¡ NUEVO ! Hasta que el Cuerpo Aguante del 08 de DICIEMBRE de 2017

Hasta que el Cuerpo Aguante Radio 24 horas on line

Vea lo que pasa en Cabina en vivo Estéreo Mendel

Visite nuestro sitio en la WEB

lunes, 11 de diciembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 15 DE DICIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 15 DE DICIEMBRE DE 2017
* Se cumplen los 100 años del natalicio de Chucho Martínez Gil
* En cabina escucharemos a la estudiantina Los Treinta y tantos
* Además presentaremos a El Caruso del Mayab.  Canciones de Daniel Pérez Casteñeda. Las voces y guitarras de Los Peregrinos. Desde Panamá, recuerdo de Avelino Muñoz. Escucharemos al antiguo de Las Alteñitas
* En la sección  La cadena del recuerdo, Otilio Galíndez; en Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Valente Pastor y en una canción colombiana para el mundo, un tema de Efraín Orozco

1. Este año 2017 se cumplen los 100 años del natalicio del cantante y compositor mexicano Jesús “Chucho” Martínez Gil, quien nació el 19 de diciembre de 1917 en Puebla, Puebla, y falleció el 22 de Mayo de 1988. Hijo de Felipe Bojalil y Carmen Gil de Bojalil. Radicó en Misantla y en Jalapa, Veracruz durante su infancia. Después vivió en Centro y Sudamérica, y en Cuba y Puerto Rico. Su primera obra musical fue el vals “Ensoñación”. Martínez Gil abandonó sus estudios de leyes para dedicarse a la música. Premiado en 1935 en un concurso de canciones convocado por una radiodifusora de su ciudad natal, al poco tiempo se trasladó a la ciudad de México y fue contratado por la XEW, donde apareció como Chucho Martínez Gil. Realizó giras por la República Mexicana acompañado de las Hermanas Águila*. En 1937 la NBC de Nueva York lo contrató para grabar varios discos y emprender una prolongada gira por América Latina. Entre sus canciones más representativas están Llegó el amor, Mañana vendrás, Mi Magdalena, Pimpollo, Dos arbolitos, El pocito, Rosita se está bañando y Tú sabes bien. La obra con la que obtuvo mayores satisfacciones fue “Dos arbolitos”, porque la grabaron en diferentes países artistas muy famosos. A la fecha es una canción que se sigue grabando y escuchando. Poseedor de una gran voz y magnífico dominio de la misma, fue reconocido como cantante admirable. Resulta que en primero de secundaria, su maestro de canto lo reprobó y le dijo que ni se le ocurriera dedicarse al canto. Otra anécdota refiere que a la edad de once años compuso su primera canción, que fue un tango, pues era admirador de Carlos Gardel. Entusiasmado le comentó a su padre acerca de su composición y la cantó, sólo pudo interpretar las primeras frases porque su papá lo regañó y le prohibió volver a cantarlo. El título de aquel tanto era “Tenuidad” y comenzaba diciendo: Tenuidad quieren los hombres, buscan mujercitas nuevas.


2. Este próximo 16 de diciembre de 2017, en la ciudad de Aguascalientes, México, el grupo ”Los treinta y tantos” presentará su disco llamado “Cuando un amigo se va”, por lo que este viernes contaremos con un adelanto de su producción y algunos de sus integrantes nos acompañarán en cabina. Los Treinta y tantos es un grupo de amigos con un gusto o afición común: la música. Está conformado por trece elementos que se reúnen dos veces por semana a practicar con sus instrumentos y voces, música de diversos géneros como boleros, ranchera, baladas, música estudiantil o de estudiantina y hasta rock and roll. El origen del grupo fue la primera estudiantina de Aguascalientes que ellos mismos formaron allá por 1965, cuando cursaban la secundaria, es decir contaban con apenas alrededor de 15 años de edad cuando estudiaban en el entonces Instituto Autónomo de Ciencias, hoy convertido en la Universidad Autónoma de Aguascalientes. La estudiantina duró si acaso unos seis años y luego, en vista de que no había Universidad en Aguascalientes, la mayoría de jóvenes salían a estudiar ya fuera a la capital o a cualquier estado donde si la hubiera. Allá por los años ochenta, muchos de esos muchachos regresaron a su ciudad natal, una vez que terminaron sus estudios y comenzaron a trabajar cada uno en la profesión que eligió. De esta manera, en 1984 se les ocurre volverse a reunirse alrededor de la música. Se comenzaron a juntar y dado que entonces su edad era de poco más de 30 años, pusieron como nombre a su grupo musical “Los treinta y tantos”. Tienen en su haber un Disco compacto y en breve presentarán el segundo titulado “Cuando un amigo se va”, el cual prepararon bajo la dirección de su compañero el maestro Mario García Reyna, quien es el director musical del grupo.

3. Este viernes recordaremos al cantante yucateco Nicolás Urcelay Alonzo, quien nació en Mérida, Yucatán, el 20 de diciembre de 1919 y falleció muy joven en Tampico, el 1 de julio de 1959. Urcelay fue bautizado como “El Caruso Yucatanense" por el escritor José Díaz Bolio, aunque no llegó a cantar una ópera completa, logró integrar un repertorio muy variado, que incluía desde arias de ópera hasta baladas. En su ciudad natal cursó sus primeros estudios musicales a la edad de 5 años. Sus estudios profesionales se encaminaron hacia la contabilidad. Durante la adolescencia perdió a su padre y dado que en el periodo cardenista (1934-1940) que dejó sin bienes a su familia, por lo que en 1939 emprendieron un viaje a la ciudad de México donde trabajó como empleado bancario. Sus amigos le animaron a participar en la Hora de los Aficionados de la XEW a principios de 1940. Pero con los nervios olvidó la letra de “Mujer” de Agustín Lara y fue descalificado. Tras perder a su madre, conoció a Isabel Sandoval de Grisi, que llegó a ser su maestra de canto, tutora, mentora, madre y amiga. Es muy probable que además haya recibido algunos sabios consejos del maestro José Pierson. En 1942 hizo su debut radiofónico en Radio Mil. Probablemente su timbre de tenor spinto llamase la atención en una época en que abundaban las voces de tenor ligero. Dos años más tarde, se incorporó como integrante del coro al programa “Operetas y Zarzuelas” de la XEW. El maestro Adolfo López Llera le sugirió que cantara como tenor solista pasando a ser el primer tenor de la compañía.

4. Gracias al aporte de Omar Martínez Benavides, colaborador en el estado de Tamaulipas, escucharemos de nueva cuenta al dueto antiguo de Las Alteñitas. Los temas que escucharemos fueron grabados para el sello discográfico DECCA entre los años de 1937 y 1938. Nos cuenta nuestro colaborador Omar Martínez que de Las Alteñitas desafortunadamente no hay información de su carrera musical. Ellas grabaron en la ciudad de Los Ángeles, California, para el sello DECCA a fines de la década de los treinta. Dice Omar que a Las Alteñitas las tiene consideradas como un dueto genérico, como hubo muchos, pero el problema radica en la falta de información dentro del mismo material discográfico. En las carátulas de 78 rpm no hay muchos datos que se puedan considerar para conocer, por ejemplo, sus nombres de pila, sin embargo, el nombre del dueto se presta a la confusión, ya que hubo varios duetos con el mismo nombre, que grabaron en los años sesentas y setentas, como es el caso de Las Alteñitas, integradas por las hermanas Arias, originarias de Guanajuato, o Las Alteñitas del Bajío que no tienen ninguna relación con el dueto original. Este caso es idéntico por ejemplo al de Las Perlitas del Bajío, que grabaron para DECCA en los años treinta y de Las Perlitas, dueto contemporáneo que grabaron en los años setenta. Remata Omar Martínez Benavides que la tarea de identificar duetos como Las Alteñitas es harto difícil ya que ya hay poca gente, por o decir nadie, que pueda arrojar luz sobre los nombres y biografías de tantos excelentes duetos femeninos mexicanos de la época de oro.

