música popular mexicana, por lo que los vistió con traje de charro. Su conjunto pasó a la historia por ser la primera Orquesta Típica que hubo en México. Había fundado la Orquesta Típica, era 1901. Al estallar la Revolución (1910) trabajó como organista con un sexteto que tocaba en el café Colón de la ciudad de México; al mismo tiempo mantenía su orquesta típica, que se presentaba en el salón Rojo. Por esa época retomó sus estudios de armonía, instrumentación y dirección de bandas con el capitán Alfredo Pacheco, y ocupó el cargo, durante el período presidencial de Victoriano Huerta, de director de la Banda Típica de los Cuerpos Rurales. Durante 1916 se dedicó a tocar con su Típica en un restaurante de San Ángel.

4. Josefina “La Chacha” Aguilar nació en Morelia, Michoacán en 1904 y falleció en la ciudad de México el 2 de octubre de 1968. Fue cantante, contralto. De acuerdo con datos de Gabriel Pareyón en su Diccionario Enciclopédico de Música en México, Aguilar estudió primero con Sara Moreno; hizo su primera aparición en público en el teatro Principal de Puebla, en un papel de Aida. Discípula de Fanny Anitúa. Una de las primeras artistas que trabajaron en la estación de radio XEW. Hizo giras artísticas que la llevaron a cantar en Italia, Francia (Ópera de París), Buenos Aires (teatro Colón), La Habana, Río de Janeiro, así como diversas ciudades de EU. En Argentina conoció y convivió un tiempo con Manuel de Falla. Actuó con la Orquesta Sinfónica de Filadelfia bajo la dirección de José Iturbi (fue invitada para cantar El amor brujo, de De Falla, en presencia de Pastora Imperio, para quien fue hecha esa obra), y con la Orquesta Sinfónica de Nueva York bajo la dirección de Arturo Toscanini. Cuando cantaba Carmen en el Palacio de Bellas Artes sufrió un accidente en el pie izquierdo, que tuvo como consecuencia la amputación de su pierna; esto la obligó a retirarse de la ópera. Sus últimos años los dedicó a dar clases de canto y piano. El pasado 18 de septiembre cumplió 87 años al aire la famosa emisora de radio XEW. En su programa inaugural, la XEW presentó a Alfonso Ortiz Tirado, el tenor Juan Arvizu, Josefina “Chacha” Aguilar, la orquesta típica de policía de Miguel Lerdo de Tejada, el compositor Jorge del Moral, Néstor Mesta Chaires, Ana Ma. Fernández, y Agustín Lara. Sin duda, la cantante Josefina “Chacha” Aguilar Sixtos, fue leyenda de la ópera del teatro Hidalgo de la ciudad de México. Su vida desde los 15 años fue una acción continua en el mundo del canto. (Con datos de Gabriel Pareyón en su Diccionario Enciclopédico de Música en México).

5. Este viernes recodaremos al letrista yucateco Manuel Alonso Díaz Massa, nacido el 30 de octubre de 1909 en la ciudad de Mérida, Yucatán. Murió el 5 de octubre de 1977. Fue maestro normalista y colaboró en periódicos locales, así también desarrollo la actividad de locutor en varias radioemisoras de Mérida. Es el autor de las letras de canciones como “Pájaro azul” y “Aquel pájaro azul”, entre otras. Según el artículo Modernismo en la cancion yucateca, la canción yucateca surge con trazos del Romanticismo. La trova yucateca nace con formalidades de Romanticismo cuando el Modernismo ya se había iniciado en América y no menos representativo es la presencia del Azul frecuente del Modernismo en el poema de Manuel Díaz Massa “El Pájaro Azul” (1929). Manuel Díaz Masa recibió la medalla Guty Cárdenas en 1972 y sus restos se encuentran en el Monumento a los creadores de la canción yucateca, erigido por la Sociedad Artística Ricardo Palmerín en el cementerio general. El investigador Mario Bolio García en su libro La Canción yucateca, su historia y sus creadores, recuerda que a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, los domingos a las 9 de la mañana, en mi natal ciudad y Puerto de Progreso, invariablemente, mi padre  sintonizaba la radiodifusora XEZ para escuchar “La hora de los Caballeros de Colón”, programa conducido por Manuel Díaz Massa, quien lo hacía muy ameno, con anécdotas, poesías y canciones, en el que solía presentar a diversos trovadores cantando sus canciones; entre ellos, recuerdo a Camelo y Llanes, y éste luego interpretaba él sólo sus canciones; también recuerdo oír al dueto de Pastor Cervera y “Coki” Navarro interpretando las suyas y, por supuesto, al propio Díaz Massa cantar su “Pájaro azul” o “Pecado y castigo”.

