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lunes, 24 de septiembre de 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 28 DE SEPTIEMBRE DE 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 28 DE SEPTIEMBRE DE 2018
* Presentaremos un programa con “canciones del alma”
* Rafael Hernández, compositor puertorriqueño que se creía era cubano
* En Ay Jalisco no te rajes, un invitado: Alberto Cervantes; en Una canción colombiana para el mundo, oiremos al trío Los Isleños; en la Cadena del recuerdo, Joaquín Pardavé

1. Este viernes presentaremos un programa dedicado a las “Canciones del alma”, efectivamente hemos seleccionado una gran cantidad de canciones, compositores e intérpretes que le cantaron al alma, eso que algunos diccionarios definen como una “Entidad abstracta tradicionalmente considerada la parte inmaterial que, junto con el cuerpo o parte material, constituye el ser humano; se le atribuye la capacidad de sentir y pensar”, y que en el cancionero popular, principalmente en el bolero, hay una gran cantidad de títulos que incluyen ese término en su contenido, De por si el alma es una palabra muy poética que en las canciones de bolero es muy común que aparezca. Así, podemos encontrar títulos como los de Rafael Hernández: “Canción del alma” o “Alma vacía”. Por cierto, decía María Luisa Landín que más que “Amor perdido”, el bolero “Canción del alma”, era su preferida, y la cual grabó por primera vez en 1942. El compositor argentino compuso “Dos almas”, del cual hay excelentes versiones. El mazatleco Fernando Valadez nos dejó también “Asomarte a mi lama” y “Alma mía”. Por cierto, con este título de “Alma mía” existen otras canciones de María Greever y del peruano Pedro Miguel Arrese. En algunos títulos antiguos también encontramos canciones del alma como “Marchita el alma” de Manuel M. Ponce. En el Rincón norteño disfrutaremos de canciones como “Prenda del alma” y “Alma angelina”, canción que el sonorense Manuel S. Acuña le dedicó a su hija del mismo nombre y de la cual hay versiones muy bellas como las de las hermanas Padilla. Desde el caribe también nos llegaron boleros del alma como “Alma vanidosa”, de Tony Fergo, o “Alma de mujer”, de Armando Valdespí, entre otras.

2. En el caso de Rafael Hernández ya comentado, fue un compositor que no sólo el alma fue su fuente de inspiración, sus múltiples composiciones siguen vigentes siendo incontable el número de interpretaciones a través de los años. Sin duda Hernández es el más importante artesano de la canción de Puerto Rico, traspasó las fronteras de su pequeña isla hasta alcanzar con su música trascendencia universal. Lo consideran el más grande jibarito. Muchos pensaron que era cubano. En alguna oportunidad expresaba Celia Caridad Cruz Alfonso al referirse a este genio de la canción latinoamericana: “Yo siempre creí que Rafael Hernández era cubano, pues su música se escuchaba por todas partes”. En el año 1919 Hernández Marín llegó a La Habana contratado por una empresa transnacional para dirigir los espectáculos musicales y la orquesta del Teatro Fausto ubicado en las calles Prado y Colón, Centro Habana. En Cuba se mantuvo hasta el año 1925, en este periodo también trabajó en las primeras audiciones de la Radio Cubana. Pero el maestro y brillante compositor no detuvo su imaginación de creador ni el de la dirección de orquesta, y en México mantuvo un largo período, creando y dirigiendo orquestas y agrupaciones en magnificas locaciones de primera línea. En Cuba, según el periodista Lino Betancur, Rafael permaneció por espacio de cinco años, viajando luego por las Antillas y recae en Nueva York donde forma su afamado Trío Borinquen, integrado por don Manuel “El Canario” Jiménez, como voz prima, don Salvador Ithier haciendo la segunda voz (Tío de Rafael Ithier) y don Rafael primera Guitarra y director.

3. Hace 118 años, el 30 de septiembre de 1900, nació Joaquín Pardavé Arce, un actor del siglo de oro del cine mexicano famoso por su personaje “Susanito Peñafiel” de la cinta “México de mis recuerdos”; para recordarlo escucharemos una semblanza de su carrera en la sección La Cadena del recuerdo, pero Pardavé no solo fue actor, también fue compositor, director, todólogo. Joaquín Pardavé construyó una legendaria carrera como actor trabajando en más de 104 películas, hizo más de 50 composiciones musicales y participó en más de tres mil puestas en escena. Pese a que construyó una carrera llena de éxitos, la mayoría se hicieron gracias a su mancuerna de trabajo con Sara García, actriz conocida como “La abuelita mexicana”. Antes de sumergirse en el mundo fílmico, Joaquín Pardavé trabajó como telegrafista en la oficina de Paredón de la paraestatal Ferrocarriles Nacionales, donde compuso “Carmen”, una pieza musical inspirada en su novia de aquel entonces, Carmen Delgado. Orgulloso de ser mexicano, se interesó por la historia del país convirtiéndose en ferviente admirador de Miguel Hidalgo, “El padre de la patria”; participó en un proyecto de la construcción de un monumento a Hidalgo, sin embargo, murió antes de verlo terminado. Además de ser compositor de varias pistas sonoras para diferentes películas, Joaquín Pardavé también tenía dotes de cantante de ópera, destacando la puesta en escena de “Orfeo en los infiernos”. Entre sus composiciones más famosas destaca “Varita de Nardo”, dedicada a quien fue esposa, Soledad Rebollo, la popular “Cholita” a quien le juró amor eterno en la lápida que actualmente ambos comparten en el Panteón Jardín de la Ciudad de México. El actor falleció el 20 de julio de 1955.

4. La sección Ay Jalisco no te rajes, producida desde la ciudad de Guadalajara, Jalisco, por Alberto Ramírez Martínez estará dedicada a un invitado: el compositor poblano Alberto Cervantes, de quien se presentará una semblanza con base en datos aportados por su hija mayor. Alberto Raúl Cervantes González nació en la ciudad de Puebla el 9 de agosto de 1923. Inició su carrera artística en la Ciudad de México en 1938. Pedro Vargas grabó su primer bolero romántico, "Mi gran amor". En 1945, por iniciativa del maestro Alfonso Esparza Oteo, fundó el Sindicato Mexicano de Autores, Compositores y Editores de Música (SMACEM), que tuvo su sede en la calle de San Juan de Letrán, número 68. En 1949 actuaba en las estaciones radiofónicas XEW, XEB y XEFO. En lo que se refiere al bolero ranchero, Alberto Cervantes comentaba que surgió de manera accidental. Pedro Infante se quejaba con él de que en su repertorio sólo había boleros, y le insistía para que le compusiera algunas canciones rancheras. Fue así que Alberto Cervantes hizo arreglos rancheros de algunos de sus boleros. Sus temas han ocupado un lugar preferente en el gusto del público. Es meritoria la labor del maestro Cervantes, pues sin saber música ni tocar ningún instrumento, tan solo con tararearlas o silbarlas logro hacer canciones hermosas que se han quedado para la eternidad. La trilogía que formó con Pedro Infante y Rubén Fuentes no ha sido superada, pues de esa unión de talentos, surgieron grandes temas como "Cien años" o "La verdolaga" y muchas más de las cuales Alberto Cervantes compuso la letra y la música y Rubén Fuentes hizo los arreglos musicales y Pedro Infante las interpretó. Alberto Raúl Cervantes González falleció el 31 de octubre de 2001 en la Ciudad de México.

5. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro colaborador en Bogotá, Colombia, Alberto Cardona Libreros nos presentará el trío Los Isleños. En el mes de enero de 1953, Óscar Fajardo, Santander Díaz y Gastón Guerrero, consumados intérpretes de la música popular, romántica y rítmica de Colombia y las Antillas integraron el muy famoso Trío Los Isleños. En el año 1957, un empresario español llamado José Montojo, quien manejó por mucho tiempo Los Indios Tabajaras, les propone recorrer Suramérica, oferta que ellos aceptan y hacen su debut en el mismo mes de mayo en las emisoras y teatros de Ecuador. Allí la gira se prolonga por dos meses y graban el tema “Gotitas de dolor” del compositor Julio Rodríguez que se convierte en todo un éxito y les abre las puertas hasta el Perú, donde son recibidos con bombos y platillos como el trío “Los Reyes del Merecumbé”. En Lima hacen varios programas en Radio El Sol, inauguran la televisión comercial y encabezan las principales revistas de teatro. Posteriormente pasan Los Isleños a Santiago de Chile donde son contratados para actuar en la Revisa Musical que presenta el Teatro Opera. Al mismo tiempo realizan programas en Radio Minería. Desde allí se extiende la gira por Valparaíso y Viña Del Mar, en donde fueron tres meses de completo éxito. Pasa el trío a la Argentina y es recibido con júbilo por la colonia colombiana iniciando actuaciones en uno de los centros nocturnos más destacados: El Tabaris, local de tres pisos con un cuerpo de coristas que adornaban sus presentaciones; realizan actuaciones en los principales canales de la televisión y en Radio “El Mundo” de Buenos Aires, temporada que dura dos meses. Después de ser contratados nuevamente en Santiago de Chile, regresan a Colombia en 1958.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 28 de SEPTIEMBRE de 2018 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

Descargue el PDF completo del programa del 28 de septiembre de 2018


lunes, 17 de septiembre de 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 21 DE SEPTIEMBRE DE 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 21 DE SEPTIEMBRE DE 2018
* Jaime Nolla Reyes, El tenor de la hora azul, nació hace 109 años
* Martha Triana: Prototipo de las voces identificables con los boleros de los años cuarenta
* Además, la voz de Miguel Ángel Torres. Pepe Guízar murió hace 38 años. Oiremos la primera grabación de Estrellita del Sur. En el Rincón norteño el dueto Carmen y Laura
* En Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Katy Jurado; y en Una canción colombiana para el mundo, oiremos un tema de Agustín Cornejo con Ibarra y Betancourt

1. Hace 109 años, el 23 de septiembre de 1909, nació el cantante Jaime Nolla Reyes, llamado también El tenor de la hora azul. Este viernes lo recordaremos con algunas de sus canciones grabadas en los años cuarenta y también escucharemos una semblanza de su carrera en la sección La cadena del recuerdo, en la que escucharemos comentarios de su hija menor Monserrat Nolla. Fue en la ciudad primaveral de Cuernavaca, Morelos, en donde vino al mundo este cantante que hoy poco se recuerda. Jaime Nolla fue un cantante proveniente de una familia de artistas que realizaba giras por varios estados de la República Mexicana e incluso por otros países, de ahí la confusión de que algunos lo consideraran como nacido en Honduras, lugar al que la familia visitó debido a sus presentaciones artísticas. Nolla fue un bolerista de los años cuarenta que actuó en la emisora XEW y en otras estaciones de radio. Fue uno de los primeros que llevaron al disco boleros como “Despedida” de Pedro Flores y” Chacha linda” de los Hermanos Martínez Gil, entre otros. Aunque también grabó otros géneros como tangos, Melodía de arrabal y Beso de Mujer. Grabó además algunos duetos con su esposa. De acuerdo con datos de Héctor Madera Ferrón, Nolla Reyes salta a la fama en el año de 1935 y logra ocupar un lugar de privilegio. “Durante mucho tiempo yo grabé cuatro canciones quincenales con la Peerlesss”, comenta Nolla Reyes, quien agrega “esa era la razón por la que todos los compositores noveles se acercaban para darme canciones y que las grabara. A esa gente siempre me gustó siempre darle la mano, un ejemplo claro de ello fue Federico Baena”. En el año de 1967 decidió poner fin a su carrera y dedicarse a otras de sus pasiones: la escultura y la pintura. Nolla Reyes decidió retirarse ante su
público en el hotel tamaulipeco “Imperial” con un recital inolvidable.