5. El compositor panameño Avelino Muñoz Barrios nació en Panamá el 20 de diciembre de 1912. Falleció en San Juan, Puerto Rico, el 24 de enero de 1962. Hizo sus estudios en el colegio La Salle y una vez concluido se dedicó por entero a la música, inclinación que sintió desde muy pequeño y que fue desarrollada principalmente en el hogar. Estaba muy chico cuando su padre adquirió un piano y así aprendió a tocarlo su hermano mayor Salvador, luego Avelino y posteriormente sus hermanos. Aún cuando ambos tuvieron inicialmente una profesora que les enseñó los fundamentos del instrumento, pronto siguieron los estudios por su propia cuenta, los que fueron complementados con un curso de armonía que realizó por correspondencia con un conservatorio estadounidense, hasta concluirlos. Su carrera musical comenzó en los teatros de Panamá. En aquella época el cine era mudo y con salvador fue contratado para amenizar aquellas funciones actuando antes de comenzar la película y en el intermedio. En 1938, Avelino hizo su primera grabación, acompañando a Silvia de Grasse en la pieza “Morena tumba hombres”. En el año de 1944 organizó su propia orquesta y la estuvo presentando hasta 1947 en el jardín el Rancho y en el Balboa. Esta orquesta tuvo como intérprete al cubano Miguelito García y al panameño Jorge “Patón” Baker. En ese año viajó a Santo Domingo, en donde estuvo dirigiendo durante dos años la Super Orquesta San José. Allí recibió la condecoración más alta que otorgaba el gobierno dominicano, de manos del general Trujillo. En 1950 vino a Panamá con motivo de la inauguración del Hotel Panamá, regresando luego a Puerto Rico, en donde fijó su residencia. 

6. Desde Chile, este viernes presentaremos al Trío Los Peregrinos, formado por Raúl Shaw Moreno, José González y Fernando Rossi, quien falleciera el 3 de febrero de 2013 a los 80 años de edad. Fernando Rossi fue un destacado guitarrista chileno, cultor de estilos como el bolero, jazz y bossa nova. Fue cofundador del trío Los Chamacos, agrupación que se creó a inicios de los años cincuentas grabando para la disquera RCA. Cuando estaba por terminar el año 1952, Shaw Moreno llega a Chile después de haber sido primera voz de Los Panchos. La disquera Odeon chilena se interesa en grabar con Raúl Shaw Moreno y él, con la experiencia vivida con Los Panchos, crea al trío Los Peregrinos junto a Fernando Rossi y José González, ambos exintegrantes de Los Chamacos. Debutan en el escenario de radio Corporación con gran éxito. Ya consagrados por el público, Los Peregrinos pronto se vieron con la agenda copada, pero se dan tiempo, a petición de Odeón, para acompañar a un joven cantante de boleros Lucho Gatica en sus primeras grabaciones: “Contigo en la distancia”, “Sinceridad” y “Amor que malo eres”. Después de Los Peregrinos, Fernando Rossi formó parte de Los Cuatro Duendes (1956), que para muchos chilenos fue el mejor grupo vocal de la historia de la música popular de ese país andino.

7. Durante los años treinta, el director de orquesta Daniel Pérez Castañeda tocaba como nadie, con un pequeño conjunto bien acoplado, los incipientes boleros y las rítmicos foxes. Posteriormente formó su propia “orquesta sinfónica” con la que tocaba valses y romanzas del México viejo, escribe Pablo Dueñas. Daniel Pérez Castañeda nació en el año de 1908 la ciudad de México. En la contraportada de uno de sus discos puede leerse que cursó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música de México, especializándose en violín y composición. Durante sus giras por los Estados Unidos estudio también en el Conservatorio de Chicago. En su momento, Daniel Pérez Castañeda fue conocido como unos de los mejores violinistas mexicanos y como compositor fue muy destacado. Por su parte, el investigador musical tapatío Gabriel Pareyón escribe en Diccionario Enciclopédico de Música en México que Daniel Pérez Castañeda fue alumno de José Rocabruna, en el Conservatorio Nacional. Asimismo, Pérez Castañeda fue miembro de las orquestas Sinfónica de México, Sinfónica de la Universidad Nacional y Sinfónica Mexicana. Fue también director huésped de las orquestas Sinfónica Nacional y de la Ópera de Bellas Artes, con la que dirigió Madamme Butterfly en el año de 1940; más tarde se dedicó a la docencia en el citado Conservatorio. Incursionó como intérprete y director de grupos de jazz. 

8. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro amigo y colaborador Alberto Ramírez Martínez nos hablará del cantante Valente Pastor. Originario de El Grullo, Jalisco, desde sus inicios, siendo muy joven, fue vocalista de un mariachi en donde casi todas sus integrantes eran mujeres. Fue también conductor del programa de televisión “Noche tapatías”, dedicado a promover la música mexicana. Valente Pastor formó parte del exclusivo elenco de uno de los sellos discográficos más importantes del mundo: la RCA Víctor. Él,  junto con Humberto Cravioto y Alberto Ángel “El Cuervo”,  son  “Los Tres Tenores Mexicanos”. Valente es poseedor de un estilo único y una voz privilegiada. Lo mismo emociona con la canción más bravía que cantando ópera en perfecto italiano. Un hombre sencillo, entregado a su carrera, de familia, trabajador.

9. En la sección La cadena del recuerdo, Félix Hurtado, desde la ciudad de Maracaibo, Venezuela, nos presentará al compositor, cantante y poeta venezolano Otilio Galíndez. Nació en Yaritagua, Yaracuy, el 13 de diciembre de 1935 y falleció en Maracay, estado Aragua,  el 13 de junio de 2009. Desde niño mostró su afición por la música, ayudado por su madre en la canción y la poesía. Transcurrida su adolescencia le corresponde cumplir con el Servicio Militar, tiempo durante el cual compone sus primeras obras, que luego descarta, por considerar que no tenían fuerza poética ni melódica. A sus 20 años empezó a poner en práctica su capacidad de invención, y comenzó a escribir temas con letra y música de su propia cosecha. Gran lector, Galíndez trabajó como corrector de textos para reconocidos economistas y otros profesionales, oficio que, según su amigo, el también músico Raúl Delgado Estévez, “sólo podía hacer gracias a haber leído gran variedad de textos, desde Marcial Lafuente Estefanía y sus historias de vaqueros que cargaba en el bolsillo, hasta Cervantes y Kafka”. Organizó junto con amigos un grupo de parrandas al que llamaron “Los Piratas”, iniciativa que dio origen a las primeras producciones navideñas de Otilio Galíndez. Entre sus temas predominaron las canciones navideñas, los aguinaldos y las parrandas, que lo dieron a conocer en el repertorio venezolano, pero también compuso obras adscritas a ritmos como el vals, el bambuco, el galerón, el pasaje, la canción de cuna, las tonadas, el merengue, el joropo y el danzón. Parte importante de su actividad laboral la realizó en el Núcleo Universitario de la UCV en Maracay. 

10. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro amigo y colaborador en Bogotá, Colombia, Don Alberto Cardona Libreros nos ofrecerá un tema de Efraín Orozco, un gran valor musical de Colombia, nacido en Cajibío, Cauca, el 22 de enero de 1898. Gracias a su progenitora, Amelia Morales, quien era una buena guitarrista y le enseñó y gracias al cornetín que le regaló su padre a los ocho años, se le abrieron los caminos de la música. El tema en cuestión fue grabado en un disco de 78 rpm en la década de los años cuarentas para la casa Victor y lleva como título “Señora María Rosa”, el cual será interpretado por la cantante folclórica argentina Martha de los Ríos, nombre artístico de Marta Inés Gutiérrez de Vargas, nacida el15 de abril de 1906 y fallecida el 13 de enero de 1995. Martha de los Ríos fue una destacada cantante de música folklórica de Argentina. Ha sido considerada una de las cinco más importantes cantantes de la historia de la música folklórica de Argentina, junto a Mercedes Sosa, Marián Farías Gómez, Suma Paz y Ramona Galarza. Fue la madre del músico Waldo de los Ríos. Se inició en 1931 como cantante de tango, pero luego se dedicó a la música folklórica de Argentina. Se presentó con el grupo Los Trovadores, con el que alcanzó una gran difusión por toda América Latina. En la década de 1950 cantó acompañada por su hijo Waldo de los Ríos. Entre las canciones que interpretó se recuerdan especialmente “Llorando estoy”, “Huachitorito” y “La Shalaca”.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 15 de DICIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 4 de diciembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 08 DE DICIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 08 DE DICIEMBRE DE 2017

* Oiremos a Eduardo Brito, considerado como el cantante nacional dominicano
* Los Dos Reales originales, Toño y Mario, formaron parte del conjunto de Andrés Huesca
* Además escucharemos  la Sonora Matancera. Las dos primeras canciones de Virginia López para Peerless. En La Carpa, El cuatezón Beristáin. Chicho y Chencho en el Rincón Norteño
* En la sección  La cadena del recuerdo, cápsula Guty Cárdenas a 112 años de su nacimiento; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Mike Laure, con entrevista a su hijo Jorge

