MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 30 DE SEPTIEMBRE DE 2016

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 30 DE SEPTIEMBRE DE 2016

* Netty y Jesús Rodríguez, dueto texano que ridiculizaba la mezcla del idioma inglés y español

* Eduardo Alexander y sus bromas en un puesto de migración
* Además, la voz cubana de tango Manolo Fernández. La aristocrática orquesta de Juan  García Medeles. Joaquín Pardavé nació hace 116 años. Canciones de María Alma con diferentes voces. Hace dos semanas murió Jorge Fernández. Las voces del Trío del Mar.
* En la Cadena del recuerdo, el joropo y en la sección Una canción colombiana para el mundo la pieza “Antioqueñita” en versión de Los Panchos

1. En la sección La carpa y gracias a la aportación del coleccionista Luis Jaime Chapa, recordaremos a Netty y Jesús Rodríguez. Este Dueto, originario de México, pero afincados en Texas, llevaron al disco una gran cantidad de diálogos cómicos y uno que otro corrido para los sellos Bluebird y Vocalion en la ciudad de San Antonio, Texas en los años treinta. Netty y Jesús Rodríguez fueron artistas integrantes del teatro de vodevil inmigrantes más duraderos en Texas.  Netty y Jesús Rodríguez ridiculizaron en sus grabaciones y actuaciones la mezcla de idiomas que se hacía de inglés y español entre las comunidades de mexicanos en Estados Unidos. Las grabaciones fueron realizadas durante la depresión de los treinta. Algunos de los títulos de sus discos nos dan una idea de lo que se trataba en esos diálogos: La Ponchada, Me caí gordo, Mis veinte mujeres, La arrejuntada, La viuda, La fritanguera, Pos no le etino, Señora vaca, Tú la traes y otros más.  Ernestina (Netty) Edgel de Rodríguez y Jesús Rodríguez Valero llegaron a San Antonio a mediados de la década de 1910. Marido y mujer, dúo cómico, eran pilares de una vibrante industria de entretenimiento en español en San Antonio durante la década de 1910 y 1920. Jesús nació en 1900 en Concepción del Oro, Zacatecas, mientras que Netty nació en un año desconocido en Mazatlán, Sinaloa.  La familia de Jesús Rodríguez se vio obligada a irse a San Luis Potosí debido a problemas políticos. El jefe de familia, dueño de una mina en Concepción del Oro, también llamado Jesús Rodríguez, murió y la madre, Esther, con su nuevo esposo, Raimundo Heredia cruzaron luego a Texas el 31 de octubre de 1916, para unirse a los primos que ya vivían en San Antonio. (Con datos de Peter C. Haney, Department of Latin American Studies, University of Kansas, Foto: Arhoolie).

2. Este viernes presentaremos interpretaciones con el cantante Eduardo Alexander. Según el libro “Tras bambalinas”, escrito por el regiomontano Manuel Treviño Salinas, en el que se incluyen diversas anécdotas de figuras de la farándula, el autor destaca una anécdota contada por el representante y empresario Ventura Cantú Santiago, quien afirma que finales de los años cincuentas andaba de gira artística por el estado de Baja California, entre ellos iba también el cantante Eduardo Alexander: “Tratamos de pasar a Estados Unidos por la aduana de Caléxico, pero ya eran las 9 de la noche y la aduana estaba cerrada, y abriría hasta otro día a las 8 de la mañana, decidimos entonces ‘matar el tiempo’ en Mexicali, pero a muchos se nos hizo de madrugada y sólo dormimos un rato. Al otro día ya con las huellas de la desvelada reflejada en el rostro, los artistas nos reunimos en la aduana para intentar pasar al otro lado nuevamente. El oficial de migración estadounidense al vernos dijo: ¿mucha pachanga, nouuu? Respondimos que sí y volvió a preguntar ¿Traer tequila? A lo que Eduardo Alexander respondió en un tono sereno y sarcástico: ´No, sólo marihuana´, lo que provocó la carcajada del oficial de migración, y luego dijo pasen. Cuál sería nuestra sorpresa que al llegar Los Ángeles, California, cuando descubrimos que, efectivamente, Eduardo Alexander traía una buena cantidad de esa hierba. Bendito sea Dios que el oficial de la aduana lo había tomado a broma”.

