¡ NUEVO ! Hasta que el Cuerpo Aguante 16 de AGOSTO de 2019

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lunes, 19 de agosto de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 23 DE AGOSTO DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 23 DE AGOSTO DE 2019
*Se cumplen 100 años del nacimiento de Benny More, el bárbaro del ritmo
* Presentaremos diversas canciones, así como su contestación 
* Crescencio Salcedo, autodidacta, caminaba descalzo para sentir el contacto de la madre tierra
* En la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de las Hermanas Núñez. Entrevista con Miriam

1. Este viernes recordaremos al llamado “Bárbaro del ritmo”, Benny Moré, a 100 años de su nacimiento. En muchos países y especialmente en Cuba se harán diversos programas culturales para recordarlo. Escribe Rosa Marquetti en oncubanews.com que Bartolomé Maximiliano Moré no tuvo precedentes, ni ha tenido sucesor, de tanta genialidad y talento inigualables. Con él se cerró un ciclo en la música cubana que no ha podido ser renovado. Benny Moré es un dios en Cuba. Se habla de él en presente, como si fuera un amigo cercano, un vecino inmediato, como si nunca se hubiera ido, como si todavía su voz estremeciera el Ali Bar, el night club que convirtió en guarida personal y donde sus seguidores solían esperarlo cada noche, no importaba la hora a la que irrumpiera por la puerta para que se desatara el delirio. Nadie podía resistirse a su incomparable voz, a su inigualable carisma, a su singular manera de hacerlos bailar. Los cubanos de todas las partes del mundo hablan de él y lo tutean, le llaman simplemente El Benny, o El Bárbaro, El Bárbaro del Ritmo. No hay un cubano que, en un trance de nostalgia, no eche mano a uno de sus grandes boleros. Oírle cantar «¿Cómo fue?», «Alma mía» o «Mi amor fugaz» es suficiente para que afloren los sentimientos contenidos. No son pocas las veces que se le escucha en una celebración. Al compás de «Qué bueno baila usted», «Santa Isabel de las Lajas» o «Maracaibo oriental» se desata la locura del ritmo y, en ese momento, se confirma la certeza de que El Benny es atemporal: sus sones, guarachas y boleros resisten el paso del tiempo. Si leyera esto, Benny, probablemente respondería con una sonrisa incrédula y despreocupada, porque, para él, cantar y guarachar era lo más natural del mundo, lo mismo en La Habana, Los Ángeles o Nueva York. Benny Moré nació en Santa Isabel de las Lajas, el 24 de agosto de 1919 y murió en La Habana, el 19 de febrero de 1963. (Texto tomado de https://oncubanews.com/cultura/musica/benny-more-los-cien-anos-de-un-genio/).

2. Este viernes y gracias a las amables solicitudes de los radioescuchas presentaremos diversas canciones, así como su contestación. Algunas de esas canciones fueron creadas por los mismos autores que compusieron la original, sin embargo en la mayoría de esos temas, los compositores fueron distintos a los originales, así por ejemplo presentaremos temas como “Contestación a Tú sólo tú” con la Torcacita, “Contestación a Usted” con un trío llamado Los Tres marinos, “Contestación a Quién será” en la voz de Virginia López, “Contestación a Mentira”, un tema que originalmente escribió María Luisa Martínez y que Lalo Guerrero compuso su contestación, asimismo en el ámbito jocoso y cómico podemos encontrar diversas réplicas como la “Contestación a la carta a Ufemia”, “Contestación a La Interesada”, tema de Chava Flores, y otras más. Así pues, este viernes presentaremos muchas canciones originales, boleros, rancheras, cómicas y de antaño en general, que tienen su contestación.

3. Crescencio Salcedo nació el 27 de agosto de 1913 en el departamento de Bolívar. Creció en una familia compuesta por seis hermanos. Creció en la música ayudándose con la fabricación de flautas labor que le acompaño hasta sus últimos días, Su primera inspiración fue “El gusto de las mujeres”, cuando contaba 15 años, obteniendo 11 años después su primer registro internacional con el tema “Cosquillitas”, alcanzando la cúspide con su obra “El año Viejo”. Luego vino otra pieza en discusión “Las Múcura”, registrada por Toño Fuentes, al parecer una pieza del ambiente popular del siglo antepasado de la región del Magdalena, popularizada por Salcedo, sin que recibiera una regalía por esta canción. Continúo su obra controversial con “Mi Cafetal”, en el 1939 atribuida a Andrés Paz Barros que tuvo versos de Salcedo, algo similar sucedió con canciones como “La Piña Madura” y “La Varita de caña”.  Este pordiosero que anduvo con los pies descalzos, recorrió Colombia desde su natal Palomino, pasando por para Santa Marta, Barranquilla, Cartagena, vivió por espacio de ocho años en la guajira con tribus Wuayus, a quien siempre considero sus hermanos, llegando al interior del país, radicándose en Medellín finalmente, desde su contacto con agricultura, con hacha y machete hasta comercializar sus flautas y su música con dificultades inimaginables y el usufructo de los explotadores de turno. El 3 de marzo de 1976, este hombre que hoy se reconoce como una gloria de Colombia se fue víctima de una trombosis en total indigencia, abandono estatal e indiferencia del ciudadano de a pie, atribulado y explotado por los mercaderes de la música que no sacian su hambre. Fue padre de cinco hijos Rafael, Santiago, Francisco, Martín y Ramón.  Siendo su última compañera doña Ligia Álzate. (con datos tomados de http://www.encuentrolatinoradio.com/2016/03/crescencio-salcedo-monroy-senor-flauta.html).

4. Hay un tema musical a ritmo de danzonete que presentaremos este viernes y que se debe a la inspiración del compositor Roque Carbajo. El tema en cuestión se titula “Angustia”. Hay muchas versione de este bailable tema, pero en esta ocasión compartiremos dos versiones sorpresa. Roque Carbajo nació el 9 de diciembre de 1910 en San Miguel de Allende, Guanajuato. Su infancia la vivió en Salvatierra, era un artista nato pues el gusto por la música se lo trasmitió su padre, aprendió a tocar el piano y la guitarra. Desde muy joven se desenvolvió en el ambiente musical en reuniones y peñas entre anécdotas, chascarrillos y canciones se pasaban largas horas de la noche, para luego terminar en amenizadas serenatas. Desde los doce años vivió en la ciudad de México donde hizo sus estudios hasta llegar a la Universidad y titularse en 1933 como Médico cirujano y partero, después regresó a Salvatierra, Guanajuato, donde ejerció su función como Médico. A los 26 años, en 1936, conoció a la joven Yamila Dergal, de ascendencia libanesa, con la cual contrajo nupcias, y procreó a su primogénito Luis Carbajo Dergal, que a la sazón fue un gran periodista, conductor y productor de programas televisivos y radiales. Debido al éxito obtenido en su faceta de compositor y cantante el Dr. Roque Carbajo fue contratado en el año 1947 para presentarse en Nueva York por 20 días, este contrato se prolongó por 3 meses, de ahí fue contratado para Sudamérica, después para España, gira que lo mantuvo 26 años sin regresar a México, pues trabajó en todo Europa y Asia, durante esa gira conoció en Barcelona a la joven cantante Juana Masip con quien hizo un dueto y así recorrieron muchos países europeos, de esa unión nació el segundo hijo del compositor, Roque Carbajo Masip. Roque Carbajo Reyna falleció el 9 de septiembre de 1994.

5. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza de Las Hermanas Núñez, a través de una entrevista con Miriam Núñez. El dueto de las Hermanas Núñez, Miriam y Nelly Núñez Medina, nacieron el 9 de febrero de 1946 y el 8 de septiembre de 1948, respectivamente. Originarias de un bello pueblo de Yucatán llamado Tizimín. Fueron discípulas de Santiago Manzanero, quien les enseñó y perfeccionó ese maravilloso modo de tocar la guitarra. Iniciaron su carrera artística en 1954 en Mérida en donde bailaban jarana yucateca en la obra regional "Henequén a Rusia", ganando el primer lugar. Cantaban en el "Teatro Fantasía", con la Compañía Artística de Daniel "El Chino" Herrera.  Hacía 1957 iniciaron una larga gira por Campeche y actuaron en la emisora radial XEA. En 1961 llegaron a la ciudad de México, Miriam con 15 años de edad y su hermanita Nelly con 13 años, acompañadas por sus padres y 4 hermanos, traían cartas de recomendación para varias personas del ambiente artístico y musical de la capital. Fueron Los Aguilar, seis hermanos que tocaban la guitarra y cantaban, los que les dieron mucho apoyo. Su debut en la ciudad de México fue en "La Carpa Rosalba", en la que se foguearon y trabajaron con mucho éxito durante cuatro meses, ganando sesenta pesos diarios, después pasaron a "La Fogata Norteña" del Tío Plácido. Fueron contratadas por Televicentro para un programa llamado "Un canto de México", con el productor Raúl Araiza. "En La Fogata Norteña" las conoció el director artístico Rigoberto Pantoja, quien las presentó con Guillermo Acosta, director de Discos Musart, compañía para la que hicieron su primera grabación, fue un disco sencillo que por el lado A incluía la canción “En toda la chapa" su primer gran éxito. Esta historia continuara la próxima semana.
Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 23 de AGOSTO de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa

lunes, 12 de agosto de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 16 DE AGOSTO DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 16 DE AGOSTO DE 2019
* Presentaremos grabaciones muy antiguas en la voz de Rodolfo Hoyos
* Oiremos las dos primeras grabaciones de Luis Aguilar, El gallo giro
* Además, en la sección La Carpa, El Negrito Chevalier. Canciones tropicales con el Trío Durango. Oiremos al Trío Caribe con el tresillo de Pablo Zamora Peregrino. Disfrutaremos de canciones de Wello Rivas. Charlo, el cantor más importante que dio el tango después de Gardel.
* En la Cadena del recuerdo una semblanza del coleccionista Luis Jaime Chapa; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, Fernando Albuerne

