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lunes, 30 de septiembre de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 04 DE OCTUBRE DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 04 DE OCTUBRE DE 2019
* Oiremos canciones como solista y en dueto de Chelo Tovar, cantante ahora desconocida 
* Hace 30 años falleció el compositor Pedro Galindo
* Además, las voces peninsulares de Mario Gil, las Dos Marías y el dueto Marrero y Salazar. Tres boleros del compositor argentino Don Fabián. Con ritmo, el Dueto Antillano cantará con la orquesta de Arturo Núñez. Oiremos la voz de Chabela Durán, la arrebatada intérprete de Lara
* En la sección Ay Jalisco no te rajes, segunda parte de la semblanza de Leo Marini, y en la Cadena del recuerdo, semblanza de Olga Guillot, a 97 años de su nacimiento

1. Este viernes en Hasta que el cuerpo aguante escucharemos diversas mujeres boleristas como Chelo Tovar. Durante los años treinta y cuarenta destacaron las voces de cantantes boleristas que hoy prácticamente están olvidadas, tal es el caso de Chelo Tovar, de quien se destaca también su participación en el cine en el filme “México lindo”, del año de1938, dirigido por Ramón Pereda, con la actuación estelar de Adriana Lamar, en el que también participan las Cuatitas Herrera; y también podemos encontrar la participación como cantante de Chelo Tovar en la versión de “Santa”, filmada en 1943, dirigida por Norman Foster y Alfredo Gómez de la Vega , con la participación estelar de Esther Fernández, José Cibrián  y Ricardo Montalbán, con el apoyo musical de Gonzalo Curiel y Mario Ruiz Armengol. Desgraciadamente hay pocos datos biográficos de esta cantante, pero se sabe que tuvo una gran activada artística en los nacientes años de la radio en la década de los años treinta.  Hoy también son pocas las grabaciones que podemos disfrutar con su voz. En nuestra fonoteca poseemos solo un disco de 78 rpm en el que Chelo Tovar cantó acompañada de la agrupación de los hermanos Domínguez La lira de San Cristóbal. El disco del sello Victor incluye los boleros “Eternamente” y “A media noche”, del compositor chiapaneco Alberto Domínguez. Llegó a grabar también acompañada de Pepe Gutiérrez con los charros de Atotonilco las canciones “La Estampilla” y “María, María, Mariquita mía”, para el sello Bluebird. José Guadalupe Chávez Pedraza en su columna del diario El Sol de Morelia, afirma que los escenarios del bolero fueron el teatro de revista, carpa, teatro de variedades, radio, cine y televisión, sin faltar los arrolladores centros nocturnos y también los burdeles, son los tablados que ha pisado el bolero. Cada uno de ellos con su historia en el medio realizó momentos inolvidables, nombres que se deben inscribir con letras mayúsculas, entre los que destacaron Chelo Tovar, cantante, actriz y mujer de gran temperamento. (Foto de Chelo Tovar tomada del libro Bolero. Historia gráfica y Documental, Pablo Dueñas, Asociación Mexicana de Estudios Fonográficos).

2. Este viernes también presentaremos sendos bolerazos en la voz del cantante yucateco Mario Gil, se trata de grabaciones como “No te preocupes”, de Federico Baena y “Una Copa más”, de Alfredo Gil. Sin duda Mario Gil es una de las voces poco recordadas del bolero, quien destacó en los años cuarenta, su nombre completo era Mario Gil Ojeda. Según datos aportados por Luis Pérez Sabido, Mario Gil nació en el barrio de San Cristóbal de la ciudad de Mérida, Yucatán, el 12 de noviembre de 1922. Se inicia como cantante de la orquesta de Ernesto “El Pelón” Riestra; cautiva al público con su hermosa voz de barítono y su estilo personal. En la XEB, hace presentaciones en programas del Cancionero Picot. En 1943, canta y actúa en la película mexicana De Nueva York a Huipanguillo, dirigida por Manuel R. Ojeda. Mario Gil realizó varias giras tanto a Cuba como a los Estados unidos. En agosto de 1949 hace una temporada en Madrid, en los centros de baile Parque Florida y Villa Romana, alternando con la cantante francesa Nicole Rey y la mexicana Esmeralda. En 1952 hace una gira por varios países de Europa. De allí se embarca a América del Sur para hacer presentaciones en Buenos Aires, Santiago de Chile y Lima, Perú. Retorna México por breve tiempo y otra vez viaja a Nueva York donde obtiene nuevos éxitos. En la XEW actúa en el estelar Conga Sabatina alternando con la orquesta del compositor boricua Rafael Hernández. En Nueva York actúa durante siete meses consecutivos en el Teatro Love State de Broadway, acompañado por la famosa orquesta del puertorriqueño Noro Morales, con la que graba en sello Decca, en 1949, México canta, de María Grever.

3. En la voz de la cantante Chabela Durán escucharemos algunos boleros. Recordemos que Chabela Durán fue madre de una de las esposas de Agustín, Rocío Durán. Al hablar de esta intérprete, en el libro Mi novia la tristeza se destaca que “Chabela Durán era una intérprete veracruzana que había comenzado a cantar desde finales de los años treinta, pero no había conseguido programas de radio ni lugares para actuar en los cuales pudiera destacar su voz. De todas las intérpretes de Lara, sólo Elvira Ríos se podría comparar con el carácter arrebatado de Chabela Durán. Para esta voz tan inmensa, Lara compuso el tema El mar, el cielo y tú. Este tema era como un vestido cosido a la medida de Chabela y la prueba es que nadie ha podido mejorar esa interpretación. Desde los agudos en los que comienza esta canción, y que Chabela dominaba bien, hasta los graves en los que Chabela arrastraba la voz, la personalidad de esta cantante se extendía y dominaba.” Chabela, junto con su hija Rocío, frecuentaba a Agustín Lara para ensayar su repertorio. Chabela llevaba a Rocío, entonces de 9 años, y saludaba Agustín como papá o papi. Agustín pensó que su primera esposa estaba muerta y decidió casarse con Rocío en España. Su enlace matrimonial fue celebrado en la cripta de la iglesia de la Virgen de Guadalupe, que aún no estaba terminada. El matrimonio provocó que Chabela rompiera relaciones con su hija. El resultado de la unión no se hizo esperar; la diferencia de edades, cuarenta y tantos años, hizo que sobreviniera la separación. Además, la Chata Zozaya aún no le había otorgado el divorcio. (Foto de Chabela Durán: Cortesía Luis Jaime Chapa).

4. Siguiendo con boleros, de los cuales estará colmado este programa, presentaremos tres de las más famosas composiciones del argentino Domingo Fabián, más conocido como Don Fabián, quien nació el 11 de marzo de 1915 en Córdoba, Argentina. Su nombre real era Domingo Fabiano Monferrato. Profesor de teoría, solfeo, armonía y contrapunto. Realizó estudios de piano en el Instituto Superior de Formación Musical de Córdoba. En su adolescencia, alentado por su señora madre, aprendió a tocar el piano, y actuaba en centros nocturnos. A muy temprana edad comenzó a tocar música en vivo para películas mudas en cines. Más tarde se unió a la orquesta "Los Diablos Rojos" dirigida por Vicente Saturnini. Don Fabián solía actuar en el antiguo Hotel Eden en La Falda (un pueblo ubicado en las montañas de Córdoba). En 1940 se radica en Buenos Aires, actuando en varias orquestas, por ultimo pasa a dirigir la orquesta de Radio El Mundo. En 1945, compone “Dos Almas”; en 1946, “Cobardía”; y en 1947, “Sin tí”, éxito que canto Hugo Romaní. Durante su estancia en Buenos Aires también compuso música de Jazz, Tango y Pop. Formó su propia agrupación llamada “Don Fabián y su trío vocal”, muy exitoso a fines de los cuarentas y principios de los cincuentas. Fue Director de la Orquesta Sinfónica Estable de Radio El Mundo entre 1946 y 1955. Es autor de clásicos de la canción popular como “Dos almas”, “Cobardía”, “Corazón de Dios”, “Secreto” y “Cumbia que vas de ronda” (Primer Premio Canción Melódica en Colombia). Éstas son sólo algunas de sus más de 70 obras grabadas en toda América Latina. Falleció en su ciudad natal en el año de 2001, la edad de 86 años.