3. Sobre el cantante cubano de tangos Manolo Fernández, Ricardo García Blaya dice que es el clásico cantor de aquella década dorada de la que surgieron los mejores vocalistas. Es a tal punto arquetípico, que un desprevenido oyente, por la coloratura de su voz y su fraseo, podría confundirlo y creer que se trata de un porteño. Uno de los rasgos principales es su “media voz”, además de su fraseo delicado y su gran afinación. Tiene recursos sonoros, yeite y un timbre de tenor brillante. Según datos de Cristóbal Díaz Ayala, Manolo Fernández debutó en 1936, en el programa radial de aficionados La Corte Suprema del Arte, ganando el primer premio. Comenzó cultivando los géneros españoles pero el tango era su verdadero aire y cantándolo hace su debut profesional en 1941, por la emisora radial CMQ. Todo el Caribe le tiene querencia al tango —especialmente si viene en acento tropical— y no le fue difícil a Manolo llevar su arte a México, en 1944, y a Caracas en varias ocasiones. Por su forma de ser, siempre correcta, se le conocía como El Caballero del Tango. Durante muchos años, fue artista exclusivo de una de las emisoras más importantes de Cuba, Radio Cadena Suaritos, combinando tangos y el repertorio sentimental hispanoamericano. Nació el 4 de octubre de 1922 y falleció el 2 de junio de 1988. Este viernes lo escucharemos en la sección Rinconcito Arrabalero a 94 años de su nacimiento. (Con información tomada de todotango.com).

4. Durante los años cincuenta destacó en el escenario de diversos centros nocturnos de la ciudad de México la orquesta de Juan García Medeles, llamada también la Aristocrática orquesta de García Medeles. En su blog sobre música sin final, Ricardo y Alejandro Martínez Arreola, destacan que en los años cincuenta y en el tema de las orquestas existentes, como olvidar a un Arturo Nuñez, a un Kiko Mendive, un Acerina, a Ramón Márquez, a Pepe Castillo y su orquesta “Charleston”,un Absalón Pérez, al Son Clave de Oro, a Benny Moré “El Bárbaro del Ritmo”, a Mario Ruiz (padre de Mario Ruiz Armengol), a Pérez Prado, a Enrique Byron, a Paco Treviño, a Daniel Pérez Castañeda, a la Marimba Orquesta de los Hermanos Domínguez, a Roy Carter, a “El Millonario” Pablo Beltrán Ruiz, a Noé Fajardo el “Hombre Orquesta” , a José Sabre Marroquín, a Rafael de Paz, a Venus Rey, a Chucho Rodríguez, a Gonzalo Curiel y su Escuadrón del Ritmo que tuvo entre sus filas al trompetista Chino Ibarra y al compositor Alberto Domínguez al que Glenn Miller definió como El musicalizador de la Segunda Guerra Mundial por su canción Perfidia, a la Orquesta de Solistas de Agustín Lara fundada en los años treinta, antes llevaba el nombre de el Son de Marabú, en su formación estuvieron; el violín de Aguilita (hermano de Paz y Esperanza), el trompetista y posteriormente director de orquesta Alejandro Cardona, el trompetista Chino Ibarra, el organista y arreglista Chucho Ferrer, el violinista y director de orquesta Pepe Landeros, como no recordar a Juan García Medeles y su orquesta “Aristocrática”, a comienzos de los años sesenta la Orquesta de Ingeniería, o aquellos conjuntos con inclinaciones marcadamente jazzísticas; Chucho Zarzosa, Mario Patrón, Chilo Morán, Héctor Hallal “el Árabe”, al Quinteto Fantasía de Luis González, Tino Contreras entre muchos otros, seguramente amigos, ustedes seguirán aumentando la lista. (Con información de www.musicasinfinal.blogspot.com).

5. Hace 116 años, el 30 de septiembre de 1900, nació Joaquín Pardavé. Como sabemos nació en Pénjamo, Guanajuato. Vivió en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, entre 1916 y 1917; todo el demás tiempo en la ciudad de México. Su carrera de actor la inició muy pequeño, ya que sus padres lo sacaban en brazos al escenario. Su primer papel lo obtuvo a la edad de cuatro años en la obra “La Cara de Dios”. Como compositor comenzó a escribir cuando contaba con dieciséis años de edad, fue el mismo año en que falleció su madre. Joaquín dejó los estudios para trabajar y sostener a sus hermanos. En esos días compuso “Mi Carmen”, para su novia. En 1925 conoció a Soledad Rebollo, tiple del teatro donde trabajaba, contrajeron matrimonio ese mismo año. Escribió para ella canciones como: “Plegaria”, “Bésame en la Boca”, “Negra Consentida”,  “Cholita” y otras. Joaquín Pardavé ingresó al cine con la película “Jalisco Nunca Pierde”. Intervino en 105 cintas, de las cuales dirigió veinticuatro. Fue actor, compositor, pintor, escritor de obras de teatro, así como de argumentos cinematográficos. En su juventud jugó fútbol, formando equipo con Roberto Soto hijo y Fernando Soto “Mantequilla”. El 20 de Julio de 1955 murió Joaquín Pardavé, víctima de una embolia cerebral por exceso de trabajo, participaba en dos películas de manera simultánea y en la obra de teatro “Un Minuto de Parada”.