1. Este viernes escucharemos un recuerdo especial de Eduardo Brito, cantante barítono de ópera y zarzuela dominicano. Está considerado como el cantante nacional dominicano. Nació el 21 de enero de 1905 en Puerto Plata. Era el artista en ciernes, favorito de las serenatas que se ofrecían en abundancia para la época. En una presentación de las tantas que hacía en la ciudad hidalga, Lilín Jackson lo escucha cantar y entusiasmado lo lleva a la ciudad capital. En la ciudad Primada debuta en el Coney Island propiedad de Julio Padrón, Antonio Vásquez lo acompaña en la guitarra. Es el año 1922. Le canta a Summer Wells, diplomático estadounidense que se encontraba de visita oficial en el país. En la ciudad de Santiago se encontraba en gira artística un trío compuesto por los artistas cubanos Floro Zorrilla, Manuel Corona y Antonio Zaldívar. (Estaban haciendo promoción al jabón Candado que se importaba de Cuba). Se hizo un concurso artístico. Eleuterio Brito canta la canción “Amar, eso es todo” y gana el primer lugar. El 3 de noviembre de 1929, a los 24 años, se casó con la cantante Rosa Elena Bobadilla. En 1944, estando en Nueva York, comenzó a perder facultades vocales y, al encontrarse en una mala situación económica, su hermana gestionó su regreso a República Dominicana. En mayo de 1944, Brito regresa a Santo Domingo donde muere en 1946. Eduardo Brito sufría una sífilis cerebral y este padecimiento le producía delirios y otros trastornos nerviosos. Por esta causa recibió, entre 1942 y 43, numerosas inyecciones de bismuto. Es una etapa muy penosa de su existencia que sólo terminará con su muerte.

2. En el canal de Youtube de Ángel Rodríguez Zepeda, podemos encontrar varios videos de Los Dos Reales. Rodríguez Zepeda escribe que los auténtico y originales miembros de Los Dos Reales fueron Antonio Rosas Torres y Mario Álvarez Armendia, quienes formaron parte del conjunto de Andrés Huesca y sus Costeños desde los años cuarenta, época en que aparecieron en infinidad de películas. En 1950 Andrés Huesca y sus Costeños le grabaron su primera canción a José Alfredo Jiménez, "Yo" que les dio gran popularidad tanto al grupo como al compositor guanajuatense. En esta canción destacan además de la de Andrés Huesca, las de Antonio Rosas y Mario Álvarez que ya se perfilaban como solistas. En 1954 acompañaron en una gira por Estados Unidos a Fernando Fernández y grabaron con él la canción "El plebeyo" siendo sus voces las que se escuchan al comenzar el tema y ahí fue prácticamente su inicio como Los Dos Reales. Ese mismo año aparecen ya como dueto en la película "Los gavilanes" al lado de Pedro Infante cantando este tema. A este dueto lo caracteriza el sonido del saxofón aunado al del mariachi en todas sus interpretaciones. En las décadas de los cincuentas y sesentas, Los Dos Reales tuvieron muchos éxitos en la radio, como "Por ningún motivo" y "Paloma piquito de oro" que se incluían en su primer disco sencillo; luego vendrían Caminos de la vida, Tampico hermoso, Copitas copotas, Línea divisoria, Como no te he de querer, Los cerros de Chihuahua, Amigos me acuerdo, Tres días, Sonora querida, Me piden, Corrido de Mazatlán, Polvo y olvido, Puñalada trapera, y tantos y tantos más. 

Con el paso del tiempo, Toño y Mario se separaron y cada uno por su lado formaron nuevos Dos Reales, y fue por ese motivo que en la actualidad existan muchos grupos con ese nombre sin que "por ningún motivo" sean originales pues los originales (Toño y Mario) ya fallecieron; es más, los nuevos ni tantito así suenan sus voces en los discos que han grabado como las de los auténticos Dos Reales. Algunos nombres de quienes han formado parte de Los Dos Reales tanto al lado de Toño como de Mario han sido, entre muchos: Víctor Gallegos Valenzuela (éste autor del tema "Lindo Nayarit"), Pablo Mata, Lino Chávez, Miguel Ramos, Alfredo Corona, Polo Montañez, Roberto Jiménez, entre muchísimos más. Toño falleció el 31 de diciembre de 1975 y Mario un 5 de septiembre (parece que de 1992). (Notas de Ángel Rodríguez Zepeda). En el caso de Víctor Rodríguez Valenzuela, conformó en algún tiempo este Dueto junto a Antonio Rosas. Rodríguez Valenzuela nació el 27 de junio en Santiago Ixcuintla, Nayarit. Desde pequeño descubrió su amor hacia la música, etapa en la que compuso pequeñas melodías mientras ayudaba a las labores del campo, pero él sabía y sentía que su destino tomaría otra dirección. De esta forma, en el año de 1960, decidido a luchar por sus sueños, emigra hacia la Ciudad de México junto con dos de sus hermanos. Ya en la capital de la República, participan en el programa La hora de los aficionados, ganan las dos primeras etapas y quedan en tercer lugar en la última. Años más tarde conformó el dieto de Los Dos Reales, junto a Antonio Rosas, uno de los iniciadores del dueto.

3. Hace 112 años, el 12 de diciembre de 1905 nació Guty Cárdenas. En la sección La Cadena del Recuerdo escucharemos una completa semblanza del Ruiseñor Yucateco, quien junto a Pepe Domínguez y Ricardo Palmerín son considerados los tres grandes de la música yucateca. Augusto Cárdenas Pinelo fue su nombre completo. Hijo de una principalísima familia yucateca, nació el 12 de diciembre de 1905. Pocos compositores e intérpretes han alcanzado el grado de popularidad inmensa que adquirió el guitarrista, compositor e intérprete peninsular. Según la revista Album de oro de la canción, a la temprana edad de 20 años puso música a una de sus más bellas canciones, "Nunca", con versos de Ricardo López Méndez, a la cual más tarde se le otorgaría el máximo galardón en un concurso convocado por el Teatro Lírico en la ciudad de México. Guty murió el 5 de abril de 1932. Su padre, que era comerciante de profesión, lo envió a estudiar a Estados Unidos de América y posteriormente, en 1922, a la Ciudad de México para continuar sus estudios de contaduría en el Colegio Williams. Al regresar a su hogar tuvo que hacerse cargo de los negocios de la familia. Sin embargo, él ya se había percatado de que su verdadera pasión era la música. Cuando terminó sus estudios se dedicó plenamente a la composición y al canto. En 1927, conoce en la ciudad de Mérida al compositor Ignacio Fernández Esperón, apodado artísticamente Tata Nacho, al pintor Ernesto García Cabral y otros personajes que albergó en la casa que su abuela materna le había confiado y que aún se conserva en el barrio de Santa Lucía en las confluencias de las calles 55 y 64. Fue a la capital mexicana ese mismo año invitado por quien sería su promotor, Ignacio Fernández Esperón. (Imagen tomada de www.lamusicasinfinal.blogspot.com).

4. En la sección Rincón norteño presentaremos a Chicho y Chencho, que interpretarán el tema musical “Me piden”, grabado en el año de 1935 para el sello Vocalion; asimismo con el dueto Gaytán y Cantú escucharemos “Contestación a Me piden”, una canción grabada en el año de 1937 para el sello Vocalion acompañados de Los Trovadores Alegres. El dueto de cantantes Chicho y Chencho formaron parte de la legendaria agrupación de Los Madrugadores de Pedro J. González. Después del éxito inicial en la radio angelina en los años treinta, se empezaron a adherir más cantantes a Los Madrugadores como Narciso Farfán y Crescencio Cuevas (Chicho y Chencho), Ismael Hernández, Jesús Alvarez y Josefina “La Chata” Caldera; también, en algunas ocasiones intervinieron como guitarristas acompañantes: Alberto Hernández y los hermanos Elicciri. Este amplio grupo fue conocido como Los Madrugadores y se combinaban de las más diversas maneras para sus grabaciones y presentaciones. Inicialmente el pilar básico fueron Pedro J. González y los Hermanos Sánchez, aunque luego el dueto de Chicho y Chencho tuvo grandes éxitos, arropados por el nombre de Los Madrugadores. Luego del problema de Pedro con la justicia en los Estados Unidos, Los Madrugadores iniciales continuaron su actividad musical, pero la deportación de Pedro, aunada a la muerte de Chicho en 1939 y Jesús Sánchez en 1941, trajo cambios importantes a esa agrupación, la cual se desperdigó y dio lugar a varios grupos denominados Los Madrugadores; de ellos, el más popular fue el dueto de Chencho y Pete acompañado por Los Costeños.