6. Del filme El mariachi desconocido, de 1953, escucharemos en voz de Germán Valdez “Tin Tan” y Rosa de Castilla la canción “El jinete”, de José Alfredo Jiménez. María Victoria Ledesma Cuevas, más conocida como Rosa de Castilla nació en Encarnación de Díaz, Jalisco, el 30 de mayo de 1931. Desde muy pequeña se trasladó con su familia a la ciudad de Aguascalientes, por lo que es muy identificada con esa ciudad, y es en esta que inicia su carrera a los 14 años de edad, presentándose con gran éxito en el centro nocturno Río Rosa. Pasó poco tiempo para que se decidiera probar suerte en la Ciudad de México, lugar en donde es contratada para actuar por un mes, en el entonces muy popular centro nocturno Waikikí, con tan gran éxito que alargó su temporada por dos años más. Estando con su temporada en el Waikikí, el productor Raúl de Anda «El Charro Negro» la invita a participar como actriz en las películas filmadas en 1951, El lobo solitario, La justicia del lobo y Vuelve el lobo. Poco después la casa productora Mier y Brooks la contrata en exclusiva por 5 años, el nombre Rosa de Castilla surgió debido a que en ese tiempo estaba en su momento cumbre otra cantante mexicana que se hacía llamar María Victoria, por lo que el delegado jurídico de la ANDA sugirió a la incipiente actriz a cambiarse su nombre de pila. En poco tiempo Rosa de Castilla logró reconocimiento como actriz, como lo demuestra su nominación al Ariel por su trabajo en la cinta Tal para cual (1952) de Rogelio A. González y en la que trabajo con Jorge Negrete y Luis Aguilar.

7. En la sección Una canción colombiana para el mundo escucharemos el bambuco “Cuatro preguntas”, con letra de Eduardo López Narváez y música de Pedro Morales Pino. La obra de Morales Pino cristalizó la esencia de los aires andinos de pasillo, bambuco y danza, no sólo mediante buenas e inspiradas melodías, sino con el acertado discernimiento de su teoría musical inherente. Nació en Cartago, Cauca el 22 de febrero de 1863. Los primeros años de su vida tuvieron lugar en el ambiente sencillo y pobre de su casa materna. Allí estudió tiple y bandola. Residió luego en Ibagué y llegó a Bogotá a realizar estudios en 1878. Organizó un conjunto instrumental que bautizó Lira colombiana en honor al taller, del mismo nombre, de instrumentos del luthier Manuel Montoya, quien fabricara su bandola. Los versos del bambuco "Cuatro preguntas" fueron inspiración del poeta, escritor y periodista Eduardo López Narváez, personaje de condiciones excepcionales. El poeta contaba que la letra de "Cuatro preguntas", se la había inspirado un disgusto que tuvo con su novia. Escribió los versos y se los enseñó a Morales Pino para que los musicalizara. Días después cuando ya lo había hecho se la enseñó a Wills y Patiño y ante la ventana de la novia del poeta se la cantaron en una serenata, seguramente en 1913, que es la época en que los integrantes del dueto cantaban juntos. Con ella posteriormente contrajo matrimonio. La primera versión de "Cuatro preguntas" la hicieron Wills y Escobar en Nueva York el 19 de mayo de 1919 (Victor N 72335). El 4 de noviembre de 1927 Arturo Patiño la grabó con José Moriche en el mismo sello (N 80490) y en el reverso acoplaron la danza "La negrita" de Luis María (Chipilo) Forero.

8. El regiomontano Manuel Treviño Salinas, en su libro Tras bambalinas (Ediciones Castillo, Monterrey, 2002) cuenta algunas anécdotas relatadas por Ventura Cantú, afamado ventrílocuo, mago y persona que desenvolvió en el ámbito artístico regiomontano, una de ellas es relacionada con el cantante Eduardo Alexander. Relata Ventura Cantú: "Allá a finales de los años cincuentas, de gira por Baja California, tratamos de pasar a Estados Unidos por la aduana de Caléxico como a las 9 de la noche, pero no pudimos porque la aduana mencionada en aquel entonces cerraba alas 8 de la noche y comenzaba a operar al día siguiente a las 9 de la mañana; por lo que todos en caravana artística decidimos 'matar el tiempo' y visitar cabarets de Mexicali. Matamos demasiado el tiempo y se nos hizo de madrugada, por lo que logramos dormir sólo un rato, reflejándose en nuestros rostros la huella de la desvelada. A duras penas logramos estar a las 9 de la mañana en la aduana. El oficial de migración estadounidense al vernos dijo: '¿mucha pachaga, nouu?', respondimos que sí; volvió a preguntar: '¿Traer tequila?', a lo que el cantante Eduardo Alexander respondió con tono muy sereno: 'no, sólo marihuana', lo que provocó la carcajada del oficial y dijo: 'pasen'. Cuál sería nuestra sorpresa al llegar a Los Ángeles, California, cuando descubrimos que, efectivamente, Eduardo Alexander traía una buena cantidad de hierba. Bendito sea Dios, yo nunca he tenido ese vicio", remata Ventura Cantú, citado por Manuel Treviño.