1. De los primeros cantantes que grabaron canciones populares en discos fonográficos en la década de los veinte se encuentra el barítono Rodolfo Hoyos. Según algunos datos que hemos logrado recopilar, este cantante mexicano nació en el año de 1898 y murió en 1959. Luego de un primer premio en un concurso, Hoyos ingreso de inmediato a las más destacadas compañías de ópera. Mantuvo una carrera muy importante y fue catalogados por los especialistas como uno de los mejores cantantes del país. Falleció en su natal ciudad de México a los sesenta y un años de edad. Realizó una gran cantidad de grabaciones para los sellos Vocalion, Victor y Brunswick, básicamente. Casi todas las grabaciones de Rodolfo Hoyos datan de la segunda mitad de la década de los años veinte. Además, no sólo grabó como solista, hizo duetos con cantantes como Milla Domínguez, Carlos Mejía, Enrique Herrera Vega, Pilar Arcos, Eduardo Arozamena y otros más. En su libro Diccionario Enciclopédico de Música en México, el investigador tapatío Gabriel Pareyón escribe que Rodolfo Hoyos, cantante barítono, inició su formación vocal en la academia de Lamberto Castañares, y en 1920 obtuvo un primer lugar en el concurso convocado por el Conservatorio Nacional de Música; enseguida se incorporó a las compañías operísticas más activas de la época. Hizo su presentación principal en el teatro Iris, en 1922, con el papel de «Silvio» en la ópera I Pagliacci, dirigida por Gaetano Merola. Luego continuó su carrera en los teatros Nacional y Arbeu, y en el Palacio de Bellas Artes (1942), con el «Amonasro» de Aida, papel que representó varias ocasiones, y que llevó a la crítica a citarlo como uno de los mejores cantantes mexicanos.

2. Gracia al aporte del coleccionista tamaulipeco Luis Jaime Chapa, compartiremos con usted las dos primeras grabaciones que hizo el actor y cantante mexicano Luis Aguilar. Nos comenta el Ing. Chapa que, en el año de 1948, Luis Aguilar grabó un disco de 78 rpm con las canciones “El gallo giro” y “Yo también soy mexicano”. Estas canciones fueron grabadas para el sello Anfion, ambas son composiciones de Cuco Sánchez. Luis Aguilar volvió a grabar “El gallo giro” para el sello Musart en el año de 1954. Luis Aguilar Manzo nació en Hermosillo, Sonora, el 29 de enero de 1918 y falleció en la Ciudad de México, el 24 de octubre de 1997. Debuta como actor estelar en 1944 en la película “Sota, Caballo y Rey”, con el apoyo de Raúl de Anda. Ahí llama la atención del público pese a su falta de experiencia ante las cámaras, y es gracias a su carisma que logra en tiempo récord filmar varias cintas y alternar con figuras como María Antonieta Pons, Amanda del Llano, Sara García, María Luisa Zea, Katy Jurado y Miroslava Stern, pero es hasta 1948 cuando le llegan sus roles consagratorios uno dirigido por el gran Alejandro Galindo en la cinta “El muchacho alegre” y el otro en la película que le dio el mote que lo acompañaría a lo largo de su carrera El Gallo Giro, dirigida por Alberto Gout, con guion de su mecenas Raúl de Anda, para entonces Luis Aguilar se había convertido ya en uno de los héroes por excelencia del género ranchero; de hecho, como ya lo anotamos en este año de 1948 es cuando graba su primer disco. No obstante, su excelente voz de barítono, nunca tuvieron sus discos grandes ventas, aunque sí tenía llenos en los espacios donde se presentaba ante multitudes entusiastas.

3. En la sección La Carpa y gracias a las amables peticiones de los amables radioescuchas presentaremos algunas grabaciones con el cómico musical Negrito Chevalier, acompañado del trío Urquiza y de la orquesta de Armando Chamaco Domínguez. Del Negrito Chevalier hoy en día es muy difícil encontrar datos biográficos, sin embargo, algunas de sus grabaciones que nos dejó son muy apreciadas por los coleccionistas de música antigua. El Negrito grabó una gran cantidad de temas con un tinte jocoso, entre sus canciones más conocidas y destacadas están “La Cosa” y “Linda mujer”. Algunas canciones de El Negrito Chavalier y de otro personaje llamado Mr. Lee fueron recopiladas en los años cuarenta en el famoso disco LP editado por la RCA Víctor que ahora es muy buscado por los coleccionistas. Algunos afirman que el verdadero nombre del Negrito Chevalier era Mario García, mientras otros afirman que era Mario Tercero. Junto a Mr. Lee, los Kíkaros, Los Tex Mex y otros más, Chevalier era clasificado como Excéntrico musical. En la revista “Noésis”, del Instituto de Ciencias Sociales y Administración de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, se escribe que Mario Tercero (capitán Tiburón), fue un locutor de la legendaria emisora de radio juarense XEJ, además fue declamador, cantante y bailarín que sería posteriormente mundialmente conocido como el Negrito Chevalier. Fue un polifacético artista veracruzano quien, convertido luego en El Negrito Chevalier, recorrería México y el mundo con su peculiar voz y dotes de bailarín. En aquellos años cincuenta, Chavalier se pintaba con betún a la manera de Al Jolson e interpretaba lo mismo mambo que guarachas y boogie woogie, grabó un solo mambo con Prado, composición del portorriqueño Rafael Hernández: “Diablo”.

4. Este viernes, recordaremos con dos temas musicales jocosos al ya olvidado Trío Durango, integrados por dos damas y un caballero. Según datos aportados por don Luis Chapa, este trío estaba integrado por las Hermanas Elia y Alicia Cisneros y su primo Heberto de Alvarado, los tres eran originarios del estado de Durango. Su inicio profesional fue en el año de 1939 en la estación de radio KGFJ de Los Ángeles, California y posteriormente en la CBS en Nueva York, además estuvieron por espacio de tres años en el Hotel Knikerboker de esta misma Ciudad. En 1942 salen de gira a centro y Sudamérica, así como a las Antillas; a raíz de esta gira recopilan una serie de ritmos latinoamericanos que fueron la base para sus interpretaciones. Ya en 1944 regresan a México y se presentan en la XEW y en el teatro Lírico, en este mismo año son contratados por la compañía de discos Peerless grabando su primer disco con la samba “Tico tico” de Ary Barroso y Cae, cae de Roberto Martins, acompañados de la orquesta de Francisco Argote para el sello Peereless. Entre 1944 y 1948 Graban un total de 54 melodías entre sambas, merengues, porros, pasillos, boleros, guarachas entre otros ritmos. A lo largo de su carrera se acompañaron de orquestas como Luis Arcaraz, Abel Domínguez, Juan S. Garrido y Antonio Escobar.

5. En México, el Trío Caribe estaba formado por Ángel " Tiki" Gutiérrez, en la segunda voz (maracas); Roberto Hernández, en la primera voz (armonía); Pablo Zamora Peregrino (sobrino de Toña la negra), en el tresillo y tercera voz; y Manuel Osorno, en la trompeta (no cantaba), nacido en Misantla, Veracruz. Originarios de este estado mexicano, grabaron en 1957 para el sello RCA. En otros países también surgieron tríos similares con este mismo nombre, por ejemplo, en Venezuela, en Cuba, Puerto Rico y Honduras. Rafael Figueroa Hernández en su libro “Salsa Mexicana: Transculturación e identidad”, destaca que desde los inicios del son en Veracruz, existió una familia que ha aportado excelentes músicos y cantantes a esta tradición, nos referimos a la familia Peregrino cuya figura más visible es María Antonia del Carmen Peregrino, mejor conocida por «Toña la Negra». Además de ella, sin embargo, encontramos una buena cantidad de treseros, percusionistas y cantantes que han estado en el ambiente desde los inicios del son. Al principio estaba Manuel, hermano de Toña y la siguiente generación trajo a David «El negro» Peregrino y a Pablo Zamora Peregrino, tresero del Trío Caribe, que a pesar de que realmente su primer apellido no era Peregrino, porque son hijos de una hermana de Toña, lo ostentan como una contraseña inigualable dentro del mundo del son como muchos de los descendientes de esta honrosa familia, que siguen trabajando en el ambiente del son en México, abarcando ya más de cuatro generaciones.