2. Hace 38 años, el 27 de septiembre de 1980, murió el compositor y cantante Pepe Guízar. Escucharemos a algunos de sus principales intérpretes y también escucharemos su voz acompañado de su grupo Los Caporales. Llamado “El pintor musical de México”, fue un compositor mexicano de música popular. Es autor de canciones rancheras, sones jaliscienses y boleros. Nació en Guadalajara, Jalisco, el 12 de febrero de 1912. Gabriel Pareyón escribe que Pepe Guízar al terminar el bachillerato en el Instituto de Ciencias de Guadalajara, marchó a la ciudad de México (1928). Dejó la carrera de leyes para dedicarse a la música. Discípulo de Manuel M. Ponce (canto y piano) y Jesús Estrada (armonía). Cursó literatura y redacción con Erasmo Castellanos Quinto, y en 1931 decidió dedicarse al estudio del canto vernáculo mexicano. Emprendió un recorrido por la República, recopilando jarabes y sones, y en 1933 se estableció en Monterrey, donde hizo amistad con Raúl Prado, Fernando Fernández y Miguel Aceves Mejía, quienes dieron a conocer canciones a través de la radio. En la radiodifusora XEW fue bautizado atinadamente como “El pintor musical de México” porque sus composiciones dibujan la geografía musical de México. Regresó a la ciudad de México y estrenó una revista en el teatro Lírico. Actuó en programas de radio y televisión desde 1954, e hizo innumerables grabaciones. Entre sus canciones más conocidas están: A poco no, Amantes de una noche, Canción tlaxcalteca, Chapala, Ciudad blanca, Como México no hay dos, Desde que el día amanece, El coleadero, El corrido del norte, El mariachi, Feria de San Marcos, Guadalajara, Oye vale, Pregones de México, San Luis Potosí, Sarape de Saltillo, Sin ti, Tehuantepec y Tequila.

3. Martha Triana es una de las boleristas que más se ido olvidando de la memoria musical actual, prototipo de aquellas voces identificables con los boleros de los años cuarenta. Martha Triana grabó una gran cantidad de discos de 78 rpm, lamentablemente pocas de sus grabaciones fueron reeditadas en discos LP. Aunque hay pocos datos biográficos de Martha Triana, nos cuenta Jaime Rico Salazar que se llamaba en realidad Eva Rodríguez y comenzó su vida artística en la carpa Ofelia, un medio artístico muy humilde de México, pero donde empezaron lumbreras como Cantinflas. Después fue cantante de la XEW y XEQ. Tenía una voz pequeña pero linda. En sus boleros grabados en los años cuarenta destaca el acompañamiento de varias orquestas de renombre como la de Abel Domínguez, Juan S. Garrido, Bobby Collazo, Rafael de Paz y la orquesta Continental, entre otras. De ella se recuerda un disco LP llamado “Vuelven los boleros de oro”, incluido en una serie de discos que Peerles editó en los años setentas para recordar a boleristas cuenteras como Gaby Daltas, Eduardo Alexander, Salvador García y la propia Martha Triana, entre otros. Ene se disco se incluyes temas como “No vuelvo contigo”, “Sin motivo”, “Somos diferentes”, y otros. Para este viernes presentaremos dos boleros de un viejo disco de 78 rpm. (Foto de Martha Triana: AMEF). Con el fin de obtener mayores datos de esta cantante nos ha sido imposible ponernos en contacto con sus familiares que nos han dejado comentarios en nuestra página de internet. Por ejemplo, el señor Raúl Muñoz nos comenta que “Tengo el enorme placer de decir que Martha Triana es mi abuela, en efecto su nombre fue Eva Rodríguez Burgos y fue una gran guerrera a quien llegue a admirar con todo mi corazón, aún tengo preciosos recuerdos de su hermosa voz en entrevistas que le hicieron en la XEW Radio”.

4. Miguel Ángel Torres Medina nació en Mérida, Yucatán, el 5 de julio de 1920. Su padre, Francisco Torres López, tocaba la mandolina y el banjo y formó un grupo musical. En 1937, Miguel Ángel Torres participó en un concurso de aficionados celebrado en la radiodifusora XEZ, cuyo director artístico era el compositor Pepe Domínguez; él mismo confiesa que tenía dificultades para encontrar el tono de las canciones, así que en su primera presentación le tocaron la campana, quedando eliminado. Insistió y nuevamente por segunda ocasión, le tocaron la campana. Con una terquedad increíble tuvo las agallas para presentarse a una tercera prueba, en la que quedó como finalista, marcando así su destino como cantante. Quién les iba a decir, tanto a Miguel Ángel como a Pepe –se expresan Beatriz Heredia y Rafael de Pau-, que poco tiempo después formaría parte de un nuevo “Quinteto Mérida” que el compositor formaría en la Ciudad de México, cuando éste se había mostrado implacable tocándole la campana. Posteriormente y pasado un tiempo, tuvo Miguel Ángel un programa radial en la misma difusora, que se transmitía al medio día; luego hizo un dueto con Edmundo Simón, al cual se unió después Paco González, grupo que llevó por nombre el “Trío Armónico”. Para mediados de la década de los cuarenta, Miguel Ángel decidió probar suerte en la Ciudad de México y ya en la capital, consiguió un programa en la radiodifusora Radio Mil, y alternaba sus programas con presentaciones en cabarets, como “El Club Verde”, “Atzimba”, “Río Rosa” y “Bagdad”. Poco después se integró a la XEQ, cantando en su programa acompañado del pianista Gonzalo, “Chalo” Cervera. Desde su llegada en 1945 a la Ciudad de México, Miguel Ángel Torres había conseguido efectuar sus primeras grabaciones, de las canciones: “Arrepentida”, de los hermanos Martínez Gil, y “Presentimiento”, de Miguel Prado. (Con datos y foto de Mario Bolio García en La Canción yucateca, su historia y sus creadores).

5. Hace una semana quedamos a deber el recuerdo de Ermilo Chispas Padrón. A través de las voces del Dueto de Eulogio Salas y Andrés Herrera, Los Hermanos Martínez Gil y de Saúl Martínez, escucharemos tres canciones con letra del poeta, compositor de música popular y hasta trovador Ermilo Alfonso Padrón López "Chispas", quien nació el 18 de septiembre de 1898 en la ciudad de Mérida, Yucatán. Disfrutaremos de las grabaciones "Para Olvidarte", "rosa de Francia" y Rayito de sol". Entre 1924 y 1926 escribió los versos de "Rayito de sol" y "Para olvidarte", ambas musicalizadas por Guty Cárdenas, que hasta la fecha son clásicos de la canción romántica de la península de Yucatán. Entre otros temas escribió la letra de "Desdén", con música de Licho Buenfil, "Rosa linda", "Nube errante", estas dos últimas con música de Ricardo Palmerín. También escribió, entre otras. "Dos dolores", "En la vieja noria", "Torcacita" y "Amapola del trigal". Según Don Luis Pérez Sabido en su libro Antología de la Canción yucateca, Padrón vivía cerca de la casa de Chan Cil, por lo que lo escuchaba tocar el violín y así nació su inclinación por la música. Padrón aportó letra para que diferentes compositores le pusieran música a sus versos como Guty Cárdenas, Pepe Domínguez, Licho Buenfil y otros. En total, Ermilo Padrón aportó 150 versos a 58 compositores, según destaca Pérez Sabido. Pero "Chispas" también musicalizó varias de sus letras. Ermilo "Chispas" Padrón murió el 14 de septiembre de 1978. Sus restos reposan en el Monumento a los Creadores de Canción Yucateca en Mérida.

6. En la sección Rinconcito arrabalero, recordaremos al compositor peruano Felipe Coronel Rueda, autor de la célebre canción “Estrellita del sur”, hermoso vals con letra y música de Felipe Coronel Rueda, compuesto en 1948 durante la exitosa estadía en Chile del cuarteto “Los Mensajeros del Perú”, integrado por Luis Abanto Morales, Carlos Dávila Galarza, Ramón Oswaldo Urízar y el Mismo Felipe, que grabaron el tema en 1948 y que escucharemos en el programa. Asimismo, oiremos una versión de 1951 en la voz de Alberto Castillo. Felipe Coronel Rueda nació en El Callao el 23 de setiembre de 1924. Como él mismo señalara en una entrevista al periodista Peruano Raúl Álvarez Russi: “Soy el único artista de la familia y el único que no trabaja”. Señaló el mismo Coronel Rueda que el vals se lo dedicó a Mercedes “Meche” Pineda. “Yo tenía 24 años, era un amor de juventud”. El tema originalmente iba a llamarse “Sureñita”. En una entrevista del día martes 29 de abril del 2014 en el diario "El Comercio" realizada a Luis Abanto Morales, integrante del conjunto, señaló claramente: “Coronel se la dedicó a una chilena y le puso Sureñita. Le dije: Yo le pondría Estrellita del Sur y aceptó mi sugerencia”. Refiere también Luis Abanto que Carlos Dávila se quedó en Chile, mientras que Felipe Coronel Rueda se quedó radicando en Argentina donde se casó con una dama italiana llamada Erta Bacci. Felipe Coronel Rueda falleció en Argentina a los 95 años el pasado 12 de julio de 2018. El compositor será recordado por su trayectoria y sus temas que forman parte de la historia musical del Perú, tales como “Tradición”, “Defensor Lima”, “Estrellita del sur”, “Lima pregonera”. (Con datos tomados de http://el-anacronico.blogspot.com/2016).