5. Pedro Galindo Galarza murió hace 30 años, el 8 de octubre de 1989. Había nacido en la Ciudad de México el día 16 de agosto de 1906. Trovador huasteco que compuso canciones en casi todos los géneros; desde música ranchera hasta boleros. En 1933 formó el grupo Los Trovadores Chinacos junto con los hermanos Castillo. Pedro Galindo también fue productor, y actor de la época del cine de oro, mexicano, compartiendo escenarios con grandes personajes como María Félix, Emilio El Indio Fernández, Pedro Infante y Pedro Armendáriz, entre otros. Algunos títulos de sus películas como productor son: Al son del mambo, Juan Charrasqueado, El derecho de nacer, Cantando nace el amor, Carabina 30-30, Romeo contra Julieta, por citar sólo algunas. En el campo de la actuación participó en Doña Bárbara, Soy puro mexicano, Los de abajo y muchas otras. La Malagueña, canción que Pedro Galindo creó en coautoría con Elpidio Ramírez Burgos, ha sido uno de los temas más reconocidos mundialmente. Otro tema importante de Galindo es Virgen de Medianoche, que hiciera famoso Daniel Santos; esta canción forma parte de la cinta sonora de la película mexicana Mujeres Insumisas. Su canción Viva México, es una de las más interpretadas el 16 de septiembre y eventos patrióticos; cabe recalcar la pasión que este compositor sentía por sus raíces y su tierra.

6. Este viernes presentaremos tres temas con la orquesta de Arturo Núñez interpretados por el Dueto Antillano de Benny Moré y Lalo Montané. Arturo Núñez, llamado El Caballero Antillano, quien nació en Matanzas, Cuba hace 106 años, el 4 de octubre de 1913, y falleció en la Ciudad de México en 1981. Arturo Núñez fue pianista, director y compositor. Dice Cristóbal Díaz Ayala que Núñez estudió en el Conservatorio Carnicer, en La Habana. Trabajó como pianista en el Teatro Alhambra y con varias orquestas. Se trasladó a México en busca de mejores oportunidades en 1940 o 1941, y formó su orquesta para tocar en el cabaret El Patio. La integraban varios músicos cubanos residentes en México, como Domingo Vernier “Mango” flauta; Kiko Mendive, cantante; Arsenio Núñez, bajo; Che Toledano, tumbadora y Aurelio Tamayo, “Yeyo”, timbales; completaban el grupo los mexicanos Nacho Soriano, trompeta y Alejandro Torres, sax y clarinete. Después llegó a tener su propio cabaret. Fue el primer grupo, o el segundo, con que grabó Benny Moré en México. Era muy considerado en el medio artístico, le llamaban El Caballero Antillano. Grabó para el sello Columbia y otros. Su hijo, Arturo Núñez González afirma que en los años cuarenta, en su padre surge el deseo de crear raíces en México al contraer matrimonio con la compañera de toda su vida, su madre, Luz María González y de que sus hijos nacieran en tierra azteca, culminando años más tarde cuando le fue otorgada oficialmente la nacionalidad mexicana. Alguna ocasión respondió a un periodista de esta manera: “Cómo no voy a sentirme de aquí, si mi esposa y mis hijos son mexicanos. Si a México y al apoyo de mi público mexicano, que me adoptó como uno más de esta bendita tierra, le debo lo que soy, tal vez no sería nada si no me hubiera quedado aquí”.  (Con información de musicasinfinal.blogspot.com).

7. Este viernes presentaremos dos grabaciones que son verdaderos garbanzos de a libra, se trata de un dueto muy antiguo conformado por el yucateco Carlos Salazar y el campechano Ricardo Marrero. Según datos aportados hace unos años por Ramiro Palacios de León (QEPD), productor del programa Memorias musicales de Frecuencia TEC 94.9 FM de Monterrey, Carlos Salazar fue muy conocido en Monterrey, lugar a donde llegó en 1957 y conformó varios tríos, entre ellos Los Faisanes con Pedro Fernández Traba y Marco Antonio Patrón. En Monterrey, Carlos Salazar pasó sus últimos años de vida y murió en 1969. Como maestro de guitarra era conocido como “El Maestro Carlitos Salazar”. En esa ciudad norteña hizo época entre todos los amantes de la trova regiomontanos. Mientras tanto, según datos de Luis Pérez Sabido en el Diccionario de la Música Popular en Yucatán, Ricardo Marrero nació en 1909 en Campeche y falleció en la ciudad de México en 1979. Inició su carrera en 1925 formado parte del Quinteto Yucatán, al lado de Sergio Pérez, Carlos Salazar, José Garrido y Arturo Larios. También forma parte del Trío Maya. En año de 1929, cantando a dúo con Carlos Salazar, grabó el bambuco “Para tí”, compuesto por Carlos Salazar y grabado por Marrero y Salazar en Laredo, Texas en el mes de noviembre de ese año para el sello Víctor. Ricardo Marerro fue pionero de la radio ya que se inició como solista en la emisora XEFO de la Secretaria de Educación Pública en la ciudad de México. En 1933 trabajó en la XEB, la estación del buen tono, y también laboró en teatros al lado de Agustín Lara, Toña la Negra y Margarita Carvajal. (Imagen tomada de http://frontera.library.ucla.edu/frontera-search).

8. En la sección La Carpa escucharemos dos temas jocosos en las voces de las legendarias dos Marías. Las cantantes mexicanas María del Rosario “Charito” Ortega y María Luisa Canales conformaron en los años treinta el dueto Las dos Marías. De acuerdo con datos del coleccionista Don Pablo Gastelum ellas eran originarias del estado de Yucatán, aunque no hemos confirmado ese dato. Las Dos Marías grabaron una gran cantidad de discos de 78 RPM con gran diversidad de géneros como boleros, corridos, rancheras e incluso ritmos sudamericanos como pasillos. Fueron conocidas en algunos países sudamericanos, particularmente en Colombia. Charito Ortega también grabó como solista. Destaca por ejemplo su composición del boleo “Niégalo”. Asimismo, en la sección Un tema mil versiones, escucharemos tres canciones dedicadas a la región de los Altos de Jalisco, específicamente una de ellas a San Miguel el Alto. Se les llaman Los Altos por su altura al nivel del mar que va desde los 2,005 metros de San Julián a los 1,800 de Teocaltiche (alturas promedio). El nombre de los “Altos de Jalisco” data aproximadamente de finales del siglo XIX, y tal denominación se extendió durante la guerra civil religiosa (1926-1929), cuando había que referirse con frecuencia a esta región de Jalisco. Algunos pueblos de la región llevan el apellido de “el Alto”, como San Miguel o Atotonilco. Quien originó el nombre de Los Altos fue Andrés de Villanueva, encomendero de Atotonilco y dueño de numerosas tierras pertenecientes actualmente al municipio de Arandas, quien citaba frecuentemente sus propiedades conocidas por la Real Audicencia como “Los Altos de Villanueva”. Ya en el siglo XX se popularizó el término “alteño” vocablo de real y auténtico significado geográfico e histórico. (Imagen tomada de http://frontera.library.ucla.edu/frontera-search).

9. Para recordar a la cantante Olga Guillot, a 97 años de su nacimiento, ocurrido en Santiago de Cuba, el 9 de octubre de 1922, escucharemos una semblanza en la Cadena del recuerdo. Olga Guillot murió en Miami, el 12 de julio de 2010. Fue nombrada “La reina del bolero”, cantó junto a Frank Sinatra y Edith Piaf. En los años sesentas, luego de la Revolución cubana, se asentó primero en Venezuela y luego, en México y Miami, donde permaneció hasta su muerte. Formada en las disciplinas del baile y el drama, Olga Guillot estudió canto en el Conservatorio de La Habana con la soprano Hortensia Cohalla y el cantante Mariano Meléndez; también, en la década de 1930, cantaba generalmente durante las reuniones familiares y algunos programas radiofónicos. Comenzó cantando tangos, influenciada por Libertad Lamarque y Mercedes Simone. En los años cuarenta, la vocalista formó parte del cuarteto Siboney, dirigido por la compositora Isolina Carrillo y cuyo pianista, Facundo Rivero. Guillot contrajo matrimonio con el periodista y politólogo cubano Ibrahim Urbino, después con el actor Alberto Insúa (1926-2003) y más tarde con el compositor y pianista René Touzet (1916-2003), con quien tuvo a su única hija: Olga María, que se dedicó a la misma profesión que su madre. En 1946 estrenó el bolero “La gloria eres tú”, de José A. Méndez, y ese año grabó para Panart la versión en español de la melodía norteamericana “Stormy Weather” (Lluvia gris, en español), con la que logró su primer éxito discográfico.  En el mismo año, debutó en la emisora de radio 1010, a la que le siguieron sus actuaciones en Coco, RHC-Cadena Azul, Radio Progreso, etc.

10. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la segunda de dos partes de la semblanza de un invitado internacional: Leo Marini. Nos comenta Alberto Ramírez que, en el año 1948, Leo Marini viajó a Puerto Rico, allí trabajó en la estación de radio WNEL de San Juan.  Cupido propicia su primer matrimonio con la dama argentina Esther Salandari. Regresa en 1950 a Buenos Aires y trabaja con la orquesta de planta de la Radio El Mundo en el programa "Sonrisas y melodías", ahí estaban maestros de la música como Marzan, Marafiotti y Lister. Después de finalizado su contrato con la Odeón argentina, firma contrato con la Seeco. En 1951, Sidney Seegel magnate de esta empresa, le aconseja marchar a La Habana para que grabe con el grupo de mayores ventas en dichos momentos en Latinoamérica, la Sonora Matancera. Grabó "Luna Yumurina", "Quiero un trago tabernero", "Mi desolación" y "Desde que te vi". La Seeco le promueve una estadía prolongada en la capital cubana, allí en 1952 nace su primogénito Luis Alberto. Con la Sonora Matancera formó un binomio excepcional, interpretando grandes temas, convirtiéndose en un clásico de la música romántica latinoamericana. Su inquietud musical lo llevó en 1954 a Colombia, tierra donde era idolatrado. Junto con el trombonista, compatriota y director de orquesta Arnoldo Nali graba nuevos temas. En el año 1957 nace en Colombia su segundo hijo José Luis. Leo Marini falleció de cáncer de próstata el 15 de octubre del año 2000 en su ciudad natal Mendoza, Argentina.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 04 de OCTUBRE de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa

lunes, 23 de septiembre de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 27 DE SEPTIEMBRE DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 27 DE SEPTIEMBRE DE 2019
* Canciones e historia sobre el baile de los 41, ocurrido en 1901
* Oiremos canciones dedicadas al mágico invento de la Televisión
* Presentaremos temas de Salvador Rangel. Desde Yucatán, las voces de Beatriz Eugenia y Yucho. Desde Venezuela, oiremos a Lorenzo Herrera. Alejandro Rivera murió hace 8 años
* En la sección Ay Jalisco no te rajes, semblanza de Leo Marini, y desde Maracaibo, Félix Hurtado nos presentará un trabajo radiofónico sobre el bolero Sinceridad

1. Este viernes en el programa recordaremos el caso fue uno de los mayores escándalos sociales de la época en que en México gobernaba el presidente era Porfirio Díaz. “El baile de los cuarenta y uno” o “de los cuarenta y un maricones” fue una redada policial realizada el 18 de noviembre de 1901.  Ocurrió en la colonia Tabacalera en la Ciudad de México, contra un baile de hombres que se estaba realizando en una vivienda particular, de los cuales 22 estaban vestidos de hombres y 19, de mujeres. La prensa mexicana convirtió en un escándalo el hecho, pese a que el gobierno de entonces se esforzó en ocultar el asunto, puesto que los detenidos pertenecían a la clase alta de la sociedad porfiriana, incluyendo a Ignacio de la Torre y Mier, yerno del entonces presidente, siendo uno de los escándalos más sonados de comienzos del siglo XX. Los presuntos organizadores de la fiesta habrían sido el yerno del entonces presidente Porfirio Díaz, Ignacio de la Torre y Mier —apodado como El yerno de la nación por su matrimonio con Amada Díaz— y Antonio Adalid, apodado Toña la Mamonera, ahijado de Maximiliano I de México y Carlota de México; otras fuentes citan al periodista Jesús "Chucho" Rábago y al hacendado Alejandro Redo. La fiesta comenzó la noche del 17 de noviembre de manera secreta en una casa rentada para ese fin en los que eran los límites de la ciudad por entonces, en la colonia Tabacalera. Las fuentes citan la cuarta calle de la Paz (actual Ezequiel Montes o Jesús Carranza) en la colonia Tabacalera, en donde se habían dado cita los invitados en diversos carruajes.  La fiesta incluía, entre otras cosas, la "rifa del Pepito", es decir, un concurso donde el premio sería estar con un trabajador sexual. A raíz de este episodio, en México el número 41 suele asociarse con hombres homosexuales. En ninguna disposición jurídica vigente se menciona como posible pena la que sería dada a los detenidos,3 aunque era usual para los enemigos del régimen porfirista. A las cinco y media de la mañana, sin un proceso o juicio previo, partieron en trenes del ejército desde la estación de Buenavista hacia Veracruz, sólo 19 de los 41 detenidos a realizar trabajos forzados al puerto de Progreso, Yucatán.

2. Este viernes recordaremos al compositor Salvador Rangel González, quien nació el 8 de junio de 1910 en La Piedad de Cavadas, Michoacán. Hasta 1922 vivió en su tierra natal, y un año después viajó a Guadalajara, Jalisco. Su primer maestro de piano fue un músico alemán y, posteriormente, el maestro Rosalío Ramírez; con Andrés Sandoval cursó armonía, y más tarde perfeccionó sus estudios de piano y acordeón, formación que facilitó su carrera en la composición, la cual inició aproximadamente en 1930. Un año más tarde, en 1931, viajó a Tijuana para probar suerte en la frontera norte, y en 1936 trabajó en las radiodifusoras WEQ, XEB y XEW. Sus primeras obras son “Rayo de luna”, “Rumor de serenata”, “Tres años” (en coautoría con Mario Molina Montes) y “Al arrullo del mar”, y la que mayores satisfacciones le dio es “Tú y yo”, interpretada por Las Hermanas Águila, entre otros. Otros temas de su autoría que tuvieron gran aceptación son “Amor y olvido”, en coautoría con Gabriel Luna e interpretada, entre otros, por Toña La negra; “Secreto”, con Fernando Fernández; “Amor sincero”, popularizada por Los Hermanos Záizar; “Te vi alejar” (Te fuiste), con Dora Luz; “Al fin”, con Genaro Salinas; “Por última vez”, con Pedro Infante, y “Bajo la luna”, en la voz de Andy Russell. Salvador Rangel formó su propia orquesta con la cual realizó, en su mayoría, álbumes de música mexicana como Viva México y Así se baila en México. Asimismo, grabó canciones de su propia inspiración y de otros autores. Aseguraba que la profesión de compositor le dio grandes satisfacciones, entre ellas el sentir que sus canciones daban un momento de alegría y amor a quienes las escuchaban. Compartía la anécdota de una noticia, publicada en algunos periódicos, que anunciaba la muerte por ahogamiento en una playa del Pacífico de Salvador Rangel y Alberto Domínguez; fue una coincidencia ya que sólo se trataba unos homónimos. Salvador Rangel falleció el 29 de octubre de 1981 en la Ciudad de México. (Con datos de la SACM).

3. Con el cantante venezolano de antaño Lorenzo Herrera escucharemos diversas canciones, entre ellas una de origen mexicano. Lorenzo Herrera nació en Santa Rosalía, Caracas, el 2 de agosto de 1896 y murió en Caracas, el 21 de enero de 1960. Fue un cantante y compositor venezolano de música popular. Desde muy joven mostró interés en la música, aun cuando su padre lo obligó a aprender un oficio. El futuro artista así trabajó como zapatero en la zapatería caraqueña La Bota Colorada. Su interés por la actuación y la música, siendo menor de edad lo llevaron a escapar a Curazao para cantar y actuar en esa Isla, donde su hermano mayor Próspero Herrera fue a buscarlo, por orden paterna. Continuó haciendo esfuerzos para darse a conocer, hasta que la compañía de zarzuelas Bracale, le hizo una oferta para integrarse a sus filas y emprender una gira a Cuba. Al llegar a La Habana, la compañía se desintegró, por lo que Herrera realizó una serie de gestiones y logró viajar a Nueva York en 1923 donde residió junto con su familia, en búsqueda de nuevas oportunidades para su proyección musical. Logró conseguir contratos con las compañías discográficas estadounidenses Victor Talking Machine Company, transformada después en RCA Victor y Columbia Records, entre otras. En esta ciudad compone una gran parte de sus célebres canciones, entre la que se menciona el famoso pasodoble, La Sultana del Ávila. Su popularidad le hizo abrir el paso a otros artistas venezolanos, lo que llevaría a convertirse en secretario general del Sindicato Profesional de Autores y Compositores, donde, junto a la compositora y pianista venezolana María Luisa Escobar, emprendió una lucha por el reconocimiento de los derechos de autor. En 1931, regresó a Caracas para volver después a Estados Unidos, manteniendo una rutina de viajes entre las dos ciudades. El 1 de octubre de 1949 fue nombrado director artístico de la emisora caraqueña Radio Rumbos, entonces recién establecida.