6. Siempre será un buen momento para recordar al compositor y cantante yucateco Wello Rivas. Manuel “Wello” Rivas Ávila nació en Mérida, Yucatán, el 18 de febrero de 1913.  En 1921 fijó su residencia en México.  Fue solista de la Orquesta de Rafael El Jibarito Hernández y es autor de los exitosos boleros “Quisiera ser golondrina”, “Cenizas” y “Llegaste tarde”; de la balada “Dos”, que hizo famosa José-José; “Callecita”, con letra de Ricardo López Méndez, y “Un problema”, con Monís Zorrilla. En total compuso 100 canciones en variados géneros. Murió en la ciudad de México el 12 de enero de 1990.  Sus cenizas reposan en el Monumento a los Creadores de la Canción Yucateca, en el cementerio de Mérida, desde febrero de 2008. Wello colaboró en la XEB con artistas como Vicente Bergman y Manuel Escalona, siendo en su época, la principal competencia para la XEW. Durante su trayectoria, también logró posicionar la música de corte tropical de una manera importante. En 1936, la empresa Laboratorios Picot, contrata una serie de programas en exclusiva con la XEB, con Rafael Hernández, Margarita Romero y Wello Rivas en plan estelar. Inicialmente estos programas se hacían en estudio cerrado, pero debido al éxito que alcanzó, utilizaron el estudio “Juventino Rosas”, para recibir al público que quería presenciar los programas y conocer a sus artistas. Estas transmisiones se mantuvieron durante más de cuatro años en los primeros lugares de audiencia. (Con información de Luis Pérez Sabido y www.sipse.com). Este viernes presentaremos diferentes versiones de su bolero “Cenizas”, además de escuchar la propia voz del compositor con temas de Rafael Hernández.

7. Dice Julio Nudler en todotango.com que después de Carlos Gardel, Charlo es el cantor más importante que dio el tango, aunque, a diferencia de aquel, no se convirtió en un mito popular. Fue el vocalista que más grabó, en una parábola discográfica iniciada en 1925 y concluida en 1967. Sin embargo, el grueso de sus registros se concentra en apenas cuatro años, de 1928 a 1931. En muchas de esas versiones alcanza un nivel parangonable al de Gardel. Como éste, contribuyó a establecer un estilo emocional pero austero, exento de efectismos, de perfecta afinación y cuidada musicalidad. Como compositor desplegó su gran talento de melodista, creando obras importantes en la línea del tango romanza. Charlo, Carlos José Pérez, nació en la Estancia La Piedad, entre las estaciones Guatraché y Avestruz, en la provincia de La Pampa, en el seno de una familia adinerada. Su refinado estilo dio origen a la moda Charlo, que abarcó la indumentaria y otros enseres masculinos. Quizás insatisfecho con la humildad de su apellido, Pérez, le añadió un pretencioso de la Riestra, erróneamente dado por bueno en reseñas y biografías. En cualquier caso, quedó identificado por su nombre artístico, que le fue adosado en 1924 para su debut radial y deriva de Charlot (Chaplin). Charlo, de hermosa voz y clásica galanura, fue rápidamente absorbido por la industria que se movía en torno del tango y la música criolla. En 1925, graba sus primeros diez discos de 78 revoluciones, todavía por el sistema acústico, para el sello Electra, acompañado por las guitarras de Vicente Spina y Miguel Correa. En los carnavales de la ciudad de Rosario, la segunda de la Argentina, canta con las orquestas de Francisco Canaro y Roberto Firpo, dos de las más populares del momento. Y luego graba una placa para la RCA-Víctor. (Fuente: www.todotango.com).

8. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza del cantante cubano Fernando Albuerne. Tendrá una conversación con el periodista, escritor y conductor de programas radiales, Gerardo Herrera. Sobre Albuerne, recordaremos que su nombre verdadero era Luis Fernando Albuerne Garcell, nació el 28 de octubre de 1920 en Sagüa de Tánamo, Cuba. Su primera presentación la realizó el 17 de noviembre de 1941 en “Radio Cadena Suaritos”. Albuerne quería averiguar cuánto debía pagar por grabar un disco, pero cuando escucharon la pureza de su voz de tenor fue inmediatamente contratado como artista exclusivo a tres dólares por programa. Debutó en noviembre de ese año interpretando "Ven amor”, tema compuesto por un compañero de trabajo, acompañado por la orquesta del pianista Santos Menéndez. Desde ese momento fue contratado por dicha emisora radial y en ella actuó por más de 12 años. Realizó presentaciones en Puerto Rico, Venezuela, Estados Unidos, Brasil, Chile, Uruguay y Argentina. Estando en Buenos Aires, realizó presentaciones de radio y grabó para el sello Odeón el vals "Dices que tengo celos", de Santos Menéndez. Este disco le hizo ganador de su primer disco de oro, superando el millón de copias vendidas. Cantó en numerosos teatros y cabarets, así como en programas de radio y televisión. En 1960 después de la revolución castrista, radicó en Caracas, Venezuela, desempeñándose en diferentes profesiones, además de cantante, para luego residenciarse definitivamente en Miami, Estados unidos, donde puso fin a su carrera artística, falleciendo a los 79 años el 3 de julio del año 2000.

9. Este viernes desempolvaremos una cápsula de La cadena del recuerdo dedicada al coleccionista tamaulipeco Luis Jaime Chapa Elizondo, quien nació el 28 de agosto de 1950 en Nuevo Laredo, Tamaulipas y desde hace 20 años radica en Reynosa. Después de 33 años de laborar en Petróleos Mexicanos se jubiló en el año de 2009. Chapa se inició en el coleccionismo en 1970 ya que su padre, de oficio radiotécnico, fue el primero en vender discos en Nuevo Laredo a partir de 1947. Su establecimiento estaba ubicado en la calle Guerrero esquina con Mina hasta 1955 en que se dedicó exclusivamente a la reparación de televisiones y radios. Según algunos datos, Luis Jaime Chapa tiene unos 35,000 discos entre 78, 45 y 33 rpm, además de cassettes y discos compactos. Luis Jaime Chapa cuenta con varios discos que se pudieran considerar difíciles para cualquier coleccionista, por ejemplo, un disco en que el actor mexicano Roberto Cañedo canta acompañado por un trío. Esta grabación es del sello COMIX y se grabó en 1947, asimismo, cuenta con disco de José Alfredo Jiménez cantando como primera voz del trío Los Rebeldes, también del Sello COMIX, editado en 1949. Cuenta con el primer disco grabado por Pedro Infante de la marca VICTOR, en 1942. Chapa ha encontrado discos en diferentes ciudades de México y Los Estados Unidos, sin embargo, es en la ciudad de México donde ha rescatado la mayor parte de su colección, ya sean con coleccionistas, así como en el barrio de Tepito, la colonia Portales y en varios tianguis en esa ciudad. (Fuente: Arturo Lara Lozano, Enciclopedia del Rock Mexicano. Foto proporcionada por el coleccionista Domingo Salazar).

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 16 de AGOSTO de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa

lunes, 5 de agosto de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 09 DE AGOSTO DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 09 DE AGOSTO DE 2019
* Compartiremos diversas canciones de antaño dedicadas a los animales de las granjas
* Escucharemos y recordaremos a dos Luchos: Bowen y Gatica 
* Presentaremos en la Cadena del recuerdo una semblanza del ecuatoriano Paco Miller y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Benny More, a 100 años de su nacimiento

1. Este viernes presentaremos diversas canciones de antaño en varios ritmos dedicadas a los animales de las granjas. Las granjas fueron el gran paso de la humanidad hacia la vida sedentaria y la conformación de comunidades. En las granjas se ejecuta la agricultura y la cría de ganado y animales para consumo humano. Las granjas suelen ser operadas por una familia, corporación, empresa o una comunidad y pueden ser de tamaño reducido hasta enormes complejos industriales, es por ello que existen diferentes tipos de granjas. En las granjas existen diferentes animales y a ellos se les han dedicado creativas canciones en las que, por lo regular, con un sentido gracioso se habla de algunas bondades de estos animales. Así hay canciones como “La vaca lechera” que presentaremos con el trío Janitzio. De a aves de corral podemos encontrar canciones como “Mi gallina traviesa”, que grabó el cuarteto de Manuel Jiménez; o “El gallo, la gallina y el caballo”, con la Sonora Matancera. Por su parte Lydia Mendoza grabó “La pollita” y muchos más cantaron el famoso “Coconito”, sin olvidad el tema “El guajolote” que grabaron, entre otros, Julio Flores y Fernando Fernández. Una inolvidable canción fue l famoso “Patito color de café”, que escucharemos en una versión histórica. De puercos, marranos o cochinos encontramos “El marranito”, que grabó Benny Moré o “La puerca”, que llevaron al disco muchos duetos norteños. Víctor Cordero compuso “La mula bronca “y Lalo Guerreo hizo una muy buena versión. El dueto Pepe y Juanita cantaron otro tema llamado “La mula”. También presentaremos canciones dedicadas los borregos, chivas y cabras. De toros y bueyes oiremos canciones, que por lo regular eran cómicas, como la versión que grabó Tin tan de “El buey palomo”.