6. En la nueva sección del programa “Una canción colombiana para el mundo”, el amigo y coleccionista Alberto Cardona Libreros, nos hablará, desde Bogotá, sobre la canción “Antioqueñita”, en versión del trío Los Panchos. “Antioqueñita” es uno de los bambucos más conocidos de Colombia y la pieza musical emblemática del departamento de Antioquía. La letra fue escrita por Miguel Agudelo y la música por el famoso compositor Pelón Santamarta, un sastre y músico de Medellín cuyo nombre original era Pedro León Franco. Santamarta fue el máximo difusor del bambuco y del uso del tiple, tanto en Colombia como en el extranjero. Formó varios duetos y tríos hasta que con otro compañero sastre formó un dúo (Pelón y Marín) que popularizó el bambuco en México. Además de México, el dueto difundió su música en numerosas giras por Jamaica, Cuba, Honduras y Guatemala. Tras el matrimonio de Adolfo Marín, el dueto se desintegró. Después de conformar uno nuevo con Luis Felipe Moreno, al poco tiempo también éste contrajo matrimonio y Pelón Santamarta se quedó entonces solo. Pelón regresó a Medellín, donde se dedicó a trabajar como cantinero, a componer, y a cantar para sus amigos.. Tras la disolución del dueto, Santamarta volvió a Medellín, donde trabajó como cantinero y continuó haciendo música. Fue en ese entonces cuando compuso “Antioqueñita”, que terminaría siendo su legado más recordado. Pues  Santamarta  murió en un asilo de ancianos de Medellín en 1952, olvidado y sumido en la más espantosa miseria.

7. En su página de facebook, el pasado 11 de septiembre de 2016, el cantante y productor radiofónico Rodrigo de la Cadena destacó lo siguiente: “Me acabo de enterar del sensible fallecimiento de mi gran amigo, el maestro Jorge Fernández. Uno de los últimos intérpretes de Agustín Lara, quien recientemente recibiera el premio Leyenda del Bolero hace apenas unas semanas en el marco del Festival Mundial del Bolero en el teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Descanse en paz mi amigo, compañero de tantas horas”. En un artículo de la agencia Notimex publicado en el Diario El Universal, apenas el pasado mes de marzo de 2015, el cantante Jorge Fernández recordaba “"Yo estudiaba la carrera de Ingeniería y como me gustaba cantar, me animé a concursar en el programa ‘La hora del aficionado' de la XEW.  La final se llevó a cabo en el Cine Alameda, participé con el tema ‘Noche de ronda' y gané el primer premio. A partir de ese momento, me hice popular y grabé discos", relató Fernández.  Su talento y tesitura de voz llamó la atención de "El Flaco de Oro", quien en poco tiempo lo invitó a formar parte de su espectáculo. Viajamos a La Habana y a infinidad de países". Sin embargo, para un espectáculo en Cuba acudí con el sastre de mi padre para que me hiciera un traje a la medida. "Optamos por un smoking negro y ese día, tanto la orquesta como Agustín habían elegido salir de blanco para aguantar el calor de Cuba, de modo que con mi smoking yo resaltaría más que todos. "Cuando Agustín me vio de lejos, me obligó a cambiarme. Yo le respondí que ya era mi turno de cantar y me dijo: ‘que primero pase Consuelo Vidal, tú te pones otra cosa porque pareces mosca en leche', y entonces, me regresé al camerino", relató. El llamado "Músico poeta" tenía carácter fuerte, dijo, pero ellos siempre se llevaron bien.

8. De aquellos programas de la Coca Cola de los años cuarenta presentaremos dos interpretaciones con la participación del trío del Mar: “Bonito Montemorelos” y “Nochecita”.  Las voces maravillosas de la radio, es el nombre artístico que se les aplicó con toda justicia a Emma y Aurora del Mar, así como a María Luisa Landín, quienes conformaron este trío de fugaz duración. Escribía Jorge Miranda en los años ochenta que las hermanas recién se habían retirado y se concentraron en la vida familiar y platicaban lo siguiente “Nosotras nacimos en Guadalajara, pero muy pequeñitas nos trajeron a la ciudad de México, nuestra mamá tenía una bella voz de soprano. A nuestro papá le gustaba tocar la guitarra en la tarde, llegaba de su trabajo, se ponía ropa de descanso, tocaba y mientras mamá se ponía a cantar. Claro que el oído se educa y a nosotras nos creó la aspiración por ser artistas algún día, estudiamos en colegios de monjas donde se nos enseñaban cantos religiosos y coros que nos educaron la voz. Después, Tata Nacho se maravillaba cuando él daba un acorde y nosotras inmediatamente captábamos la armonía y sacábamos la primera, segunda, tercera y cuarta voz, nada mas con un arpegio. En 1942, al desintegrarse el dueto de María Luisa y Avelina Landín, María Luisa se unió a nosotras para formar el Trío del Mar. Nos contrataron para los programas de la Coca Cola. Fuimos las primeras en ganar sueldos fabulosos e iniciamos los programas de costa a costa. Ahí alternamos con Néstor Mesta Chayres.