4. Gracias a las amables peticiones de los radioescuchas, presentaremos la voz de la cantante yucateca Beatriz Eugenia, nacida el 24 de febrero de 1926. Su nombre real era Betty Semera Mena, mejor conocida como Beatriz Eugenia. Según datos Luis Pérez Sabido, Beatriz Eugenia cantó, de 1938 a 1944, en las radioemisoras XEMC, XEFC y XEZ de la península yucateca, sin embargo, en 1945 viajó a la ciudad de México donde tuvo una intensa actividad artística, tanto en radioemisoras y centros nocturnos de la capital, además de haber viajado por toda la República y Guatemala. En la ciudad de México se relacionó laboralmente con su paisano Miguel Ángel Torres. Según datos de Mario Bolio García, con él, a dueto, grabó en 1946 un disco de 78 rpm para la marca “Peerless”, los temas “La borrachita”, de Tata nacho, y “La barca de oro”, de Abundio Martínez. Para 1947, ya formaba parte del elenco artístico de la “catedral de la radio”, la XEW. De 1950 a 1972 cantó en la famosa XEW con las orquestas de Agustín Lara, Sabré Marroquín, Mario Ruiz Armengol, Los Hermanos Domínguez y otras. En compañía del cuarteto Armónico hizo doblajes para las películas de Walt Disney. Grabó varios discos como solista y también con el cuarteto. Efectuó varias giras por Estados Unidos y la República de Guatemala. Luis Pérez sabido agrega que Beatriz Eugenia tuvo a su cargo el centro nocturno El Carruaje y el piano bar Peregrina durante los años 70, ya en la ciudad de Mérida. Antes, en 1971, había formado parte del elenco de La cueva de Amparó Montes. Beatriz Eugenia murió el 19 de junio de 2006.

5. Ya que andamos por tierras yucatecas, presentaremos algunos garbanzos de a libra en la voz de Guty Cárdenas, de sus grabaciones en las que su crédito aparecía como Yucho. Los temas en cuestión serán entre otros, “Yo soy mexicano puro”, corrido mexicano de Adán Zamora, y “Paseándome por el campo”, esta última canción con el dueto Yucho y Fito y de la autoría de José López Alavez. Recordemos que, en México, Guty escribió algunos corridos usando el seudónimo de “Yucho”, entre ellos podrían mencionarse el Corrido del aviador Carranza, Pablo Sidar, Álvaro Obregón y La república en España. Según el sitio Wikimexico, Guty Cárdenas firmó 35 canciones con su nombre, 13 con su seudónimo "Yucho" y compuso dos más con la colaboración de otras personas, sumando 50 canciones originales, además, se sabe que realizó cuatro arreglos, tres firmó con su nombre y el restante con seudónimo. Otros biógrafos recuerdan que Guty fue un compositor muy cuidadoso: corregía sus creaciones y las modificaba hasta quedar enteramente satisfecho siguiendo la tradición yucateca (olvidada después) de tomar letras de poetas y letristas profesionales, por ejemplo, Guty extrajo la letra de su canción “Flor” de un poema que el venezolano Juan Antonio Pérez Bonalde dedicara a su hija muerta. La segunda estrofa de la canción la escribió especialmente para Guty, el poeta exiliado en Mérida (también venezolano), Diego Córdoba. Otra canción famosa, “Rayito de sol” fue inspirada por un poema del yucateco Ermilo Padrón López. Guty fue, junto a Pepe Domínguez y Ricardo Palmerín, tal vez los más grandes de la música romántica yucateca. Un personaje de bohemia y generosidad, de cantina y amigos. Murió cuando empezaba a vivir.

6. Este viernes presentaremos diversas canciones de antaño dedicadas al fabuloso invento llamado “Televisión”. Los dos primeros pasos de la televisión en México, en su etapa experimental, se remontan al año 1934. Guillermo González Camarena, un joven de 17 años, estudiante del Instituto Politécnico Nacional, realiza experimentos con un sistema de televisión de circuito cerrado, en un pequeño laboratorio montado en las instalaciones de la estación de radio XEFO. La primera transmisión en blanco y negro en México, se lleva a cabo el 19 de agosto de 1946, desde el cuarto de baño de la casa número 74 de las calles de Havre en la capital del país, lugar de residencia del ingeniero Guillermo González Camarena. Fue tal el éxito, que el 7 de septiembre de ese año, a las 20:30 h, se inaugura oficialmente la primera estación experimental de televisión en Latinoamérica; XE1GC. Esta emisora transmitió los sábados, durante dos años, un programa artístico y de entrevistas. En septiembre de 1948, se inician transmisiones diarias desde el Palacio de Minería de la "Primera Exposición Objetiva Presidencial". Miles de espectadores son testigos gracias a los aparatos receptores instalados en las vitrinas de algunos comercios y vestíbulos de salas de cine. Por todos estos hechos, se le conoce como el “Padre de la televisión mexicana”. El primer canal comercial de televisión en México y América Latina se inaugura el 31 de agosto de 1950, un día después, el 1 de septiembre, se transmite el primer programa, con la lectura del Informe de Gobierno del Presidente de México, Lic. Miguel Alemán Valdés, a través de la señal de XHTV-TV Canal 4 de la familia O'Farrill.

7. Este 27 de septiembre se cumplen 8 años del fallecimiento, a la edad de 84 años, de Alejandro Rivera, digno cantante que con su voz y su falsete hizo vibrar las fibras más sensibles. Nacido en el municipio Chilapa, estado de Guerrero, el 1 de junio de 1927, inició, desde muy joven, su extensa y exitosa carrera como juglar que, con voz privilegiada, llevó por todo el mundo las canciones tradicionales de su tierra, a la que ha sabido representar con prestancia e hidalguía, haciendo importantes aportaciones al Huapango, expresión popular arraigada en el sentimiento del pueblo mexicano. Con David Zaízar y Miguel Aceves Mejías, fue exponente de un estilo único e inimitable al entonar la melodía con una vibración especial, obteniendo belleza e integridad al sonido. Alejandro Rivera fue un maestro alcanzando notas agudas por encima del registro normal, imprimiéndole un estilo personal que lo acredita como el “Falsete de México”. Sus actuaciones en la televisión y el cine datan de 1952, cuando comenzó propiamente su vida artística al lado de los artistas Javier Carrillo y Ángel Pérez, con quienes integró el afamado Trío Los Pastores. Don Alejandro grabó más de un millar de canciones, cuyos testimonios se encuentran en las placas de los sellos RCA Victor, Rex, Orfeón, Columbia, Peerless y Cisne entre los de superior jerarquía. En su biografía, nuestra colaboradora Liliana Vargas expresa de él: Alejandro Rivera, es un amigo a quien comencé por admirar en su arte, y terminé por otorgarle un cariño muy especial. Él, es una de esas personas que no transitan inadvertidas por la vida, porque su profunda calidad humana lo hace trascendente.

8. Estamos contentos porque este viernes nuestro amigo y colega Félix Hurtado, reiniciando con su serie de colaboraciones, desde Maracaibo, Venezuela, nos ha enviado un trabajo realmente interesante sobre el origen e historia del bolero “Sinceridad”, del compositor nicaragüense Rafael Gastón Pérez, nacido en Managua, Nicaragua, el 26 de febrero de 1917 y fallecido el 4 de febrero de 1962. Desde los cinco años de edad ya ejecutaba la Marimba de arco de fuerte granadillo y conformó un trío con su madre y una tía, conocido como la "Pequeña Familia de los Managuas", que solía amenizar fiestas sociales en esa ciudad. La inquietud musical de Gastón Pérez, le llevó a fundar magníficos conjuntos y orquestas como: "Black Cats", "La Marimba Estudiantil" de don Abraham Sánchez, "Casino Olímpico". En poco tiempo se constituyó en una reconocida figura de la canción romántica nicaragüense, destacó como gran compositor y músico, logrando tal popularidad que trascendió las fronteras de su país fundamentalmente debido a la forma virtuosa y perfecta de ejecutar la trompeta, su instrumento predilecto pues fue polifacético al ejecutar con maestría diversos instrumentos como: guitarra, bajo, percusión, marimba, xilófono y piano. Su más famoso bolero es la exquisita melodía nombrada "Sinceridad", que fuera grabada internacionalmente por primera vez por Lucho Gatica con el trío "Los Peregrinos", cuando este intérprete recién iniciaba su exitosa carrera musical y que gracias a este bolero recibió un gran impulso constituyéndose en una de las canciones más importantes de su carrera. Muchos otros cantantes internacionalmente también han grabado este tema y Feliz Hurtado en su cápsula nos presentará un collage de algunas de esas grabaciones. (Foto: https://www.el19digital.com).

9. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la primera de dos partes de la semblanza de un invitado internacional: Leo Marini. Escuremos una conversación con Raúl Cayrol, productor y conductor de programas de radio en Argentina, quien nos platicará aspectos importantes en la vida de Leo Marini. La historia para Alberto Batet Vitali, mejor conocido como Leo Marini, comienza el 23 de agosto de 1920, cuando llega al mundo en la ciudad de Mendoza, Argentina. Leo Marini se inspiró al escuchar muchas canciones entonadas por tres cantantes mexicanos: José Mojica, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu. La suerte se colocó de parte de Alberto, cuando el afamado tenor lírico español Juan Díaz Andrés llegó a Mendoza. Marini lo escuchó cantar por LV 10 Radio Cuyo, que era la única emisora del pueblo y de manera inmediata buscó su asesoría musical, por lo que durante un año le enseñó la técnica del buen cantar, alejándole la manía de imitar a Juan Arvizu por que perdía dicción y originalidad, lo aconsejó para que siempre interpretara música suave y melodiosa que sería el cimiento para la obtención de su propio estilo. En 1941 con un grupo de amigos viaja a Chile, donde es contratado para cantar en salas de baile y radio de Valparaíso y Viña del Mar, donde conoce al pianista cubano Isidro Benítez. Con esta agrupación, Leo Marini hace sus primeras grabaciones: "Virgen de media noche", del mexicano Pedro Galindo; "Cerca de tí” e "Inútilmente", ambas de Luis Aguirre y "Puedes irte de mí" de Agustín Lara. En 1942 y ya en Argentina, José Rocha, amigo suyo y propietario de una emisora radial provincial, le consigue un excelente contrato de cuatro años en la famosa Radio Belgrano de la capital argentina, propiedad de Jaime Yankelevich.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 27 de SEPTIEMBRE de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México.

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa

lunes, 16 de septiembre de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE SEPTIEMBRE DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 20 DE SEPTIEMBRE DE 2019
* Ramón Armengod: De joyero a figura de la música y del cine 
* Oiremos en la sección Rincón norteño, al dueto Gaytán y Cantú
* Presentaremos a Lupita Alday, figura nacida en Izúcar de Matamoros. José Mojica y sus recuerdos de Cuba. En Rinconcito arrabalero los Trovadores de Cuyo. Las Padilla en La Carpa
* En la sección Ay Jalisco no te rajes, seguimos con canciones sobre la Independencia de México, y en La Cadena del recuerdo, semblanza de Jaime Nolla Reyes, a 110 años de su nacimiento

1. Este viernes recordaremos la voz de Ramón Armengod, quien nació en el puerto de Veracruz el 10 de octubre de 1909, de padres españoles, desde muy joven había mostrado una gran habilidad para una carrera musical, pero a fin de no disgustar a sus padres, trabaja como dependiente de una joyería; sin embargo, a pesar de su esfuerzo, le fue imposible continuar en este trabajo y de nuevo volvió a la música. Cuando cumple 18 años de edad, Ramón hace su debut con la compañía de Margarita Carbajal en el Teatro Esperanza Iris, en la ciudad de México, interpretando la parte de un joven caballero en las operetas; a la par encontró un lugar en las famosas estaciones XEB y XEW e incursiona en el cine. Su momento definitivo le llegó en 1935, cuando inicia en la XEW el programa "Melodías radiantes" y filma bajo la dirección de Fernando de Fuentes la película La familia Dressel, ambos eventos lo confirmaron como un artista de arraigo popular. Hacia mediados de los treinta, Armengod ya era una figura popular y hace amistad con varios aspirantes a estrellas como Tito Guízar, a quien recomendó hacer la película que lo haría inmensamente popular (Allá en el Rancho Grande (1936)), Jorge Negrete y Emilio Tuero, con quien forma el dueto "Par de ases". Es entonces que les proponen hacer una gira en Estados Unidos, pero debido a que la carrera de Tuero iba en ascenso en México, además de tener otros contratos, este desiste. Entonces Ramón le propone a Jorge Negrete que lo acompañe, este acepta y se presentan en Nueva York como "The Mexican Caballeros" para la cadena NBC. El dueto se desintegró en abril de 1937. Ramón regresa a México y Jorge intenta audicionar para formar parte del elenco del Metropolitan Opera House, pero no lo consigue. Posteriormente Ramón regresa en 1938, ya que ha sido contratado para aparecer como solista invitado con la Orquesta de Guy Lombardo para cantar en los programas de Lady Esther a través de NBC.

2. En la sección La Carpa escucharemos tres canciones con tono jocoso en las voces de las Hermanas Padilla, Margarita y María Padilla Mora, quienes comenzaron a grabar en el año de 1936 en la ciudad de Los Ángeles. Destacaron como fieles intérpretes del sonorense Manuel S. Acuña quien las dirigió en sus primeras grabaciones. Son originarias de Tanhuato, Michoacán. Su familia emigró a California en la década de 1920 y pronto se iniciaron en la actividad artística a instancias de su padre, empezando sus presentaciones en radio a mediados de los años treinta y su primera grabación en 1937, con los temas “Por qué será” y “La barca de oro”. El dueto alternó canciones mexicanas con corridos y boleros como “Mis ojos me denuncian”, “Confesión” y muchos otros, convirtiéndose en importantes difusoras de la música popular mexicana, inicialmente en los Estados Unidos y la frontera norte de nuestro país, pero en poco tiempo también se difundieron por todo México, Centro y Sudamérica, convirtiéndose desde entonces en dignas representantes del género durante toda una época. Sus discos contribuyeron a formar la llamada “música de carrilera” en Colombia, donde siguen siendo muy populares. María fue también la voz femenina del dueto Azteca. Agustín Gurza destaca que las muchachas empezaron a cantar juntas desde muy joven, animadas por su padre, quien les pagaba cinco centavos por dos canciones y diez centavos por corridos más largos. Durante los 1930, se hicieron populares en las fiestas y concursos de talentos del barrio, incluso las recaudaciones de fondos para las iglesias locales. Su primer reconocimiento formal llegó cuando ganaron el primer lugar en un concurso de talentos que se llevó a cabo en un parque en Pico Rivera. Poco después, aparecieron en el programa de radio de Ramón B. Arnaiz, basado en Los Ángeles, en el cual empezaron a cantar con Chicho Y Chencho, quienes formaron parte del grupo popular Los Madrugadores, que aparecía en la radio en Los Ángeles.

3. Gracias a las amables peticiones de los amigos radioescuchas, escucharemos en la sección Rincón Norteño al dueto de música norteña Gaytán y Cantú. El dueto Gaytán y Cantú estaba conformado por Juan Gaytán y Timoteo Cantú. De ellos hay poca información de su carrera musical, grabaron una gran cantidad de discos de 78 revoluciones por minuto, principalmente en el área fronteriza de México y Estados Unidos, básicamente para los sellos discográficos Vocalion, al inicio de su carrera y para el sello IDEAL, posteriormente, aunque en este sello aparece el dueto integrado por Frank Cantú, en lugar de Timoteo, y Juan Gaytán. También hay varias grabaciones realizadas para el sello Okeh y Columbia. Gaytán y Cantú grabaron principalmente corridos, pero también existen muchas canciones de amor y temas rancheros. Entre las agrupaciones que los acompañan en sus discos podemos encontrar a Felipe y sus Cuates, orquestas diversas, Los Trovadores Alegres y otros. Hay discos donde aparecen como Gaytán, Cantú y Rodríguez con guitarras. Como decíamos en algunos discos aparece Frank Cantú acompañando a Juan Gaytán. Por su parte Timoteo Cantú también hizo dueto con Jesús Maya. Este viernes los escucharemos en El Rincón Norteño con varios temas.

4. En la voz de la bolerista poblana Lupita Alday escucharemos algunos boleros de los años treinta. María Guadalupe Alday, su nombre correcto, nació en Izúcar de Matamoros, Puebla. Según Héctor Madera Ferrón, Lupita Alday era secretaria ejecutiva y a principios de los años cuarenta decidió irse al Distrito Federal para participar en un concurso que organizó la brillantina Glostora y en el que se pretendía encontrar una nueva intérprete de Agustín Lara. Con la canción “Bendita palabra” resultó ganadora en el año de 1942. A partir de ese momento comenzaron sus giras, programas de radio en la XEW, centros nocturnos y teatros. Lupita Alday fue contratada para actuar en Cuba porque gracias a la radio ya era muy conocida en la isla. El empresario cubano Gaspar Pumarejo fue quien le puso el nombre de “La voz que enamora” y así era anunciada en la le emisora de radio cubana CMQ. Como todas las cancionistas guapas de la época, Alday participó en el cine mexicano, en alguna película que con algún pretexto incluía números musicales. Manuel Bauche Alcalde afirmaba sobre Alday: “Es la voz que nos trae los amores idos, la ilusión perdida, todo lo que nos perfuma el alma y llena de suspiro. Voz que envuelve de poesía una tarde cualquiera y nos lleva a la bruma del ensueño”.  Lupita Alday murió el 24 de septiembre de 1994. (Texto e imagen: AMEF).