2. Precisamente uno de los temas que escucharemos dedicado a los borregos se llama así, “El borrego”, con el dueto Tapia y Rubio, que eran Ernesto Rubio y su mujer de apellido Tapia. Escribe Armando Pous que Ernesto Rubio también conformó otros duetos como el famoso dueto Rubio y Martínez que estaba integrado por José Rubio y Juan R. Martínez. Desde 1919, José Rubio participó en puestas de escena en el teatro Arbeu. En 1921 cantó en una función en honor del presidente Álvaro Obregón. Participó también en las primeras transmisiones radiales de música clásica en la estación CYX, donde el periódico Excélsior y la casa Parker patrocinaron un concierto radial el 7 de abril de 1924. Asimismo, cantó en la estación CLX de El universal. José Rubio fue hermano del cantante Ernesto Rubio, quien fue arreglista de algunas piezas musicales que integran el disco editado por AMEF. A Ernesto Rubio se le recuerda en un dueto llamado Tapia y Rubio que hizo con su esposa para grabar a finales de los años veinte para la marca Brunswick. Grabaron canciones como “Amor secreto”, “El huitlacoche”, “La jícara”, “Las abajeñas bonitas”, “El malacate”, “El carbonero” y otras más. José Rubio y Juan R. Martínez estudiaron también con el maestro José Pierson, asimismo formaron parte muy jóvenes de las clases magistrales que impartía Fanny Anitúa en 1921. Los hermanos Rubio se fueron retirando paulatinamente del ambiente artístico a partir de los años treinta. En 1926, José Rubio junto a Juan R. Martínez partieron a Nueva York, en donde Alfonso Esparza Oteo los invitó a grabar en la división latina de la Columbia.

3. Este viernes, en la sección Rinconcito arrabalero, recordaremos a dos Luchos: Lucho Boyen y Lucho Gatica. Luis Enrique Bowen Gómez, conocido en el ambiente farandulero internacional como Lucho Bowen nació en Ecuador, en la ciudad de Guayaquil, el 11 de agosto de 1926. Precisamente en una emisora de esta ciudad se encontró con el compositor guitarrista y cantante Julio César Villafuerte y con él constituyó el dueto juvenil Bowen Villafuerte. Hicieron sus primeras grabaciones en el sello Ónix del Ecuador, pero luego pasaron a Discos Fénix y Discos Cóndor. Posteriormente este dueto llegó a Colombia donde debutó en La Voz de Antioquia de la ciudad de Medellín y fue un suceso tan impresionante, que los quince días de contrato se transformaron en seis meses. En 1952 Antonio Fuentes los contrató para hacer unas grabaciones en su casa disquera de Cartagena; una de ellas fue la ranchera “Corazón prisionero”, uno de los más grandes sucesos de la canción mexicana al estilo antioqueño en todos los tiempos. El dueto permaneció hasta 1959. Posteriormente Lucho Bowen se transformó en solista de mucho éxito e hizo grabaciones para la RCA Víctor; también constituyó duetos transitorios con sus paisanos Olimpo Cárdenas y Julio Jaramillo. Es así que, tras una gira por Colombia con su compatriota Olimpo Cárdenas y debido al éxito que tuvieron sus canciones, Bowen decidió radicarse en la ciudad de Medellín y luego en Cali a mediados de la década de los años 50, recordó el periodista colombiano Gabriel Muñoz López, quien lo conoció. Bowen es considerado junto con Cárdenas, Jaramillo, Vicente Rocafuerte y Patricia González, como uno de los máximos representantes del bolero ecuatoriano. Lucho Bowen, uno de los máximos exponentes del bolero en su país, falleció en la ciudad colombiana de Cali a los 78 años de edad, el 30 de abril del año 2005 y allí también estuvo acompañándolo su eterno amigo Julio César Villafuerte. (Con datos de http://biografiasantioquia.blogspot.mx).

4. Por su parte, el cantante Lucho Gatica, de nacionalidad chilena, pero radicado en México desde 1957, nació el 11 de agosto de 1928 en Rancagua, Chile. En México fue donde alcanzó la fama internacional y donde fue elogiado y admirado por personajes de la talla de Elvis Presley y Frank Sinatra. Arturo Gatica, hermano de Lucho, fue quien lo animó a entrar en el mundo de la música. Junto a él formó en 1941 un dúo con el que cantó en la radio. Grabó su primer disco -que tenía tan solo tres canciones- en una emisora local en 1943. En 1945 se mudó a Santiago donde se matriculó en el Instituto Alonso de Ercilla, pero dejó sus estudios para dedicarse a la música. Al año siguiente cantó “Tú, dónde estás” en el programa radiofónico “La feria de los deseos” de Raúl Matas. Este fue el encargado de gestionar su primera grabación profesional en 1949, en la que cantó junto a su hermano. Gatica grabó en 1952 las canciones “Sinceridad” y “Contigo en la distancia”, acompañado del trío Los Peregrinos, temas con los que consiguió éxito internacional. Durante la década de los 50, Chile sufrió un cambió musical tras optar por el bolero en vez del tango, que hasta ese momento era muy popular. Gatica ganó enorme popularidad desde ese momento y se convirtió en ‘el rey del bolero’ gracias su estilo interpretativo. En 1956 realizó una gira por varios países de Iberoamérica y un año después se mudó a México, donde participó en varias películas entre 1956 y 1983. La fama de Gatica traspasó las fronteras iberoamericanas. Incluso la productora y distribuidora de cine Metro-Goldwyn-Mayer le invitó a varias fiestas que organizaba y a la que acudían grandes celebridades de la época como Elvis Presley o Nat King Cole.

5. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una semblanza del cantante cubano Benny Moré, quien el 24 de agosto de 2019 cumpliría 100 años de nacimiento. Bartolomé Maximiliano Moré Gutiérrez, mejor conocido como Benny Moré, nació en Santa Isabel de Las Lajas, Cuba. Aprendió a tocar la guitarra en su infancia, según el testimonio de su madre, se fabricó su primer instrumento a la edad de 6 años con una tabla y un carrete de hilo. En 1936 dejó su ciudad natal y se trasladó a La Habana, donde se ganaba la vida vendiendo frutas y verduras ya estropeadas, así como hierbas.  Su primer éxito fue ganar un concurso en la radio, en la emisora CMQ. En 1944 debutó en la emisora 1010 con el Cuarteto "Cauto". Siro Rodríguez del famoso trío Matamoros oyó cantar a Benny Moré en el bar El Templete y quedo gratamente impresionado, poco después a causa de una indisposición de Miguel Matamoros poco antes de una actuación, Borgellá envió a Benny para sustituirlo. Tras esta incorporación poco menos que casual, Benny permanecería ligado durante años a los Matamoros, con los que realizo numerosas grabaciones. reemplazo como cantante principal a Miguel Matamoros, quien se dedicó en exclusiva a dirigir el conjunto. En el año de 1945 viajó con el Conjunto Matamoros a México donde actuó en dos de los más famosos cabarets de la época, el Montparnasse y el Rio Rosa, en esa época recibió apoyo también de Graciela Olmos, "La Bandida". Realizo varias grabaciones, aunque el Conjunto Matamoros regreso a La Habana, Moré permaneció en México, ahí adquirió su nombre artístico a sugerencia de Rafael Cueto. En 1946 Benny se casó con la enfermera mexicana Juana Bocanegra Durán y su padrino de boda fue el afamado cantante mexicano Miguel Aceves Mejía.