7. Con el dueto texano Carmen y Laura escucharemos en la sección Rincón norteño, los temas “los votantes” y “Perdida” y “Mi amigo pulque”. En 1940, cuando comenzó a operar Discos Ideal en el Estado de Texas, el acordeonista Narciso Martínez, “El huracán del Valle”, comenzó su carrera, pero él no lo hizo solo, ya que creó un nuevo estilo al acompañar a dos voces femeninas con su acordeón, esas voces eran Carmen y Laura Hernández. Precisamente durante los años de la Segunda Guerra Mundial, Carmen, la hermana mayor, se casó con Armando Marroquín, ejecutivo de la compañía de discos citada. Marroquín grababa con su equipo una gran cantidad de discos de cantante mexicanos en la frontera, de ahí nació la idea de lanzar al dueto Carmen y Laura. Alguna vez las hermanas Carmen y Laura dijeron que tomaron mucha influencia de los duetos mexicanos como Las Hermanas Águila y por supuesto de las muy conocidas Hermanas Padilla que hacían carrera en la ciudad de Los Ángeles, California. Una anécdota interesante sobre las hermanas Hernández Cantú nos cuenta que ambas hermanas aprendieron a cantar en armonía al ubicarse en habitaciones separadas en el hogar y escuchar una la voz de la otra para conjugar ambas voces a la perfección. Laura se casó con un medio hermano de Armando Marroquín, el señor Cantú. El secreto del éxito de las grabaciones de Carmen y Laura radicaba en el tono grave de sus voces, aparte del acampamiento de Narciso Martínez. Las hermanas Carmen y Laura (Hernández) nacieron en los años veinte en Kingsville, Estado de Texas. Carmen nació en 1921 y Laura en 1926. Fueron el primer dueto texano que grabó par la marca de discos IDEAL. Carmen Hernández Marroquín murió en Alice, Texas, que fue su hogar durante muchos años, el 11 de junio de 2010.

8. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará un trabajo radiofónico sobre Katy Jurado, actriz nacida en Guadalajara el 16 de enero de 1924. Su nombre de pila era María Cristina Estela Marcela Jurado García. Tuvo un talento innato y un carácter tan fuerte que desde pequeña supo lo que quería, ni la oposición de su familia pudo con su sueño de ser artista y hasta firmó su primer contrato en secreto en 1943 a la edad de 19 años, para el productor Mauricio de la Serna, quien le ofreció un papel en la película "No Matarás", dirigida por Chano Urueta y protagonizada por Emilio Tuero y Carmen Montejo, en ese mismo año Katy se casó con Víctor Velázquez un actor que le doblaba la edad, con el único fin de convertirse en actriz ya que su familia se oponía terminantemente a su vocación. A partir de ese momento, arrancó una exitosa carrera con el nombre artístico de Katy Jurado, después de esa primera película le siguieron otras como "Internado para señoritas", "La vida inútil de Pito Pérez", "Balajú", "Rosa del caribe", "Nosotros los pobres" de Ismael Rodríguez, "El seminarista", estas dos últimas con Pedro Infante. Poseedora de una gran belleza y una gran personalidad, Katy se especializó en interpretar a mujeres perversas y seductoras, que la llevaron a triunfar en la considerada época dorada del cine mexicano. En Hollywood debutó en 1952 en la película de vaqueros High Noon, "A la Hora Señalada", en la que compartió créditos con Gary Cooper y Grace Kelly, esta última antes de convertirse en la princesa de Mónaco. Katy Jurado murió el 5 de julio del 2002 en Cuernavaca, Morelos, a la edad de 78 años.

9. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro colaborador en Bogotá, Colombia, Alberto Cardona Libreros nos presentará una grabación del tema “Pobre mi viejita”, en las voces del dueto Ibarra y Betancourt, una composición del argentino Agustín Cornejo, quien la grabó en los años treinta, pero bajo el título “El camino de mi vida”, acompañado de Gregorio Ayala y Antonio Francés. El autor del tema, Agustín Cornejo, cantor, guitarrista y compositor nació en la provincia de San Juan, República Argentina, el 28 de agosto de 1899. Allá en su provincia natal aprendió las primeras canciones junto al guitarrista y compositor Saúl Salinas, al payador Pedro Garay y a Mateo Cardoso. Más tarde en 1925 llegó a Buenos Aires.  Su virtuosismo y la digitación con la guitarra le permitieron de inmediato trabajar y actuar en las emisoras de radio en aquella época. Orlando del Greco en todotango.com afirma que, al año siguiente, 1926, formó dúo con otro sanjuanino. Miguel Cáceres, y emprendió una gira por América con la compañía teatral de Camila Quiroga, pero al llegar a Bogotá se separan de ella y se van a Nueva York contratados por la Brunswick para grabar discos en esa marca. Allí intervino junto a Gardel en varias de sus películas como actor, guitarrista y cantor, y con Miguel Cáceres, Gregorio Ayala, Carlos Spaventa y Carlos Gianotti; artistas argentinos que andaban por el país de los rascacielos tratando de divulgar nuestro folklore, acompañaron a nuestro máximo cantor en las grabaciones de “Criollita, decí que sí” y “Caminito soleado” en guitarras y la colaboración de Alberto Castellanos en piano.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 21 de SEPTIEMBRE de 2018 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

viernes, 7 de septiembre de 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 07 DE SEPTIEMBRE DE 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 07 DE SEPTIEMBRE DE 2018
* Se cumplieron 100 años del nacimiento de Ana María González
* En vivo en cabina el dueto Norteños del sur
* Además, en La Carpa, el Trío Imperial de Lalo Guerrero canta temas jocosos. Ortiz Tirado murió hace 58 años. Oiremos garbanzos de a libra con Virgilio Rabén, tenor boricua
* En Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Gilberto Parra; y en Una canción colombiana para el mundo, Me voy pal salto con Noel Petro

1. El pasado 31 de agosto se cumplieron 100 años del nacimiento de la cantante mexicana Ana María González Tardos, quien nació en la ciudad de Xalapa, Enríquez, Veracruz, en el año de 1918, aunque diferentes fuentes afirman que fue en 1920, y falleció en la Ciudad de México, el 18 de junio de 1983. Por lo que este viernes recordaremos a esta cantante con diversas canciones en su voz, así como dos cápsulas que hace tiempo produjo, desde la ciudad de Xalapa, nuestro colaborador Fernando Hernández, para su sección Agustín Lara, El romántico de la cicatriz. Ana María González fue conocida como «La voz luminosa de México», fue una cantante mexicana, famosa en toda Iberoamérica y España por sus grabaciones y actuaciones. El nombre de su padre era Mario González, y el de su madre, Trinidad Tardos.  Su familia era humilde, y en su barrio todos la conocían por su talentosa voz, con la cual interpretaba las canciones de moda. Después, su familia se trasladó a la Ciudad de México, donde ella se inició como cantante en un programa de aficionados de la estación de radio XEB, la emisora del buen tono. Según anota Pablo dueñas en si libro “Bolero, historia gráfica y documental”, Ana María González se integró al ámbito carperil actuando en “El liriquito” y posteriormente a la Carpa Ofelia para consagrarse en el Follies Bergerere. Bolerista y cantante de ranchero, también cantó con maestría música de España, país donde triunfó en toda la línea, cuando este era el escenario más difícil para artistas latinos. Fue contratada para cantar en el Teatro Salón Lírico, donde le pagaban seis pesos por cada presentación.  En los años cuarenta actuó como figura principal en la revista Cachito de cielo, en la que intervenía Agustín Lara; hizo gran amistad con ese compositor y se convirtió en una de sus principales intérpretes, en giras por toda la América Latina, y en grabaciones y programas de radio y televisión. 

En 1941, acompañó a Agustín Lara en una gira por Sudamérica, y en Argentina estrenó el famoso bolero «Solamente una vez».  Estando en Buenos Aires, Lara compuso uno de los boleros que más contribuyeron a mi fama en todo el mundo: «Solamente una vez», que le dedicó a José Mojica, uno de los grandes cantantes líricos de México, que entonces había anunciado su decisión de retirarse al mundo religioso. Entonces me lo dio para que lo estrenara en un programa de Radio Belgrano, durante una mañana del mes de junio. El 13 de mayo de 1948, Ana María González estrenó el chotis «Madrid», de Agustín Lara, en la emisora Radio Madrid. Yo estaba preparando un viaje a España, mi primer viaje. Un locutor amigo mío me dijo que Lara tenía un buen tema. Se refería, claro está, al chotis. Hablé con Agustín Lara y le pareció bien que yo lo estrenara. «Será tu tarjeta de presentación en España», me dijo. Y así fue. En Radio Madrid, acompañada por una gran orquesta de cuarenta profesores, dirigida por el maestro Tejada, lo estrené. Fue un éxito inmediato, el cual no me abandonó jamás. Desde entonces no he podido quitarlo de mi repertorio. En todas partes me lo piden. Ana María González falleció el 18 de junio de 1983, víctima de un paro cardíaco, en la Central Quirúrgica de la capital mexicana.  Le sobrevivieron sus hijos, Olga y Lorenzo, y cuatro nietos.  Sus restos fueron sepultados en el lote de la Asociación Nacional de Actores en el Panteón Jardín. (Foto: lamusicasinfinal.blogspot.com).