5. Este viernes presentaremos algunas canciones de Los Panchos. Las giras para el Trío Los Panchos comenzaron en 1946 y el primer país que visitaron fue Venezuela, a donde regresaron en 1947 y 1951. De su primer viaje se llevaron ¿Quién (fue que) mató a Consuelo?, de Eduardo Serrano (autor de Barlovento) y Compae Pancho de Lorenzo Herrera, pues todavía no se centraban en el bolero sino en rancheras y similares. Los Panchos tuvieron la primicia de grabar Me voy pa’l pueblo, que suele ser atribuido a Mercedes Valdés pero que, en realidad, pertenece a quien fuera su pareja: Marcelino Guerra. Entre otras primicias de otros autores, Los Panchos grabaron Pa’ todo el año y La media vuelta, que José Alfredo Jiménez les dio en el camerino del Teatro Blanquita de México. Pero el trío también tuvo muchos éxitos propios. Mi último fracaso, Una copa más, Sin un amor y Rayito de luna sólo fueron algunos. Con la voz de Hernando Avilés alcanzaron a grabar 154 canciones, que constituyen una época de oro, para un total de 99 boleros; el resto, de otros ritmos. El nombre de Los Panchos fue escogido por ser de fácil identificación para los estadounidenses (Pancho Villa, etc.), pero es posible que en eso también haya influido el merengue criollo Compae Pancho, de Lorenzo Herrera, que ellos interpretaban en sus primeros tiempos y luego, en sus presentaciones en Venezuela. Su primer contrato se los dio Mundito Medina (periodista y autor de Cita a las seis) para el Teatro Hispano neoyorquino, a razón de US$ 225 semanales. Allí debutaron el 14 de mayo de 1944. Practicaron en los campos militares estadounidenses en Europa y en el centro del África, en misión de buena voluntad. Las primeras grabaciones fueron para el sello Coda de Gabriel Oller, en 1944, que incluyó Cielito lindo, Guadalajara y La cucaracha y sólo un bolero (Hasta mañana). El disco se llamó Mexicantos. (Con datos de lahemerotecaluisrrondon.over-blog.com).

6. Gracias a las amables peticiones de los radioescuchas, presentaremos algunos temas musicales en la interpretación de la Sonora Matancera, que es un conjunto de música cubana fundado en la década de 1920 en la ciudad de Matanzas. El 12 de enero de 1924, bajo la iniciativa de Valentín Cané y precisamente en su casa se formó el conjunto bajo el nombre de Tuna Liberal, a petición de un partido político local del mismo nombre que solicitó su formación para amenizar sus reuniones y mítines. En sus orígenes era una agrupación en la que prevalecían las cuerdas ya que era el momento del auge del "Son", y para esto se requerían de cuatro guitarras acústicas. En el año de 1926 cambió su nombre al de Septeto Soprano. Ese mismo año acompaña en el coro a Eugenio Pérez, Carlos Manuel Díaz Alonso "Caíto". En 1927 ingresa al grupo Rogelio Martínez Díaz, El gallego, por recomendación de Caíto; más adelante Martínez sería su segundo director. En ese mismo tiempo se le cambia el nombre al conjunto pasando a ser Estudiantina Sonora Matancera. Con mucho deseo de superación en todo el grupo viaja a La Habana donde se ponen en contacto con la compañía discográfica "RCA Víctor" y hacen su primera grabación el 12 de enero de 1928 en formato de 78 rpm. Iniciando la década del treinta, la agrupación empezó adaptarse a los nuevos ritmos que aparecían por la época como también adaptando nuevos instrumentos, es el caso del piano de cola, que fue tocado por primera vez en el conjunto por Dámaso Pérez Prado, quien años después sería el Rey del Mambo. En 1935 la agrupación adopta el nombre de La Sonora Matancera.

7. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro amigo y colaborador Alberto Ramírez Martínez nos hablará de Mike Laure, con entrevista a su hijo Jorge Laure, dedicado también ala música. Miguel Laure Rubio nació en El Salto, Jalisco, el 29 de septiembre de 1937. Creció en medio de infinidad de carencias económicas, lo que no impidió que se desarrollara profesionalmente en el mundo de la música. Sus inicios ya profesionalmente,  fueron con Los Hermanos Ocampo, en el año 1953, en Chapala, Jalisco, tocaba la batería y después fue vocalista del grupo, se presentaban en el Restaurante Beer Garden, en esos tiempos alternaba su trabajo en Chapala, tocando y cantando con un trío en Guadalajara. En 1956 se caso con la joven Celia Ruiz, eran vecinos en el Salto, Jalisco,  tuvieron 2 hijos: Jorge y Miguel. Se trasladaron a vivir a Guadalajara en el barrio de Medrano.  A los 20 años, en 1957 recibió la oportunidad de trabajar ya con su propio grupo en el Restaurante Villa Montecarlo también en  Chapala, con el nombre de  "Conjunto Montecarlo" y después como Mike Laure y sus Cometas, tomando lo de "Cometas" por ser admirador del gran músico estadounidense pionero del rock  BIll Halley. En 1963 su éxito era notable en Jalisco y estados vecinos, fue cuando su amigo Manolo Muñoz nacido en La Barca, Jalisco, lo recomendó con los señores Acosta de Discos Musart. Grabó dos discos con la música de moda de esa época el Rock and roll y el Twist y no paso nada, entonces introdujo la cumbia y música tropical a su repertorio. Interpretó con éxito a grandes compositores como Gabriel Ruiz y su tema "Mazatlán";  a Alberto Domínguez con "Humanidad"; a Agustín Lara y su canción "Veracruz". El triunfo lo llevó a radicar en la ciudad de México, ahí conoció a su segunda esposa Alma Lidia Soto con la cual tuvo tres hijos Salvador, Miguel y Alma Lidia. (Imagen tomada de http://www.waldomatus.com).

8. Nos comenta nuestro amigo y colaborador en la ciudad de Acámbaro, Guanajuato, Manuel Jiménez, que las dos primeras canciones que Virginia López grabó para el selo Peerles fueron: “No te olvides de mí” y “Dímelo Corazón”, de Charly López y Raúl Vicente, acompañada del conjunto Casino tropical en 1951. Las escucharemos este viernes. Fue en los primeros años de la década de los cincuenta que Virginia hizo su debut en el mundo artístico. Inicialmente grabó un disco, de manera no profesional, con Luis Lija, popular guitarrista de la época. Pero su verdadero debut profesional fue cantando a dúo con Chago Alvarado, integrante y compositor del Trío San Juan. Este primer intento de Virginia en el arte se conoció como el "Dueto López Rodríguez". Juntos, Virginia y Chago Alvarado, grabaron unos 10 discos que tuvieron gran aceptación. Su dos primeros éxitos internacionales "Tan lejos" y "Cariñito azucarado", la colocaron definitivamente en el gusto del público de todo el continente. Pero su gran golpe de suerte se dio a mediados de la década del 50 en la República Mexicana. Precisamente fue en 1955 cuando sus grabaciones comenzaron a difundirse en México a través de las ondas radiales. Ganando amplia popularidad en el Norte del País, Virginia tardó dos años en llegar a suelo azteca. Pero el 31 de julio de 1957 la joven cantante de ascendencia boricua llegó a México. Y con tan sólo telefonear a un periódico, y decirle "ya estoy aquí", comenzó a vivir el proceso que la llevó a la consagración total como artista. En México, Virginia López fue bautizada como "La Voz de la Ternura" por los dulces matices de sus interpretaciones. Cumpliendo con innumerables contratos, la cantante cautivó a sus auditorios y colocó numerosas canciones en el gusto del público. (Con datos de https://prpop.org/biografias/virginia-lopez).