6. Paco Miller fue un ventrílocuo ecuatoriano radicado en México. Nació en Guayaquil, Ecuador, en el año de 1909 y murió en la Ciudad de México, el 9 de diciembre de 1997 a la edad de 88 años. Este viernes escucharemos una semblanza en La Cadena del Recuerdo. Escribe Marcio Veloz Maggiolo en www.listiandiario.com, el periódico de los dominicanos, que Paco Miller fue una figura que en sus años adolescentes hizo gran presencia en una de las Semanas de Aniversario de La Voz Dominicana. Se trataba de Paco Miller, ventrílocuo de gran capacidad y manejador de un muñeco al que llamaba don Roque. Miller fue nada menos que el compañero sentimental de la famosa cantante mexicana Imelda Miller, quien, sin haberse matrimoniado con Paco, decidió colocarse su apellido por encima de su nombre yucateco de pila que era el de Imelda Mézquita Pérez. Desde jovencita Imelda se aficionó al alcohol, logrando a pesar de ello éxitos numerosos que llenan primorosamente el cancionero latinoamericano. Aunque la relación con Miller terminó como era de esperarse, ella siguió usando el apellido con la que se lanzara como cantante a los dieciocho años de edad. Miller casi le doblaba en edad. Paco Miller era, además de gran ventrílocuo, un formidable empresario. Cuando vino al país (República Dominicana) ya era famoso con su muñeco don Roque. Desconocido por los dominicanos, llegó a Ciudad Trujillo sin mucha fama en nuestros escenarios, pero desde sus primeras presentaciones captó el favor del público por su enorme sentido de lo que debe ser la hilaridad, convertida en la experiencia de un muñeco lleno de gracia poco habitual, casi humana, en la que la personalidad del maestro Miller y la de su muñeco se entremezclaban provocando la risa continuada de un público que había tenido pocas veces la posibilidad de presenciar un espectáculo de tanta calidad. Quede siempre en la gloria terrenal su recuerdo. Paco Miller, el hombre que había descubierto en México a Germán Valdés, alias Tin Tán, lanzándolo al estrellato, y a su compañera Imelda Miller, descubrió por su talento y sin proponérselo, a Lilín Díaz, quien supo buscar por propia cuenta, y luego de su empujón al lado de don Roque, la fama que merecía dentro de la locución nacional. (Fuente: https://listindiario.com/puntos-de-vista/2014/06/27/327613/paco-miller-don-roque-y-lilin-diaz).(Imagen cortesía de Edmundo Miller, especial para Hasta que el Cuerpo Aguante).

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 09 de AGOSTO de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa

lunes, 29 de julio de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 02 DE AGOSTO DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 02 DE AGOSTO DE 2019
* La semana pasada falleció Pablo Dueñas, investigador musical y fundador de la AMEF
* Hace 125 años nació Alfonso Esparza Oteo. Hace 100 años nació Miguel Ángel Valladares. Asimismo, hace 111 años nació Alfredo Núñez de Borbón. Oiremos “Doble inconciencia” y “Falsaria”. En La carpa, la pareja Quiroz. Rarezas musicales con el dueto Manzanero - Peraza
* Presentaremos en la Cadena del recuerdo y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza y recuerdos de Pablo Dueñas

1. El pasado martes 23 de julio de 2019 falleció José Pablo Dueñas Herrera, investigador musical, uno de los fundadores de la Asociación Mexicana de Estudios Fonográficos, por lo que este viernes haremos un programa especial dedicado a quien desde 2012 también era gerente de la emisora XEB. Presentaremos fragmentos de sus programas de radio, así como semblanza y una entrevista que Hasta que el Cuerpo Aguante le hizo el mes de julio de 2017. Rodrigo de la Cadena escribió el siguiente texto en su columna del diario La Prensa: El pasado miércoles amanecimos con una terrible noticia: Falleció a los 60 años de edad el doctor Pablo Dueñas, aliado incondicional de la amistad y la complicidad en grandes proyectos de preservación y difusión pública. Como gerente y programador de radio se desempeñó en la dirección de emisoras como XEW, XEQ, XEX y XEB, la B grande de México; siendo esta su última casa radiofónica en donde proyectos como “Las nuevas voces del Bolero” rompieron récord de asistencia y participación ciudadana. Entre sus publicaciones editoriales destacan “Historia documental del Bolero”, “Las divas en el teatro y la revista musical” y “Las 65 canciones de todos los tiempos”. Erudito en la materia de música popular fundó la AMEF (Asociación Mexicana de Estudios Fonográficos). Víctima de cáncer, mi amigo ya descansa en paz en la espera del próximo reencuentro con Jesús Flores y Escalante y tantos otros hermanos nuestros que se nos adelantaron. Pablo deja un gran vacío en los medios de comunicación y en el plan de salvaguardia de nuestra cultura popular musical. Lo que me preocupa a mí y a muchos es que la B, última emisora en activo decana en la radiodifusión en el valle de México continúe su proyecto de conservación de la tradición histórica de promover el catálogo de oro de la música mexicana y aportar contenidos de calidad a la vida sonora del país a través del archivo y la divulgación cultural. Queda en nosotros el compromiso de continuar tu legado, Pablo hermano, amigo mío. (Fuente: https://www.la-prensa.com.mx/analisis/radio-melancolia-3958734.html). (Foto tomada de: https://www.consaboracumbia.com/2018/10/15/pablo-duenas).

2. Esta semana se cumplen 125 años del nacimiento de Alfonso Esparza Oteo. Nació el 2 de agosto de 1894 en la ciudad de Aguascalientes, Aguascalientes. Su talento musical fue heredado de su padre, músico distinguido y reconocido por su versatilidad —sabía tocar varios instrumentos— quien en la época en que nace Alfonso se desempeñaba como director de bandas y de una escuela de música. Desde temprana edad Alfonso muestra su inclinación por actividades relacionadas con el arte como organizar funciones de títeres y cantar. A los siete años aseguraba que había heredado de su papá la afición por la música y tocaba el piano ante audiencias pequeñas que lo aplaudían y motivaban. Del señor Luis Esparza recibe las primeras lecciones de solfeo y piano. Más adelante asiste a la academia del presbítero Fermín Ramírez, en donde tiene la oportunidad de instruirse con maestros como Juan María Cisneros, Arnulfo Miramontes y Manuel M. Ponce, de quienes recibe clases de piano, órgano y canto, y composición, respectivamente. Es el maestro Ponce a quien Alfonso reconoce como principal apoyo en su formación musical. En 1912 trabajó como pianista en el Teatro Actualidades, en donde improvisaba temas para las películas que ahí se exhibían y, al mismo tiempo, se desempeñaba como organista. En 1914 llegan a Aguascalientes los efectos de la Revolución Mexicana y Alfonso, partidario de dichos ideales, se enlista en las filas del general Francisco Villa; tras dos años de campaña es distinguido con el grado de Mayor. Una vez calmados los ánimos, en 1917 Alfonso Esparza Oteo regresa a la vida artística con su primera obra musical, el foxtrot Plenitud, escrita en la Escuela de Artes y Oficios de Aguascalientes. Dos años después viaja a la Ciudad de México en busca del triunfo que le permitiera, además de alcanzar sus metas, apoyar a sus padres; su único equipaje eran sus composiciones, una mente plena de inspiración y un ánimo avasallador.

3. Este viernes recordaremos a Alfredo Núñez de Borbón, a 111 años de su nacimiento. Presentaremos versiones históricas de sus canciones “Indecible”, “Siempreviva” e “Inquietud”. Aparte de extraordinario compositor, fue un virtuoso del violín. Núñez de Borbón nació en la ciudad de México el 8 de agosto de 1908 y falleció el 10 de diciembre de 1979. Violinista y cancionero. A los nueve años de edad inició sus estudios de piano y violín, de modo empírico. Fue alumno de Estanislao Mejía (solfeo), José Rocabruna (violín) y Pedro Luis Ogazón (piano). A partir de 1920 trabajó como violinista en salones de baile y en orquestas teatrales de género chico. En 1925 se estableció en Nueva York, donde formó una orquesta de baile con la cual recorrió América del Norte. Después se sumó a la orquesta de un barco transatlántico. Regresó a México en 1938 y formó y dirigió su propia orquesta de baile. A partir de ese mismo año actuó también al lado de Francisco Gabilondo Soler en giras por toda la República Mexicana (1938- 1945), difundiendo el repertorio de ese compositor. Actuó en la radioemisora XEW contratado para tocar en varios programas. Después trabajó en televisión, en La Hora del Recuerdo, con Héctor Cervera. Escribió numerosas canciones, entre las cuales destacan “Ansiedad”, “Ay”, “Consentida”, “Hay que olvidar”, “Inconsolable”, “Inquietud”, “Mi pensamiento”, “Oreja de oro”, “Pregunta”, “Reconciliación”, “Si regresara el amor”, “Siempreviva”, “Sólo quedas tú”, “Terciopelo”, “Tiempo aquél”, “Vals argentino” y “Vals ruso” (valses cantados). También compuso música para cine. (Con datos de Gabriel Pareyón, Diccionario Enciclopédico de Música en México).