5. En la sección Rinconcito Arrabalero, escucharemos a Los Trovadores de Cuyo, una agrupación folclórica argentina iniciado en la provincia de Mendoza en el año 1927. Son reconocidos no solo por su trayectoria sino también por la gran cantidad de músicos que pasaron entre sus filas. Muchas de sus composiciones se basan en temas de la cultura mendocina y en sus costumbres más tradicionales: el vino y la tonada. Los Trovadores de Cuyo fue fundado por los cantores Hilario Cuadros y el sanjuanino Domingo Morales (apodado el Quiñao) a fines de los años 1920 en Mendoza. Al principio, el dúo se hacía llamar Cuadros-Morales. Hacia 1927, decidieron probar suerte en Buenos Aires y un periodista mendocino, editó un artículo titulado "Se van Los Trovadores de Cuyo" que, posteriormente, sería el nombre de la agrupación folclórica. Ese mismo año grabaron su primer disco con el sello Columbia Records. Contenía dos temas: la chacarera «Prenda de mi corazón» y el vals «Deseando», ambos compuestos por Cuadros. Aproximadamente entre los años 1929 y 1930, se incorporaron al dúo los guitarristas Alberto Quini y Roberto Puccio y comenzaron a realizar giras por diversos países, entre ellos Chile y Perú. Hasta principios de la década de 1930, el conjunto estuvo conformado por Cuadros, Morales, Puccio y Quini. En el año 1956, Los Trovadores de Cuyo volvieron a ser contratados por Radio Belgrano para iniciar un nuevo ciclo, Debajo un Parral Cuyano. El 8 de diciembre de ese mismo año, falleció Hilario Cuadros debido a un fallo renal, en su casa del barrio de Villa del Parque en Buenos Aires, a solo quince días de cumplir cincuenta y cuatro años de edad.

6. Hace 110 años, el 23 de septiembre de 1909, nació el cantante Jaime Nolla Reyes, llamado también El tenor de la hora azul. Este viernes lo recordaremos con algunas de sus canciones, así como una semblanza de él en la sección La cadena del recuerdo. Fue en la ciudad primaveral de Cuernavaca, Morelos, en donde vino al mundo este cantante que hoy poco se recuerda. Jaime Nolla fue un cantante proveniente de una familia de artistas que realizaba giras por varios estados de la República Mexicana e incluso por otros países, de ahí la confusión de que algunos lo consideraran como nacido en Honduras, lugar al que la familia visitó debido a sus presentaciones artísticas. Nolla fue un bolerista de los años cuarenta que actuó en la emisora XEW y en otras estaciones de radio. Fue uno de los primeros que llevaron al disco boleros como “Despedida” de Pedro Flores y” Chacha linda” de los Hermanos Martínez Gil, entre otros. Aunque también grabó otros géneros como tangos, Melodía de arrabal y Beso de Mujer. Grabó además algunos duetos con su esposa. De acuerdo con datos de Héctor Madera Ferrón, Nolla Reyes salta a la fama en el año de 1935 y logra ocupar un lugar de privilegio. “Durante mucho tiempo yo grabé cuatro canciones quincenales con la Peerlesss”, comenta Nolla Reyes, quien agrega “esa era la razón por la que todos los compositores noveles se acercaban para darme canciones y que las grabara. A esa gente siempre me gustó siempre darle la mano, un ejemplo claro de ello fue Federico Baena”. En el año de 1967 decidió poner fin a su carrera y dedicarse a otras de sus pasiones: la escultura y la pintura. Nolla Reyes decidió retirarse ante su público en el hotel tamaulipeco “Imperial” con un recital inolvidable.

7. José Mojica murió en Lima, Perú, el 20 de septiembre de 1974, había nacido en San Gabriel, Jalisco, 14 de septiembre de 1895. Escribe Leonardo Depestre Catony: Corre diciembre de 1931 y los jardines del Hotel Nacional, a un año apenas de su inauguración, están extraordinariamente animados. Una numerosa población femenina integrada por elegantes damas de todas las edades invade la planta baja de la edificación, ocupa los salones de espera y se pasea bajo los balcones. Ello es debido a la presencia en una de las suites del divo mexicano José Mojica, recién llegado a La Habana, donde tiene previstos dos conciertos, los días 14 y 16 de ese mes, en el Teatro Nacional. El periodista de Bohemia que llega hasta su habitación y lo entrevista anota en el cuaderno: «Mojica es un hombre agradable. Todo en él tiene un encanto de atracción íntimamente amable». Las actuaciones no defraudan y el cantante actor se gana los elogios de la crítica, los de cuantos lo admiran y abarrota el Teatro Nacional. Años después, vino lo inesperado, que con los días y las semanas se confirmó como noticia: el protagonista de El precio de un beso, Ladrón de amor, Hay que casar al príncipe, Mi último amor, La ley del harén, El rey de los gitanos, La cruz y la espada, Un capitán de cosacos, Fronteras del amor, películas de mucha taquilla en Hispanoamérica y Estados Unidos, el galán mexicano que causó furor, abandonaba la vida alegre de teatros y estudios de filmación, de viajes y riquezas, para incorporarse a la disciplina eclesiástica. En 1947, fray José Francisco de Guadalupe se ordena en Lima de sacerdote. Sin embargo, lejos de extinguirse, la leyenda se acrecienta, ya veremos por qué. (Fuente: www.cubanow.net y https://www.dcubanos.com/).

8. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará una entrevista con un investigador de la Universidad de Guadalajara para hablarnos sobre la música del periodo de la Independencia de México.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 20 de SEPTIEMBRE de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 9 de septiembre de 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 13 DE SEPTIEMBRE DE 2019

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 13 DE SEPTIEMBRE DE 2019
* Nos pondremos a tono con las fiestas patrias con el Cuarteto Metropolitano 
 * Oiremos canciones dedicadas a Miguel Hidalgo, a los Niños Héroes, y a México en general
* Presentaremos a Pepe Guízar, Felipe Bermejo, Lucha Reyes, Pedro Infante, las Dos Rosas, Juan de Dios Peza, Abrego y Picazo, Hnas. Padilla, Manolita Arriola, Hnas. Barraza, Charro Avitia
* En la sección Ay Jalisco no te rajes, segunda parte de la semblanza de Marco Antonio Vázquez, y en La Cadena del recuerdo, biografía de Eva Garza


1. Este 13 de septiembre nos pondremos a tono con las fiestas patrias y presentaremos un programa muy mexicano en Hasta que el cuerpo aguante. Escucharemos diversas canciones con un toque mexicano, además de temas que hablan sobre hechos históricos como el grito de independencia, los héroes nacionales de independencia y otros acontecimientos históricos de este mes de septiembre. Una de las figuras musicales que recordaremos con temas patrióticos es Felipe Bermejo Araujo, quien nació en la ciudad de México el 12 de noviembre del 1901. Quedó huérfano muy joven y para mantener a sus seis hermanos consiguió trabajo como chófer de Don Venustiano Carranza. Estudio en la Escuela Libre de Comercio, pero nunca ejerció su profesión, pues su gusto más bien se inclinaba a escribir versos, estudio solfeo, armonía, instrumentación, canto, guitarra y piano. En 1929 a la edad de 28 años inicio su carrera como cantante y compositor. En 1931 formó junto con Juan Villanueva el dueto Villanueva-Bermejo, tras la muerte de Villanueva integró el trío Acapulco, para más tarde formar el Cuarteto Metropolitano, con el cual logro sus mayores éxitos. Cantó ópera como barítono, presentándose en foros internacionales en Cuba y Estados Unidos de América. La versatilidad como compositor de Felipe Bermejo lo llevó a crear temas en géneros tan variados como el ranchero, el bolero, el corrido norteño e incluso el vals, desarrollando también diversas temáticas. Por ejemplo, la crítica social se puede apreciar en su canción “Los camiones” de la película “Esquina bajan”. El maestro Bermejo compuso la música de fondo de películas de ambiente campirano como “El Charro Negro”, y “La Vuelta del Charro Negro”. Actuó en varias cintas como “Rancho alegre”, en la que aparece cantando con su Cuarteto Metropolitano. Felipe Bermejo Araujo murió el 27 de septiembre de 1989.