9. El 1 de octubre de 1935 nació en Guayaquil, Ecuador, Julio Jaramillo y tomando en cuenta en esa fecha, desde 1993 se celebra en Ecuador el Día Mundial del Pasillo. El pasillo ecuatoriano se originó en la época romántica y viene del conocido Lied alemán. Se halla en compás de 3/4, tono menor y con transición a mayor, lo que hace propicio el carácter lírico del pasillo. El 1 de octubre se recuerda el pasillo en Ecuador. Sixto Durán-Ballén, presidente de la República, así lo decreta a partir de 1993 como justo homenaje a Julio Jaramillo. El cantante, guitarrista y compositor fue hijo de Juan Pantaleón Jaramillo Erazo y de  Apolonia Laurido Cáceres. Nació en Guayaquil, en Brasil y Coronel, y luego su familia se trasladó al barrio Garay. Transcurría la vida de Julio entre mimos y enfermedades como bronquitis, tifoidea, parálisis infantil. Su padre falleció cuando tenía 5 años de  edad. Inicia sus estudios de primaria en la Sociedad Filantrópica del Guayas y los concluye en la escuela Francisco García Avilés, cuyo director era el maestro Lauro Dávila, autor de la canción ‘Guayaquil de mis Amores’. De joven aprendió a confeccionar zapatos finos para mujer con el maestro Mejía y trabajó en ebanistería con el maestro Luis Espinoza, lo que significó ayuda económica para  su hogar. Debido a su actividad, labora en  la “Base” o “Lagartera” y “La mamita” -sitios de reunión artística-; luego debuta como cantante en radio Cóndor y así el oyente comparó su voz con la de Olimpo Cárdenas, quien triunfaba en Colombia, donde fue llamado “Rey del Estilo”. (Datos de Zoviet Benítez Acosta).

10. Desde la ciudad de Bogotá, donde reside el cantante colombiano Víctor Hugo Ayala, nuestro colaborador en Colombia, el periodista e investigador musical Óscar Botero Franco nos comparte el siguiente artículo exclusivo para Hasta que el Cuerpo a aguante de este cantante que se puede decir es una figura viviente de la música de antaño. Que disfruten su lectura:


VÍCTOR HUGO AYALA

Tenor lírico y romántico colombiano

Por ÓSCAR BOTERO FRANCO

La labor periodística a veces da grandes oportunidades y satisfacciones, como la de conocer en la intimidad de su hogar a grandes figuras de la canción.  He vivido esa grata experiencia en algunas ocasiones, y es que conocer a un artista en el escenario o en los estudios de grabación, es diferente a sentarse a dialogar con él en la sala de su propia casa, rodeado de su familia y de sus cosas personales. Recientemente, acabo de vivir esta inolvidable experiencia. En efecto, el viernes 15 de septiembre del año en curso viajé desde mi natal Medellín hasta la capital de la República, Bogotá, para entrevistarme con esa gran figura de la canción, el extraordinario tenor lírico don Víctor Hugo Ayala, personaje de reconocida trayectoria artística, tanto a nivel nacional como internacional.


El maestro Víctor Hugo Ayala reside en un exclusivo sector al norte de Bogotá, en un agradable, cómodo y elegante apartamento. El buen gusto en su decoración se hace notorio en cada centímetro de ese espacio físico, convertido en el hogar que el intérprete comparte con su esposa Teresita (María Teresa Bonilla), la encargada de mostrar con inocultable orgullo todos aquellos reconocimientos y distinciones que el artista ha recibido durante su brillante carrera profesional. Recordemos que el señor Ayala incursionó en la música romántica (boleros), en los diferentes géneros de música colombiana (bambucos, pasillos, valses, joropos) y en general, con su privilegiada y bien cuidada voz, puede lucirse interpretando cualquier género musical, por exigente que sea. La hospitalidad y la amabilidad conque el maestro Víctor Hugo y su esposa atienden a sus visitantes es única. Después de un diálogo ameno en la sala de su apartamento, recordando etapas de su carrera, grabaciones, presentaciones, giras, personajes y anécdotas, su esposa nos conduce a lo que podríamos llamar “los salones de la fama”. Cientos de fotografías del cantante, en diferentes presentaciones y compartiendo escenarios con otros artistas, enmarcadas y organizadas meticulosamente. Diplomas y pergaminos, medallas, discos de oro, placas, trofeos, posters, programas artísticos y un sinfín de pruebas fidedignas de los reconocimientos que ha tenido este artista, no sólo en Colombia sino también en el exterior. Y es que Víctor Hugo Ayala es una figura grande, muy grande, dentro del panorama artístico nacional e internacional.