4. Hace 100 años, el 2 de agosto de 1919, nació el compositor Miguel Ángel Valladares Rebolledo. Nació en Seybaplaya, Campeche y falleció en la Ciudad de México, el 25 de diciembre de 1969, es decir, a la edad de 50 años. A la edad de 7años partió rumbo a Ciudad del Carmen, ahí vivía su tío el Pbro. Faustino Rebolledo Blanco, donde aprendió a tocar el piano y compuso su primera canción, “Corazón de hierro”. En 1934 se estableció en la Ciudad de México donde estudió para profesor de educación primaria, profesión que ejerció de 1938 a 1945. Su inquietud musical le hizo abandonar esa profesión, trabajó como pianista en diversos lugares y formó diversos grupos musicales, hasta que encontró trabajo en la XEW como pianista primero y luego como director de orquesta. Compuso canciones como “Canción de invierno”, “Contragolpe”, “Pecado”, “Hay que vivir el momento”, “Este amor salvaje”, “Volvamos a empezar”, “Mía o de nadie”, “Miseria”, “Frío en el alma”, “Ah bárbara”, “Oración negra”, “Bésame y verás”, “Cita escondida”, “Flor de tentación”, “Nosotros dos”, “Por favor”, “Por pasar el rato”, “Yo soy nerón”, y otras. Como intérpretes de “Miseria”, una de las más famosa de sus canciones encontramos a Los panchos, cuya versión presentaremos este viernes. Para algunos campechanos, Miguel Ángel Valladares es el compositor más famoso de todos los tiempos de ese estado, a nivel nacional y hasta internacional.

5. Gracias a las amables peticiones este viernes presentaremos la canción “Falsaria”, en una versión muy especial del cantante coahuilense Salvador García, quien la grabó en 1946 para el sello Peerless con la orquesta de Rafael de Paz. Este tema musical no es otro que el bolero "Doble Inconsciencia", que fue compuesto por el cubano Manuel Corona casi en los inicios del siglo XX, lo grabó la cantante y también compositora María Teresa Vera junto con Lorenzo Hierrezuelo. Dice Adolfo Hugo Flores en el blog cultural que México representó mucho para la música cubana, y recuerda que, en la época de oro del cine mexicano, ya en la película "La bien pagada" se incluye extractos del tema original de Manuel Corona, pero se le cambió de nombre como "Falsaria". Estas controversias suceden porque los derechos de autor no eran respetados en otros países en esos años. Los Hermanos Martínez Gil la grabaron como "Falsaria" y la firmaron como de su autoría. Inclusive en años recientes el Gran Combo de Puerto Rico lo grabó con el estribillo "Oye Salomé", atribuyéndole la autoría al mexicano Pepe Arévalo. La versión de "Doble Inconsciencia” que escucharemos será la comentada con María Teresa Vera y Lorenzo Hierrezuelo. María Teresa Vera, voz imprescindible en la historia de la canción trovadoresca cubana, nació en Guanajay el 6 de febrero de 1895. Fue una de las pocas mujeres cantadoras de su momento. Su habanera “Veinte Años” (con letra de Guillermina Aramburu), que data de 1935, entre todas sus composiciones, es, indudablemente, la más popular y difundida. Nieta de esclavos, hija de un militar español que se repatrió al final de la guerra con el propósito de regresar, pero falleció antes de lograrlo. Creció al amparo de una familia en donde su madre era sirvienta. Manuel Corona le aconsejó que aprendiera a tocar la guitarra. Por 1911, y cuando contaba con 16 años de edad, inició su carrera artística con el dúo integrado con Rafael Zequeira. Murió en Ciudad de La Habana, Cuba el 17 de diciembre de 1965.

6. Este viernes presentaremos unas joyas discográficas en las voces del dueto conformado por Santiago Manzanero, papá de Armando, y el trovador Ramón Peraza. Santiago Manzanero nació en la población de Seyé, Yucatán, el 30 de abril de 1904. Santiago Manzanero hizo muchos duetos y trío musicales en su carrera, por ejemplo, el ya comentado con Ramón Peraza, con Humberto “El Chato” Escalante Alonzo, con Lalo Santamaría y otros más. A Santiago Manzanero solamente se le conoce una composición, el bolero “Flor de azahar” con letra de Manuel Montes de Oca Espejo la cual compuso en la década de los 40, es tal la belleza de este tema que trascendió y se ha convertido en una de las canciones favoritas de los trovadores yucatecos, siendo grabada por diversos tríos y solistas. El pasado mes de noviembre de 2018 se develó el óleo de Santiago Manzanero en el Museo de la Canción Yucateca, ya en 2014, y cuando cumplía 110 años de su nacimiento, sus restos fueron trasladados al Monumento a los Creadores de la Canción Yucateca, en el Cementerio General de Mérida. Nos recuerda Luis Pérez Sabido que, en 1927, a dúo con Ramón Peraza, Santiago Manzanero grabó varias canciones en San Francisco, California. En 1931, a dúo con Humberto Escalante, ganó el certamen La Fiesta de la Canción en el Peón Contreras. En julio del mismo año, a dúo con Guty Cárdenas, grabó en Nueva York. En 1934 contrajo matrimonio con la guapa jaranera Juanita Canché Baqueiro.  En 1938 fundó el Trío Yucatán. En 1950 compuso “Flor de azahar” e ingresó a la Sociedad Palmerín. En 1971, a dúo con Humberto Escalante, grabó en la ciudad de México. En 1985 recibió la Medalla Chan Cil. La vida de Santiago se apagó el 8 de noviembre de 1987.

7. En la sección La Carpa volveremos a presentar sendas rarezas fonográficas de finales de los años veinte o inicios de los treinta en las voces del dueto compuesto por Salvador y Consuelo Quiroz. En algunos discos el nombre de Consuelo Quiroz viene como Consuelo de Quiroz. Este dúo grabó gran cantidad de canciones mexicanas para el sello Columbia, aunque también existen algunos discos hechos para RCA Victor. Por ejemplo, según los catálogos, para Columbia grabaron canciones como “Mi tierra chula”, “Despecho”, “El cuerudo”, “Las once y media”, “Serían las dos”, “Ya viene l’ agua”, “Limoneros”, “La cucaracha” y otras más. Para el sello Victor, Salvador Quiroz grabó como solista discos con títulos como “En una hora gris” y “La Virgen de la ermita”. De este dueto no tenemos mayores datos sólo que fueron actores en el cine mexicano de antaño. Esperemos que nos estemos refiriendo a los mismos personajes. Salvador Quiroz actuó en muchas películas del cine mexicano, entre ellas Los Tres Huastecos, Esquina bajan y otras. Nació el 2 de noviembre de 1892 en Cuautla, Morelos y murió en 1956. Por su parte Consuelo Quiroz fue también una destacada actriz cómica, y no es otra que la esposa de Salvador Quiroz. Ella actuó en películas como La canción del plateado, Yo baile con Don Porfirio, Rancho alegre y otras. Ambos obtuvieron triunfos en la pantalla grande.

8. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará también una semblanza de Pablo Dueñas, quien nació en la Ciudad de México el 10 de julio de 1959. Graduado en la Escuela Superior de Medicina del Instituto Politécnico Nacional como Médico Cirujano, sus inicios se encuentran en Santiago de Cuba donde conoció los géneros y variantes presentes en las corrientes musicales, posteriormente se trasladó a las costas de Yucatán y Veracruz, donde recibió la influencia de varios personajes de la música y el bolero. En 1974 inicia su colección particular de fonogramas antiguos, formando hasta la actualidad un importante acervo discográfico de música popular mexicana y Latinoamericana. Desde 1979 ejerció funciones como investigador y guionista de diversos programas radiofónicos, entre los que destacan "Historia del bolero" y "Música Lírica" en Radio Educación, "Sones y Canciones" para IMER y muchos otros. Fue uno de los fundadores de la Asociación de Estudios Fonográficos, A. C. manteniendo el cargo de Secretario General. Fue investigador y cronista de la música popular mexicana, programador musical y gerente de la emisora XEB La B grande del IMER. El Dr. Pablo Dueñas falleció en la Ciudad de México el pasado 23 de julio a la edad de 60 años.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 02 de AGOSTO de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa

lunes, 22 de julio de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 26 DE JULIO DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 26 DE JULIO DE 2019
* Presentaremos voces de cantantes que no lo eran
* Oiremos cómo cantaron actores, cómicos, compositores, toreros, boxeadores y demás
* Presentaremos en la Cadena del recuerdo la historia de Joaquín Murrieta; y en la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Pepe Jara, segunda parte

1. Este viernes en el programa Hasta que el cuerpo aguante escucharemos voces que tal vez no sean del agrado de los gustosos de la música de antaño, decimos eso porque presentaremos grabaciones de personajes que tal vez su carrera no era la de cantantes como tal, pero que se atrevieron a poner su voz en el disco alguna vez: actores, cómicos, compositores, toreros, boxeadores o personajes del mundo artístico se dedicaron a cantar, pero con un estilo muy particular. En la larga lista podemos encontrar a actores que evidentemente su fuerte no era la cantada como David Reynoso, Manuel Capetillo o María Félix. En este programa hemos incluido también las voces de compositores que a pesar de que sus creaciones como autores eran de excelente manufactura, su voz no era tal vez la adecuada para arrastrar multitudes, como el caso de Ignacio Fernández Esperón, Tata Nacho, el chileno Juan S. Garrido que también grabó algunos discos con su muy grave voz, que para muchos era agradable y que incluso en la radio de antaño se podía escuchar con frecuencia; otro compositor sin duda que está en esta categoría es el propio Claudio Estrada o hasta El flaco de oro, Agustín Lara. Otro de los compositores que también grabó varias de sus canciones, aunque evidentemente la cantada no era lo suyo, fue Pepe Guízar, quien llevó al disco muchísimos de sus grandes éxitos acompañado normalmente de sus Caporales. El compositor jalisciense Manuel Álvarez, Maciste, grabó por ejemplo para el sello victor y Peerless canciones como “La cantinera”, “Llorando” y “viva la vida”, solo acompañado de su guitarra. No podemos olvidarnos de cómicos que en sus facetas cantaron temas, la mayoría de ellos en tono jocoso, como Agustín Izunza, Alfredo Varela, Varelita, o el propio Joaquín Pardavé, aunque no podemos olvidarnos del cómico Fernando Soto, Mantequilla, quien grabó un disco LP completo con temas serios. Sin embargo, aquí podemos incluir a cantantes que su carrera esa precisamente, la de intérpretes vocales, pero que sus voces siempre han tenido algunos detractores musicales, en este rubro podemos mencionar a los cubanos Ignacio Villa, Bola de nieve, María Teresa Vera, o el fronterizo Arturo Vázquez El chueco, este último poseedor de una voz chillona que tuvo éxito en los cabarets arrabaleros de la frontera tamaulipeca. Otros más: Abundio Ortiz y Pedro Galindo.