2. De nueva cuenta este viernes 7 de septiembre de 2018 contaremos con la presencia en vivo en cabina de Hasta que el Cuerpo Aguante del dueto aguascalentense llamado Los Norteños del Sur, conformado por Alejandro Ramos Burgos y Juan Manuel Hinojo. Este dueto nace de la casualidad hace unos cuatro años en las reuniones bohemias que organizaba el profesor Antonio Chávez Cigala en esta ciudad de Aguascalientes. En una ocasión el profesor Chávez invitó a Juan Manuel Hinojo a cantar a esas reuniones y fue acompañado al teclado por Alejandro Ramos, uno de los asistentes a la reunión. La interpretación de ambos gustó entre los asistentes por lo que fueron nuevamente invitados a esas reuniones bohemias ya con un repertorio que incluía boleros y canciones de estilo norteño, por lo que uno de los asistentes a esa nueva reunión, el profesor Jorge Argüelles, los bautizó como Los Norteños del Sur. Habrá que decir que en la selección de temas ambos integrantes opinan, pero al final Alejandro Ramos es quien hace los arreglos pertinentes y aporta también la segunda voz al dueto. Los Norteños del Sur han participado también en los viernes culturales en el vestíbulo del Congreso del Estado de Aguascalientes y también en el Festival del Bolero que promueve el señor Antonio Bernal, además de otro eventos culturales y reuniones privadas.

3. Otra figura de la música popular a quien recordaremos es Alfonso Ortiz Tirado, quien falleció hace 58 años, el 7 de septiembre de 1960. Nació en Álamos, Sonora, México, el 24 de enero de 1893. Viajó a la capital de país, donde estudió en la Escuela “Gualupita”, en el Colegio Mascarones de la Compañía de Jesús y en el Instituto Científico San Francisco de Borja; ingresó en la Escuela Nacional Preparatoria, pasó a la Facultad de Medicina de la Universidad de México y se graduó en 1919. Realizó su internado en el Hospital Merci de Denver, Colorado, Estados Unidos, donde también hizo su residencia en ortopedia. En este tiempo, fue contratado para cantar en el Hotel Waldorf Astoria de Nueva York. Debutó como tenor a los 28 años en la ópera Manon de Jules Massenet; gracias al éxito que logró, fue incluido en el elenco de Elíxir de amor, Madame Butterfly, Pagliacci y otras óperas que le dieron fama en el mundo artístico. Ejerció la medicina en el Hospital General Nacional y en forma alternada, ofreció una serie de conciertos con arias de ópera, en el Teatro Iris, con el fin de recaudar fondos para el Servicio de Ortopedia que pudo crear y dotar. Volvió a Nueva York contratado por una cadena de radio y visitó todos los países hispanoamericanos. Alfonso Ortiz Tirado fue el primer cantante nacional que divulgó en el extranjero las composiciones de autores mexicanos. Al inaugurarse la radiodifusora XEW el 18 de septiembre de 1930, formó parte del primer programa que salió al aire. Su reconocido talento y excelente voz lo convirtieron en el consentido de los radioescuchas, como el “embajador lírico de la canción mexicana. (Con datos tomados de http://festivalortiztirado.gob.mx/semblanza/).

4. En la sección Una canción colombiana para el mundo, nuestro colaborador en Bogotá, Colombia, Alberto Cardona Libreros nos presentará el merengue “Me voy pal salto”, con Noel Petro y su conjunto, del sello Lyra. Esta canción, “Me voy pal Salto”, es una composición anti suicida, compuesta por Alfonso Garavito dedicada a un lugar en Colombia llamado Salto del Tequendama, donde el río Bogotá se despeñaba impetuoso al lado del Hotel del Salto. Según un artículo llamado “historia del suicidio en Colombia”, allí en la orilla, cerca de la estatua de una virgen, estaba la conocida piedra de los suicidas desde donde los aburridos con la vida se lanzaban a la profundidad. En Colombia este tema fue interpretado por Noel Petro, llamado El burro mocho, entre otros. Noel Esteban Petro Henríquez conocido como El Burro Mocho nació en Cereté, Cordoba, el 19 de marzo de 1933. Es un músico, requintista, compositor, arreglista y cantautor colombiano de música tropical y vallenato. Fue un innovador al romper el formato de las grandes orquestas o los conjuntos tradicionales, añadiendo un elemento más cercano a la música rock con la incorporación de un instrumento que sobresale por encima de los instrumentos tradicionales del resto del grupo: el requinto eléctrico. Una especie de guitarra eléctrica con un sonido más agudo, en la que interpreta complejos solos y secciones compuestas originalmente para conjuntos de vientos. Su padre quería que fuese marinero, pero este anhelo se frustró porque antes de entrar a la base naval de Cartagena, ya él se había apasionado por la música y el toreo. Por eso le llamaban el torero cantor. Noel Petro vive en Bogotá y sigue activo en su profesión.

5. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará un trabajo radiofónico sobre Gilberto Parra, gran compositor, director artístico y arreglista musical nacido en San Pedro Tesistán, Jocotepec, Jalisco. Gilberto Parra Ruiz nació el 30 de julio de 1913, estudió Agronomía en la Universidad de Guadalajara, pero abandonó esa carrera para dedicarse a la música, para ello ingresó a la Escuela Libre de Música en la misma ciudad, donde cursó los primeros estudios de música, realizó trabajos de diversos tipos y poco más tarde aprendió a tocar la trompeta y ocupó el puesto de trompetista solista de la Banda del Estado Mayor del Gobierno de Jalisco. A los 18 años de edad era ejecutante apreciado de piano, guitarra y trompeta, se incorporó a la banda de jazz de Nacho Pérez y más tarde, a la Banda Municipal e Ameca.  En 1936 se trasladó a la ciudad de México, y allí fundó y fue director del Mariachi San Pedro Tlaquepaque, que debutó en 1938 en la radiodifusora XEW, acompaño a Lucha Reyes en giras por Estados Unidos y el norte de México. En 1940 es grabado su tema "Por un amor" en la voz e Lucha Reyes y comienza así su brillante trayectoria dentro de la industria de la canción vernácula. Trabajó en la XEQ de 1939 hasta 1961 en las producciones radiofónicas de aquel entonces. Fue director artístico de discos CBS desde 1952, hasta su jubilación en 1982. Su obra musical no fue tan extensa como la de otros compositores, ya que sólo escribió cerca de 150 canciones, pero todas de gran calidad artística. Gilberto Parra Paz falleció el 19 de octubre del año 2000 a la edad de 87 años en su rancho "Los Laureles" en Cahuacán, Estado de México.

6. En la sección La Carpa, escucharemos algunas canciones jocosas en la interpretación del Trío Imperial: Lalo, Mario y José. Allá por el año de 1946, Lalo Guerrero fue contactado en el club La bamba de Los Ángeles, por Manuel Acuña, el productor discográfico que lo había descubierto una década antes en una acera de Los Ángeles. Acuña trabajaba ahora con Imperial Records, fundado ese mismo año por Lew Chudd. Acuna dijo que Imperial estaba buscando un trío mexicano para grabar, y Guerrero fue reclutado para armar uno. Así nació El Trío Imperial, formado por Guerrero y dos amigos: Mario Sánchez y Joe Coria. Según su autobiografía, Guerrero grabó unas 60 canciones para la etiqueta en los meses siguientes, ya sea con el trío o con un mariachi. En el programa presentaremos la parodia “Nuestro idioma”, en la que Lalo Guerrero lamenta la degradación del idioma español. La canción llama al español el idioma más bello del mundo, utilizado para "hacer el amor con una dama encantadora, hablar con tu madre y rezar a Dios". En un segmento de diálogo, se escuchan pachucos hablando en caló, lo que desconcierta al compositor que pide a los oyentes que ayuden a traducir. Y en una voz refinada en perfecto español, el cantante pide perdón a "nuestros antepasados" por "haber destruido un lenguaje tan encantador". Lalo Guerrero escribió más de una docena de "canciones de pachuco" con el trío Imperial, muchas en corrido o balada. Pero los que se convirtieron en clásicos y establecieron su legado fueron aquellos registrados como números de baile con sus Cinco Lobos.  (Con datos de Agustín Gurza, en un texto titulado Artist Biography: Lalo Guerrero, Father of Chicano Music, publicado en http://frontera.library.ucla.edu/es/blog/2018/05/artist-biography-lalo-guerrero-father-chicano-music-pt-2).

7. Este viernes presentaremos dos verdaderos garbanzos de a libra en la voz de un cantante puertorriqueño de los años treinta llamado Virgilio Rabén, de quien hay muy poca información, pero sabemos que era conocido como La voz de oro de Puerto Rico. Cristóbal Díaz Ayala destaca que este cantante nació en la ciudad de Ponce, el 14 de abril de 1897 y falleció en la ciudad de Nueva York en el año de 1974. Rabén estudió canto con la insigne Amalia Paoli, pero necesitaba trabajar debido a la crisis económica de esos años y lo hizo como Contador Público en barcos de la Insular Line que hacía viajes entre República Dominicana y Nueva York. Se domicilió en Nueva York por 19 años donde conoció a Rafael Hernández. Para los años treinta podía combinar su trabajo en los barcos con sus actividades artísticas. Grabó para el sello Víctor y otras marcas disqueras también como Columbia. En una entrevista de radio hecha en los años sesentas Virgilio Rabén destaca que fue “Lamento borincano” la primera canción que él grabó e la Victor con la orquesta de salón de la Victor alrededor de 1932.  Era gran amigo de Rafael Hernández. En ese tiempo ya cantaba en la ciudad de Nueva York y en los pequeños lugares donde Rabén se presentaba, la gente le pedía que repitiera esa interpretación. Entre su público estaba Tito Guízar y José Moriche. Según Jorge Javariz en la Revista la Canción Popular en Puerto Rico, 1996, Ernesto Lecuona le confió algunas canciones que le grabó en los años treinta. Con elementos bolerísticos lleva al acetato, el 24 de octubre de 1932, el tema “Juana la loca” de Ricardo Fábrega. No obstante, este tema es prensado como un Son. Por ejemplo, para el sello Victor grabó temas como “Cabellera negra”, “Talismán”, “Lamento borincano”, “Sueño de Amor”, “La Borinquen”; mientras para el sello Columbia grabó “Bésame en la boca”, “Concha nácar”, “Ven” y “Viviré para ti”, entre otras; para Brunswick existe la grabación del tema de Lorenzo Barcelata “María Elena”.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 07 de SEPTIEMBRE de 2018 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

miércoles, 22 de agosto de 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 31 DE AGOSTO DE 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 31 DE AGOSTO DE 2018
* Programa especial con poemas convertidos en canciones
* Oiremos creaciones literarias hechas canciones de poetas como Amado Nervo, Manuel Acuña, Manuel María Flores, Gustavo Adolfo Bécquer, Julio Florez, José Santos Chocano, Antonio Plaza y otros, en voces como Guty Cárdenas, José Mojica, Toña la Negra y otros
* En Ay Jalisco no te rajes, semblanza de La Rondalla Tapatía; y en la Cadena del recuerdo, cómo nació Gratia plena