2. Otro compositor que le escribió a México hermosas canciones fue José Pepe Guízar, a quien le decían El pintor musical de México. Pepe Guízar fue un compositor mexicano de música popular. Es autor de canciones rancheras, sones jaliscienses y boleros. Nació en Guadalajara, Jalisco el 12 de febrero de 1912 y murió el 27 de septiembre de 1980. Realizó sus primeros estudios en su ciudad natal y se trasladó a la Ciudad de México en 1928, donde realizó estudios de música, declamación y poesía. Se interesó por la composición en 1930 cuando Agustín Lara triunfaba en el Teatro Politeama; sentía que en lo personal podía cantar al amor como Lara, haciendo versos y poniéndole música a imitación de Tata Nacho, pero con esencia folclórica; así surgió su primera creación: Guadalajara. En la radiodifusora XEW fue bautizado atinadamente como “El pintor musical de México” porque sus composiciones dibujan la geografía musical de México. Fue un compositor folclórico que se esforzó por vestir de gala a la canción mexicana; la llevó más allá de las tabernas y los barrios para introducirla a los salones haciéndola competir con el tango y el bolero, cuando éstos estaban de moda. Enamorado de la provincia mexicana y con profundo arraigo nacional le cantó a México, a su gente, al mariachi y al pueblo de Jalisco. Además de otras canciones compuso “Guadalajara”, “Tehuantepec”, “Corrido del Norte”, “Como México no hay dos” y “Acuarela potosina”. Y precisamente este viernes presentaremos en el programa la voz del propio Pepe Guízar con diferentes temas de su inspiración y dedicados a México: “Mi patria es así”, “Como México no hay dos” y “Tehuantepec”.

3. Este 13 de septiembre, escucharemos algunas canciones dedicadas a Miguel Hidalgo y Costilla, a quien se le considera en México “El padre de la patria”. Miguel Gregorio Antonio Ignacio Hidalgo y Costilla Gallaga Mandarte y Villaseñor nació en la Hacienda de Corralejo en Pénjamo, Intendencia de Guanajuato, el 8 de mayo de 1753 y falleció en Chihuahua, Nueva Vizcaya, 30 de julio de 1811. Fue un sacerdote y revolucionario novohispano que destacó iniciando la primera etapa de la Guerra de Independencia de México con un acto conocido en la historiografía mexicana como Grito de Dolores. Dirigió militar y políticamente la primera parte del movimiento independentista, pero tras una serie de derrotas fue capturado el 21 de marzo de 1811, después de casi 6 meses de iniciada la revuelta; y llevado prisionero a la ciudad de Chihuahua, donde fue juzgado y fusilado el 30 de julio del mismo año. En las primeras horas del 16 de septiembre, Ignacio Allende llegó a la casa cural de Dolores, donde Hidalgo se hallaba pernoctando. Tras despertarlo y charlar, además de tomar chocolate caliente por el clima frío de ese tiempo, ambos decidieron lanzarse a la lucha armada antes de que los españoles destruyeran sus planes. Alrededor de las cinco de la mañana Hidalgo, usando la campana de la parroquia, convocó a la misa patronal del pueblo y dio el Grito de Dolores, con lo que empezó formalmente la lucha por la independencia de México. Con poco más de 6000 soldados, Hidalgo, acompañado de Allende, Aldama y Abasolo inició la lucha. En pocos días entró sin ninguna resistencia en Celaya, Salamanca y Acámbaro, donde fue proclamado como capitán general de los ejércitos sublevados. En Atotonilco, entró al santuario local y tomó el estandarte de la virgen de Guadalupe, símbolo de su movimiento.

4. Presentaremos algunas canciones y relatos sobre un episodio de la historia mexicana que tiene como principales protagonistas a los llamados Niños Héroes de Chapultepec, que fue un grupo de cadetes mexicanos que murieron en la Batalla de Chapultepec el 13 de septiembre de 1847 durante la Guerra mexicano-americana. Sus nombres Agustín Melgar, Fernando Montes de Oca, Francisco Márquez, Juan de la Barrera, Juan Escutia y Vicente Suárez. El argumento principal del mito heroico históricamente confirmado, descansa en que estos seis cadetes y otros 40 habían recibido la orden de Nicolás Bravo de abandonar el Castillo de Chapultepec, por entonces sede del Colegio Militar, y sus alrededores. Sin embargo, decidieron quedarse a defender la plaza ante el avance del Ejército de los Estados Unidos. Diversos pasajes de ese relato se han colocado en el imaginario social como hechos auténticos sin tener sustento histórico alguno, entre los que se cuentan la participación de los seis cadetes en el hecho de armas, de lo cual solo se tiene plena certeza en el caso de Melgar, Montes de Oca y Suárez. Asimismo dentro del mismo relato heroico, con el paso de los años y muchas décadas después, fueron incluyéndose detalles ficticios, tales como que estos cadetes fueron los últimos en morir en la batalla, que ante la carencia de municiones mataron a bayoneta calada a soldados estadounidenses, y quizá el más popular en México, que Melgar, luego Montes de Oca y finalmente Juan Escutia al ver perdido todo, se lanzó al vacío envuelto en la bandera mexicana para impedir que los estadounidenses se apoderaran de ella y murió en los riscos de las faldas del cerro de Chapultepec.

5. En la voz de Pedro Infante escucharemos el tema “El 15 de septiembre” de José Alfredo Jiménez, asimismo, de Lino Carrillo, escucharemos también con Pedro Infante,  “Mi patria es primero”. Pedro Infante, actor y cantante, ganó la aceptación del público por sus cualidades de persona humilde, sencilla y llena de valores y nobles sentimientos que no pensaba dedicarse a la actuación. Sin embargo, su vida cambió en 1939 cuando viajó a la Ciudad de México para participar en concursos de canto, de los que en la mayoría lo despidieron porque no lograba dominar los nervios, lo que le impedía lucir sus conocimientos musicales. Ese mismo año Pedro apareció por primera ocasión en una película: “En un burro, tres baturros”, como extra; de ahí participó en 61 producciones. En 18 años de carrera Infante Cruz nunca hizo un personaje de villano en el cine, sin embargo, hizo reír y llorar al público con escenas como el enfrentamiento con Jorge Negrete en “Dos tipos de cuidado” o la muerte del “Torito” en “Ustedes los ricos”. Apasionado de la aviación acumuló casi tres mil horas de vuelo y fue precisamente un accidente a bordo de una aeronave que pilotaba lo que le costó la vida un 15 de abril de 1957. La unidad se desplomó en Mérida, Yucatán, poco después de despegar del aeropuerto, cuando había alcanzado unos 20 metros de altura. A su muerte a los 39 años Pedro Infante se convirtió en leyenda, pues desde entonces su música y películas permanecen en el gusto de la sociedad mexicana. Actualmente se le rinde homenaje en distintos museos dedicados a su vida y obra, ubicados en Guamúchil, Mazatlán, Cuajimalpa y Campeche.

6. La canción “México lindo” y querido fue compuesta por el michoacano Jesús Chucho Monge. Cuenta la leyenda en al ambiente musical que Chucho Monge la escribió en 1921 a los 11 años de edad. Lo cierto es que la primera vez que el público la escuchó fue en 1945, en una grabación en donde fue interpretada por el dueto Las Dos Rosas, conformado por Rosario Morales y su tía Eva Rosa Rodríguez de la Torre (hermana menor de su mama). En el disco del sello Peerless el titulo viene como “México lindo”, solamente, acompaña el Mariachi Perla de Occidente y se grabó como se dijo en 1945. Ese mismo año, el Trío Tariácuri grabó otra versión, pero ninguna de las dos tuvo mucho éxito. Más tarde, en 1950, Jorge Negrete apareció cantando la canción en la película “Siempre tuya”, dirigida por Emilio “El Indio” Fernández. El Charro Cantor interpreta el tema rodeado de un mariachi y el arreglo da un interesante giro con un final al estilo del huapango. Un año más tarde, Negrete grabó “México Lindo” en estudio para RCA Víctor, el sello discográfico bajo el cual estaba firmado. Acompañado por el Mariachi Pulido, estaba seguro de que sería un éxito, pero la disquera no le vio mucho potencial, así que la editó como lado B del sencillo “El rogón”. Como las dos versiones anteriores, esta grabación no causó ningún impacto en la audiencia de México. Sin embargo, a la muerte de Jorge Negrete, la canción se convirtió en el tema no oficial de la muerte de Negrete y siguió sonando en todas partes durante los días siguientes. “México lindo y querido”, como la conocen la mayoría de los mexicanos, fue creciendo en popularidad a través de las generaciones, al punto de convertirse en un emblema de la cultura mexicana, dentro y fuera del país. “México Lindo” no fue un éxito instantáneo, pero sí rotundo. Su letra, que alaba la belleza natural del país y el calor de su gente, encontró un lugar en el corazón de los mexicanos que se sienten orgullosos de serlo. Además de este tema que escucharemos con Las Dos Rosas, que fue la primera grabación, con este dueto oiremos también “Arriba México” y “Mi ranchera”. (Con datos tomados de www.cityexpress.com/blog/historia-de-nuestras-canciones-mexico-lindo-y-querido).