9. En la sección La carpa recordaremos a Leopoldo “El Cuatezón" Beristáin, quien en un marco de un ambiente frívolo y saturado de propaganda política, social, obrera y sindical, ocupó un lugar prominente en el nacimiento y el desarrollo del género chico en México luego de haber empezado su carrera artística en el Teatro Nacional con la obra Otelo, en el papel de Ludovico. En aquella época la fama lo hizo amigo del general Victoriano de la Huerta; pero, cuando triunfó la Revolución y cayó Huerta, Beristáin también vino a menos, por lo que debió desterrarse a La Habana, Cuba. Tiempo más tarde regresó a México, para morir el 4 de enero de 1948 en Tijuana, Baja California, ya retirado de la farándula. A lo largo de sus años de gloria y fortuna, Cuatezón dedicó su empeño en realzar los personajes del corazón de la barriada, lo que lo consolidó como una gran actor vernáculo y en el máximo ídolo de los barrios de Peralvillo y de la colonia Guerrero. Cimentó su éxito valiéndose de sus personajes de pelado dicharachero, ranchero ladino, indio taimado o lépero de arrabal, en medio del típico sainete y en la incipiente revista mexicana del Teatro María Guerrero, conocido como María Tepache. Además de su capacidad escénica, Beris, como le decían sus amigos, era animoso y osado para abordar cualquier tipo que se le presentara, pero pusilánime para soltar las alusiones políticas que ya empezaban a constituir la salsa de nuestras revistas. Beristáin era en las tablas el gendarme de hostiles bigotes de aguacero, el ingenioso borrachito de pulquería, el ingenuo amante desdeñado, el ranchero payo, el brusco tabernero gachupín, el ratero ágil, el lagartijo descocado… todos los tipos de la época, y esencialmente los “peladitos” tenían en él un intérprete genial. (Texto de Mario Villanueta en http://www.operamundi-magazine.com). Imagen tomada de la siguiente página de internet: https://cinesilentemexicano.wordpress.com).

10. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro amigo y colaborador Luis Alberto Cardina Libreros, desde Bogotá, Colombia, nos presentara dos temas interpretados por Jorge Monsalve “Marfil”, son obras del compositor José Barros, cuyo nombre completo era José Benito Barros Palomino, quien nació en El Banco, Magdalena, Colombia, el 21 de marzo de 1915. Su padre João María Barro Traveceido, portugués, y su madre Eustasia Palomino murieron durante su niñez. Fue el menor de cinco hermanos, creció cantando en la plaza del pueblo donde recaudaba algunos fondos y antes de cumplir los 17 José ya sabía tocar algunos instrumentos musicales como la guitarra. Ya en Bogotá José se dio cuenta que la música caribeña tenía bastante acogida por los citadinos, quienes demandaban más composiciones de ese tipo, así que Barros compuso su célebre “El Gallo Tuerto”, canción que escucharemos con su propia voz, acompañado de la orquesta de Milciades Garavito en 1945. Gradualmente su voz y talento se conocieron fuera del país, en Panamá, México y Argentina, estas nuevas situaciones y el contacto con los músicos de los países visitados lo condujeron a componer rancheras y tangos. Fue el autor de la reconocida e internacional cumbia "La piragua" con la que logró inmortalizar a Guillermo Cubillos y al municipio Chimichagua. Problemas de salud lo llevaron a la quietud física, pero su brillo innato de creatividad siguió y lo caracterizó siempre. El 12 de mayo de 2007 muere José Barros en Santa Marta.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 08 de DICIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 27 de noviembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 01 DE DICIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 01 DE DICIEMBRE DE 2017
* Falleció Abelardo Pulido, compositor de Entrega total, e integrante de Los Dos Oros
* Presentaremos un programa en el que abundarán las canciones dedicadas a la comida, con intérpretes como Mapy Cortés, Chava Flores, el trío Argentino, el trío de Servando Díaz, además de Manolín y Shilinsky, Los Panchos, Beny Moré y otros
* En la sección  La cadena del recuerdo, cápsula sobre Abelardo Pulido. En la sección Una canción colombiana para el mundo, oiremos canciones de José Barros; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, entrevista con uno de los integrantes de los Hermanos Reyes

1. Debido a una insuficiencia renal severa, el pasado domingo19 de noviembre  de 2017, falleció el compositor Abelardo Pulido Buenrostro y en el eco de su recuerdo queda el sonido de su emblemático tema, “Entrega total“, que interpretaran alguna vez cantantes como Javier Solís y Los dos Oros, dueto que integró con su hermano Luis. Abelardo Pulido murió a los 84 años de edad. Fue compositor de  temas como “Entrega total” y “Carta perdida“, que cantara Mario Moreno “Cantinflas” en su película “Entrega inmediata”. Abelardo Pulido Buenrostro nació el 5 de mayo de 1933 en Villa Venustiano Carranza, hoy San Pedro Caro, Michoacán. A los 15 años de edad compone su primera canción “Un sueño de tantos”, la cual inscribe en 1957, a sugerencia de su hermano Luis, en el programa Aficionados de la XEW, resultando ganadora. A partir de ese momento unieron talentos y formaron el dueto Los Dos Oros, con el que consolidan su carrera en 1962 al convertir en éxito y grabar con estilo romántico dicho tema, bajo el sello Columbia. Así fue llegando la fama y el dinero. Al respecto, el maestro Abelardo recordaba emocionado: “Un día de 1962 recibí un buen pago por mi trabajo, y parte de ese dinero lo utilicé para amueblar mi casa. Cuando llegaron para entregar los muebles mi esposa no los quería recibir pensando en que había un error, pero al mostrarle las facturas a nombre de ella pagadas por mí, aceptó, y cuando llegué la encontré llorando de felicidad”. Descanse en paz Abelardo Pulido. (Con datos de Notimex y la SACM).

2. Este viernes presentaremos diversas canciones de antaño dedicadas a la comida, platillos tradicionales o aspectos que tienen que ver con la alimentación. Por ejemplo de la película “El amor las vuelve locas”, filmada en el año 1945, escucharemos un tema musical interpretado por Mapy Cortés en la que esta actriz, vedette, bailarina y cantante interpreta un tema relacionado con las recetas culinarias. Mapy Cortés se inició como actriz en el teatro de aficionados en San Juan, Puerto Rico. A principios de los años treinta, Cortés viajó a Nueva York y se casó con el actor y cantante Fernando Cortés, conocido de la familia. Contratados por una compañía teatral cubana encabezada por el barítono dominicano Eduardo Brito, la joven pareja se trasladó a España. En 1933, Mapy Cortés debutó en el cine, interpretando a una vedette sevillana en la comedia Dos mujeres y un don Juan. Para cuando esta película fue estrenada, Cortés tuvo un sobrino, Paquito Cordero, quien se convertiría en un actor y productor muy importante en Puerto Rico. Mapy participó en otras películas españolas, entre las que destaca su papel cómico en El gato montés, pero su verdadero éxito fue en el teatro, donde alcanzó el rango de primera vedette. Sin embargo, con la Guerra Civil la pareja se vio obligada a dejar el país justo cuando Mapy más triunfaba como vedette. Tras una breve estancia en Marsella, Mapy y Fernando Cortés hicieron teatro y cine en Buenos Aires y luego en La Habana, donde iniciaron una amistad de por vida con Jorge Negrete, antes de su éxito cinematográfico. Mapy y Fernando Cortés se trasladaron a la Ciudad México e hicieron su debut teatral como parte de un programa de revista encabezado por el popular comediante Cantinflas.

3. Con la orquesta de Ernesto Riestra escucharemos canciones como “Hay pasteles”, “Tacos joven” y “Té para dos”. Según datos de Juan S. Garrido, Riestra nació en Nuevo León en 1901, fue trompetista, trombonista y compositor de canciones y música de salón. A los dieciséis años de edad formó parte de su primera orquesta de baile, con la cual hizo giras por toda la República Mexicana. Radicado en la ciudad de México conoció al violinista Alfredo Núñez de Borbón, con quien viajó a EU y fundó en Nueva York una banda de música con la que recorrió América del Norte tocando piezas bailables. De nuevo en su país encabezó uno de los conjuntos de jazz y blues más famosos de la ciudad de México. “Cuando el neolonés Ernesto El Pelón Riestra llegó en 1932 a la capital azteca, al poco tiempo de haber arribado de la Urbe de Hierro, en donde estuvo por más de una década y en los cuales participó en distintas orquestas, entre ellas, la del español Enric Madriguera, presentó una prueba con su orquesta en la XEW, el propio Emilio Azcárraga, dueño de la emisora, le extendió una efusiva felicitación pero no lo contrató. Acudió a la otrora famosa XEB, que en ese tiempo tenía nada más y nada menos que al maestro Alfonso Esparza Oteo como su Director Artístico y como orquesta de planta la de Adolfo Girón, quien también mostraba su gusto por la actuación en cine. Su indiscutible talento como director de orquesta, conocido también como El Pontífice del Jazz, quedó de manifiesto en su programa Té para dos que rompió los récords de audiencia en la emisora de El Buen Tono.” Por otro lado, Ernesto Riestra, aparte de dirigir su orquesta y componer algunas piezas musicales, también se dio tiempo de escribir un libro en el año de 1974 llamado Mi batuta Habla. (Texto:  www.musicasinfinal.blogspot.com).