1. Este viernes presentaremos un programa dedicado a los poetas. Presentaremos diversos poemas que han sido convertidos en canciones. Por ejemplo, escucharemos canciones como “Gratia plena”, “Pasas por el abismo” y “El día que me quieras”, inspiradas en la obra del poeta nayarita Amado Nervo. Y precisamente en la sección la Cadena del Recuerdo presentaremos el origen de la canción “Gratia plena”, compuesta por el veracruzano Mario Talavera con versos de Amado Nervo, inspirados en el amor de su vida, Ana Cecilia Luisa Dailliez, a quien Nervo conoció en París en 1901 y esta mujer se convirtió en el amor de su vida. El 17 de diciembre de 1911, Ana Cecilia contrajo una fiebre tifoidea que le provocó una lenta agonía, también secreta, ya que Nervo la atendió a escondidas, hasta la noche del 7 de enero de 1912 en que murió su musa. Por diez años fue suya, como dice el poema y canción. “La amada inmóvil” es el poema que nació esa noche en que Nervo veló en soledad el cadáver de quien fue su amada. De ahí nace también “Gratia plena”, canción que han grabado José Mojica, Jorge Negrete, Alfonso Ortiz Tirado y el declamador Manuel Bernal, entre otros. Ana Cecilia, Anita, La amada inmóvil, dejó en la orfandad al poeta (“su muerte es una brutal amputación de mi corazón”). En Yo te bendigo, vida (2002), Carlos Monsiváis refiere: “Anita le ha pedido a Nervo que se encargue de la niña Margarita Elisa Dailliez y en Francia se le concede la tutoría”. David Guerrero Flores, en su excelente ensayo biográfico “El hombre a quien jamás le sucedió cosa alguna: Amado Nervo”, escribe: “De Ana quedaron los recuerdos y la presencia de Margarita Elisa Dailliez, nacida en París el 7 de septiembre de 1900, a quien Amado cuidó como a una hija” (Véase foto del poeta y Margarita, hija de Ana Cecilia Luis Dailliez. (Con datos y foto tomados de http://archivo.estepais.com). 


2. Desde Colombia recordaremos un poeta llamado Julio Florez, de quien muchos versos fueron convertidos en canciones. Julio Flórez Roa es uno de los artistas más reconocidos de la historia en Colombia. Este poeta, oriundo de Chiquinquirá (Boyacá), nació el 22 de mayo de 1867 y creció con las lecturas del poeta francés Víctor Hugo, heredadas de su padre Penélope María Flórez, presidente del entonces Estado Soberano de Boyacá y de su madre Roa de Flórez, una ávida activista conservadora. Empezó sus estudios en el Colegio Mayor Nuestra Señora del Rosario (Bogotá) hasta 1881 cuando tuvo que retirarse debido a los estragos de la Guerra Civil. Entre tanto, Flórez continuó sus lecturas heredadas de su padre, lo que le sirvió para entrar al círculo de intelectuales de la ciudad en donde se hizo amigo de los poetas Candelario Obeso, reconocido por rechazar los reglamentos de la Iglesia Católica, y José Asunción Silva, conocido por ser uno de los precursores del modernismo en Colombia. Está amistad llevó Florez a dedicarse completamente a escribir versos inspirados en su madre, la patria y la muerte. En 1909 viajó a Barranquilla para presentar un recital. En ese momento tuvo un ataque y los médicos locales le informaron que estaba enfermo de un cáncer incurable y que su única solución era viajar al municipio de Usiacurí (Atlántico), donde tenían agua medicinal que podrían curar su mal. Una vez en Usiacurí, Flórez se enamoró de Petrona, una niña de 14 años, con quien vivió hasta 1923, cuando falleció a los 56 años, con el rostro desfigurado por la enfermedad. Pese a que en sus últimos días no podía pronunciar ninguna palabra, gobernadores, intelectuales y varios colombianos entonaron sus versos que hasta hoy siguen retumbando. Algunas canciones creadas con sus versos son: El diagnostico, Gotas de ajenjo, ME moriré muy joven, Mis flores negras y otras.

3. En la sección el Rincón norteño escucharemos un verdadero garbanzo de a libra grabado en los años treinta con el dueto de trovadores Bernardo San Román y Luis Vera, quienes llevaron al disco el tema “Nocturno a Rosario”, en dos partes, para el sello Brunswick. Nocturno a Rosario es el poema del suicidio del poeta Manuel Acuña Narro, quien es uno de los máximos representantes de la literatura mexicana del periodo del romanticismo. Al momento de su muerte se convirtió en una leyenda, pues sólo dejó un poema como prueba de la razón que lo llevó al suicidio: Nocturno a Rosario, dedicado a su amor imposible: Rosario de la Peña y Llerena. Al acabar los últimos detalles de su última composición literaria, ingirió una dosis de cianuro de potasio. Fue hallado muerto el seis de diciembre de 1873 junto al poema. Sólo tenía 24 años y había publicado dos obras de teatro y poemas famosos como “Ante un cadáver”. Es bien sabido que los escritores del romanticismo buscaban amores imposibles para agregarle a su vida detalles trágicos que inspiraran su actividad como poetas. En el caso de Manuel Acuña y algunos literatos del siglo XIX, su musa era Rosario de la Peña, quien sólo correspondía al amor de Manuel María Flores.  Rosario de la Peña afirmó alguna vez en entrevista: "Ese nocturno ha sido un pretexto, y nada más que un pretexto de Acuña, para justificar su muerte; uno de tantos caprichos que tienen al final de su vida algunos artistas. Al darse a conocer el poema, los críticos apuntaban a Rosario, quien de ser el amor imposible paso a la causa de la muerte. Esa cuestión no le agradó, pues era muy amiga del escritor e incluso su relación era tan cercana que parecían hermanos, afirmó ella. 

4. Otro poeta que mencionamos que era el dueño del amor de Rosario de la Peña es Manuel María Flores, de quien se tomaron sus versos para que el músico argentino Carlos Montbrum Ocampo diera a conocer la canción “Amémonos”, sin duda una canción muy bella. Manuel María Flores nació en San Andrés Chalchicomula, Puebla, en 1840 y murió en la ciudad de México en 1885. Fue un escritor y poeta durante la segunda mitad del siglo XIX. Estudió filosofía en el Colegio de San Juan de Letrán, que abandonó en 1859 para combatir en la Guerra de Reforma del lado del Partido Liberal. Durante la Segunda Intervención Francesa en México fue hecho prisionero en la Fortaleza de San Carlos de Perote. Al ser liberado en 1867 fue electo diputado, y se unió al grupo de escritores de Ignacio Manuel Altamirano. Fue amigo de Manuel Acuña, con quien publicó poemas. Se relacionó con Rosario de la Peña, por quien Manuel Acuña se suicidó. Como decíamos, fue Manuel María Flores el único de los admiradores de Rosario de la Peña que lograba despertar en ella una pasión genuina. El noviazgo duró once años (1874-1885). La familia de la Peña aprobaba esa relación, pero veían con preocupación que el poeta poblano no se decidiera a fijar fecha para la boda. Manuel María Flores argumentaba oscuros empleos judiciales en la Sierra de Puebla y deudas impagables. Lo cierto es que tiempo atrás había contraído una enfermedad de transmisión sexual progresiva y mortal. Primero perdió la vista, luego el cabello, después sobrevino la hidropesía y finalmente llegó la muerte. A los 36 años, Rosario de la Peña había quedado anímicamente devastada y nunca más volvería a enamorarse.

5. El cantante yucateco Guty Cárdenas incluyó en su repertorio musical algunas canciones con letra del poeta guanajuatense Antonio Plaza, entre esas grabaciones podemos encontrar “Yo pienso en tí” y “Blanca rosa”. Antonio Plaza Llamas nació en Apaseo, Guanajuato, el 2 de junio de 1833 y murió en la Ciudad de México, el 26 de agosto de 1882. Plaza fue un militar, poeta y periodista mexicano. Sus padres, eran de origen español. Se casó y tuvo tres hijos. El único cuyo nombre se conoce fue el mayor, Edmundo —al cual le dedicó sentidísimos versos—, y que falleció en Yokohama, siendo Cónsul General en el imperio del Japón. En 1867, Antonio Plaza llegó a la Ciudad de México con el ejército, retirándose definitivamente de éste el año siguiente. Sus ideales liberales y sus críticas, que encendían los corazones impulsando el movimiento revolucionario que modificó los destinos de la patria, fueron plasmados en diversos periódicos de la época. Juan de Dios Peza fue su amigo, a pesar de la diferencia de edades, y lo fue hasta su muerte, demostrándolo cuando dice al final del Prólogo al Álbum del Corazón: “¡Duerma en paz el poeta escéptico y adolorido! Yo, encuentro detrás de cada estrofa suya una lágrima y, como su amigo, la enjugo y la comprendo”. Leandro Arellano escribe que Plaza era de espíritu inconforme y atormentado, Plaza pertenece al linaje de los poetas malditos. Reniega de la vida, desprecia a la sociedad, provoca a las buenas conciencias, alaba y elogia el vicio. Plaza fue más allá: su desencanto del mundo, de la vida, de la humanidad lo ubica en un espacio umbroso al cantar –en su obra más característica: “A una ramera”, “A Baco”; a ufanarse de la “Crápula”, a elogiar la “Bacanal”, a elevar una apología a las “Horas negras.” El poeta Antonio Plaza murió en la ciudad de México a los 49 años.