9. En el año 2015, con motivo de los 100 años del nacimiento de la cantante y compositora regiomontana María Alma, su hija Mirza Maldonado recordaba que María Alma desde pequeña vivió rodeada de música, porque su madre, Estela Ríos, cantaba óperas a Porfirio Díaz, motivo por el cual se comprende que su vocación como compositora se diera desde los 12 años. Myrza comentó que su madre se enfrentó a diversos problemas para cantar, porque su abuela no le daba permiso, "por lo que en ocasiones tenía que escaparse de su casa e incluso tuvo que cambiarse el apellido". La también intérprete dijo que en 1942 María Alma se casó en la ciudad de Cárdenas, San Luis Potosí, con el pianista, arreglista y compositor Fernando Z. Maldonado, a quien como regalo de bodas y para demostrarle su amor le compuso “Tuya soy” y “Culpable”. Agregó que la primera parte de la vida de su madre fue triste, "ya que quizá estuvo enamorada de un hombre que no le correspondió o le falló" y de ahí la inspiración para crear algunas de sus composiciones más destacadas, entre ellas “Compréndeme” y “Perdí el corazón”. Myrza comentó que todas las canciones de María Alma fueron interpretadas de forma romántica, agradable, rica y acariciante y creadas con su guitarra, escritas en hojas y luego armadas con el piano de su padre, Fernando Z. Maldonado. Finalmente, compartió el recuerdo de que su madre murió "en pleno éxito", por leucemia, y casi en los brazos de Consuelo Velázquez. Este viernes presentaremos tres canciones de María Alma en diferentes voces. (Con información de Dany García en www.argonmexico.com). Foto tomada del facebook de María Alma).

10. Uno de los corridos más importantes y conocidos en la música mexicana es “El corrido de Zenaida”, el cual presentaremos en la sección Rincón Norteño en versión de Los Madrugadores de Don Pedro J. González, llevado al disco en dos partes para el sello Vocalion el 24 de abril de 1935, con la participación de  los Hermanos Sánchez y F. Linares.  Don Pedro J. González fue un personaje interesante de la historia de la música fronteriza,  su vida se caracterizó por ser revolucionario villista, músico y compositor, locutor pionero, activista social y desarrollador urbano. Después de participar en l movimiento revolucionario en México, en 1927 Pedro tomó a su familia y se la llevó a radicar a Los Ángeles, California, encontrando trabajo como cargador en los muelles de San Pedro. En una ocasión oyéndolo cantar en el muelle, alguien le recomendó que incursionara en la radio, lo cual hizo al poco tiempo empleándose en la KMTR anunciando en español el café Folgers con tal éxito que le fue asignado un programa en el turno de 4 a 6 de la mañana. Este programa lo complementó González con música del grupo que formó llamado “Los Madrugadores” y que interpretaba las canciones que él mismo componía siendo algunas como “Sonora Querida” y “Mañanitas Tapatías”. Su popularidad era tan grande que al presentarse en salas de espectáculos la gente se quedaba fuera al venderse la totalidad del boletaje. (Con datos de Gabriel Rivera y Flavio Ramos en http://tijuaneo.com).

11. En la Cadena del Recuerdo, Juan Carlos Álvarez Echeverry, nos hablará del joropo, un género musical y danza tradicional de Venezuela y Colombia. Su diversidad se manifiesta en distintas tipologías subregionales. Entre ellas cabe mencionar el joropo oriental, el joropo central (con algunas especificidades como el joropo tuyero, el joropo mirandino o el joropo aragüeño), el joropo andino y el golpe larense en Venezuela; además del joropo llanero, propio de los Llanos colombo-venezolanos. En Venezuela existen además importantes variantes que fusionan elementos de los tipos antes mencionados, con desarrollo de particularidades estilísticas, como es el caso del joropo guayanés, joropo guaribero o cordillerano, joropo horconiao y joropo urbano. Para los cultores de las zonas rurales, la palabra designa más a la fiesta o evento bailable, que a la música o la coreografía propiamente dichas. Para designar estos elementos utilizan términos mucho más específicos, como corrido, pasaje, golpe o revuelta en el caso de la música, y valsiao, zapateao o escobillao para el caso de la danza.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 30 de SEPTIEMBRE de 2016 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.