4. En la sección Rinconcito arrabalero, escucharemos “Arroz con leche”, en versión del Trío Argentino. Este tema forma parte de sus históricas grabaciones realizadas en Barcelona España entere los años de 1928 y 1935. Este trío, conformado por los míticos Agustín Irusta, Roberto Fugazot y Lucio Demare, llegaron a Barcelona en 1928 y gracias a la repercusión de sus presentaciones en el Edén Concert pronto se hicieron conocidos en España. Luego llegaron al disco de 78 rpm y al celuloide. Estos discos, digitalizados en base a viejos vinilos tienen imperfecciones técnicas, sin embargo los conocedores afirman que a pesar de ello se nota la frescura de las voces de Agustín Irusta y Roberto Fugazot acompañados bellamente por el piano de Lucio Demare. Después de su gran éxito en España, el Trío Argentino dejó Barcelona e inició una gira por el Caribe y, cuando llegaron a México, mediados de los años treinta, Lucio Demare volvió a Buenos Aires y fue remplazado por el guitarrista Rafael Iriarte. Tanto en el trío como en la gran orquesta que formaron en Barcelona a fines del veinte -y que dirigía Lucio Demare-, Agustín Irusta y Roberto Fugazot cantaron indistintamente, tanto a dúo como en forma individual, por supuesto, el cantor principal era Irusta. Fugazot tocaba muy bien la guitarra y era una estupenda segunda voz para los dúos; Irusta, también se acompañaba con la guitarra, y ambos eran compositores. Por cierto Demare nació el 9 de agosto de 1906 en Buenos Aires y ahí falleció el 6 de marzo de 1974. Decía el pianista Demare “A los seis años me senté por primera vez al piano y a los ocho ya me ganaba la vida con la música. Sacaba cuarenta pesos mensuales en un cine cerca de mi casa acompañando la proyección de las películas mudas. Tocaba desde las dos de la tarde hasta las doce de la noche”.

5. En la interpretación del trío cubano de Servando Díaz escucharemos la canción “Yo no como pollo”. El Trío Servando Díaz fue un grupo cubano integrado por Servando Díaz, como primera voz y segunda guitarra del grupo, Otilio Portal de primera guitarra y tercera voz, finalmente Cuso Mendoza, segunda voz y maraquero. El grupo nació en 1937, proyectándose en Cuba y Latinoamérica, lo que les brindó la oportunidad de presentarse en exclusivos escenarios de La Habana, y en numerosas emisoras de radio de aquella época. Dos años después de ser fundado el trío, la compañía discográfica internacional, RCA Víctor, los escritura en exclusividad, lo que resulta en infinidad de grabaciones en 78 rpm. Tras una gira artística por toda Cuba en 1941, aceptan un contrato para presentarse por la WKQ de Puerto Rico, realizando así su primer viaje al exterior, que marcaría el inicio de su etapa fuera de su tierra natal. En Puerto Rico, graban el bolero de Consuelo Velázquez, “Bésame Mucho”. De regreso a su país el Trío Servando Díaz, es contratado por la RHC-Cadena Azul, para actuar en sus programas estelares, conjuntamente con las más destacadas figuras extranjeras que visitaban Cuba. En su segundo viaje a los Estados Unidos, la agrupación firma un contrato para actuar durante cuatro semanas en el cabaret neoyorquino "La Conga", extendiéndose el mismo a cinco meses de labor ininterrumpida. El trío se hizo pronto conocido ante el público de Nueva York, lo que les llevó firmar con las emisoras NBC y CBS, actuando en cabarets y teatros en Washington, Filadelfia, Boston, Chicago, Baltimore o Newark. Uno de sus viajes coincidió con el homenaje póstumo que dedicó la CBS al compositor Moisés Simons a las pocas horas de su desaparición física.

6. Una de las canciones que más hablan de comida sin duda es “La taquiza”, que escucharemos en voz de su autor Salvador Chava Flores, quien en su libro “Relatos de mi barrio”, de ediciones Algeste, se describe así: “Nací el 14 de enero de 1920 en una de las calles de La Soledad, allá por el rumbo de La Merced en la Ciudad de México, cuando aún era presidente de la República don Venustiano Carranza a quien no tuve el gusto de conocer… No sé por qué, tal vez porque mi papá no pagaba la renta a sus debidas horas, el caso es que durante mi infancia recuerdo mil domicilios diferentes. Viví en todos los barrios que en ese tiempo formaban la totalidad de la ciudad e inclusive otros que se salían de ella: Peralvillo, los Doctores, Roma, Romita, Juárez, Cuauhtémoc, El Carmen, Santa María la Ribera, Santa María la Redonda, San Rafael, Tacubaya, Coyoacán, etc., etc. y etc. Y si no viví en el Castillo de Chapultepec fue porque en ese tiempo, discriminatoriamente, sólo lo alquilaban al que fuera presidente de la república; pero si ahí hubieran existido disponibles dos cuartos con baño y cocina, les juro que papá hubiera hecho lo imposible porque los habitáramos… Para 1932, yo vivía en las calles de Guillermo Prieto 126, interior 5, una vecindad que ya no existe y que estaba separada del barrio de Santa Julia por lo que, durante mucho tiempo, fue el famoso Río Consulado. De esa vecindad mis recuerdos brotan como las chipas saltan del carbón ardiente, y aunque en ocasiones queman por su misma naturaleza, si se les mira con la atención debida son tremendamente hermosas.” (Foto y texto tomado de http://www.imer.mx/rmi/salvador-chava-flores-cronica-de-un-pequeno-homenaje-radiofonico).

7. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro amigo y colaborador Alberto Ramírez Martínez nos hablará de los Hermanos Reyes. En su cápsula incluirá comentarios de uno de los iniciadores de la agrupación, el señor José Guadalupe Reyes, que el próximo 8 de diciembre cumple 100 años en excelentes condiciones físicas y mentales.  Esta agrupación fue originario de La Manzanilla, Jalisco, y estuvo conformado por Federico, Rubén, Miguel, José Guadalupe, Francisco y Teresa Reyes Salcedo, Hijos del Señor  Gregorio Reyes Chávez  y la señora Concepción Salcedo, quienes tenían una panadería. Cuenta el señor José Guadalupe a nuestro colaborador Alberto Ramírez, que fue la cantante Ana María González, la que los llevo al restaurante de moda en la ciudad de México "El Patio" y de ahí a la XEW radio. Su consagración definitiva ocurrió en el año de 1941 cuando la radio difusora XEW, La Voz de la América Latina desde México, los contrató para alternar con Jorge Negrete, Pedro Vargas, Hugo Avendaño y muchas figuras más de la época. En esos años a quien triunfaba en la XEW se le abrían las puertas de los mejores centros nocturnos, fue así que  tuvieron presentaciones con sus voces y violines en el lugar de moda de esos años "El Patio", creado a finales de los años treinta por don Emilio Azcárraga Vidaurreta. También se presentaron en el Teatro Lírico, ubicado en la calle de Cuba, en la ciudad de México. La mayoría de sus arreglos musicales de sus temas fueron hechos por Rubén Reyes. Fueron bautizados como "La sensación musical de México", grabaron para discos Columbia y RCA Victor, tuvieron innumerables éxitos, como "Río Colorado", "Cancionero", "La barca", "Te me olvidas", "Pancho López", "Encadenados", "Niégalo", "Ansiedad"  "Cosita linda" y muchos más.

8. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro amigo y colaborador Luis Alberto Cardina Libreros, desde Bogotá, Colombia, nos presentara dos temas interpretados por Jorge Monsalve “Marfil”, son obras del compositor José Barros, cuyo nombre completo era José Benito Barros Palomino, quien nació en El Banco, Magdalena, Colombia, el 21 de marzo de 1915. Su padre João María Barro Traveceido, portugués, y su madre Eustasia Palomino murieron durante su niñez. Fue el menor de cinco hermanos, creció cantando en la plaza del pueblo donde recaudaba algunos fondos y antes de cumplir los 17 José ya sabía tocar algunos instrumentos musicales como la guitarra. Ya en Bogotá José se dio cuenta que la música caribeña tenía bastante acogida por los citadinos, quienes demandaban más composiciones de ese tipo, así que Barros compuso su célebre “El Gallo Tuerto”, canción que escucharemos con su propia voz, acompañado de la orquesta de Milciades Garavito en 1945. Gradualmente su voz y talento se conocieron fuera del país, en Panamá, México y Argentina, estas nuevas situaciones y el contacto con los músicos de los países visitados lo condujeron a componer rancheras y tangos. Fue el autor de la reconocida e internacional cumbia "La piragua" con la que logró inmortalizar a Guillermo Cubillos y al municipio Chimichagua. Problemas de salud lo llevaron a la quietud física, pero su brillo innato de creatividad siguió y lo caracterizó siempre. El 12 de mayo de 2007 muere José Barros en Santa Marta.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 01 de DICIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 20 de noviembre de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 24 DE NOVIEMBRE DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 24 DE NOVIEMBRE DE 2017
* Tres ejemplos de plagios en la música: Sortilegio, El remero y Niégalo
* Además, las primeras grabaciones de Libertad Lamarque. Desde Yucatán, las voces y guitarras de Las Hermanitas Núñez. Desde Colombia y Argentina, el Dueto Orozco y Cáceres.  Alfonso Bruschetta, un cantante que destacó mas allá de ser cuñado de Agustín Lara  
* En la sección  La cadena del recuerdo, cápsula sobre la Virgen de Chiquinquirá. En la sección Una canción colombiana para el mundo, oiremos "Óyeme Lorenza", con Juan Pulido, y en la sección Ay Jalisco no te rajes, una semblanza de Maciste

1. Dentro de la música de antaño hay diversos casos de canciones, cuya autoría es reclamada por diferentes compositores, alegando plagios. Algunos de esos  casos han llegado incluso a los tribunales.  Un caso interesante y al que se le buscó una salida salomónica fue el que enfrentó al compositor cubano Ernesto Lecuona con el mexicano Luis Arcaraz, famoso también por temas como” Prisionero del mar”, “Sombra verde” y “Por ella”. El conflicto vino por “Sortilegio”, que se le atribuye a Arcaraz, tema que era muy parecido a otro que Lecuona había registrado con el nombre “Siempre en mi corazón”, justo en los Estados Unidos. La canción tuvo tanto éxito en Norteamérica que más tarde se produjo una película bajo el nombre de “Always In My Heart”, que protagonizó Gregory Peck, quien seleccionó personalmente el tema. Amigos en común de los dos compositores salieron al paso para que esto no llegara a tribunales y que nadie saliera perjudicado, así que convocaron a los dos compositores a una comida para resolver de forma racional el conflicto. En un momento Luís Arcaraz dice: "Tu canción Ernesto, fue registrada recientemente y la mía ya lleva varios años", a lo que el Ernesto Lechona, reviró, "estás en un error Luís, mi canción la hice desde 1927, nada más que la tenía guardada y se la di a la producción de la película y es inédita," a lo que Arcaraz dijo, "¿Tienes pruebas de eso?" a lo que contestó Lecuona "sí, mi partitura", el Maestro Arcaraz rió y dijo que eso no era prueba de nada y que lo iba a demandar, el Maestro Lecuona, dijo él era el que lo iba a demandar. La disputa no llegó a los tribunales por la intervención de amigos recíprocos, incluyendo al mismo Peck. La resolución amistosa de esa disputa fue la siguiente: todo el dinero que “Sortilegio / Siempre en mi corazón / Always In My Heart” produjera en Ibero América, quedaría en manos de Alcaraz, mientras que lo recaudado en el resto del mundo sería propiedad de Lecuona”. 

2. Siguiendo con asuntos de presuntos plagios, un asunto curioso es que en 1947 el compositor Chucho Monge demandó a Agustín Lara por plagio.  Resulta que “María Bonita” —canción compuesta por Agustín inspirado por María Félix— tenía una melodía exageradamente parecida a la de “El remero”, tema de  Chucho dedicado a los remeros de Xochimilco. En aquel tiempo el asunto fue de gran escándalo mediático. Parece ser que se llegó a un arreglo amistoso cuando Agustín Lara al encontrarse a Monge en el Centro de espectáculos El patio le dijo a Chucho: “¿Hermano, por qué quieres fregarme en una canción que  he dedicado a la mujer más bonita de México?”. Chucho cedió caballerosamente,  pero siempre tuvo el gusto de saber que parte de “María Bonita” lleva el tema de  “El remero”. El abogado de dicho litigio fue Bernabé Jurado. La canción se convertiría en una de las más famosas del compositor veracruzano, y daría su título como sobrenombre a Félix en lo sucesivo. María Félix y Agustín Lara contrajeron matrimonio en 1943, acarreando críticas y burlas por el hecho debido a la razón por la cual una estrella de cine casaría con un hombre 20 años mayor, incluso asumiéndolo como una argucia publicitaria, hecho que negó Félix constantemente. La pareja sufriría problemas en el corto periodo de casamiento. Carlos Monsiváis afirmó que la canción fue ideada por Lara después de un pleito entre la pareja como forma de reconciliación. Según Eulalio Ferer, Lara la compuso en Acapulco.

3. Al referirse al coleccionista colombiano Hernán Restrepo Duque, Ofelia Peláez comenta que algunos músicos de Colombia le dedicaron diversas obras: el compositor Álvaro Romero hizo un pasodoble instrumental titulado Hernán Restrepo Duque. El compositor quindiano José Rubén Márquez con Jairo Baena Quintero son los autores de una obra dedicada al maestro que titularon: Al noble mensajero de la canción: Hernán Restrepo Duque. El maestro Restrepo Duque escribió la columna Radiolente en El Colombiano, nombre que nació de su programa radial. El hermoso tema musical que sirve de cortina para Radiolente, se lo hizo e interpretó el compositor argentino Mario Clavell. Cierto día llegó a mi casa y sus ojos tenían una expresión de alegría enorme. Traía en sus manos un papel membreteado de un tribunal de México. Resulta que el bolero que se impuso con Johnny Albino y su trío San Juan titulado Niégalo se lo había apropiado un Manuel Tabares. Rosario –Charito– Ortega, la mexicana del dueto Las dos Marías, lo reclamaba. Se entabló demanda en ese país y ya el monto de las regalías era muy alto. El tribunal de México para dirimir este pleito sentenció: “Se acatará el fallo que dé Hernán Restrepo Duque, de Colombia”. Hernán tenía un disco de 78 r.p.m. en el cual la propia voz de Charito Ortega interpreta su bolero; a ella se le reconoció la autoría. (Con datos de http://luisomarmontoyarias.blogspot.mx).

4. Desde Sudamérica presentaremos dos canciones con el Dueto Orozco y Cáceres: “Evocación” y “Por ti lloramos siempre”, esta última canción dedicada al aviador Ernesto Samper.  Aunque hay muy pocos datos de este dueto, pero podríamos arriesgarnos a decir que estaba conformado por el argentino Miguel Cáceres y el colombiano Ladislao Orozco, a excepción que algún amigo nos rectifique el dato. Cáceres es quien conformó con Luis Valente aquel famoso dueto Valente y Cáceres. Miguel Cáceres fue esposo de la compositora colombiana Sonia Dimitrovna. Al hablar de Ladislao Orozco, Mauricio Restrepo Gil escribe en el diario www.elmundo.com que los antioqueños al son del aguardientico de mi Dios, escucharon hasta la saciedad en las victrolas, ortofónicas y gramófonos las canciones de Orozco y con ellas se casaron, olvidaron a su amada o encontraron de nuevo el amor.  En la ciudad de Cartagena vino al mundo Ladislao Francisco Orozco Figueroa, el 3 de Septiembre de 1905. Agrega Restrepo Gil que desde sus primeros años el niño Orozco dio sus primeros pasos musicales al lado de su padre, hasta convertirse en un virtuoso del violín. Ladislao hizo historia con sus pasillos, la música caliente como porros, fandangos, cumbias, danzones, fox trot y pasodobles. Lamentablemente sus múltiples composiciones han ido cayendo en el olvido. Orozco dominó el violín y el piano, además de que tocaba muy bien la timba y la tumbadora, a lo que se sumaba a su voz melodiosa y excelente como acompañante en duetos. 

5. Este viernes recordaremos la voz de uno de los cantantes que muy pronto fue olvidado en el ámbito musical de México. Se le recuerda más bien porque fue cuñado de Agustín Lara, se trata de Alfonso Bruschetta. El cantante Alfonso Bruschetta Carral nació hace 109 años, el 29 de noviembre de 1908, en la ciudad de México. Según el disco LP dedicado a él y editado por la AMEF, Alfonso fue hijo de un inmigrante italiano y su madre, mexicana, tuvo que dejarlo a él y a su hermano Arturo en un hospicio. Otra hermana, angelina, quedó a cargo de una familia de una familia de apellido Rábago que la educó en el colegio Francés de la Ciudad de México. Alfonso vivió posteriormente en varios lugares como Torreón, Coahuila y Puruándiro, Michoacán. Su hermana Angelina fue esposa de Agustín Lara. Después de su divorcio, Alfonso decide probar suerte en la XEW, recordando que alguna vez su cuñado Agustín Lara lo había animado a probar suerte como cantante. Pudo formar parte del elenco del programa La Hora Azul, en donde el locutor Pedro de Lille lo bautizó con el seudónimo de El Cancionero del Secreto. En 1936 grabó sus primeros discos de 78 rpm y en ese mismo año participó en el filme La llaga, en el que interpretó la canción tema “Ya te perdoné”, con la que alcanzó un gran éxito. Después participó en otras emisoras como XEFO y XEB. Volvió a la XEW y finalmente participó en la XEQ. En 1949 formó el dueto Alma Criolla con Adolfo Sánchez Marín. (Foto: Asociación Mexicana de Estudios Fonográficos AMEF).