6. Guty Cárdenas también llevo al disco un poema de Gustavo Adolfo Bécquer que tituló “La Lágrima” que en su inicio dice “Asomaba a sus ojos una lágrima, y a mi labio una frase de perdón”. Gustavo Adolfo Claudio Domínguez Bastida nació en Sevilla, España 17 de febrero de 1836 y murió en Madrid, el 22 de diciembre de 1870, más conocido como Gustavo Adolfo Bécquer, fue un poeta y narrador español, perteneciente al movimiento del Romanticismo. Por ser un romántico tardío, ha sido asociado igualmente con el movimiento posromántico. Aunque en vida ya alcanzó cierta fama, solo después de su muerte y tras la publicación del conjunto de sus escritos obtuvo el prestigio que hoy se le reconoce. Su obra más célebre son las Rimas y Leyendas, un conjunto de poemas dispersos y relatos, reunidos en uno de los libros más populares de la literatura hispana. Sus antepasados directos, empezando por su mismo padre, José Domínguez Bécquer, fueron pintores de costumbres andaluzas, y tanto Gustavo Adolfo como su hermano Valeriano estuvieron muy dotados para el dibujo. Cronológicamente Bécquer pertenece al período posromántico en España en que dominaba el realismo. Su obra, sin embargo, representa una evolución del movimiento romántico en su país. Sus temas predilectos--el amor, la magia, el exotismo, la Edad Media--muestran su entronque con el Romanticismo, pero sus versos carecen del tono rimbombante y del sentimentalismo exagerado generalmente asociados con ese movimiento. En sus 28 "leyendas" se observan varios rasgos románticos, como los temas del amor imposible, la soledad y la miseria, el tono misterioso y el interés en lo sobrenatural, lo exótico y lo costumbrista. El paisaje, que apenas existe en las Rimas, adquiere un énfasis especial en las Leyendas. Pero en ambos géneros, el mundo exterior no existe sino en relación con el alma del autor.

7. Escucharemos una poesía, parte de una obra de teatro, que luego fue convertida a canción titulada “Amores y amoríos”, en las voces de Rodolfo Hoyos, en la declamación, y José Mujica en la voz cantada. Esta obra pertenece a los españoles Hermanos Álvarez Quintero: Serafín Álvarez Quintero y su hermano Joaquín, quienes fueron unos dramaturgos y poetas españoles conocidos popularmente como los hermanos Álvarez Quintero. Nacidos en Utrera, Sevilla, España, en 1871 y 1873, se instalaron en Sevilla. Su debut como autores tuvo lugar en 1888 con Esgrima y amor en el Teatro Cervantes de Sevilla. El éxito de la comedia les impulsa a viajar a Madrid, donde, a partir de 1889, estrenan varios sainetes líricos y juguetes cómicos con buen éxito lo que consolida su carrera. Ambos hermanos colaboraron en todas sus obras dramáticas y fueron miembros de la Real Academia Española. Su primer éxito resonante lo obtuvieron en 1897 con El ojito derecho. Sus obras fueron traducidas a varios idiomas. Aunque no escribieron únicamente comedias, fue en esos géneros en los que fundamentalmente se les recuerda a causa de su gran talento cómico. En total escribieron cerca de doscientos títulos. “Amores y amoríos” es una obra de teatro estrenada en 1908. El argumento de la obra destaca a Juan María, que es un seductor irrefrenable al que le encanta conquistar preciosas mujeres, pero que teme frenéticamente el compromiso, especialmente con Isabel, hija de Don Alejandro, amigo de Don Leoncio, padre a su vez de Juan María. Muchas de sus piezas son de naturaleza costumbrista, describiendo el modo de ser de sus nativas tierras andaluzas. El lenguaje de sus piezas es un castellano depurado y elegante pasado por el tamiz fónico del dialecto andaluz; sus chistes son finos y de buen gusto, sin llegar nunca a la chabacanería.

8. El poema “La paloma”, que fue llevado al disco en forma de canción por entre otros Bola de Nieve, Toña la Negra o más recientemente Ana Belén, fue escrito por el poeta Rafael Alberti en París, primera etapa de su exilio, a donde llegó al acabar la Guerra Civil Española, en compañía de su esposa, la escritora María Teresa León, y donde sólo permaneció hasta 1940, pues el gobierno de Pétain les retiró el permiso de trabajo. “La paloma” Forma parte de la sección tercera de Entre el clavel y la espada, un libro compuesto entre 1929 y 1940 cuyo motivo central es la soledad; sin embargo, los dieciocho poemas de la sección tercera, “Metamorfosis del clavel", se proyectan hacia la esperanza. Sobre las circunstancias en que nació esta composición escribió el autor, en La arboleda perdida (1959): Cuando llegué a París mi estado espiritual era negro, desesperado [...], apoderándose de nosotros, los recién exiliados españoles, el túnel de la más tremenda incertidumbre. En Francia no había escrito aún ninguna poesía [...] pero una de aquellas noches, de las más solitarias, poseído de no sé qué extraños impulsos, comencé a escribir una canción, cuyo comienzo era "Se equivocó la paloma. /Se equivocaba. /Por ir al norte fue al sur..." Cuando llegué al final me quedé sorprendido: "Ella se durmió en la orilla. /Tú en la cumbre de una rama." No comprendía yo cómo en aquel sumergido estado de angustia en que me hallaba me había podido salir una canción como aquélla. La leí, la releí, no hallándole ni el más remoto rastro del estado que me invadía. Era un misterio su aparición.

9. En junio de 1932, Armando Camejo Jiménez, cantante, músico y actor yucateco, acompañándose de una guitarra musicalizó una poesía de José Santos Chocano titulada “Ansias”, surgiendo así su célebre bambuco “El Jaguar”. José Santos Chocano Gastañodi nació en Lima, Perú, el 14 de mayo de 1875 y murió en Santiago, Chile, el 13 de diciembre de 1934. Fue un destacado poeta peruano, conocido como «El Cantor de América» por antonomasia. Su vida fue rocambolesca y estuvo ligada a la de los dictadores y los caudillos latinoamericanos de su tiempo. Es considerado uno de los poetas hispanoamericanos más importantes, por su poesía épica de tono grandilocuente, muy sonora y llena de color, aunque también produjo poesía lírica de singular intimismo, todas ellas trabajadas con depurado formalismo, dentro de los moldes del modernismo. Su obra se inspira mayormente en los temas, los paisajes y la gente de su país y de América en general. Su creación literaria obtuvo en el Perú un reconocimiento nunca antes visto; llegó a ser el literato más popular después de Ricardo Palma, aunque su ascendiente en los círculos literarios peruanos fue disminuyendo paulatinamente, en beneficio de otro grande de la poesía peruana, César Vallejo. No obstante, Chocano sigue siendo recordado por la mayoría de los peruanos como un gran poeta; algunos de sus composiciones son «Blasón», «Los caballos de los conquistadores» y «¡Quién sabe!…». En México fue secretario del jefe revolucionario Pancho Villa. En 1915 se trasladó a Guatemala. En 1921 volvió al Perú. En 1925, asesinó de un disparo a quemarropa al joven escritor Edwin Elmore, Chocano salió en libertad a los dos años. Se fue a vivir a Santiago de Chile, donde padeció penurias económicas. En 1934 fue asesinado en un tranvía por Martín Bruce Padilla, un esquizofrénico que afirmó haberse asociado con el poeta en la búsqueda de tesoros ocultos.

10. La cantante Pilar Arcos, en una faceta de declamadora, diferente a su habitual actividad que fue la de cantar, llevo al disco el poema “A solas”, del poeta colombiano Ismael Enrique Arciniegas, nacido en Curití, Santander, el 2 de enero de 1865 y fallecido en Bogotá, el 23 de enero de 1938. Fue un poeta cuyo estilo se encuentra en la transición del romanticismo al modernismo. En su juventud Ismael enrique Arciniegas inició, sin terminarlos, estudios de Humanidades en Duitama y de Jurisprudencia en la Universidad Católica en Bogotá. Creyendo que su vocación sería la del sacerdocio, ingresó en el Seminario Conciliar de Bogotá, que también abandonó; pero allí fue alumno de José Joaquín Ortiz, escritor, quien tuvo una gran influencia en su carrera literaria. En Bucaramanga comenzó a ejercer el periodismo, profesión que mantuvo el resto de su vida. Ismael Enrique Arciniegas es especialmente reconocido por su obra poética, centrada en temas como la naturaleza y el amor. Arciniegas perteneció a la escuela romántica, con importantes influjos del modernismo, pero también Arciniegas creo uno que otro poema de realismo, pero se basó más al romanticismo. Comenzó a escribir en el seminario y pronto se hizo famoso gracias a composiciones como “En Colonia”, "En el silencio", “Inmortalidad”, o “A solas”. Entre las obras que publicó cabe mencionar “Cien poesías” (1911), “Traducciones poéticas” (1926) y “Antología poética” (1932). En prosa publicó “Paliques”. También se destacó por su gran vocación como traductor, a la que dedicó gran parte de su actividad literaria.

11. De Pablo Neruda, escucharemos su famoso “Poema 20” en su versión musicalizada.  Veinte poemas de amor y una canción desesperada es una de las más célebres obras del poeta chileno Pablo Neruda. Publicado en 1924, el poemario lanzó a su autor a la fama con apenas 19 años de edad, y es una de las obras literarias de mayor renombre del siglo XX en la lengua española. Pablo Neruda, seudónimo de Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto nació en Parral, Chile el 12 de julio de 1904 y murió en Santiago de Chile, el 23 de septiembre de 1973. Fue un poeta chileno, considerado entre los más destacados e influyentes artistas de su siglo; “el más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma”, según Gabriel García Márquez. Entre sus múltiples reconocimientos, destacan el Premio Nobel de Literatura en 1971 y un doctorado honoris causa por la Universidad de Oxford. «Ningún poeta del hemisferio occidental de nuestro siglo admite comparación con él», ha escrito el crítico literario Harold Bloom, quien lo considera uno de los veintiséis autores centrales del canon de la literatura occidental de todos los tiempos. Fue un destacado activista político, senador, miembro del Comité Central del Partido Comunista, precandidato a la presidencia de su país y embajador en Francia. En 1940 es nombrado cónsul general en México. Se traslada a su capital, a la que llega el 21 de agosto. En México, en el mes de octubre de 1941 recibe el grado de Doctor Honoris Causa de la Universidad de Michoacán. En 1950 se presenta en México la primera edición de “Canto general”, cuyas guardas son ilustradas por los muralistas Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. El 11 de septiembre de 1973, es derrocado el gobierno del Presidente Allende. Neruda, gravemente enfermo, es trasladado desde su casa en la costa, en Isla Negra, hasta una clínica de Santiago, donde muere el 23 de septiembre.

12. “Ella” es una canción yucateca de Domingo Casanova con letra de Osvaldo Bazil Leiva, quien fue un poeta, escritor y periodista dominicano nacido en 1884 y fallecido en 1946. Es considerado el máximo representante del Modernismo. Bazil nació en Santo Domingo. Ocupó cargos diplomáticos en España y Cuba. En 1906 escribió "Rosales en flor" que fue publicado en la revista La Cuna de América. Máximo representante del modernismo en el país, escribió en 1907Arcos votivos, libro que lo consagró dentro de esta tendencia. Colaboró con el periódico La Nación, de Buenos Aires. En 1915 publicó la antología Parnaso dominicano, la más completa compilación poética dominicana hasta ese momento. Formó parte de los amigos de Rubén Darío. Escribió varios textos dedicados al poeta nicaragüense Rubén Darío, en donde se muestra su admiración por el poeta centroamericano: “Biografía de Rubén Darío”, “Las mujeres de Rubén Darío”, “Los cisnes de Rubén Darío”, “Canto a Rubén Darío” y “Rubén Darío, muerto”. En su producción poética dominó sus influencias románticas con los mejores versos modernistas en las que resaltan las formas breves, como en el poema “Pequeño nocturno”, extraído de Cadencias interiores, escrito en 1908 y publicado en La Cuna de América en mayo de 1915 y del cual nació la hermosa canción yucateca “Ella”.

13. En la sección Ay Jalisco no te rajes (24 de agosto 2018), nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará un trabajo radiofónico sobre La Rondalla Tapatía. El surgimiento de esta agrupación fue en forma circunstancial y anecdótica, pues resulta que en el año 1963, por encargo del entonces Presidente de la República Lic. Adolfo López Mateos, un gustoso de la música, al música al igual que su esposa Eva Sámano, mantenían estrecha amistad con el carismático Marco Antonio Muñiz, y estaba cerca la visita de Reina Juliana de Holanda a nuestro país y López Mateos, consciente de que era una mujer muy sentimental y afectiva, le solicitó al cantante pensar en algo adecuado para agasajar a la dama real, con lo mejor de nuestra música romántica. Cuenta Marco Antonio, que el presidente le dijo algo más o menos así: "le doy 15 días para que piense en algo y haga uso de lo que necesite, tiene usted carta libre", sin saber de pronto cómo resolver dicho encargo, Marco Antonio se dirigió a Guadalajara al tradicional barrio de San Juan de Dios, al restaurante "El amigo", sitio donde acostumbraban reunirse los trovadores de la ciudad, estableció contacto con 7 tríos, los mejores de la perla tapatía, que conformaban los guitarristas más destacados del medio romántico musical de Guadalajara, les platico el objetivo a lograr y fue así como la Reina Juliana y el Príncipe Felipe, en una noche de luna, escucharon en Los Pinos, las voces de Hugo Avendaño, Paco Michel y Marco Antonio Muñiz, acompañados por la sonoridad y calidad sentimental de 21 guitarras y sus voces. Así nació La Rondalla Tapatía.


13. En la sección Ay Jalisco no te rajes (31 de agosto 2018), nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará un trabajo radiofónico sobre Salvador Huerta, quien nació un 20 de junio en Rincón de Romos, Aguascalientes. Desde muy pequeño le gustó la música, aunque nunca pensaba dedicarse a ello,  cuando él tenía 2 años sus padres se trasladaron a la ciudad de León, Guanajuato, ahí hizo sus pininos como músico y cantante, formó un grupo de rock a principios de los años sesenta, pero se dio cuenta que lo que realmente le gustaba era la música ranchera y fue así como formó su propio mariachi. A los 14 años por cosas del destino emigró con su familia al estado de Sonora y ahí continuó con su gusto por el canto y la música. Participó en varios concursos de aficionados en Nogales, después se trasladó a los Texas en Estados Unidos y fue ahí donde tomó con más fuerza su cariño por la canción vernácula y formó un nuevo mariachi, alternaba su trabajo con el grupo ya en forma más profesional, con su actividad como locutor en una estación de radio en español en Tucson, Arizona. Por iniciativa propia grabó un primer disco de 45 rpm con dos canciones una por cada lado, lo hizo en Tucson acompañado por su propio mariachi, esto dio pie a que después funcionarios de la compañía discográfica Sonido Internacional, le dieran la oportunidad de grabar su primer LP  en San Antonio, Texas. Gracias al apoyo de esa compañía discográfica, su carrera como cantante fue muy exitosa y lo encumbro, tuvo la oportunidad de hacer giras por Estados Unidos, Centroamérica y Sudamérica. A la fecha tiene grabados más de 25 discos y sus éxitos son innumerables algunos de ellos son "Desdén", "Toda una vida", "Soberbia", "Una aventura más", "Lámpara sin luz", "Qué te parece", "No dejes de quererme" y más. 

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 31 de AGOSTO de 2018 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

miércoles, 8 de agosto de 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 10 DE AGOSTO DE 2018

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 10 DE AGOSTO DE 2018
* Programa especial dedicado a la cultura oaxaqueña con música en vivo
* Además, recordaremos al ventrílocuo Paco Miller y hablaremos con su hijo Edmundo
* En Ay Jalisco no te rajes, semblanza de La Torcacita; en Una canción colombiana para el mundo, Orozco y Cáceres, y en la Cadena del recuerdo, semblanza del Paco Miller

1. Este viernes presentaremos un programa especial con música, compositores y cantantes oaxaqueños. Tendremos música en vivo e invitados que nos hablarán del tema. Recodaremos a figura musicales de Oaxaca como el compositor istmeño Jesús Irigoyen Rasgado, también conocido como Chu o Chuy Rasgado, nacido el 7 de enero de 1907. Nació en Asunción Ixtaltepec, Oaxaca y murió el 28 de septiembre de 1948 en San Juan Guichicovi, Oaxaca. Fue un músico, compositor y cantante mexicano, en su repertorio compuso boleros y sones dirigió diversas bandas de música y orquestas en distintas regiones del Estado de Oaxaca, Veracruz de Ignacio de la Llave y Chiapas, su canción más conocida se titula “Naila” un bolero de corte romántico que hasta la fecha tiene gran popularidad. Al cumplir doce años ingresó en la banda de música local donde ejecutó sus primeros instrumentos que fueron la tambora y los platillos fue en ese momento cuando decidió que se dedicaría de lleno a la música, su primera composición fue “Naila” la cual se difundió rápidamente en la región del istmo de Tehuantepec afirmándose como la canción de la época. Al escuchar esta pieza acudieron a él diversos directores de orquestas para comprar sus piezas, posteriormente emprendió varias giras por diferentes pueblos. Durante quince años formó y dirigió bandas de música en la región mixe. Años más tarde Jesús Rasgado regresó a Santo Domingo Petapa donde conoció a Elodia Sosa Celaya con quien contrajo matrimonio, posteriormente dirigió bandas de música en la región de Tuxtepec y Veracruz de Ignacio de la Llave. Finalmente, el 28 de septiembre de 1948 murió en la Villa de San Juan Guichicovi, a consecuencia de una congestión cerebral.

2. Otra de las grandes figuras de la música oaxaqueña es Álvaro Carrillo, quien incursionó en diversos formatos musicales, como las chilenas, huapangos, sones, y ritmos sudafricanos. Sin embargo, fue en el bolero en el que compuso la mayor parte de su obra actualmente conocida. Por medio de una sensibilidad y sencillez características, las composiciones de Carrillo se abrieron paso en el escenario musical de finales de los años cincuenta, colocándose rápidamente en los medios de la época y en el corazón de las familias mexicanas. A partir de su encuentro y amistad con Pepe Jara, también conocido como “El trovador solitario”, las composiciones de Carrillo encontraron en el intérprete una voz adecuada para expresarse. El dueto entre los dos amigos obtuvo una respuesta favorable a partir del lanzamiento de “Amor mío”, pieza que les permitió la entrada a la industria musical. Poco después, piezas como “La mentira”, “Sabor a mí”, y “El andariego”, se colarían en todos los rincones del país. Se graduó como ingeniero en agronomía por la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, pero abandonó esa profesión para dedicarse a la música. Su primera canción fue Celia. Poco después compuso Sabor a mí, su canción más conocida. Hizo varias giras por la República Mexicana y se presentó en radio y televisión. Al final de su vida actuó en temporadas en el teatro Blanquita. Frank Sinatra grabó una versión en inglés de su canción La mentira, que fue utilizada como tema de una película estadounidense del mismo nombre (The Lie). Por otro lado, “Sabor a mí” fue grabada en diferentes lenguas, principalmente en español, inglés, francés, alemán, italiano, holandés y papiamento. Otras canciones suyas son Amor mío, El andariego, El bravero, Ése, La puerta se cerró detrás de ti, La señal, Luz de luna, Pinotepa Nacional, Sabor a nada, Sabrá Dios, Se te olvida y Un poco más, además de su contribución al repertorio de la chilena guerrerense: chilena de Pinotepa Nacional, Con cuidadito, El amuleto, La negra cortijana y La yerbabuena. (Con datos de Gabriel Pareyón y www.mugsnoticias.com.mx/cultura/alvaro-carrillo).

3. El 24 de agosto de 1869, falleció Macedonio Alcalá, quien fue un violinista, pianista y compositor mexicano recordado hoy en día especialmente por su composición del himno “Dios nunca muere”. Macedonio Alcalá nació en la Ciudad de Oaxaca el 12 de septiembre de 1831. Desde temprana edad mostró interés hacia la música y comenzó a asistir a la escuela fundada por el profesor José Domingo Martínez. Algunos años después se mudó a Yanhuitlán. El 30 de julio de 1854, a la edad de 23 años, Alcalá contrajo nupcias con Petronila Palacios de 21 años, originaria del mismo lugar. Ellos tuvieron tres hijos, dos varones y una mujer. Aunque él era reconocido como un músico consumado, no era capaz de ganar suficiente dinero en su profesión para mantener a su familia. Esto lo llevó a la depresión y al alcoholismo e incluso contrajo algunas enfermedades. Durante su convalecencia, una delegación de indígenas de un poblado cercano, Tlacolula, llegaron para solicitarle que compusiera un vals en honor a la Virgen María, patrona de la población. Aunque seguía lejos de estar bien, Alcalá trabajó arduamente en el vals, “Dios nunca muere”. La gente de la población quedó muy complacida con la composición. Macedonio murió en Oaxaca en 1869, a la edad de 37 años. Después de su muerte, su hermano Bernabé publicó el vals “Dios nunca muere” bajo su nombre, pero los nativos de Tlacolula protestaron y demostraron que el trabajo era obra de Macedonio. El vals es hoy, aunque no de manera oficial, el himno de Oaxaca.