2. La idea de hacer un programa con voces cuya belleza en la interpretación estaba a discusión surgió al oír al cantante Arturo Vázquez, El Chueco: Una de las canciones más representativas del estilo arrabalero en el bolero es sin duda “Escoria humana”, llevada al disco por Manuel Pomián, las hermanas Padilla, entre otros intérpretes. El autor es el tamaulipeco Arturo Vázquez, a quien le decían “El Chueco”. Según datos aportados por Omar, Arturo Vázquez era originario de Nuevo Laredo, Tamaulipas y fue muy famoso en el noreste de México durante los años treinta y cuarenta. Trabajó mucho en centros nocturnos de dudosa reputación (principalmente en bares, cantinas y en negocios ubicados en las llamadas zonas rojas) de Nuevo Laredo y Monterrey, principalmente, y se acompañaba de su piano. “El Chueco” Vázquez poseía un estilo muy característico para cantar con una voz muy delgada y chillona. Interpretaba boleros y canciones de desamor con el mismo estilo que el veracruzano Manuel Pomián, quien por cierto también grabó el bolero “Escoria Humana”. “El Chueco” padecía estrabismo y arrastraba una de sus piernas, de ahí el apodo. Grabó para Discos Falcón y Discos Imperiales, entre otros sellos discográficos. Su rostro le daba un aire Alejandro Ciangherotti (véase foto). Sin duda Arturo Vázquez era un bohemio empedernido.

3. Uno de los compositores cuya voz no era un derroche de virtudes precisamente fue el extraordinario compositor Ignacio Fernández Esperón, alias Tata Nacho, quien falleció el 5 de junio de 1968. Nació el 14 de febrero de 1894. Su vocación musical nació cuando era niño al escuchar a su madre, doña Piedad, tocar el piano. Siendo aún muy joven se traslada a la ciudad de Nueva York para estudiar música y durante su estancia es compañero de cuarto de George Gershwin. En la gran urbe conoce y desposa a María Zepeda Ávila, también mexicana. De allí se traslada a España como representante de México en la Feria Mundial de Sevilla de donde parte hacia París, en donde continúa sus estudios musicales y es discípulo, entre otros, de Edgar Varèse. Antes del inicio la II Guerra Mundial, regresa a México ya con la idea de fundar una sociedad de compositores. Así, con el concurso de Mario Talavera y Alfonso Esparza Oteo se crea lo que más tarde se convertiría en la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) de su patria. Entre otras muchas y destacadas actividades, Tata Nacho, como era cariñosamente conocido desde su adolescencia, fue director de la Orquesta Típica de la Ciudad de México, musicalizó varias películas y fue director musical de diversos programas de radio. Según el sitio de la SACM, el apodo Tata Nacho viene de una ocasión en que sufrió una terrible caída en su escuela y perdió la dentadura completa. Mientras le preparaban una postiza, los demás niños en la escuela se burlaban de él por el modo en que hablaba como anciano y le pusieron el apodo de Tata Nacho, el cual se le quedó para toda la vida.

4. Conocemos la obra de Manuel Álvarez, Maciste, como compositor, pero poco se conoce como cantante. Gracias a la amable colaboración del coleccionista tamaulipeco Luis Jaime Chapa, presentaremos la voz de Maciste interpretando una de sus canciones más conocida “La cantinera”, en una grabación del año de 1935 para el sello Víctor, en la que el jalisciense se acompaña sólo de su guitarra. Manuel Álvarez Rentería, llamado Maciste, fue originario de Tequila, Jalisco, en donde nació, el 8 de agosto de 1892. Desde pequeño mostró una extraordinaria afición para tocar guitarra, y al fin logró el dominio de tan difícil instrumento, mediante los estudios que realizó en la ciudad de Mérida, Yucatán. Sus actividades profesionales como guitarrista y cantante se iniciaron en la ciudad de México, especializándose en cantar tangos. Su primera canción fue “Ojos Rojos”, a la que siguieron muchas más, de las que mencionaremos, entre otras, “La Golfa”, “Paris”, “Fíjate cómo hablas”, “Manos blancas”, etcétera, pero las más conocidas y famosas de su repertorio son “Angelitos Negros”, “Virgencita de Talpa” y “Me sobra corazón” (Trío Los Delfines). Incursionó, además, en el cine estadounidense, actuando en varias películas producidas en Hollywood, entre ellas, La luciérnaga, Sólo los ángeles tienen alas, Viva Villa, La Audacia de Pablo Bragaza, etcétera. A su regreso a la patria, el cine nacional lo incorporó a sus filas, debutando con la cinta “La hora de la verdad”, donde cantó su producción, “Adiós de un Torero”, dedicada al tapatío, Pepe Ortiz.

5. Otro compositor que grabó sus canciones fue Pepe Guízar y este viernes escucharemos algunas canciones con toque muy mexicano interpretadas por Pepe Guízar y sus Caporales, grabaciones realmente históricas que son auténticos garbanzos de a libra. Conocemos la figura de Pepe Guízar más como compositor que cantante, pero en estos discos del sello Azteca nos damos cuenta que Guízar también poseía un gran entusiasmo para cantar. Llamado “El pintor musical de México”, fue un compositor mexicano de música popular. Es autor de canciones rancheras, sones jaliscienses y boleros. Nació en Guadalajara, Jalisco, el 12 de febrero de 1912 y murió el 27 de septiembre de 1980. Realizó sus primeros estudios en su ciudad natal y se trasladó a la Ciudad de México en 1928, donde realizó estudios de música, declamación y poesía. En la radiodifusora XEW fue bautizado atinadamente como “El pintor musical de México” porque sus composiciones dibujan la geografía musical de México. Fue un compositor folclórico que se esforzó por vestir de gala a la canción mexicana; la llevó más allá de las tabernas y los barrios para introducirla a los salones haciéndola competir con el tango y el bolero, cuando éstos estaban de moda. Enamorado de la provincia mexicana y con profundo arraigo nacional le cantó a México, a su gente, al mariachi y al pueblo de Jalisco. Además de otras canciones compuso: Guadalajara, Tehuantepec, Corrido del Norte y Como México no hay dos. (Foto de la Revista Somos).

6. En la sección La Carpa oremos a cómicos como Agustín Isunza, Alfredo Varela y Joaquín Pardavé. El 23 de agosto de 1978 murió Agustín Isunza, quién tuvo una destacada carrera a lo largo de más de 195 películas, como uno de los más sólidos actores secundarios de nuestro cine, con grandes dotes para la comedia. Publica Cineforever que Agustín Isunza del Palacio nació en Múzquiz, Coahuila, el 3 de septiembre de 1900. Su padre era pagador de un regimiento de caballería, por lo cual no es de extrañar que, a los 15 años, Agustín se alistara en el ejército carrancista, habiendo permanecido en las filas militares durante catorce años, dándose de baja con el grado de subteniente. Isunza contó en una entrevista publicada en los Cuadernos de la Cineteca Nacional: Testimonios para la Historia del Cine Mexicano que “El 18 de junio de 1930 debuté como cómico en el Teatro Garibaldi, al lado de Miguel Inclán, en una cosa que hacía el Panzón Roberto Soto. Gusté y al final me hice figura. Ahí, con la compañera de mi presentación, Celia Tejeda, se llegó a formar una pareja, pues éramos las estrellas.” En 1935 pasó a formar parte del elenco estable de la Cía. de Joaquín Pardavé, con quien hizo giras por el interior de la República Mexicana. Otras compañías con las que actuó fueron las de José Campillo, Roberto Soto, con quien trabajó en "México a través de los siglos" (1938), Manuel Castro Padilla y la de Revistas Cómicas Alegría y Enhart. En el cine debutó en 1937 en La Adelita de Guillermo Hernández Gómez, al lado de Pedro Armendáriz y Esther Fernández, a partir de la cual fue ligando película tras película hasta llegar a 1975. Su interpretación del personaje Juan Primito en Doña Bárbara (1943) de Fernando de Fuentes, suele considerarse su mejor caracterización y se trata de un papel dramático, el cual no tuvo nada que ver con sus estereotipadas actuaciones de patiño. Junto con Armando Soto La Marina "El Chicote" y Fernando Soto "Mantequilla", formó el trío más destacado de cómicos de apoyo que desfilaron en la Época de Oro del cine mexicano.