6. Desde la península yucateca escucharemos las hermosas y limpias voces de Las hermanas Núñez: Miriam y Nelly, originarias de Tizimín Yucatán. Según datos de Luis Pérez Sabido, Miriam Núñez Medina nació el 9 de febrero de 1946 y Nelly el 8 de septiembre de 1948. Siendo niñas, en 1954, debutan como bailadoras de jarana en la obra regional "Henequén a Rusia", presentada por la compañía de Daniel "El chino" Herrera. Su padre les enseñó a tocar la guitarra. Hacía 1957 hicieron una larga gira por Campeche y actuaron en la emisora XEA. Más adelante reciben clases del trovador Santiago Manzanero. Se establecieron en la ciudad de México y con el apoyo de "El Chino" Herrera actuaron en el programa "El estudio de Pedro Vargas". Ingresaron al elenco de la disquera Musart y graban sus primeras canciones. En 1955 son parte del elenco del sello Orfeón. En 1968 consolidan su carrera con la grabación del tema "Reconciliación", de Acrelio Carrillo, con el que logran los primeros lugares en las listas de popularidad. Según otros datos, el padre de las hermanitas Núñez era de oficio peluquero y fue asesinado en la ciudad de México durante los tiempos de éxitos de sus hijas. Hace algunos años, Miriam celebró sus 45 años como trovadora y hace como 30 años es solista. Su hermana Nelly se casó con un estadounidense y se fue a vivir a Indianápolis con sus hijos Cuauhtémoc y Lucita.

7. En la sección Rinconcito arrabalero escucharemos algunas de las primeras grabaciones que hizo Libertad Lamarque, quien nació hace 109 años, el 24 de noviembre de 1908 en Rosario, Argentina y falleció el 12 de diciembre de 2000 en Ciudad de México. En cuanto a sus primeras grabaciones luego de incursionar en la radio, realizó con la compañía RCA Victor su primer disco que contuvo temas musicales como «Gaucho sol» y «Chilenito». Con aquella empresa trabajaría durante toda su carrera discográfica, hasta 1997, año en que hizo en compañía de Enrique Chía su último disco. Si bien en sus comienzos interpretó tangos humorísticos, para la década de 1930, cuando se consolidó como actriz, comenzó a incorporar tangos sentimentales a su repertorio. En Argentina, fue acompañada por guitarristas en un comienzo, luego por la orquesta de su marido, Alfredo Malerba, y por la de Mario Maurano, Héctor Stamponi y Víctor Buchino. En México dejó registradas cientos de canciones, acompañada por los conjuntos locales de Ruiz Armengol, Chucho Zarzosa, Raúl Lavista, Chucho Ferrer y otros. Néstor Pinsón en todotango.com escribe sobre Lamarque: "Pequeña de estatura, aunque de físico robusto y figura atrayente, delicada sonrisa y expresividad en la mirada. Timbre de voz agudo, incluso para su registro de soprano, quizás no apropiado para el tango, supera esa aparente dificultad con un enorme caudal de su voz, el fuerte temperamento que le imprimía y una emotividad permanente sumado a una perfecta afinación para decir la letra y acompañar la melodía.

8. En la sección Ay Jalisco no te rajes, desde Guadalajara, Jalisco, nuestro amigo y colaborador Alberto Ramírez Martínez nos hablará de otro jalisciense: Manuel Álvarez Rentería "Maciste", quien fue originario de Tequila, Jalisco, en donde nació, el 8 de agosto de 1892. Desde pequeño mostró una extraordinaria afición para tocar guitarra, y al fin logró el dominio de tan difícil instrumento, mediante los estudios que realizó en la ciudad de Mérida, Yucatán. Sus actividades profesionales como guitarrista y cantante se iniciaron en la ciudad de México, especializándose en cantar tangos. Su primera canción fue “Ojos Rojos”, a la que siguieron muchas más, de las que mencionaremos, entre otras, “La Golfa”, “Paris”, “Fíjate cómo hablas”, “Manos blancas”, etcétera, pero las más conocidas y famosas de su repertorio son “Angelitos Negros”, “Virgencita de Talpa” y “Me sobra corazón” (Trío Los Delfines). Incursionó, además, en el cine estadounidense, actuando en varias películas producidas en Hollywood, entre ellas, La luciérnaga, Sólo los ángeles tienen alas, Viva Villa, La Audacia de Pablo Bragaza, etcétera. A su regreso a la patria, el cine nacional lo incorporó a sus filas, debutando con la cinta “La hora de la verdad”, donde cantó su tema “Adiós de un Torero”, dedicada al tapatío, Pepe Ortiz.

9. Desde la ciudad de Bogotá, Colombia, nuestro amigo, colaborador y coleccionista de discos, Alberto Cardona Libreros nos presentará en la sección Una canción colombiana para el mundo, la rara canción "Óyeme Lorenza", del Ángel María Camacho y Cano, en versión del llamado “Emperador de la canción popular”, Juan Pulido, quien falleció el 23 de noviembre de 1972 en la ciudad de México. Fue un barítono nacido en las islas Canarias, España, el 19 de junio de 1891. Comienza estudios de canto en la academia filarmónica de su ciudad natal; después de prestar servicio militar se dirige a Cuba en 1920 donde continúa sus estudios y tiene la oportunidad de ser uno de los pioneros del cine en la isla cubana filmando dos películas. Juan Pulido grabó diversos géneros musicales como fox trots, danzas, marcas, canciones mexicanas, valses y por supuesto tangos. Se adelantó en varios países latinoamericanos a Carlos Gardel. Cuando el inmortal zorzal argentino triunfaba en Buenos Aire, era difícil que sus discos llegaran tierras norteamericanas, incluso al norte de Sudamérica, esta situación obligaba a hacer nuevas versiones por Pulido en los Estados Unidos para surtir amplios mercados en Centro y Sur América. Juan Pulido estudió canto con Néstor de la Torre; formó parte de la Fundación del Grupo Teatral Los Doce y participó en la puesta en escena de la zarzuela canaria del Maestro Tejera, La Hija del Mestre. Se considera a Pulido Rodríguez como uno de los cantantes pre-gardelianos. Los testigos de sus actuaciones lo recuerdan vestido de charro y dramatizando con gran énfasis la interpretación de los tangos, que cantaban historia del arrabal y muerte, de desengaño, borracheras y amores idos.

10. En la sección La Cadena del recuerdo, Luis Paredes y Nury Tinedo, del programa La Colección de mis recuerdos de la emisora Sabor 106.5 FM de Maracaibo, Venezuela, nos presentarán una interesante cápsula musical sobre La Virgen de Chiquinquirá. Nuestra Señora del Rosario de Chiquinquirá es una de las advocaciones con que se venera a la Virgen María en el catolicismo. Es la patrona y reina de Colombia, de la ciudad de Maracaibo, del Estado Zulia en Venezuela, de la parroquia Bella Vista del Estado Trujillo, y de la ciudad de Caraz, en el Departamento de Ancash en Perú. En Colombia, su imagen aparece vívida en la Basílica de Nuestra Señora del Rosario de Chiquinquirá; a donde acuden miles de peregrinos, no solo el día de su fiesta patronal el 9 de julio, sino todos los domingos, cuando se celebran las misas, seguidas de entusiastas procesiones. Se le conoce por el nombre de la ciudad de Chiquinquirá, donde tuvo lugar la primera de sus manifestaciones milagrosas, y donde reposa uno de los lienzos considerados como original. Una imagen de la Virgen de Chiquinquirá de Venezuela, considerara también como original, descansa en la Basílica de Maracaibo, Estado Zulia. En esa ciudad, cada año, el 18 de noviembre, se celebra la tradicional "Feria de La Chinita" y se realizan misas y procesiones en honor a la Virgen.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 24 de NOVIEMBRE de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.