7. Una canción con mucho sentimiento mexicano es “Canto a mi patria”, de Guillermo Coca, a quien solo se le conoce esta composición, que fue grabada por el dueto conformado por Jesús Abrego y Leopoldo Picazo para el sello Victor en el año de 1907, bajo la denominación de canto patriótico. De los primeros duetos de artistas que grabaron discos en México destaca este dueto costumbrista de Abrego y Picazo, quienes a inicios de 1900 ya eran conocidos gracias a las parodias, canciones, diálogos y vaciladas que dejaron grabadas en discos de 78 rpm para el sello Victor. Jesús Abrego y Leopoldo Picazo fueron sin duda los pioneros en las grabaciones de discos en México. Junto con otro legendario dueto llamado Rosales y Robinson, Abrego y Picazo impregnaron de humor y sátiras costumbristas aquellos viejos discos de 78 rpm que hoy nos damos cuenta que todavía se pueden encontrar no sólo entre los coleccionistas mexicanos, también en otros países de América, hasta donde llegaron estos antiguos discos. Abrego y Picazo fueron de los primeros en llevar a discos no sólo cuadros y diálogos cómicos, sino también canciones populares de aquellos tiempos, como por ejemplo el que es considerado el primer bolero de la historia llamado “Tristezas” que grabaron para el sello Víctor en el año de 1908. Para esta ocasión escucharemos al dueto Abrego y Picazo pero sin su infaltable ingrediente humorístico que el dueto le imprimía a sus rústicas grabaciones. El investigador musical Pablo Dueñas escribe que hoy nadie sabe nada de Abrego y Picazo, aunque quizá anden por ahí sus tataranietos; no existe mención alguna en periódicos y revistas, ni siquiera de su tiempo, a pesar de que sus discos se vendían como pan caliente; esto es triste, ya que estos señorones hicieron una valiosa crónica de las costumbres y el habla popular del porfiriato.


8. En un programa de música dedicada a México y sus figuras, no puede faltar un recuerdo de Lucha Reyes, por lo que escucharemos su voz, además de un tema dedicado a ella en las voces del trío Tariácuri, y por si fuera poco una de sus primeras grabaciones haciendo dueto con el Dr. Alfonso Ortiz Tirado.  María de la Luz Flores Aceves nació en Guadalajara, Jalisco, el 23 de mayo de 1906 y murió en la ciudad de México, el 24 de junio de 1944. Desde la segunda semana del mes de mayo de 1944, Lucha Reyes arrastraba una profunda depresión que se había manifestado tras la muerte de la señora Francisca Cervantes, madre de su primer marido, también fallecido. La pena acumulada le había afectado de tal manera que ni el tequila ni otras bebidas alcohólicas a las que se había aficionado le hacían olvidar su tristeza. El público que asistía con gusto a los teatros y a las carpas a disfrutar de sus actuaciones, sabía que para acentuar su característica voz rasposa acostumbraba, como parte de su presentación, tomar un grueso trago de tequila, pero esta afición en los últimos meses de su vida se le convirtió en una enfermedad. Lucha ya había perdido las ganas de vivir, sin importarle que su hija María de la Luz Martínez Cervantes, de once años de edad, también estuviera sufriendo viéndola como se destrozaba físicamente. A las 13:00 horas del 24 de junio, Lucha Reyes se encontraba sola en su alcoba, sostenía el frasco con las pastillas que minutos antes le había comprado su hija. Destapó el recipiente, y una por una fue ingiriendo veinticinco de las cuarenta tabletas que contenía, mismas que al mezclarse con los residuos del tequila bebido en días anteriores multiplicaron su efectividad. A las 02:20 horas del 25 de junio de 1944, sin haber salido de su larga agonía, Lucha Reyes dejó de existir.

9. Este viernes en la sección La cadena del recuerdo desempolvaremos una producción con la semblanza de Eva Garza. Escribe Agustín Gurza que Eva Garza nació el 11 de mayo de 1917, en el barrio obrero del oeste de San Antonio. Fue la tercera de siete hijos criados en la humilde casa de Cenobia B. Ramírez y Procopio V. Garza, quien se encargaba de una barbería en la Calle Commerce. Descrita como una chica amable y precoz, Garza cantaba en los eventos de la iglesia y en fiestas privadas, y nunca se le escapaba una oportunidad de cantar en la casa. “Cantaba todo el tiempo. Tenía un estilo todo suyo,” le dijo su hermana, Tina Moore, a San Antonio Express-News en 2013, cuando se organizó una retrospectiva sobre Eva Garza en el Esperanza Peace and Justice Center (Centro Esperanza por Paz y Justicia) de San Antonio. Como estudiante en Lanier High School, Garza tuvo mucho éxito también en los deportes. Sus logros como atleta estelar en basquetbol y béisbol se documentaron en la prensa local durante la década de 1930. La carrera musical de Garza empezó en la radio local, un vehículo importante en exponer nuevos talentos en esa época. Después de haberla escuchado cantar una ópera, la maestra de música de Garza en su preparatoria quedó tan impresionada que la llevó directamente a una audición para la radio. Pronto, Garza empezaba a ganar competencias vocales. Sin embargo, sus padres, que fueron severos, no concordaban por completo con sus ambiciones como artista, ya que la mayoría de los locales donde se daban presentaciones no se consideraban apropiados para las jóvenes “respetables”. Aun así, en un momento en el cual las otras muchachas de su edad celebraban sus quinceañeras, Garza insistía en encontrar una audiencia para sus talentos vocales. Se inscribió en un concurso para aficionados patrocinado por el Monte Carlo Brewery en el Texas Theatre de San Antonio, y se ganó $500, tomando la segunda posición con su interpretación de “I’m in the Mood for Love.” En otro concurso, al teatro local Zaragoza Theatre, se llevó un piano a la casa como premio. (Con datos y foto tomados de http://frontera.library.ucla.edu/es/blog/2016/04/biograf%C3%ADa-de-artista-eva-garza).

10. En la sección Ay Jalisco no te rajes, nuestro colaborador en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, Alberto Ramírez Martínez nos presentará la segunda de dos partes de la semblanza de Marco Antonio Vázquez, a través de una entrevista con el propio cantante. Después de la grabación de su primer disco para la compañía Peerless, vinieron más discos y más éxitos, hasta grabar en su carrera más de 70 discos de larga duración, muy pocos para la firma Musart, varios para la misma Peerless y otros para su propia Compañía Disquera "Romántico Musical", en ellos se incluyeron grandes éxitos como "Te vi llorando", "Oh gran Dios", "Mesa para uno", "Déjame llorar", "Tu inolvidable sonrisa", "Forjador de Ilusiones", "Creo", "Amor necio", "Noche callada", "Chatita", "Ángel Celeste" y otros. Tuvo oportunidad de viajar en plan profesional por todo México, Estados Unidos, Centro América y América Latina, se hizo acreedor a innumerables premios, reconocimientos y trofeos, como El Heraldo, varios Discos de oro de Hollywood, Discos de oro del Mercado de Discos, el Calendario Azteca y otros. Uno de sus más queridos compositores fue el michoacano Chucho Monge, pues de él grabo varios temas con mucho éxito como "Caricia y herida", "Besando la cruz", "Me das una pena" y algunos otros, grabó también canciones de Roberto Cantoral y de muchos otros autores, pero confiesa que sus propios temas le han dejado muchas satisfacciones.  En la actualidad Marco Antonio Vázquez a sus 81 años sigue con presentaciones personales por todo el país, asimismo, está dedicando tiempo a su actividad como compositor, pues a compuesto más de 150 canciones y sigue escribiendo y promoviendo sus temas, vive en la Ciudad de México.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 13 de SEPTIEMBRE de 2019 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México.