4. Otra de las figuras ligadas a Oaxaca es el compositor Ignacio Fernández Esperón, Tata Nacho, quien luego de vivir en esa ciudad, se trasladó a la ciudad de México. Ignacio se acostumbró al trato con artistas, e intentaba imitarlos, por lo que a los ocho años de edad improvisaba piezas de canciones que escuchaba a menudo en su casa. Las tocaba en el piano o en el violín que le habían regalado y para tocar este instrumento se subía en una silla y se ponía junto a una ventana abierta para que todos en la calle pudieran oírlo. Cuando él contaba con sólo 10 años de edad, en el año de 1904, su padre murió. Estudió en la Escuela Normal para Maestros y poco después trabajó en un taller donde reparaban máquinas de escribir; atendía a los clientes y manejaba una afiladora para hojas de rasurar. Su trabajo era extremadamente aburrido, le pagaban quince pesos mensuales. Cansado de ese trabajo se fue a Oaxaca para poder estar en contacto con la naturaleza, de donde sacó nuevas ideas para su obra y decidió ingresar a la Escuela Nacional de Agricultura. Ahí hizo nuevos amigos, entre ellos Marte R. Gómez, Juan de Dios Bohórquez y Luis L. León, quienes años más tarde serían conocidos políticos. Tata Nacho componía ya canciones populares, que apenas comenzaba a dar a conocer. Un día, una joven modelo de Nacho Rosas, en quien se inspiraba el poeta Francisco Orozco Muñoz, dejó el estudio para volver a su pueblo dejando desconsolado al poeta. Tata Nacho se acercó al piano y tocó una de sus más recientes composiciones titulada Adiós mi chaparrita, cuya letra cambió en ese momento para hablar de la pena que sufría el poeta en esos momentos. A todos los artistas ahí presentes les gustó mucho la canción, y Tata Nacho tocó entonces otra de sus canciones titulada La Borrachita, que alegró al poeta Francisco Orozco Muñoz, y lo hizo olvidar su pena.

5. Otro ilustre es José López Alavés, autor de la célebre Canción Mixteca, una de las ganadoras en el Primer Concurso de Música Nacional organizado por el diario El Universal. El jurado consideró que la canción, junto con “Mi jacalito” y “Un sueño fue, representaban “mayor labor por ser obras originales”. Alavés integraba la banda de música de la División del Norte perteneciente a las fuerzas villistas en la Revolución. A su regreso del movimiento se enamoró, se casó y tuvo siete hijos. En 1915, José López Alavés escribió la obra que ganó un concurso de El Universal. Su nieto relata anécdotas del compositor. La familia de López Alavés conserva un ejemplar del periódico El Universal fechado el 31 de marzo de 1918, en el que se da a conocer a los ganadores del Primer Concurso de Música Nacional organizado por este periódico. Cuando José López Alavés (con s lo escribió a partir de los años 70, antes con z) se sentó en aquella arboleda de Querétaro y escribió la “Canción Mixteca” no imaginó que 70 años después su composición acompañaría al primer astronauta mexicano en viajar al espacio, que sería interpretada en el Palacio Imperial de Viena, traducida al alemán y mucho menos que se convertiría en el himno de gente que, como él, ha dejado su hogar en busca de mejores oportunidades. Era 1915 y el originario de Huajuapan de León, Oaxaca, integraba la banda de música de la División del Norte, perteneciente a las fuerzas villistas en la Revolución. Tres años antes ya había hecho la línea melódica, pero todo se conjugó ese día. “Qué lejos estoy del suelo donde he nacido, inmensa nostalgia invade mi pensamiento, y al verme tan solo y triste cual hoja al viento, quisiera llorar, quisiera morir, de sentimiento…”, dice la letra. (Con texto tomado de El Universal del 10 de marzo de 2018).

6. Desde Oaxaca escucharemos varias canciones con un toque de ese bello lugar, entre ellas “La Martiniana”, en voces y guitarras del Trío Montealbán y otra versión de El Negro Peregrino. Esta canción, La Martiniana, cuenta con los versos del poeta oaxaqueño Andrés Henestrosa Morales, nacido en San Francisco Ixhuatán, Oaxaca, el 30 de noviembre de 1906 y fallecido en México, D. F., el 10 de enero de 2008. Fue un poeta, narrador, ensayista, orador, escritor, político, bibliófilo, historiador y periodista mexicano. La canción de La Martiniana es un famoso son tradicional mexicano, característico del istmo de Tehuantepec, Oaxaca conocido particularmente por su estrofa "No me llores no, porque si lloras yo peno, en cambio si tú me cantas yo siempre vivo y nunca muero..." que el compositor y escritor oaxaqueño Andrés Henestrosa, popularizó, y que se ha convertido en un canto popular muy utilizado, además de los más representativos del estado de Oaxaca y de México. Sin embargo, la autoría de este tema por parte de Henestrosa es dudosa, porque esta canción desde tiempo atrás era un son popular tehuantepecano con autoría anónima, este autor escribió la misma música con diferente letra antes que Henestrosa popularizara la suya. La canción se llama "La Micaela". Hay un debate en cuanto al cambio de nombre de la canción hecho por Henestrosa, puesto que es muy común que autores istmeños compongan letras sobre melodías ya existentes.

7. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza de la famosa cantante Matilde Sánchez Elías "La torcacita". Tendremos una conversación con su hija Norma Grimaldo. La Torcacita nació en Tequila, un pequeño y pintoresco pueblo del Estado de Jalisco, el 13 de marzo de 1927. Cuando Matilde era muy pequeña, sus padres deciden cambiar su lugar de residencia y se van a radicar a la ciudad de Tampico en el Estado de Tamaulipas, es ahí en donde Matilde inicia su carrera artística formando dueto con su hermana Faustina, pocos años mayor que ella. Siempre en compañía de su mamá, Matilde y Faustina de 9 y 12 años respectivamente se dirigen a la ciudad de México y ya en la XEW no les fue fácil contactar a Emilio Azcárraga, pero la ilusión de Matilde por cantar en la estación de radio más importante, la impulsó hasta conseguir que les hicieran una prueba en la que estuvieron presentes altos ejecutivos de la empresa. La audición fue todo un éxito. Como resultado de dicha audición les propusieron que formaran parte del elenco de uno de los programas, pero al señor Azcárraga no le gustó el nombre de "Las Tapatías" porque sonaba muy fuerte y ellas eran unas niñas y después de varias propuestas Emilio Azcárraga las bautizó con el nombre de "Las Torcacitas", iniciando con este nombre una corta etapa de éxitos y satisfacciones artísticas, hasta que Faustina al contar con 15 años de edad decide casarse y abandonar la carrera. Posteriormente Paco Miller la invitó a formar parte del elenco de su compañía artística, en donde estaba también Lucha Reyes. Matilde Sánchez Elías "La torcacita", falleció en la ciudad de México el 1 de noviembre de 1988.

8. En la sección Una Canción colombiana para el mundo, Alberto Cardona Libreros nos ofrecerá una semblanza y grabaciones del dueto Orozco y Cáceres. Aunque hay muy pocos datos de este dueto, pero podríamos arriesgarnos a decir que estaba conformado por el argentino Miguel Cáceres y el colombiano Ladislao Orozco, a excepción que algún amigo nos rectifique el dato. Cáceres es quien conformó con Luis Valente aquel famoso dueto Valente y Cáceres. Al hablar de Ladislao Cáceres, Mauricio Restrepo Gil escribe en el diario www.elmundo.com que los antioqueños al son del aguardientico de mi Dios, escucharon hasta la saciedad en las victrolas, ortofónicas y gramófonos las canciones de Orozco y con ellas se casaron, olvidaron a su amada o encontraron de nuevo el amor.  En la ciudad de Cartagena vino al mundo Ladislao Francisco Orozco Figueroa, el 3 de septiembre de 1905. Agrega Restrepo Gil que desde sus primeros años el niño Orozco dio sus primeros pasos musicales al lado de su padre, hasta convertirse en un virtuoso del violín. Ladislao hizo historia con sus pasillos, la música caliente como porros, fandangos, cumbias, danzones, fox trot y pasodobles. Lamentablemente sus múltiples composiciones han ido cayendo en el olvido. Orozco dominó el violín y el piano, además de que tocaba muy bien la timba y la tumbadora, a lo que se sumaba a su voz melodiosa y excelente como acompañante en duetos. Este dieto, Orozco y Cáceres, también llevaros al disco la canción “Por ti lloramos siempre”, dedicada al aviador colombiano Ernesto Samper.

9. Dentro del programa de este viernes, haremos una especial dedicado al ventrílocuo Paco Miller: Escucharemos una semblanza de él en la sección La cadena del recuerdo, también presentaremos algunas grabaciones que hizo en 78 rpm y hablaremos con su hijo, el también ventrílocuo Edmundo Miller, quien nos platicará algunas anécdotas y buenos recuerdos de Paco Miller y su muñeco Ron Roque. Paco Miller fue un ventrílocuo ecuatoriano radicado en México. Nació en Guayaquil, Ecuador en el año de 1909 y murió en México D.F. el 9 de diciembre de 1997 a la edad de 88 años. Paco Miller fue quien, en 1943, unió a Germán Valdés a su compañía y quien, posteriormente, lo bautizó como Tin Tan. El verdadero nombre de Paco Miller era Edmundo Jijón Serrano. Lo llamaron El hombre de las mil voces y su compañero inseparable de faenas fue el muñeco Don Roque; recorrió escenarios de América y se radicó en México, donde triunfó como empresario y se convirtió en descubridor de estrellas de la talla de María Victoria, Marilú y Germán Valdez, Tin Tan, e invitó a su espectáculo a Cantinflas, Jorge Negrete y Pedro Infante. Además, actuó en películas y trabajó con el famoso Walt Disney. Se le recuerda especialmente en la cinta cinematográfica “La liga de las canciones”, filmada en 1941 y que contó con las actuaciones de Mapy Cortés, Ramón Armengol, Marilú y La Panchita, entre otros.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 10 de AGOSTO de 2018 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.