Lástima que el gobierno nacional no le haya un reconocimiento como él se lo merece y que debe hacerse en vida, pues los homenajes póstumos no se disfrutan. Él ha sido un gran difusor de la música colombiana (La quiero porque la quiero, Soy colombiano, Río Neiva, Si te vuelvo a besar, Prefiero no verte, Cultivando rosas, Lágrimas, Muy antioqueño, Pasito, Tierra caliente, Dende que murió mi negra, El Grancolombiano, Tus trenzas, Antioqueñita, El camino de la vida, Madre labriega, etc.) y recordemos que su versión del Himno Nacional de Colombia es insuperable (también fue grabado por Carlos Julio Ramírez, Tito Schipa, Luis Macía y Gustavo López, entre otros). En su edición digital del 18 de septiembre de 2013, “El País” publicó: “Víctor Hugo Ayala es el único capaz de erizar la piel de un colombiano cantando un bolero, un bambuco y el Himno Nacional de Colombia”. Los empresarios artísticos de espectáculos y las programadoras de televisión parece que también se han olvidado de estas grandes figuras de la canción, ya que no se interesan en contratarlos aún a sabiendas que atraen mucho público. La radio musical casi no programa sus canciones. La prensa especializada parece que también los olvidó. Ya es hora de que se haga justicia con estos artistas y que les demostremos cuánto los queremos y admiramos. Con razón, en alguna ocasión el tenor le declaró a la revista “Telerama”: “En Colombia se menosprecia al artista nacional”. ¡Qué gran verdad!

Recordemos que el maestro Víctor Hugo Ayala Caro nació en Bogotá el 13 junio de 1934, hizo su bachillerato en el Liceo Camilo Torres de su ciudad natal, asistió a la universidad y cursó cinco semestres de arquitectura, posteriormente ingresó a la Armada Nacional como dibujante en la sección técnica. Sus inicios en la música fueron en la Radio Militar, apoyado por el General Piquete y en Radio Santafe y la Voz de Colombia; luego Alvaro Monroy Guzmán lo llevó a la emisora Nueva Granada de R.C.N. y allí se presentó en su radioteatro, acompañado por la orquesta que dirigía el maestro Oriol Rangel.  Con Alberto Osorio (1929-2011), otro destacado cantante colombiano, hizo el programa “Donde nacen las canciones, que estuvo al aire por nueve años. El marco musical lo hacía el maestro Jaime Llano González y la conducción estaba a cargo de los locutores Alfredo Materón y Alberto Piedrahíta. Cuando empieza a ser una figura destacada, Hernán Restrepo Duque lo vincula al elenco de Sonolux y de la RCA Víctor, iniciándose una larga cadena de éxitos discográficos: Camino verde, Ya que te vas, Quiéreme, Las perlas de tu boca, La quiero porque la quiero, Congoja, Brujería, Por si no te vuelvo a ver, Que pare la vida, Cobardía, Ojos traicioneros, Que murmuren, Tú lo sabes. Rival, Puente de piedra y muchas más. Luego vienen sus grandes éxitos de canciones colombianas y la consagración con los himnos de Colombia y de la Armada Nacional. Posteriormente entra a engrosar la nómina artística de Codiscos, Discos Fuentes, Discos Philips y otras disqueras, inclusive venezolanas.

Sus giras y presentaciones por todas las ciudades de Colombia no paran, sus viajes al exterior tampoco, en Venezuela, Canadá y Estados Unidos reclamaban su presencia, es invitado de honor en muchos festivales nacionales e internacionales y su nombre en cualquier programación, cartelera o marquesina es sinónimo de éxito. Muchos aplausos ha recibido el maestro Víctor Hugo Ayala durante su largo recorrido por el mundo de la música, llenándose de gloria, fama y reconocimiento. Y no podemos olvidar que en 1989 fue distinguido con el premio “Aplauso”.  Alguien anotaba con sobrada razón: “Quizá lo que más admiro de Víctor Hugo Ayala, además de su voz, es su señorío, su caballerosidad, su aplomo, sencillez y disciplina”. Y para el investigador musical Jaime Rico Salazar “es uno de los grandes tenores que ha tenido Colombia en toda su historia musical”.

*Periodista e Investigador musical
Medellín, septiembre 21 de 2017

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 29 de SEPTIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México.

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.