7. Escribe Solange García en el Diario Crónica que hace aproximadamente 40 años en las tiendas de discos la imagen de María Félix aparecía en los anaqueles no como atractivo de portada, sino como la cantante que entonó algunos de los temas de quien fue su esposo, Agustín Lara. Desde aquél entonces, en que este lanzamiento causó revuelo al presentar a una de las actrices del momento como cantante, esta faceta de La Doña no se había presentado hasta que en 1998 la propia actriz se aventuró a grabar un disco, Enamorada, en el que algunas de las canciones son los tangos que tanto le gustaban. Aunque el primer disco donde es acompañada por la orquesta de Chucho Ferrer se agotó rápidamente en su época, y ahora es un objeto de culto y colección para sus admiradores, existió otro disco que la RCA Víctor, ahora BMG, editó a mediados de la década de los sesenta, dentro de la colección "Las estrellas de La hora azul", donde María Félix interpreta 20 éxitos de Agustín Lara. La faceta de María como cantante comenzó un poco en broma, un poco en juego y un mucho por la presión de sus admiradores quien sin querer le exigían a su estrella aparecer en público. Luego de armar un sketch cómico junto al actor Andrés Soler, con quien se fue de gira por Sudamérica, María Félix terminaba "el numerito" con bromas y cantando algunos boleros, "advirtiéndoles que no me consideraba cantante. Yo solo decía las canciones, nunca presumí de tener una gran voz". (Con datos tomados de http://www.cronica.com.mx/notas/2002/10556.html).

8. Sobre Ignacio Villa, Bola de Nieve, Deny Extremera escribió en 2003: Cantó vestido de frac, a risa suelta. Cantaba a su antojo, moldeaba la canción entre las ventanas de su diálogo, sus inflexiones y su voz ronca (de "vendedor de duraznos y ciruelas", como solía decir), y siempre dejaba una nota irónica y humana. Cantó sin voz, arrancando aplausos, en idiomas de cuatro continentes. Con su desmesurada sonrisa, rompió el empaque de la gala teatral. Impuso una expresión que envolvía hiriente sátira, inocente bonhomía. La amabilidad del gesto y la sonrisa, la elegancia impecable, la media voz y las melódicas armonizaciones sobre la tosca figura, el timbre áspero y la vitalidad agreste de los ritmos criollos fascinaron a todos aquellos quienes apreciaron su arte. Poseedor de los misterios de la técnica musical, gozó además de una cristalina personalidad y una mezcla encantadora de alta cultura y sencillez de pueblo. No creía en la improvisación y decía que no había trabajado en teatro por hobby ni por récord, sino por aquello de que había que comer y hay que trabajar. "Yo no me creo compositor, ni me respeto como tal, de las cosas que así me salieron, cancioncitas de esas baratas que yo hago, algunas han gustado. Yo creo que la palabra compositor es demasiado seria y respetable. Yo he hecho cancioncitas"...Así era de humilde. Lo cierto es que Edith Piaf se sorprendía porque nadie podía interpretar como él su canción La vie en Rose, y Andrés Segovia afirmaba que escucharlo era como asistir al nacimiento de la palabra y la música. Sobre sus composiciones también llovieron los elogios, pero son composiciones que sólo él podía y podría cantar, en una extraña y subyugante simbiosis. (Datos tomados de http://www.elnuevocojo.com/musica/itemlist/user/148-denyextremera).

9. El desconocido cantante Abundio Ortiz realizó, con su característica forma de cantar, una gran cantidad de discos de 78 rpm durante la década de los años treinta para los sellos discográficos DECCA y Bluebird, principalmente. Ortiz fue, aparte de cantante solista, un destacado guitarrista, pero hay pocos datos biográficos de él. El investigador musical Óscar Berruecos Uribe señala que Abundio Ortiz era una voz que decía las canciones como su admirado Agustín Lara, de quien interpretó y grabó muchas canciones en esa década de los treinta. Desde la opinión del equipo de Hasta que el cuerpo Aguante, su tono recuerda mucho aquella antigua voz del trovador peninsular Octavio Mas Montes. Abundio Ortiz se hace acompañar en algunos discos con una o dos guitarras, pero en otros más el acompañamiento musical incluye violín y piano. Aparte de interpretar a Agustín Lara, Abundio Ortiz cantó también temas como “Agua le pido a mi dios”, “El limoncito”. El caimán”, “A lo macho”, “El borlote”, “Tanto he sufrido” y otras, así como algunos boleros de Gonzalo Curiel y Rafael Hernández, entre otros. Por su parte el cantante campechano Octavio Mass Montes u Octavio Max Montes nació en Ciudad del Carmen, Campeche, el 2 de noviembre de 1889 y falleció en la ciudad de México hacía 1970. Escribe Don Luis Pérez Sabido en su Diccionario de la Canción Popular en Yucatán que Max Montes fue un trovador y compositor que formó parte de los trovadores yucatecos avecindados en la ciudad de México. Improvisa letras que él mismo musicaliza y da a conocer en rondas nocturnas como parte de su trabajo serenatero. En diciembre de 1932, acompañado de su guitarra, graba en San Antonio, Texas, para el sello Brunswick varias canciones cuya paternidad se atribuye como “Magia del amor”, “Manitas de terciopelo”, “Estatua de mármol” y “Mujercita oriental”. Foto tomada del Libro Bolero: Historia documental por Pablo Dueñas

10. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la segunda parte de la semblanza de Pepe Jara, a través de una conversación con la hija del cantante, Rosario Jara Velázquez. Después de que se disolvió el Dueto Miseria, que hizo con Gilberto Valenzuela, Jara se convirtió en el mejor intérprete de la obra musical del compositor oaxaqueño Álvaro Carrillo. Pepe decía que las mujeres le podían fallar, pero su guitarra nunca, por eso la consideraba su más fiel compañera. Pepe Jara fue amigo de Pedro Infante, Amparo Montes, así como de los escritores Octavio Paz, Gabriel García Márquez y Carlos Fuentes. Estos últimos quizás le inspiraron para que publicara un libro de memorias titulado "El Andariego", en el cual cuenta su vida y sus anécdotas. Pepe Jara fue una enamorado, se casó en tres ocasiones, primero con la joven Socorro Velázquez Jaime, después con la comediante y actriz Leonorilda Ochoa y al final con la señora Silvia Hermosillo, que fue quien la acompañó hasta el final de sus días. El cantante no tenía miedo a la muerte, decía que ésta le "pelaba los dientes", por eso era como una buena amiga; más cuando ya la había visto de cerca en tres ocasiones, debido a accidentes aéreos que sufrió. El primer percance fue a bordo de un avión fumigador; el segundo, en una avioneta, y el último, cuando estuvo en mayor peligro, fue en Guadalajara, Jalisco, acompañando a un diputado que lo invitó a volar en su avioneta. Pepe Jara, El trovador solitario, falleció el 30 de julio del 2005, en la ciudad de México, a la edad de 77 años.

11. En La cadena del recuerdo presentaremos la leyenda de Joaquín Murrieta, figura legendaria en California durante la Fiebre del oro de la década de los años de 1850. De uno u otro modo, para algunos activistas políticos su nombre ha simbolizado la resistencia latinoamericana ante la dominación económica y cultural de los angloparlantes en las tierras de California. La historia de Joaquín Murrieta es legendaria y popular, es la audacia y la dignidad de los despojados del suelo y sus derechos. Tradicionalmente, se asegura que Joaquín Murrieta llegó a California en 1850 para buscar fortuna durante la fiebre del oro. En vez de oportunidades, encontró racismo y discriminación; primero por la aprobación de la ley que obligaba a pagar un alto impuesto a los mineros de origen latinoamericano que laboraban en las minas californianas y, después, por la violación y asesinato de su esposa. Algunos lo hacen chileno, Pablo Neruda, en su obra Fulgor y muerte de Joaquín Murrieta, apuntaba que Murrieta era chileno. Otros lo nombran como mexicano de Sonora. Una de las grabaciones del Corrido de Murrieta más bien logradas se debe a Los Madrugadores de Don Pedro J. González, agrupación originaria de Los Ángeles, California que en el mes de septiembre de 1934 llevaron al disco ese corrido en viejos discos de 78 rpm.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 26 de JULIO de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa